Argentina

El Pensador de Rodin: ¿Cómo llegó a Buenos Aires la célebre escultura?

¿Es la original? ¿La realizó el escultor francés? ¿En qué año llegó a nuestro país y dónde se la puede apreciar? Enterate en esta nota

Un hombre desnudo, sentado sobre una roca, con los pies recogidos y la cabeza apoyada en el dorso de la mano, quizá, sea la escultura más célebre del artista francés, Auguste Rodin (1840-1917). Realizada en 1880 y conocida como El pensador, el escultor ideó la pieza para una de las alegorías y personajes de La puerta del Infierno: aquella obra monumental inspirada en la Divina comedia, de Dante Alighieri.

 

Antes de ser conocida como El pensador, la escultura se titulada El poeta. La figura estaba concebida como un creador que observaba a los condenados —aquellos representados en el texto de Alighieri—, vagando por los diferentes círculos del infierno. Esta pieza original solo medía 0,70 cm y fue en 1903, cuando se reprodujo a una escala mayor: casi 1,90 cm. Desde allí, la escultura adquirió la fama que hoy todavía conserva

En relación con la forma, analistas de la producción de Rodin aseguran que se liberó de ciertos accesorios pensados para la Puerta. Esto fue lo que le otorgó un carácter mucho más universal. Y, si bien sus contemporáneos criticaron la obra del artistas por su acentuada musculatura, la cual se alejaba de los parámetros estéticos para una alegoría o representación de la mente, su cuerpo y desnudez pudieron atravesar las barreras del tiempo y no estar vinculados a ninguna época en particular. En este sentido, el propio escultor expresó:

“Mi idea fue representar al hombre como símbolo de la humanidad. Al hombre rudo y laborioso que se detiene en plena tarea a pensar y a ejercer una facultad que lo distingue de los brutos”.

La instalación de El pensador delante del Panteón de París, en 1906, fue todo un éxito. En 1922, la escultura se trasladó al Museo Rodin de aquella misma ciudad francesa.

El pensador en Buenos Aires

Gracias a la gestión del primer director del Museo Nacional de Bellas Artes, el pintor e historiador del arte Eduardo Schiaffino, se realizó una copia de la obra francesa que vino directamente de París, en 1907.

Si bien iba a ser emplazada en las escalinatas del Congreso de la Nación, la demora que supuso la construcción del edificio hizo que la pieza —fundida en bronce a partir del molde original y que también lleva la firma de Rodin— quedara instalada definitivamente en la Plaza aledaña, a espaldas de la fachada principal del organismo gubernamental. Fue exhibida por primera vez allí, durante el Centenario de la Revolución de Mayo.

A fines de mayo de este año, y después de más de un siglo ahí instalada, la obra fue retirada por el Ministerio de Ambiente y Espacio Público de la Ciudad de Buenos Aires para su restauración. Además de realizarle una limpieza superficial y devolverle el aspecto original, se duplicó la altura del pedestal. De esta forma, se puede apreciar mejor y con mayor perspectiva por quienes circulen por la Plaza del Congreso.

Luego de tres meses de trabajo, y junto con autoridades y expertos del Museo Rodin de Francia, la escultura volvió a su sitio original, para seguir inspirando y reflexionando sobre el poder del pensamiento y la razón.

Fuente: https://www.cultura.gob.ar/

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19 recitales gratuitos para escuchar en los Juegos Olímpicos de la Juventud

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Del 6 al 18 de octubre se llevarán a cabo los Juegos Olímpicos de la Juventud, y la Secretaría de Cultura de la Nación te invita a disfrutar distintos recitales

Todos los recitales y conciertos que organizó la Secretaría de Cultura de la Nación, en el marco de los Juegos Olímpicos de la Juventud, se desarrollarán diariamente en distintos escenarios y parques. El «Punto Cultura», ubicado dentro del YOC (Youth Olimpic Park, Av. Escalada 4222), es un espacio que propondrá, además, distintas actividades creativas, como la realización de un mural participativo y distintos talleres para la educación artística. Además, en la Villa Olímpica (Av. Escalada y Roca), los deportistas también podrán disfrutar de recitales y conciertos exclusivos para ellos.

La programación musical:

        Domingo 7 de octubre

  1. A las 14.50. Orquesta Corear (en YOC).
  2. A las 21.00. Orquesta Corear (en la Villa Olímpica).Lunes 8 de octubre

     

  3. A las 15.50. Vamos las Bandas en Green Park (Francisco Tomas, El Fogón y Palurdo).
  4. A las 16.10. Vamos las Bandas en YOC (Joaquín Merino-Durazno).
  5. A las 21.00. Vamos las Bandas en Villa Olímpica (Carlos Leiva-Los Bichunos).

    Martes 9 de octubre
     
  6. A las 15.50. Vamos las Bandas en Green Park (Maru Lerner-Te encanta la Farándula-Xovox).
  7. A las 16.10. Vamos las Bandas en YOC (Sebastián Facca-Nativos Mutantes).
  8. A las 21.00. Vamos las Bandas en Villa Olímpica (Tina Pop-Madness).Miércoles 10 de octubre

     

  9. A las 15.50. Vamos las Bandas – Green Park (Micaela Muños-Descendientes-La Séptima cuerda)
  10. A las 16.10. Vamos las Bandas en YOC (Hoffman- Zona Perdida).
  11. A las 21.00. Raíz Folclórica en Villa Olímpica en Villa Olímpica.

    Jueves 11 de octubre
     
  12. A las 15.20. Ballet Danza Contemporánea (en el  YOC).
  13. A las 15.50. Vamos las Bandas en Green Park (Micaela Muñoz, Descendientes y La Séptima cuerda).
  14. A las 21.00. Vamos las Bandas en Villa Olímpica (Volver en Guitarra y Los Lyra).

    Viernes 12 de octubre
     
  15. A las 15.20. Ballet Folklórico Nacional (en el YOC).

    Domingo 14 de octubre
     
  16. A las 19.45. Social Tango Ensamble (en la Villa Olímpica.

    Lunes 15 de octubre
     
  17. A las 13.45. Coro Nacional de Niños (en el YOC).

    Martes 16 de octubre
     
  18. A las 15.00. TodoPoderoso (en YOC).
  19. A las 21.00. TodoPoderoso (en la Villa Olímpica).Todas las actividades culturales serán de acceso libre al público. 

    Link para acreditación: https://ticketing.buenosaires2018.com/

Fuente: Ministerio de cultura Argentina

Argentina

Ibermúsicas en Argentina

Estreno de “Amor América”, la cantata compuesta por el compositor argentino Martín Palmeri en el marco de su Residencia Artística Ibermúsicas

¿Qué es?  IBERMÚSICAS pretende fomentar la presencia y el conocimiento de la diversidad cultural iberoamericana en el ámbito de las artes musicales, estimulando la formación de nuevos públicos en la región y ampliando el mercado de trabajo de los profesionales del ramo.El Programa de Fomento de las Músicas Iberoamericanas, IBERMÚSICAS, fue aprobado en la XXI Cumbre Iberoamericana de Jefas y Jefes de Estado y de gobierno, celebrada en Asunción, Paraguay en noviembre de 2011.

¿Por qué ir?  La Orquesta Nacional de Música Argentina «Juan de Dios Filiberto» y el Coro Nacional de Jóvenes bajo la batuta del maestro Mariano Chiacchiarini y con los cantantes solistas Laura Penchi y Ricardo González Dorrego, será estrenada en Buenos Aires la cantanta «Amor América» compuesta por Martín Palmeri en su residencia artística realizada con el apoyo de Ibermúsicas.

“Amor América” es una cantata para soprano, tenor, coro y orquesta sinfónica. Fue creada a partir del libreto escrito por el artista uruguayo Roberto Aguerre Ravizza como versión libre del Canto General de Pablo Neruda. Consta de seis movimientos con dos partes cada uno:

PreludioI) Un hombre, una mujer / OrígenesII) Árboles y raíces / Vidas palpitantes /III) Destellan alas / Estrellan mares cadenasIV) Sangre fluvial / Pueblos de la memoriaV) Oceánidas / Templos inmaculadosVI) Canción de cuna / Amanecer de ojos

El estreno mundial de la obra tuvo lugar en la ciudad de Cuenca (Ecuador) en julio de 2014 por la Orquesta Sinfónica de dicha ciudad bajo la batuta del Maestro Medardo Caisabanda.

“Antes del Canto General de Pablo Neruda no existía un corpus literario latinoamericano en el que se conjugara de forma tan acabada un auténtico respiro épico con la más límpida poesía. Verdadero monumento de la lengua española contemporánea y a la vez un clásico. Componer el presente texto con el objeto de transformarlo en un libreto para una obra musical, ha sido antes que nada un ejercicio de libertad espiritual. Canto devuelto al canto para que lo entonen los pueblos”, señala Roberto Aguerre Ravizza. Por su parte, Martín Palmeri, afirma: “La propuesta representa la creación de un universo sonoro que precisamente exprese toda América Latina, como nos indica Pablo Neruda con su Canto General”.

¿Cuándo? Viernes 12 de octubre, a las 20

¿Dónde?  Sala Sinfónica del Centro Cultural Kirchner, Sarmiento 151, C.A.B.A

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20 datos curiosos sobre la moda en 1816

Los especialistas Jorge Moragues y Gabriel Di Meglio nos cuentan cómo era la vestimenta en la época de la declaración de la independencia.

  • A un artesano, vestirse completo le llevaba dos meses enteros de sueldo.
    “En el siglo XIX, antes de la industrialización y de la importación masiva de textiles de Inglaterra, la ropa era una de las cosas más caras que había, porque era artesanal”, dice Gabriel Di Meglio, historiador y director del Museo del Cabildo. Esta información surge del libro “Los talleres de la revolución” de Lyman Johnson, que es una historia popular de la Buenos Aires virreynal. Ahí, el autor habla sobre los trabajadores –principalmente los artesanos–, que se dedicaban a producir sombreros, zapatos y ropa.
  • Existía un mercado negro, que funcionaba donde ahora está el Congreso, en el que se vendía ropa robada. Una frase común entre los ladrones era: “vamos desnudando gente”.
    Había casos judiciales donde peritos de la policía se dedicaban a identificar, por ejemplo, de quién era un capote (una capa larga). No había tantos, entonces había pistas que se podían seguir y uno iba viendo cómo una ropa robada podía dar vuelta la ciudad, desde uno que la empeñaba, otro le perdía la pista y así, hasta que la recuperaban”, describe el historiador.
  • En esa época, una persona pobre no usaba levita nunca. No tenía forma de comprarla y además no se la hubiera puesto, la hubiera vendido. Los miembros de la Primera Junta usaban levitas o fracs, ese era un gran distintivo.
    Para el director del Museo del Cabildo, que la elección de prendas funcionara como un indicador de clase social es una diferencia con la actualidad: “Hoy en día, un rico y un pobre usan jean, lo que cambia es la marca y la calidad y la diferencia en el costo entre uno y otro puede ser enorme, pero la prenda es la misma”. También agrega que los de chaqueta o casaca eran artesanos, pulperos, comerciantes; los sectores medios solían usar pañuelo en la cabeza; y los de levita o frac eran los ricos, los dirigentes, y todos los próceres.
  • Los “descamisados”, como se les decía a los trabajadores, eran los que no tenían camisa. Usaban un poncho y abajo no tenían nada, literalmente.

    “A los plebeyos o el bajo pueblo, en ese momento no se les decía así, eran los hombres que usan poncho, y por otro lado los que usan chaqueta y levita. Y no solamente eran los pobres de la ciudad, también era la gente que trabajaba en el campo”, explica.

  • “Descamisados” no sólo es un concepto argentino. En la Inglaterra del siglo XVII, se hablaba de los “Fellows whithout shirts”.

    “Ambas son  maneras de clasificar a la población pobre a través de la ropa”, dice el especialista».

  • En Francia, también había un término parecido: a los pobres se les decía sans culotte, que significa “el que no tiene culotte”.

    “Eran esos pantalones como los que usaba Belgrano, ajustados y cortos, que los pobres no tenían, ya que tenían pantalones todos rotos”, continua Di Meglio.

  • Aunque todavía no existía el concepto de moda como lo conocemos hoy, la imagen del gaucho fue el primer arquetipo nacional.
    “Hay una transición del gaucho desde el poncho, el chiripá, las botas de potro, el pañuelo en la cabeza con el sombrero –que después va a usar en el cuello– hasta la incorporación de prendas que vienen de Europa. Todavía no podríamos llamarlo ‘moda’, pero ahí se conforma una instancia primaria del arquetipo que representa lo nacional”, explica Jorge Moragues, director del Museo Nacional de la Historia del Traje.
  • La china (así se llamaba a las mujeres gauchescas) también hicieron su aporte a la creación de ese primer arquetipo, pero en un segundo plano.
    Moragues argumenta que el aporte de esta figura femenina a nivel imagen no es sobresaliente, porque seguían manteniendo características netamente europeizantes,  como la falda, la camisa, el volado, la trenza y el moño. A diferencia de lo que pasó en otros países, no tomaron elementos y costumbres de las culturas originarias.
  • Las bombachas de campo aparecieron cuando los gauchos fueron estableciéndose como estancieros.
    El director del Museo del Traje amplía: “Es interesante ver cómo ese traje que le dio posibilidades para moverse y andar se sigue usando por un período y después va a ser interferido por lo que hoy conocemos como las bombachas de campo”.
  • Las bombachas de campo no son argentinas: vinieron en un cargamento de la zona de Rumania y Polonia.

    “Por la guerra de Crimea, vinieron a parar a Uruguay y de ahí, por error, a la Argentina. Por eso es muy parecida esa imagen y la geografía de Hungría, con la Argentina. Esa cosa de la pampa, el personaje a caballo con bombacha, botas, es bastante similar. La bombacha es un rectángulo que se ata a la cintura, con una faja. La misma primero va a ser tejida o de cuero y después se coloca un cinturón ancho, una rastra, con diferentes motivos de plata y con monedas para darle una cosa como festiva, y eso le da una cierta posibilidad de lucirse como ser masculino”, dice Moragues.

  • La moda de la divisa punzó era típica de acá y no se repetía en ninguna otra parte del mundo.
    “Es una instancia de moda regional, de la época federal, que apareció en la zona del Río de la Plata. Dio el puntapié a que la Argentina se destacara porque no ocurrió en ninguna otra parte del mundo. Era una cosa absolutamente aislada y que daba a conocer una idea política. Los unitarios usan celeste, blanco y verde”, dice Moragues.
  • Los peinetones empezaron como un elemento chico para sostener el pelo (peinetas) y fueron creciendo. Algunos llegaron a medir hasta un metro veinte.
    Fue una tendencia que llegó desde Europa. En concreto, de la tradición española. A medida que su tamaño fue aumentando, se les empezó a colocar la mantilla sobre ellos. Además, se usaba acompañarlos por vestidos de manga jamón (abuchonada a la altura de los hombros y estrecha hacia las muñecas).
  • Las peinetas se hacían con astas de animales y caparazones de las tortugas. Al ser de elementos orgánicos, a veces explotaban o se desintegraban.
    “De esa materia prima natural se obtenía un acrílico primario, que se calentaba, se estiraba y llegaba a ser tan traslúcido y resistente que también se usaba para hacer las ventanas de los barcos”, dice Moragues.
  • Actualmente, hay peinetones reales en el Museo Nacional de Bellas Artes y se pueden visitar.
    Tienen talladas leyendas federales, por ejemplo: “Viva la federación”, o el perfil de Rosas y de la esposa de Rosas, doña Encarnación Ezcurra.
  • El término “dama antigua” no es del todo correcto.

    “Hay modismos del imaginario popular, que en el público pegan y siguen estando, pero no son correctos. Un ejemplo es el concepto de “dama antigua”, con el vestido torta y el peinetón. La dama romana y la dama gótica, entre otras, también son antiguas.

  • Los vestidos largos, armados –con distintos tipos de enaguas que le daban gran volumetría– se dejaron de usar porque era incómodos y se fueron acortando, ya que no había veredas.
    “El neoclásico, en la creación de lo que se conoce como la patria vieja, va creciendo cuando aparece el vestido con las mangas y con la falda. Pero se modificaron porque Buenos Aires era como un rancherío, las condiciones de las ciudades no eran óptimas para vestirse así”, expuso Moragues.
  • Levitas, fracs, jaqué y smoking: todos vienen de la tradición inglesa.
    Moragues señala que después de la Revolución Francesa, Francia dejó de ser el centro y tomó protagonismo Inglaterra con tejidos como los tartanes y otros paños. También cuenta que la lana les ingresaba a través de Escocia, el algodón de las diferentes colonias y el lino desde Egipto. “Inglaterra se apoderó del traje masculino”, dice.
  • Las levitas tienen la característica de achicar la cintura del caballero.
    “Es una prenda que habla del lugar masculino que va a tener el hombre en la sociedad y tiene que ver con la época rosista. La exactitud y precisión al vestirse, con camisa, el chaleco y el corset, buscaban entallar y generar más prestancia. Se imponía el traje de la chaqueta, por la parte superior, la pierna o los pantalones largos, del mismo color, muy discreto, y la capa”, dice el especialista.
  • Si eran heridos en una batalla, los militares le dejaban su poncho a quien le seguía en la línea de mando, como si fuera una herencia.
    El gesto se interpretaba como ‘yo te doy mi armadura’, era un legado al compañero. San Martín, Rosas y Quiroga usaban poncho. Además, agrega Moragues, como era muy difícil conseguir ropa en esa época de la colonia, aprovechaban de los heridos, los muertos, en las batallas y les robaban para usarla, venderla, o intercambiarla.
  • El poncho es antiquísimo y también se encuentra en otras culturas.
    El especialista en historia de la vestimenta dice: “Si bien tiene una tradición latinoamericana, podemos encontrarlo en diferentes culturas. Ha sido traído por las primeras oleadas migratorias que vinieron de Oriente, no por el español”.

Cultura Argentina

 

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La nave de los sueños

Crónica de Guillermo Contreras

Un mago recorre Buenos Aires resucitando las buenas bandas

“Hace 23 años que estamos con La nave de los sueños”, nos dice Gabriel. “A la vez, Matías tiene una productora, “Fomento producciones” (en pausa en este momento), que revivimos para la película. Nos juntamos, Matías y Gabriel. Uno tiene atrás la Nave como estructura, y el otro aporta su estructura que son amigos, técnicos que, de una forma u otra, colaboraron con la película”.

Nos reunimos una tarde de lluvia y frío con Gabriel Patrono y Matias Lojo, los productores y directores de la película “Alguien más en quien confiar”,  me esperan con algo caliente y ganas de charlar, descontando la buena onda.

Alguien más en quien confiar es un documental. Nos cuentan que les llevó 2 años y medio. Se grababa algo, se editaba; se juntaba gente. No se hizo a tiempo completo. Se hacía a contra-turno de los trabajos, sábados y domingos. Si queremos medir a tiempo completo, habrán sido unos seis meses. Venían bien esos tiempos intermedios, porque revisábamos el material. Cada fragmento era revisado para ver qué descartábamos y preparábamos nuevas entrevistas. Fue tiempo bien usado para la planificación y el armado”.

Luego de pensarlo un rato, calcularon: en total, grabaron más de 15 horas de material entre 15 y 20 horas . Para este documental, filmaron mucho que después sirvió.

“Aprovechamos la experiencia de los dos para ir a cada entrevista sabiendo qué habían dicho los otros y qué necesitábamos que nos contasen. Buscábamos y sabíamos qué nos podrían entregar. Alfredo Rosso fue el que mejor explicaba todo. Nos dio el contexto general que necesitábamos. La investigación previa nos dio claridad de lo que buscábamos. Eso facilitó que nos sirvieran esas horas de grabación”.

“Cuando comenzamos, Matías tenía muy claro lo que quería de la película: que sería una cronología, que se trataría de dar mayor importancia a la década de los 70 porque era vital para la banda, pero también que no dejaríamos afuera las siguientes etapas de la banda. En ese momento, la banda no estaba tocando. No sabíamos cuál sería el final, que terminó siendo el regreso de la banda. Ellos volvieron en medio de la filmación de la película”.

¿Por qué eligieron El Reloj?

Matías dice que él tenía ganas de hacer el documental sobre ellos. Le parecía una banda muy interesante “La idea no fue de la banda, porque, en ese momento, estaban en otros proyectos, no estaban tocando. Los del El Reloj dicen nunca haber estado separados, siempre están esperando”.

EL grupo La nave de los sueños tiene un ciclo, que se llama “La pesada del doc, en el que involucran más de 30 documentales sobre distintas bandas, dice Matías. “Yo veía ese ciclo y faltaba la película sobre el Reloj, faltaba el periodo de rock pesado de los 70”.

“Y la película fue muy bien recibida. Muchos que queríamos mucho a El Reloj lo habíamos perdido en el tiempo”.

Ambos coincidieron en hacer el documental de El Reloj, y Gabriel tenía experiencia en documentales. Ambos encaran el proyecto, lo discuten mucho. Matías armó el primer bosquejo y, así, comenzaron a ver cómo sintetizar, qué dejar, qué agregar. Trabajaron mucho en la preparación.

Matias aclara “Teníamos predisposición a trabajar en grupo, a negociar. Tiene que ser el resultado del trabajo de dos productores y los colaboradores. Y queríamos resaltar la voluntad que ellos tuviero”

La pesada del doc aglutina a varios directores de documentales sobre bandas o estrellas de rock. “Nos agrupamos para salir de gira, para tener más fuerza. Juntos interesa más a la gente, al público, con la presentación de seis o siete documentales. Hay alguna de las películas que se están haciendo, que se van agregar pronto al ciclo. Por ejemplo “Peregrino” de Gustavo Soulé (Vox Dei), que tiene muchas cosas lindas para contar: él es una biblia”.

Entre estos documentales, nos cuentan, hay uno de Barriga de la banda “Sexual democracia” de Chile.

Proyectos inmediatos

Gabriel agrega “Estamos a full con Alguien más en quien confiar. La estamos proyectando en diferentes barrios y en festivales de cine. La llevamos a diferentes barrios para que todos puedan verla. Y pensamos levantarla a la red para que esté disponible masivamente. Por nosotros, ya estaría en la red”.

“Se estrenó en Mayo, a sala llena todos los jueves en La Cooperación, sala de la calle Corrientes. Pero la veníamos preestrenando con gran éxito desde diciembre. Nos sigue pasando en Ituzaingó. El otro día, no entraba más gente y seguían llegando”.

“Era difícil encontrar grabaciones, buscamos en los recuerdos de la familia. Ahí había fotos, algún video”.

Detalle del trabajo

“La edición, lo técnico lo hace Matías, pero la elección de lo que va lo hicimos juntos. Se fue armando a medida que se grababa. Eso me dejaba lo huecos para llenar con nuevas entrevistas. El esquema pasaba completo por mi cabeza. De los 70 a 2011, era el plan inicial”.

“Al principio, tener todo el material desarmado es como entrar en una habitación toda revuelta: el TV en el suelo, la cama dada vuelta, la ropa por todos lados, los discos por ahí. Te vuelves loco pensando que eso no lo terminas de ordenar nunca y, una vez que comienzas funciona. Armaba y lo discutíamos. Así mirábamos como si fuéramos espectadores; así buscamos acentuar una frase, un comentario”

“¿Cómo le contamos a alguien que nunca los escuchó? Ese era el desafío. ¿Qué buscamos? Que la gente se acerque a su música, que la película sea atractiva para los fanáticos y para los que nada saben de ellos, o nada del rock”.

La canción

Alguien más en quien confiar sonó mucho en Buenos Aires en los años 70. A los que la recordamos nos mueve todos los pasteles de cumpleaños de nuestros queridos principios del rock.

Nota de Guillermo Contreras para la revistadelsojaivas.com

El Reloj oficial en Facebook : “El Reloj 2018”

 

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El Reloj

Crónica de Guillermo Contreras, Gabriel Sacco y Sofia Estrella

Entre 1970 y 1972, en Ramos Mejía, zona Oeste del Gran Buenos Aires, una banda nueva comienza a preparar sus propias canciones. Se ensambla de a poco, coinciden en el estilo. Escuchan Led Zeppelin, Deep Purple, Rush; suenan muy bien, sincronizan entre ellos de tal forma que uno de los que compartía sus ensayos les dijo: “tendrían que llamarse EL RELOJ porque suenan exactamente como un relojito”. A pesar de haber pensado ya otros posibles nombres (“Engendro” era unos de los nombres tanteados), los músicos terminan eligiendo El Reloj para la que sería la banda pionera del rock pesado en Buenos Aires.

Nos juntamos con Eduardo Frezza y Osvaldo Zabala en un bar de Flores. Ahí en una mesa, ellos nos esperan con muchas cosas que contar.

 

¿Cómo comenzaron?

Eduardo. ─Nos juntamos en el año 1970 con el bocón Francino y él me llevo a Willy Gardi. Aún no teníamos nombre, veníamos de bandas propias y comenzamos a generar el estilo de la banda ─aclara Osvaldo que él no estaba en ese momento: él ingresó en 1973.

Eduardo. ─Tocamos en público por primera vez en 1972, en el cine Monumental, con una gran convocatoria para la época. Con publicidad de boca en boca, entraron más de 1200 personas (aclarando que quedó gente afuera). Bueno, ahí aparecieron los productores, que, como siempre, aparecen después. Nos reunimos con Jorge Álvarez y Oscar López, pero no llegamos a ningún acuerdo con él. El primer productor que tuvimos fue Leo Rivas, productor que nos llevó a la RCA. Ensayábamos en la casa de Luis Valenti, el tecladista. En esa primera formación, estaba Horacio Tucata; luego, lo reemplazó Osvaldo Blanco, Gregorio Felipe (que falleció en un accidente) y, entonces, lo reemplazó Osvaldo Zabala, que nos lo presentó Lite Graziano─. Eduardo vivía, y vive, en Mataderos. Todos los días ensayaban en Ramos Mejía, al oeste de Buenos Aires. Y sigue el relato─. Teníamos la sala de ensayo grande y nos visitaban amigos. Venían Pappo, Rafanelli, Alejandro Medina, Iorio; todos venían a zapar. Zapábamos juntos y aprendíamos unos de otros. En “Divagarios”, nos juntábamos a divagar zapando juntos. Mientras tocaban unos, los otros esperábamos con el instrumento listo y el cable en la mano para subir en cuanto alguno se bajaba.

Osvaldo. ─Era mucha gente. Recuerdo que hasta vino el flaco Spinetta. Eso sí, en la batería, estaba siempre el Negro Amaya (Black Amaya). Eran zapadas, la creación de los temas pasaba por momentos más íntimos de cada uno. Pero lamentamos que no se hayan grabado esas tremendas zapadas. No era como ahora que todo se graba, se registra. No tenemos muchas fotos de esa época, no hay registro filmado. Era otra época.

Eduardo. ─Con Los Jaivas, nos cruzamos muchas veces en los recitales, tuvimos el gusto de juntarnos con muchos próceres del Rock ─lo dice sin hacer notar que ellos fueron parte del grupo de músicos fundacionales del rock nacional─. Pappo fue el primero en invitar músicos de otras bandas a tocar con él ─y nos recuerda que Pappo lo invitó a ser parte de Pappo’s Blues, pero su compromiso con El reloj se lo impidió.

Influencias musicales de El reloj

Osvaldo. ─Teniendo en cuenta que, a principios de los setenta, la información era poca, nosotros escuchábamos Deep Purple, Rush, Emerson Lake and Palmer, Zepellin. No teníamos mucho más para escuchar. Esas eran las influencias, pero nosotros generamos temas desde el principio. Considerábamos que El reloj tenía un sonido propio. Salía todo de nosotros. Más de Willy Gardi y de Eduardo Frezza. Desde el principio, comenzamos a crear juntos.

¿Cómo es el proceso creativo?

Eduardo. ─El proceso, a veces, comienza con una zapada; luego, intercambio de ideas con esa base y se da forma un tema. Otras, uno traía una idea casi terminada y pasaba por el filtro de todos. Cada uno agregaba algo o, en las pruebas, se tomaban o descartaban las ideas, siempre tocando en grupo. El tiempo era completo, desde las 9 hasta que caíamos muertos. Éramos todos de signos y caracteres diferentes. Eso le dio fuerza a la banda. Teníamos nuestros problemas, pero éramos El reloj. En ese momento, no éramos conscientes de lo que estábamos haciendo. Hoy, viendo el impacto que tiene en el tiempo y que lo que hicimos aún suena, nos damos cuenta realmente de lo que generamos. Ahora nos dicen que fuimos referentes de otros músicos, eso nos reconforta.  En el arte, cuando lo estás haciendo, no se toma conciencia de lo que se deja. Solo después puede verse. Es como una ola creativa, viene y se va. Nos sorprende que estamos tocando temas que tienen poco más de cuarenta años, y el público se emociona, algunos lo escuchan por primera vez.

Osvaldo. ─Hace tres años, dos productores deciden hacer un documental sobre El reloj, y, gracias a esa iniciativa, hoy, volvemos a sonar. Hay un redescubrir de El reloj por las nuevas generaciones y un reencuentro con los de nuestra época. Somos los Walt Disney del rock ─dice en broma─. Nos congelaron en los 70 y nos descongelaron ahora. Volvemos con la misma fuerza que antes. Y, al año 2018, llegamos como una gran novedad al público. El disco que sacamos está grabado en vivo. Se grabó en tres presentaciones. El técnico de sonido está haciendo un trabajo muy bueno.

Después de los 70, ¿qué fue de El reloj?

Eduardo. ─Después de hacer dos Luna Park nos separamos. Teníamos muchos problemas, nos paraban en la ruta. Éramos enemigos del régimen. La cultura era enemiga del proceso.

Osvaldo. ─Seguimos tocando. Armé otras formaciones de El reloj. Eduardo formó otra banda “Cronología”, nombre cercano a El reloj. Parte de esa formación está hoy en El reloj: el tecladista y el batero. Yo tengo actualmente una banda “Oz” con Maximiliano Zabala, mi hijo. Estamos grabando en este momento. El reloj grabó, en 2000, “Mercado de Almas” y “Hombre de hoy”. El reloj estuvo vivo todo este tiempo. El reloj, con diferentes formaciones, fue dejando su rastro. 

Eduardo. ─El reloj es hoy, con un pasado fuerte y su evolución, pero nos interesa sonar hoy y que nos escuchen.

Proyectos

Osvaldo. ─Estamos en una etapa recreativa de los inicios de El reloj, los orígenes. Luego, iremos conformando el material nuevo de la banda. El sábado pasado tocamos “Los cinco elementos”, un nuevo tema. Esa será la nueva etapa. Un reloj nuevo 2019, un disco nuevo. Tal vez un Luna. El reloj sigue soñando, sigue sonando.

En Facebook, la banda aparece como “Elreloj2018” porque hay muchos sitios no actualizados, no oficiales.

Nota de Guillermo Contreras, Gabriel Sacco y Sofia Estrella para

revistadelosjaivas.com y laveredadelsol.com.ar

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León Jilguero presenta “Aflora”

León Jilguero presenta “Aflora”

viernes 7 de septiembre, 22 hs en Casa del Pueblo, Saavedra 282, Bahía Blanca

sábado 8 de septiembre – Monte Hermoso

domingo 9 de septiembre, 18 hs en Biblioteca Popular Macedonio Fernández, Villa Ventana

Artista invitado: Damián Tumine

León Jilguero presenta su primer audiolibro “Aflora”, producido por Esteban “Pichu” Serniotti, con la participación de los poetas Sol Giles, Ezequiel Wolf, Dei Pier y Deborah Espin.

Todos los temas fueron compuestos por León durante octubre del 2016 entre México y Cuba, excepto “Quizás porque” (Charly García).

Aflora” fue grabado, mezclado y masterizado en «PichuAtl Móvil» en Colastiné, Santa Fe, los días 8, 9 y 10 de diciembre de 2017 por Esteban «Pichu» Serniotti (Cabezones, Catupecu Machu).

Link a «Aflora» (audiolibro completo)

El cantautor presenta oficialmente “Aflora”, un audiolibro que también se encuentra disponible en las plataformas digitales.

Aflora no es un disco, un concepto en el que confluyen diversas vertientes artísticas, como en los materiales anteriores de Le Vietnam (su anterior banda). Es un audiolibro, son poemas, algunos musicalizados, y otros que ceden estos cuatro poetas que aquí despliegan su talento y prenden vivo en las manos de quien quiera leer y oír”, explica el músico en las páginas de su nueva creación.

Como suele acostumbrar, León Jilguero vuelve a romper con los formatos típicos de un álbum musical. En esta oportunidad, al presentar un audiolibro de espíritu intimista y descarnado que contiene canciones cortas, poemas musicalizados y fotografías del cubano Kaloian Santos Cabrera.

“Es parte de una saga musical de canciones que se unen, se entrelazan y se retroalimentan entre sí. Fue escrita entre balcones de La Habana y largas caminatas por el malecón como fruto de la sensación de libertad, el idilio, lo platónico y el surrealismo del amor militante”, cuenta el autor.

El audiolibro fue presentando oficialmente el pasado viernes 18 de mayo en Lucille (Palermo, CABA).

más info en:

Spotify: León Jilguero

Instagram: @leonjilguero

Facebook: /LeonJilguero

Twitter: @leonjilguero

 

Para más información:

La Negra Press – lanegrapress@gmail.com  – (0348) 15 4 53 20 83

Argentina

Concurso internacional de fotografía “Diferentemente Iguales”

Para visibilizar la riqueza intercultural de Iberoamérica. Se deberá presentar un proyecto de entre 3 y 7 fotografías.

¿Qué es?

El concurso Internacional de fotografías «Miradas de Iberoamérica», que en esta edición abordará la consigna “Diferentemente iguales”. Se deberá presentar un proyecto conformado por entre 3 a 7 fotografías (del ámbito laboral, de aprendizaje, práctica o manifestación cultural, vía pública, entre otros) que dan pauta del enriquecimiento que significan las comunidades migrantes para las sociedades de acogida.

Los premios

-Primer lugar: u$s 1.500.- (MIL QUINIENTOS DÓLARES ESTADOUNIDENSES).
-Segundo lugar: u$s 1.000 .- (MIL DÓLARES ESTADOUNIDENSES).
-Tercer lugar u$s 700.- (SETECIENTOS DÓLARES ESTADOUNIDENSES).

¿Para qué?

En 2017 la Secretaría General Iberoamericana, SEGIB lanzó la campaña DIFERENTEMENTE
IGUALES con el objetivo de visibilizar la diversidad cultural de Iberoamérica.
Bajo el mensaje “somos diferentes y eso nos enriquece y a la vez somos iguales y eso nos une”,
la iniciativa invitaba a realizar un viaje sonoro por los 22 países que conforman esta singular
región.

Iber-Rutas se suma a esta apuesta al diálogo y el reconocimiento de la riqueza intercultural a
través de la edición 2018 de Miradas de Iberoamérica.
Objetivo General: Contribuir a garantizar el respeto de los derechos culturales de las
personas y los pueblos, independientemente de su condición migratoria.
Objetivos Específicos: Promover la reflexión a partir del registro fotográfico de personas
migrantes en diversas situaciones que testimonien e ilustren sobre el enriquecimiento
que la interculturalidad significa para nuestros pueblos así como de procesos de
integración que ello implica.

¿A quién está dirigida?

La convocatoria es internacional y podrán participar personas connacionales o
residentes en alguno de los países miembro del programa Iber-Rutas.
De la convocatoria podrán participar fotógrafos tanto amateurs como profesionales
mayores de 18 años.
Son países miembros de Iber-Rutas: Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Costa Rica, España,
México, Paraguay, Perú y Uruguay.

¿Cómo puedo inscribirme?

En el portal de concursos de IBER-RUTAS:  https://concursoiberrutas.cultura.gob.cl/

Se deberá presentar un proyecto conformado por entre 3 a 7 fotografías en formato JPG
de hasta 8 megas y completar formulario online, conforme los siguientes pasos:

Todas las postulaciones serán recibidas únicamente online en el portal del concurso
https://concursoiberrutas.cultura.gob.cl/

INSCRIBITE EN ESTE LINK

Los resultados de los concursos se darán a conocer a partir del día 14 de diciembre en la
página web www.iber-rutas.org.

¿Hasta cuándo está abierta la convocatoria?

Del 21 de Agosto hasta el 09 de noviembre de 2018.

Argentina

4 objetos de culto que nos acercan a San Martín

Enterate el último deseo que expresó en su testamento, o a quién quiso legarle su sable corvo. A través de reliquias que atesoran los Museos e Institutos Nacionales, rememoramos enseñanzas y curiosidades del General.

Máximas a su hija Mercedes.

En 1825, en la ciudad de Bruselas, José de San Martín escribió una lista de consejos destinados a la educación de su hija. El manuscrito original se conserva en el Museo Mitre.

A los pocos meses de nacer Mercedes Tomasa San Martín y Escalada, en 1816, el Libertador emprendió su travesía hacia Chile y Perú. Sin embargo, mantuvo el contacto con su hija a través de cartas que se escribían con su esposa María de los Remedios de Escalada. El reencuentro sucedió en 1923, luego de la muerte de Remedios; desde entonces, el General abandonó su carrera y emprendió, junto a Merceditas, su exilio a Europa.“Cada día me felicito más y más de mi determinación de haberla conducido a Europa y arrancado del lado de Doña Tomasa (su abuela materna). Esta amable señora, con el excesivo cariño que le tenía, me la había resabiado -como dicen los paisanos- en términos que era un diablotín”, escribía San Martín a su amigo Tomás Guido.

También tuvo palabras de agradecimiento en su testamento, dedicas a su hija. Esto decía: “El constante cariño y esmero que siempre me ha manifestado, han recompensado con usura todos mis desvelos, haciendo mi vejez feliz: yo le ruego continuar con el mismo cuidado y contracción la educación de sus hijas (a las que abrazo con todo mi corazón) si es que a su vez quiere tener la misma feliz suerte que yo he tenido”.

El testamento.

Desde Francia, en la ciudad de Boulogne sur Mer, San Martín redactó con su puño y letra cada uno de sus deseos: “En el último rincón de la tierra en que me halle estaré pronto a sacrificar mi existencia por la libertad».

El testamento tiene siete cláusulas y un artículo adicional, dedicadas al cuidado de su familia, herencia de sus bienes preciados y un manifiesto de sus conductas y últimas voluntades.

Su último deseo: 
“Prohíbo el que se me haga ningún género de funeral, y desde el lugar en que falleciere, se me conducirá directamente al cementerio sin ningún acompañamiento, pero sí desearía, el que mi corazón fuese depositado en el de Buenos Aires”.
Un pedido adicional: “Es mi voluntad que el Estandarte que el bravo Español Don Francisco Pizarro tremoló en la Conquista del Perú sea devuelto a esa república (a pesar de ser una propiedad mía) siempre que sus gobiernos hayan realizado las recompensas y honores con que me honró su primer Congreso”.

San Martín murió el 17 de agosto de 1850, aunque sus restos fueron repatriados recién hacia 1880, durante la presidencia de Nicolás Avellaneda. Desde entonces, descansan en la Catedral de Buenos Aires.

El sable corvo.

Se exhibe en el Museo Histórico Nacional y fue el arma que acompañó al Libertador de América en todas las batallas por la independencia. Lo compró en Londres en 1811 y se destaca por su sencillez, no posee piezas de oros, arabescos ni otros materiales costosos populares para la época.Por pedido de él, tras su muerte, fue legado a Juan Manuel de Rosas.

“El sable que me ha acompañado en toda la Guerra de Independencia de la América del Sud, le será entregado al General la República Argentina Don Juan Manuel de Rosas, como una prueba de la satisfacción, que como Argentino he tenido al ver la firmeza que ha sostenido el honor de la República contra las injustas pretensiones de los Extranjeros que tratan de humillarla”

En 1896, Adolfo Carranza, el primer director del Museo Histórico Nacional, realizó las gestiones con los herederos de Rosas, quienes se encontraban en Inglaterra, para que el sable fuera donado al pueblo argentino. Con éxito, el corvo estuvo exhibido durante casi siete décadas en el museo. Pero las peripecias del sable no se detuvieron. En tiempos de la proscripción del Peronismo, el sable fue apropiado en dos oportunidades por integrantes de la Resistencia Peronista, y fue recuperado en ambas ocasiones. Durante la dictadura de Juan Carlos Onganía, la custodia del arma fue otorgada al Regimiento de Granaderos a Caballo General San Martín, y allí permaneció por 48 años hasta que en el año 2015, con motivo de las celebraciones por un nuevo aniversario de la Revolución de Mayo, fue restituido al Museo Histórico Nacional.

Hoy se exhibe acompañado de los sables de los Generales Manuel Belgrano, Lucio N. Mansilla, José M. Zapiola, Gregorio de Las Heras, del coronel Manuel Dorrego, del almirante Guillermo Brown, y del brigadier General Juan Manuel de Rosas.

Iconografía sanmartiniana.

Son pocos los retratos auténticos de José de San Martín. Se estima que posó sólo en cinco oportunidades. La primera, en Santiago de Chile en 1817, para el artista limeño José Gil de Castro, y la última en Francia, dos años antes de su muerte, para que le fuese tomado un daguerrotipo. Podés visitar ambas imágenes en los Museos Nacionales.

Tras liberar Chile, el pueblo quería conocer a su héroe. San Martín accedió a ser retratado por el multato Gil de Castro, quien se encontraba en Santiago. El Libertador entabló amistad con Gil de Castro y una querencia especial con el cuadro, ya que se lo llevó a Europa una vez exiliado. En esa pintura José de San Martin tiene 39 años, viste el uniforme de granadero con el que ejerció el mando como General en Jefe del Ejército de los Andes; tiene el sable corvo debajo del brazo, la banda de General y sobre la mesa se encuentra célebre sombrero falucho.

Con el paso del tiempo, José Gil de Castro se convirtió en el pintor de libertadores: retrató a Bolívar, Sucre, O’Higgins, Las Heras, Rodríguez Peña, Necochea, Álvarez Thomas y Bouchard, entre otros.

En 1848 José de San Martín posó en dos tomas para los únicos daguerrotipos que se conocen del Libertador. El original se encuentra en el Museo Histórico Nacional, el otro se extravió, aunque se pudo conocer la imagen gracias a las reproducciones fotográficas que su hija Mercedes realizó para regalar a los mejores amigos de su padre. En los daguerrotipos, San Martín tiene de 70 años, en uno de ellos su mano derecha se encuentra dentro de la levita, mientras que en la imagen extraviada, tiene ambas manos colocadas sobre apoya-brazo de la silla. Los daguerrotipos tomaban las imágenes invertidas, como si se estuviera frente a un espejo. Esta técnica fue el motor principal que estimuló la invención de la fotografía.

No se puede afirmar con certeza quién fue el autor de los retratos. Algunas investigaciones indican que fue el famoso fotógrafo parisino Robert Bingham. Otras señalan que las imágenes pueden haber sido tomadas por los hijos del marqués Alejandro Aguado, amigo y vecino de San Martín, durante sus últimos años de vida. Tras la muerte del marqués, en 1848, el Libertador ofició de tutor de sus dos hijos, Onésipe y Olympe, quienes comenzaron una intensa actividad como fotógrafos aficionados. Es posible que ellos hayan sido los autores de aquellos daguerrotipos anónimos, pues los daguerrotipistas firmaban sus trabajos.

Podés conocer estas imágenes en el Museo Histórico Nacional.

 

Argentina

Encuentro de danzas. Una Folklore 2018 en el Centro Nacional de la Música

Se presentan La Compañía Entrerriana de Danzas, La Agrupación Artística Tierra Adentro El Grupo Coreográfico Nomade. Coordinación Lic Mariano Zozaya

¿Qué es? El Centro Nacional de la Música es un organismo público dependiente del Ministerio de Cultura de la Nación. Creado en 1994 con el objetivo de albergar las salas de ensayo y oficinas técnicas y administrativas de diferentes organismos, áreas y programas. Brinda una amplia programación artística propia, de otras instituciones o iniciativas privadas, que van desde muestras musicales contemporáneas, de tango, de folklore o sinfónicas, hasta espectáculos de ballet y muestras de artes visuales. Se destaca, particularmente, como un espacio que posibilita la concreción de diferentes conciertos y espectáculos didácticos para quienes se están formando en las distintas propuestas que ofrecen las universidades y escuelas de arte y conservatorios públicos de la ciudad y el país. Todos los eventos que se ofrecen en el Centro Nacional de la Música son gratuitos.

¿Por qué ir? Compañía Entrerriana de Danzas – Escuela de danzas mario López Bondaz

La Compañía Entrerriana de Danzas nació el 2 de Abril de 2013, día en que el grupo realizó su primer ensayo, en Villaguay, Entre Ríos. Es dirigida por el Licenciado en Folklore y Tango Mario López (UNA). En sus puestas busca ser fiel a la danza de cada región que representa, cuidando la idiosincrasia de cada lugar. Sus objetivos son alcanzar el máximo nivel dancístico, conocer diferentes Festivales, Ciudades y personas; y representar culturalmente al pueblo de Villaguay, la Provincia de Entre Ríos y la República Argentina.

Su Director, Mario López, tiene una extensa carrera artística; ha recorrido diversos escenarios de América y Europa. La Compañía ha participado en Eventos Internacionales en Colombia, Perú, Brasil y en varias oportunidades en Uruguay. También en los Festivales más importantes del país como Cosquín, el festival nacional de doma y folklore de Diamante, Festival de la Chamarrita, entre otros. Realizó las Puestas “Cantata de la Independencia Argentina” de Olga Fernández Latour de Botas y “A la Gurda Tango”; y fue ganadora del 38º Encuentro Entrerriano de Folklore.

Hoy nos Presentan: “Litoraleños”

Interpretarán un Cuadro de nuestra Región Litoral. Las danzas son: Mazurca, Shotis, Ranchera, Chamamé y Polka Rural.

La Agrupación Artística Tierra Adentro se forma en Abril de 2014 a partir de una invitación para llevar nuestras danzas al exterior. En Mayo de 2014 realiza su primera gira a participar del “I Encuentro Nacional de Danza Folklórica” en Sucre, Bolivia. En Mayo de 2015 vuelve a Sucre a representar a la Argentina en la “V Bienal Internacional de Danza Folklórica – “En honor al primer grito libertario de América Latina” – Conmemorando los 25 años del Ballet Municipal de Sucre” En Diciembre 2016 viaja a Nova Bréscias, Brasil a representar a la Argentina en “I Festival Internacional de Danzas Folklóricas Latinoamericanas” Desde el año 2015 la Agrupación presenta sus obras “Bailes Criollos” y “Paisajes” en distintos espacios independientes y oficiales de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. En 2016 participó del ciclo “Martes de Danza” organizado en Centro Nacional de la Música de la Ciudad de Buenos Aires por el Área de Danza del Ministerio de Cultura de la Nación y del ciclo “Danza en Compañía” organizado por el bailarín y coreógrafo Manuel Labarraz en el Espacio Cultural Adán Buenosayres.

En 2017 formó parte de la programación del Teatro Municipal de Morón, presentado su obra “Paisajes” y se consagraron ganadores del Festival Internacional Martín Fierro en el rubro Danza con su obra “Por venir”. En enero de 2018 participó del XI Festival Internacional de Folklore en Chile, Calera de Tango. Próximamente la agrupación hará su presentación en la VI Bienal de Folklore, en Sucre Bolivia en el mes de septiembre.Dirección  Mario Martinez. Asistencia Cynthia Moyano. Grupo Coreografico Nomade

El Grupo Coreográfico Nomade se crea a partir de la investigación y recopilación de música y danzas folklóricas argentinas y de países hermanos con el fin de lograr una propuesta artística y pedagógica. El grupo está compuesto por jóvenes bailarines, músicos, estudiantes y profesionales de fuerte espíritu creativo y con la inquietud de aunar ideas artísticas y crear obras que representan el acervo nacional.

Tiempo y Coplas Esta obra habla de nuestro carnaval, el trabajo y los colores del norte argentino… Hombres y mujeres valientes que entonan las vidalas más antiguas transmitidas de generación en generación. Hombres y mujeres que trabajan de bagayeros en la frontera con Bolivia, transportando cargas enormes en sus hombros para traer el pan a sus hogares. Hombres y mujeres que forman rondas de coplas, que bailan cuecas, bailecitos y festejan el carnaval. El esfuerzo, La Pachamama, la alegría, la vida y la muerte son los disparadores para la creación de esta obra, la cual fue fusionada con música y danza con elementos modernos y contemporáneos, dándole un formato actual sin perder la esencia y rescatando valiosas obras de autores y recopiladores latinoamericanos. Dirección Juan Gomez

¿Cuándo?  sábado 18 de agosto, a las 19

¿Dónde? Sala Williams, Centro Nacional de la Música, México 564, Ciudad de Buenos Aires.

Entrada libre y gratuita

Argentina

Historia de la esclavitud en Argentina

En una visita por el Museo del Cabildo, la historiadora Marissa Pineau reflexionó sobre los alcances de la esclavitud, el rol y la historia de los afro-descendientes en Argentina

El tráfico de esclavos tuvo su punto neurálgico en la estación de Retiro. Tanto, que al edificio ubicado en la Plaza San Martín se lo conocía como “el retiro de los esclavos”. Allí permanecían los africanos recién llegados hasta ser derivados con sus nuevos amos.

CRONOLOGIA. A fines del siglo XVI y durante el XVII llegaron los primeros africanos a Buenos Aires. Algunos provenientes de la zona sur del Ecuador, Angola, Congo y Mozambique, y otros del sudeste de África. Uruguay y Córdoba también fueron receptores esclavos; de hecho, las estancias jesuíticas pudieron sostener su actividad y productividad gracias a esta mano de obra.

CULTURA Y ESCLAVITUD. Para la investigadora Marisa Pineau, la historia de África estuvo silenciada, pero con el correr del tiempo se retomaron estudios que aportan elementos para reflexionar y conocer nuevos aspectos sobre este intercambio. “Es interesante conocer cómo se daban las relaciones de los esclavos con los amos, que no era sólo relaciones de servidumbre. Los esclavos, como todos los grupos subalternos, actuaban, tenían iniciativa y agencia. Nos impregnaron de saberes, poseían conocimientos sobre cuestiones medicinales, agrícolas, manejo de la madera y el hierro. Esto nos hace pensar que no fueron solo fuerza de trabajo”, explica la historiadora. El ejemplo de Ventura es curioso: un africano perteneciente a Martin de Álzaga (uno de los mayores propietarios de esclavos en la antigua Buenos Aires), distinguido por el Primer Triunvirato por denunciar la conspiración organizada por los españoles contra el gobierno. Tal gesto le valió la libertad. Luego de desarticular la conjura, Ventura fue declarado libre, se le pagó el sueldo de un soldado y desde entonces se le dejó usar el uniforme del Regimiento N° 2 con un sable para defensa propia. Además, se le otorgó una medalla de plata repujada, con una frase grabada: “Por fiel a la Patria». Esa condecoración se exhibe en el Museo del Cabildo.

ARGENTINA EN BLANCO Y NEGRO. Que el país fue forjado por inmigrantes blancos europeos es un mito que de a poco se está derribando. Los africanos habitaron Buenos Aires desde el año 1585 y su legado cultural es parte de la idiosincrasia. El dulce de leche, las achuras e inclusive las payadas, que son elementos claves en la argentinidad, tienen raíz africana.

En épocas donde no había método de conservación que contenga la abundancia de carne de vaca que había en el territorio, los blancos degustaban la carne asada descartando las mollejas, la tripa gorda, los chinchulines; mientras tanto, esos “desperdicios” eran consumidos por los negros. Hoy es una de las exquisitas particularidades del asado argentino.

O la figura del payador. Si bien la imagen se la vincula a la historia rural argentina, el día se conmemora en honor a Gabino Jacinto Ezeiza, un afrodescendiente que nació en San Telmo en febrero de 1858. El NegroEzeiza, cómo le decían, murió un 23 de julio de 1884, tras derrotar en un duelo de payadas de contrapunto al cantor uruguayo Juan de Nava.

AFROARGENTINOS. Entre 1777 y 1812 entraron al puerto de Buenos Aires y Montevideo más de 700 barcos, con 72 mil esclavos africanos. Hacia 1810, la capital tenía alrededor de 40 mil habitantes y se calcula que un tercio eran de origen africano. Para el momento de la Revolución de Mayo, la ciudad era diversa y no tenía una mayoría de población blanca.

Recién en el Censo Nacional del 2010 se incorporó sólo en algunas localidades la pregunta: “¿Tenés ascentedentes africanos?”. Los datos anunciaron lo siguiente: más de 15 mil argentinos tiene algún vínculo con África“Es una pequeña muestra, pero es importante porque aparece la ascendencia africana como algo positivo, y desde ese lado hay un rescate; lo mismo que el conmemorar el Día Nacional de los Afroargentinos y de la Cultura Afro en honor a Remedios del Valle, heroína de la independencia y capitana del Ejército del Norte. Hay avances, sí, pero todavía queda mucho por reconocer de esa presencia afro que nos constituye aunque siga un poco invisibilizada”, reflexionó Marisa Pineau.

LA ESCLAVITUD, HOY. En el mundo moderno se hace difícil pensar en la idea de sujeción de una persona, ya que partimos de la idea de que somos iguales ante la ley. Sin embargo, la esclavitud no es algo del pasado, sino que está en el presente y en este sentido la definición de Naciones Unidas sostiene que una persona se encuentra en una situación de esclavitud si sobre ella se ejercen alguno o todos los atributos del derecho de propiedad; esto quiere decir que se le limite o prohíba la circulación, que se lo torture, que se lo mate, que se lo prive del ejercicio de derechos.

Al respecto, la investigadora Pineau tiene su opinión: “Un esclavo hoy no es alguien que este inmovilizado por unos grilletes; podemos pensar en la trata de personas, el trabajo rural o industrial en condiciones de explotación como formas de esclavitud. La conquista de la libertad desde la situación de esclavitud es algo que tiene que ser una reivindicación permanente”.

Fuente: https://www.cultura.gob.ar

Argentina

Leandro Barreto presenta su nuevo CD “D.M.I. Documento Musical de Identidad”

 

Leandro Barreto

El músico, percusionista, baterista y profesor de danzas folklóricas presenta su primer producción solista “D.M.I. Documento Musical de Identidad” (2017). El disco es un registro de la historia musical compartida por el percusionista Leandro Barreto en los últimos 15 años. A lo largo de este material discográfico, con producción del mismo Leandro, encontraremos obras inéditas compuestas por artistas del municipio bonaerense de Escobar, de gran valor cultural, que no estaban grabadas hasta hoy. El disco contiene 10 canciones con una gran variedad de sonidos y ritmos de Argentina y Latinoamérica. El abanico  musical que convive en él, tiene la particularidad de contar con distintas formaciones en cada tema y con improntas personales que cada grupo de intérpretes le otorga.

A lo largo de su labor docente, ha presentado diversos proyectos pedagógicos, entre ellos “Lectura musical” (narra la evolución de los instrumentos a través de la historia) y la creación del proyecto teatral y musical “Ellas Latinoamérica”, homenaje a las mujeres de la cultura y la lucha por la independencia de nuestro continente.

            En dos décadas de carrera participó en la grabación de los discos “Salamanca” (2002) de Salamanca, “Ellas Latinoamérica” (2013) de Ellas Latinoamérica, “Inmaterial” (2014) de Tackellus, “Luna Madre” (2015) de Ellas Latinoamérica, “Andando” (2017) de Facundo Mocoroa, “Talentos de Familia” (2017) de Familia Pérez, “Alumbramiento” (2018) de Joaquín Peduzzi y Ignacio Journé (“Mi voz en el viento”, producido por Leandro Barreto). Próximamente se editarán los discos de Sopa de Gaviotas (conjunto vocal femenino) y de Juano Siembra (cantautor), donde también participa.   

Como músico sesionista, ha acompañado a reconocidos artistas de la escena nacional (Federico Pecchia, Claudio Sosa, Federico Toledo, Ce Suárez Paz, Federico Rosso, Facundo Mocoroa, entre otros) en los escenarios más importantes del país (Festival Nacional de Música Popular Argentina de Baradero, Centro Cultural Kirchner, Caras y Caretas, Niceto Club, Entre Ríos, Mendoza, etc.).

Acompañan en vivo a Leandro Barreto (composición, arreglos, percusión, guitarra y voz) los músicos Ignacio Journé (voz y guitarra), Martín Koiffman (bajo), Joaquín Carvajal (bandoneón) y Mariano Herrera (vientos), Cesar Aguilera (flauta traversa), Sofia Kusznir (voz), Dani Reynoso (voz) y Diego Frías (instrumentos andinos).

 

 

Shows 2018

Durante el 2018, Leandro Barreto presenta en vivo sus propias composiciones, fiel a su estilo renovador en los sonidos orquestales, que lo caracterizó en casi dos décadas con la música.

Las propuestas en vivo (en formatos cuarteto y octeto), divisan a la brevedad el próximo trabajo como solista del músico y cantautor.

Contactos

Facebook: Leandro Barreto

YouTube: Leandro Barreto

011 15 5311 1956

Para acreditaciones, entrevistas, material o más información:

La Negra Press – lanegrapress@gmail.com – (0348) 15 4 53 20 83

 

Argentina

¿Qué es la Bauhaus?

 

Conocé la historia y la importancia del movimiento que revolucionó el diseño, en palabras de Boris Friedwald, curador de «El mundo entero es una Bauhaus».

La Bauhaus funcionó entre 1919 y 1933 en Weimar, Dessau y Berlín. Su espíritu está vinculado a la modernidad, a la idea de crear con rebeldía y libertad, a la voluntad de ruptura y cambio. Boris Friedewald, curador de “El mundo entero es una Bauhaus”, cuenta en qué consiste la muestra y descubre la riqueza de la escuela, a casi un siglo de su creación.

Boris Friedewald es dramaturgo, historiador del arte y curador de “El mundo entero es una Bauhaus”, una muestra imperdible sobre el surgimiento, la historia y las implicancias de un centro de enseñanza devenido movimiento artístico.

En medio de la alegría y la euforia que implica inaugurar una exposición a todo color y con mucho trabajo detrás, Friedewald se hizo un rato para compartir las razones por las cuales se considera a la Bauhaus una escuela revolucionaria, y charlar sobre la muestra “El mundo entero es una Bauhaus”, que hasta 12 de agosto pueden disfrutarse en el Museo Nacional de Arte Decorativo (MNAD).

-¿Qué fue la Bauhaus y qué significa su nombre?

-Bauhaus es una palabra creada por el arquitecto alemán Walter Gropius, fundador de la Escuela de la Bauhaus en 1919. Responde a una combinación de dos palabras alemanas: bau, que significa construir, y haus, que significa casa: construir una casa. Al momento de crear el término Gropius pensaba en la labor, conjunta, de artistas y artesanos. La idea que subyace tiene que ver con construir algo nuevo, una nueva sociedad, un nuevo sentimiento, un nuevo ser. De ninguna manera se limitaba a una construcción arquitectónica.

 -¿Ese modo de crear responde a un estilo de hacer, un espíritu, o una convicción?

-La idea que subyace tiene que ver con la posibilidad que tiene una persona de cambiar y crear mundos, no sobre la posibilidad o capacidad que tienen Dios o un Estado, sino la capacidad que tiene uno mismo, si así lo quiere. La clave yacía en la idea de cambio, de hacer algo nuevo, de cambiar algo. Al mismo tiempo, en ver y pensar cómo se puede crear algo nuevo, o cómo debería ser eso nuevo que queremos crear para un tiempo determinado. La Bauhaus no era un estilo; la gente quería crear con formas básicas. Con el tiempo empezaron a buscar nuevos materiales, y entonces aparecieron las sillas de acero, por ejemplo. Se trataba de crear cosas nuevas para los nuevos tiempos.

-Sobre la propuesta de innovar en la creación, imagino que ahí radica, en parte, la atemporalidad del movimiento.

-Sí, eso es Bauhaus, el deseo y la necesidad de crear una nueva sociedad, un nuevo ser humano. Si uno investiga sobre la Bauhaus va a encontrar cosas diferentes todos los días, y esa posibilidad es muy interesante. La Bauhaus es una historia sin tiempo y sin final. Creo que sin ese sentimiento de libertad, de libertad interior, no es posible crear algo nuevo. Para poder crear hay que ser libre. No era usual, en aquellos años, que las mujeres se cortaran el pelo y lo usaran corto; eso era revolucionario. La gente que se acercaba a la Bauhaus era anti burguesa, gente con una actitud anti. Gente libre, no convencional. Era inusual para la época que intentaran un nuevo estilo de vida; eso también fue la Bauhaus.

-¿A qué alude “El mundo entero es una Bauhaus”?

-Es una cita del belga  Fritz Kuhr, estudiante y profesor de la Bauhaus, que en 1928 expresó que el mundo solo tenía sentido si se lo pensaba como una gran Bauhaus. No quería significar con esto que las cosas debían parecerse a una Bauhaus; se refería a una actitud, a un modo de vivir, de pensar, de estar abiertos a crear nuevas cosas. Diseñar y crear lo que necesitamos -objetos, música, arquitectura-, incluso el modo de concebirnos como seres humanos, con esta actitud. No es un estilo, es una manera de mirar, una cuestión actitudinal.

 

-Sostiene que la “la Bauhaus es un fenómeno de capas” y que por eso la muestra está estructurada en ocho capítulos. ¿Cuáles son esos ejes temáticos que la componen?

-La muestra está compuesta por los siguientes capítulos: Obra de arte totalArte, Artesanía y técnicaPedagogía radicalComunidadEl hombre nuevoExperimentaciónLa suspensión en el espacio, y Encuentros.

Organizada por el Ministerio de Cultura de la Nación, junto con el Goethe-Institut Buenos Aires, la Embajada de la República Federal de Alemania, el Servicio Alemán de Intercambio Académico y el Instituto para las Relaciones Culturales Internacionales de Alemania (IFA), “El mundo entero es una Bauhaus” puede visitarse hasta el 12 de agosto, de martes a domingo de 12.30 a 19, en el Museo Nacional de Arte Decorativo, Av. del Libertador 1902. Entrada libre y gratuita.

Argentina

A 200 años del nacimiento de Frankenstein, la muestra

A 200 años de “Frankenstein o el moderno Prometeo”, la Biblioteca Nacional presenta El monstruo de Frankenstein, una muestra que conmemora el aniversario de la novela de Mary Shelley, obra que inauguró la ciencia ficción moderna

¿Quién no escuchó, al menos una vez en su vida, algo sobre la tenebrosa historia de Frankenstein? ¿Quién no vio alguna vez una imagen, una pintura o un dibujo del monstruo? Pero, ¿quién fue Frankenstein en realidad? ¿Cómo nació la idea de escribir sobre un personaje así? ¿Qué influencias recibió su autora para escribir esta novela? ¿Por qué puede decirse que las problemáticas que plantea se ajustan a los tiempos que corren, 200 años después de haberse editado por primera vez?

Las respuestas aparecen a lo largo de una muestra exhaustiva, académica y lúdica, que intenta describir a través de distintos canales el espíritu de una de las obras más famosas del mundo. Este es el sentido de El monstruo de Frankenstein, la exposición que la Biblioteca Nacional montó para acercar al público un abanico de variantes artísticas sobre la verdadera historia del famoso monstruo.

¿Por qué rendir homenaje a Frankenstein?

Alberto Manguel, director de la institución, sostiene que “una de las funciones esenciales de la Biblioteca Nacional es comunicar al público las grandes obras de la literatura. El Frankenstein de Mery Shelley es una obra emblemática de la literatura fantástica, una obra que marca la creación de un mito, inmortalizado después en el cine, el teatro, en los comics. Esta muestra expone la cantidad de formas y reencarnaciones que tiene este monstruo tan célebre, como símbolo feminista, como símbolo de rebelión, como la víctima emblemática”.

Asimismo, Manguel celebra “el aniversario de la publicación de la novela escrita por una adolescente genial, que supo componer no sólo esta figura emblemática de la literatura del horror, la literatura fantástica, sino que al mismo tiempo plantea un cuestionamiento del poder patriarcal, una pregunta muy útil en este momento, y una figura que pregunta también por la responsabilidad de los experimentos científicos”.

La muestra exhibe, entre otras cosas, ediciones ilustradas de Frankenstein, los libros en los que Shelley se inspiró a la hora de escribir su novela -tanto científicos como filosóficos y literarios- en ediciones muy antiguas pertenecientes al acervo de la Biblioteca Nacional. Se puede acceder, también, a una selección de fragmentos de los clásicos cinematográficos más destacados basados en Frankenstein, afiches de los films, historietas y libros infantiles que toman al monstruo como protagonista. Forman parte de la muestra las condiciones de escritura de la novela, el contexto en el que fue escrita y las consecuencias metafóricas de la criatura devenida en monstruo.

Un monstruo de todos los tiempos

Mary Shelley se valió de elementos del romanticismo y del positivismo, de la ciencia y del ocultismo para dar vida imaginaria a una criatura heterogénea. Con tan solo 18 años, la autora británica concibió un relato fundamental, un personaje del patrimonio cultural universal.

Publicada el 11 de marzo de 1818, y enmarcada en la tradición de la novela gótica, el texto deja entrever la inflencia que Shelley recibió de sus padres. Su madre, Mary Wollstonecraft, fue autora de uno de los primeros libros feministas, Vindicación de los derechos de la mujer, de 1792; su padre, William Godwin, fue precursor del pensamiento anarquista con Investigación sobre la justicia política y su influencia en la virtud y felicidad de la gente, de 1793.

¿Por qué leer (o releer) a Frankenstein?

El proyecto para montar la exposición fue llevado adelante por Jorgelina Nuñez, que trabaja en el área de Programación Cultural de la Biblioteca Nacional, junto con Evelyn Galiazo, quien tuvo a su cargo la coordinación de la muestra. Con un gran equipo detrás, Nuñez cuenta que la idea se basó en “recuperar la novela en todos los sentidos que se le puede dar vista desde la actualidad”. Por un lado, “la gestación de la novela en la Villa Diodati, donde un grupo de jóvenes románticos ingleses se reunieron con un propósito: ¿quién es capaz de escribir la historia de terror más escalofriante? De esa moción surgieron dos relatos paradigmáticos: por un lado, Frankenstein, por otro, El vampiro, el antecedente más inmediato de Drácula y de la literatura de terror”, explica.

La muestra tiene un carácter escenográfico y participativo, y conviven la ciencia y la literatura, una característica muy presente en el texto. Con los materiales que tiene el acervo de la Biblioteca, fue posible “reconstruir las lecturas de Mary Shelley a la hora de escribir la novela, es decir, todos los textos científicos, pero también los textos de alquimia y filosóficos que nutrieron a la novela y están muy presentes en todo el texto, en las reflexiones, en los experimentos, en la creación y en la vida del monstruo ”, continúa Núñez.

“Frankenstein es una fábula sobre la identidad, sobre una criatura que no tiene nombre, y que está hecha de fragmentos de otros seres humanos. Ahí nos plantea un gran interrogante acerca de la identidad. Además, es un planteamiento bioético: ¿hasta dónde es capaz de llegar la ciencia y qué sucede con la manipulación genética? Finalmente, podemos ver en Frankenstein metáforas políticas. En su momento, la obra fue leída como una metáfora de la Revolución Francesa, porque se decía que había nacido virtuosa y que había terminado sanguinaria”.

¿Por qué Frankenstein inspira terror?

La respuesta, para Nuñez, constituye una cuarta reflexión: «porque es distinto, porque es aquel con el que no podemos comunicarnos y, sin embargo, siempre está pidiendo que se lo acepte, se lo incluya, que le den un amor, que le permitan vivir en sociedad”. Por último, sintetiza Nuñez, “podemos pensar que Frankenstein representa una política del cuerpo que ha sido despedazado y vapuleado. Esto también nos está hablando del presente”.

La exhición desnuda de qué manera la educación, la identidad, los prejuicios, la discriminación, el patriarcado, la lucha de la mujer por sus derechos, el poder, la manipulación de la ciencia, la mirada del afuera, los estereotipos, el miedo y el rechazo a lo distinto son cuestiones que trascienden tiempo y espacio, y estuvieron tan presentes en 1818 como lo estań en el día de hoy.

A pesar de los doscientos años que han pasado de su primera edición, Frankenstein se mantiene vigente como un fenómeno que supo trascender fronteras y épocas: la muestra es una prueba tangible de eso. El monstruo de Frankenstein explica cómo y por qué el personaje se convirtió en un ícono de la cultura popular universal. Por eso, la exposición constituye una oportunidad formidable de adentrarse en el mundo del monstruo, a participar del recorrido, a descubrir lecturas, a mirar, a reflexionar. Y a descubrir sentidos, que se multiplican y cambian de arista en función de cada ojo.————————————————————————————————————–

¿Dónde y cuándo? El monstruo de Frankenstein puede visitarse de lunes a viernes, de 9 a 21, y sábados y domingos, de 12 a 19, en la Sala Leopoldo Marechal de la Biblioteca Nacional Mariano Moreno, Agüero 2502, Ciudad de Buenos Aires.

 

Entrada libre y gratuita.

Argentina

El Ministerio de Cultura de la Nación en la 44° Feria Internacional del Libro de Buenos Aires

El Ministerio de Cultura de la Nación en la 44° Feria Internacional del Libro de Buenos Aires

Enterate de todas las actividades que podés disfrutar en nuestros stands

El Ministerio de Cultura estará presente con dos stands (en los pabellones ocre y azul) en la 44° de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, que tendrá lugar como cada año en el predio de La Rural desde el 27 de abril hasta el 15 de mayo de 2018.

La propuesta de los stands incluye talleres infantiles, talleres de crónica, de animación y stop motion, entrevistas abiertas, presentaciones teatrales y mucha música en vivo, entre otras actividades. Además, habrá información sobre todos los programas y herramientas que el Ministerio ofrece a los artistas, productores y gestores culturales. Así, los emprendedores culturales tendrán una nueva forma de acceder a asesoramiento, capacitación y financiación para sus proyectos actuales o potenciales.

Programación 3° semana

LUNES 7 DE MAYO

  • 14:30 Pabellón azul – Stand 602
    Museo Histórico Nacional: Taller “Dónde está Cándido”

    Los/as visitantes del stand tendrán la oportunidad de acercarse a la obra de Cándido López basándonos en la famosa serie de libros “¿Dónde está Wally, propondremos, a través de consignas, que los/as participantes reconozcan las múltiples escenas, personajes y situaciones que Cándido López supo retratar con gran detalle en su serie de pinturas sobre la guerra de la Triple Alianza.
  • 15:30 Pabellón azul – Stand 602
    Museo Roca – Taller sobre fotografías de los inmigrantes “Enmarcar historias”
    Los niños y sus familias descubrirán fotografías de los inmigrantes que llegaron a la Argentina a fines del siglo XIX y principios del XX, y a partir de las mismas armarán sus dibujos y los enmarcarán con un toque personal (utilizando técnicas de pintura, dibujo y collage).
  • 15:30 Pabellón ocre – Stand 3111
    Museo Mitre: Taller sobre restauración de piso de teselas y vitrales “Detalles para armar”
    La idea es que los chicos asuman el rol de restauradores. Se les mostrarán imágenes de las teselas del piso y de los vitrales de la casa, y se invitará a los participantes a rearmar los diseños (como hicieron los restauradores) o crear otros propios.

  • 17:30 Pabellón ocre – Stand 3111
    AATI – Traductor por un día: un taller para degustar la traducción literaria
    ¿Qué es traducir? ¿Qué tal si, para entenderlo, ponemos manos a la obra? El taller ofrecerá una experiencia literaria lúdica y participativa que permitirá a los lectores curiosos experimentar las alegrías y los desafíos de la traducción literaria. Los participantes podrán proponer sus propias versiones en español de un fragmento de la obra El Principito, de Antoine de Saint-Exupéry
  • 17:30 Pabellón azul – Stand 602
    Recomendaciones de libros: Lola Rubio – Fondo de Cultura Económica
    El Fondo de Cultura Económica (FCE) se distingue por ser una editorial de amplio criterio en la que los autores, hispanohablantes y de lenguas extranjeras, tienen oportunidad de exponer sus ideas con absoluto respeto a su libertad de expresión. Temas: – Ciencias Exactas, Físicas y Naturales – Ciencias Sociales / Humanas, Psicología – Derecho – Enciclopedias, Diccionarios, Lingüística – Ficción

MARTES 8 DE MAYO

  • 15:30 Pabellón azul – Stand 602
    Museo Histórico Sarmiento – Taller de sellos artesanales “Sellos, papel y tijera”
    Taller de sellos artesanales, cuyos motivos estarán inspirados en tópicos vinculados a Sarmiento más bien inexplorados. Con esta actividad se apuntará a difundir otras facetas de Sarmiento por fuera del campo educativo, y dar a conocer datos curiosos que lo tornan un personaje histórico de diversos intereses y propuestas.
  • 17:00 Pabellón azul – Stand 602
    Recomendaciones de libros: Lola Rubio, del Fondo de Cultura Económica
  • 17:30 Pabellón azul – Stand 602
    Recomendaciones de libros: Julieta Messer – Dain Usina Cultural
    Librera en Dain Usina Cultural y además autora de dos libros que distribuye la Libreria, Editorial y Distribuidora WALDHUTER.
  • 18:00 Pabellón azul – Stand 602
    Recomendaciones de libros: Gonzalo Heredia y Maru Drozd

MIÉRCOLES 9 DE MAYO

  • 14:00 Pabellón ocre – Stand 3111
    Museo Nacional de Arte Oriental : Mon. Escudos dibujados
    La propuesta es conocer los mon, un elemento de la cultura japonesa que forma parte de la colección del MNAO. Los mon son escudos que presentan a familias japonesas con dibujos muy originales. Durante el taller conversaremos sobre qué es un mon y conoceremos diferentes diseños. Luego, cada participante podrá inventar y dibujar el escudo de su familia dentro de un círculo.
  • 14:30 Pabellón azul – Stand 602
    Teatro Nacional Cervantes – Lectura de obra “ENOBARBO” Por Osqui Guzmán.
    Lectura de la obra ENOBARBO de Alejandro Acobino. Se estrenará en octubre 2018 en el Teatro Nacional Cervantes. Por Osqui Guzmán
  • 15:30 Pabellón ocre – Stand 3111
    Museo Casa de Ricardo Rojas: Recetas de Lectura – Taller “El país de la selva”
    Se tomarán como punto de partida algunos cuentos del libro de Rojas “El país de la selva”, como las leyendas del Zupay, del misterioso Runauturuncú y la peligrosa Salamanca. A partir de fragmentos de este libro se buscará llevar el texto a su versión oral, y se invitará a colorear y armar rompecabezas con las ilustraciones que el artista Alfredo Gramajo Gutierrez realizó para una edición especial.
  • 16:30 Pabellón azul – Stand 602
    Teatro Nacional Cervantes – Nuevos carteles para un nuevo teatro
    ¿Qué tan fácil es subir una cabra a una gran piedra? ¿Qué hay detrás de los afiches del Teatro Nacional Argentino – Teatro Cervantes?. Martin Gorricho.

  • 17:30 Pabellón azul – Stand 602
    Recomendaciones de libros: Margarita Guglielmini – V&R Catálogo infantil y Claudia Cadenazzo – Los libros del vendaval
    Charla en la que profesionales del ámbito editorial y libreros recomendarán libros al público asistente.
  • 18:00 Pabellón ocre – Stand 3111
    ARECIA – Taller de estrategias de comercialización para revistas culturales
    Las revistas culturales independientes y autogestivas necesitan, cada vez más, estrategias eficientes para comercializar sus espacios publicitarios y acceder a la pauta privada. El Ministerio de Cultura de la Nación ofrece un seminario de capacitación en dos módulos. La actividad es gratuita, con cupos limitados e inscripción previa. A cargo de Diego Bresler.
  • 18:30 Pabellón azul – Stand 602
    Teatro Nacional Cervantes – Presentación y lectura de “Tiestes y Atreo”. Por Maricel Álvarez y Analía Couceyro
    Tiestes y Atreo. Presentación y lectura a cargo de Maricel Alvarez y Analía Couceyro de fragmentos de la obra que se está presentando actualmente en el Teatro Nacional Cervantes y que toma como punto de partida a la tragedia «Tiestes» de Séneca. Dirigido por Emilio García Wehbi.

JUEVES 10 DE MAYO

  • 15:00 Pabellón azul – Stand 602
    Instituto Carlos Vega – Afroargentina en el aula: el candombe porteño como transformador educativo
    Se trata de un taller de candombe porteño en el cual, mediante el aprendizaje del toque básico del tambor y el canto, se introducirá al participante en otra dimensión de la historia del país, aquella no contada por la Historia Oficial, la de los afroargentinos del tronco colonial. El objetivo es vivenciar y valorar un aspecto de nuestra diversidad cultural.
  • 15:30 Pabellón ocre – Stand 3111
    Museo Histórico Sarmiento: Taller de sellos artesanales – “Sellos, papel y tijera”
    Taller de sellos artesanales, cuyos motivos estarán inspirados en tópicos vinculados a Sarmiento más bien inexplorados. Con esta actividad se apuntará a difundir otras facetas de Sarmiento por fuera del campo educativo, y dar a conocer datos curiosos que lo tornan un personaje histórico de diversos intereses y propuestas.
  • 16:00 Pabellón azul – Stand 602
    Museo Nacional de Arte Decorativo- Mensajes Secretos: Del abanico al celular.
    Se invita a los participantes a armar sus propios abanicos y practicar el lenguaje del abanico (cómo se comunicaba en los salones y teatros, qué quería decir cada gesto).
  • 17:00 Pabellón azul – Stand 602
    INAMU – Presentación de “La Voz Cantada”, Manual de Formación N° 5 del INAMU
    Presentación de «La Voz Cantada», Manual de Formación N° 5 del INAMU
  • 17:30 Pabellón ocre – Stand 3111
    Instituto Nacional de Musicología “Carlos Vega” – Acertijos musicales
    Invitamos a participar a niños y adolescentes a resolver las preguntas que serán presentadas en una serie de trivias sobre diferentes aspectos de la música y de la investigación musical. Entre imágenes y sonidos, los asistentes deben elegir la respuesta correcta.
  • 18:00 Pabellón azul – Stand 602
    Recomendaciones de libros

VIERNES 11 DE MAYO

  • 14:00 Pabellón azul – Stand 602
    Museo Nacional de arte oriental: Mon. Escudos dibujados
    La propuesta es conocer los mon, un elemento de la cultura japonesa que forma parte de la colección del MNAO. Los mon son escudos que presentan a familias japonesas con dibujos muy originales. Durante el taller conversaremos sobre qué es un mon y conoceremos diferentes diseños. Luego, cada participante podrá inventar y dibujar el escudo de su familia dentro de un círculo.
  • 15:00 Pabellón azul – Stand 602
    Museo Nacional del Cabildo y la Revolución de Mayo: Taller sobre período colonial y revolucionario “A correr la voz”
    El taller reproducirá dos dinámicas lúdicas y participativas que se llevan a cabo en la visita guiada «A correr la voz», desarrollada para personas ciegas y con baja visión. La misma hace foco en los canales de producción y circulación de la información en el periodo colonial y revolucionario.
  • 15:30 Pabellón ocre – Stand 3111
    Museo Casa de Ricardo Rojas: Recetas de Lectura – Taller “El país de la selva”
    Se tomarán como punto de partida algunos cuentos del libro de Rojas “El país de la selva”, como las leyendas del Zupay, del misterioso Runauturuncú y la peligrosa Salamanca. A partir de fragmentos de este libro se buscará llevar el texto a su versión oral y se invitará a colorear y armar rompecabezas con las ilustraciones que el artista Alfredo Gramajo Gutierrez realizó para una edición especial.
  • 16:00 Pabellón ocre – Stand 3111
    El teatro por adolescentes
    Un recorrido audiovisual por experiencias de Teatro Adolescente en las regiones argentinas y en distintos países de Latinoamérica, tras una década de existencia de la Red Internacional de Teatro Adolescente Vamos que Venimos. Se busca profundizar la participación de los jóvenes en el quehacer teatral y promover el intercambio de realidades diversas a través del arte.
  • 16:00 Pabellón azul – Stand 602
    Museo Nacional de Bellas Artes: Obras maestras del Bellas Artes
    La actividad constará de una introducción a modo de presentación a través de proyección de material visual: una serie de obras de colección del museo que a modo de trivia juega con la observación de detalles de las obras tomado del juego Observadores profesionales. Luego se realizará una charla didáctica y participativa a cargo de Candel Gómez y Silvana Varela.
  • 17:00 Pabellón azul – Stand 602
    Recomendaciones de libros
  • 18:00 Pabellón azul – Stand 602
    Música – EXPERIMENTO JALFIN
    Darío Jalfin adelanta un nuevo material que está grabando, producido por «Tweety» Gonzalez, quien lo desafió a hacer un disco de canciones electrónicas, contrapuesto a los siete discos editados por este pianista, compositor y arreglador de formación académica. Lo acompañan Federico Fernández en bajo y Patricio Carpossi en guitarra, con visuales a cargo de Diego Chemes.
  • 19:00 Pabellón azul – Stand 602
    Rumbo al Congreso Internacional de la Lengua Española 2019. El español en perspectiva. presente y futuro.
    Presentación a cargo del Director de Asuntos Culturales de la Cancillería Argentina y el Coordinador ejecutivo de CILE 2019, Marcelo García, y la participación de los escritores Esther Cross y Carlos Gamerro.

SÁBADO 12 DE MAYO

  • 15:00 Pabellón azul – Stand 602
    Música – Poeta Aprendiz: Mariana Cincunegui junto a Lili Vitale
    Poeta Aprendiz – la esperanza de alguien más el sueño de otro.
    Una propuesta de entrevistas cantadas donde Mariana Cincunegui, música, docente, artista; dialogará sobre el sentido que imprime la infancia en el arte y la música, en un juego de recuerdos, anécdotas, entre retazos de canciones, tejidos y relatos con tres Artistas, Cantoras, Mujeres, Madres, Docentes, Pedagogas. Invitada: Lili Vitale
  • 16:30 Pabellón azul – Stand 602
    IBERMÚSICAS – El Quinteto de Tango La Grela presenta “Superclásico”
    El Quinteto La Grela presenta su nuevo disco “Superclásico”. Afianzados en la convicción de que el tango es una expresión viva en la que pueden convivir el legado que dejaron los grandes maestros y la búsqueda de un nuevo sonido que refleje la Buenos Aires de hoy, el Quinteto La Grela presenta “Superclásico”, su nuevo disco.
  • 16:30 Pabellón ocre – Stand 3111
    Música – Leandro Robin
    Leandro Robín “El Tucu”, luego de sus dos trabajos discográficos “Mi voz de Huayra” y “Así de simple” vuelve al ruedo para presentarnos dos nuevos singles: “Soy Tucumano” y “Apuesta sin Acierto” como parte de su tercer trabajo discográfico. El primer paso de un trabajo con nuevos matices y sabor propio donde todas las composiciones parecen hechas a medida.
  • 17:30 Pabellón azul – Stand 602
    Música – Diego Schissi Quinteto
    Surgido en 2009, el Diego Schissi Quinteto se ha posicionado como una de las propuestas más sólidas y originales dentro del panorama del tango actual. Liderado por Schissi desde el piano y la composición, el grupo se completa con Guillermo Rubino en violín, Santiago Segret en bandoneón y voz, Ismael Grossman en guitarra y Juan Pablo Navarro en contrabajo.
  • 17:30 Pabellón ocre – Stand 3111
    Música – Sentime Dominga
    Sentime Dominga es una banda de folklore fuera de toda norma, explora un repertorio en el que el campo profundo y la ciudad rockera se amalgaman irreverentemente. Sus discos «Operada» y «Medicada», cuyas canciones provienen de textos literarios (poesía, crónica, mitos y leyendas) tejen un ritual con historias cantadas, cartas que evocan paisajes sonoros y extensos viajes al interior.
  • 18:00 Pabellón azul – Stand 602
    Recomendaciones de libros: Nurit Kasztelan – Librería Mi Casa
    Charla en la que profesionales del ámbito editorial y libreros recomendarán libros al público asistente.
  • 18:30 Pabellón azul – Stand 602
    Música – Diego Martez
    El cantor platense Diego Martez, una de las voces más resonantes de la canción argentina, estará presentando en el marco de la ’44 Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, las piezas que conforman “Lo Perdido”, nuevo álbum recientemente editado por el sello discográfico Concepto Cero y producido por Shaman Herrera.
  • 19:30 Pabellón azul – Stand 602
    Música – Ramiro Flores Cuarteto
    Ramiro Flores, saxofonista, compositor, arreglador y productor, estudió en Berklee College of Music, en Boston, Estados Unidos. Como solista grabó tres discos: Flores, Son Dos y El Jardín de Ordóñez, ampliamente elogiados por la crítica especializada y, los últimos dos, seleccionados como disco del mes por el Club del Disco.

DOMINGO 13 DE MAYO

  • 15:30 Pabellón azul – Stand 602
    INCAA – Taller de cortos con Video Celular a cargo de Leandro Tolchinsky
    La charla tiene como objetivo explorar las herramientas narrativas y de imagen que brindan los teléfonos celulares, usados como dispositivos para la realización integral de un proyecto audiovisual. Posibilidades de registro, edición e interacción con distintas apps y accesorios, abarcando las capacidades expresivas y técnicas de un formato de registro que está al alcance de la mano.
  • 15:00 Pabellón azul – Stand 602
    Monstriña para Monstriños
    María Verónica Ramirez, la autora, recorrerá con los niños los distintos aspectos del fantástico mundo de Monstriña, para terminar dibujando entre todos nuestros propios monstruos.
  • 16:30 Pabellón azul – Stand 602
    INCAA – Proyección de “CHARCO, canciones del Río de la Plata”, con Fernando Cabrera
    Proyección de «CHARCO, canciones del Río de la Plata», con Fernando Cabrera.
  • 18:30 Pabellón azul – Stand 602
    Recomendaciones de libros: Paula Fernández – Editorial Ojoreja
    Charla en la que profesionales del ámbito editorial y libreros recomendarán libros al público asistente

LUNES 14 DE MAYO

  • 17:30 Pabellón azul – Stand 602
    Recomendaciones de libros: Soledad Alliaud – V&R Catalogo Preadolescentes
    Charla en la que profesionales del ámbito editorial y libreros recomendarán libros al público asistente.
Argentina

Estación Orquesta: de la sala de ensayo al espacio público

Con un concierto de la Orquesta Sinfónica Juvenil Nacional «José de San Martín» en la estación de tren de la localidad bonaerense de Luján, empezó el programa Estación Orquesta.

Se trata de una iniciativa de la Dirección Nacional de Formación Cultural del Ministerio de Cultura de la Nación a partir del cual se crea un circuito de intervenciones artísticas de la Orquesta Sinfónica Juvenil Nacional “José de San Martín” en estaciones estratégicas de las diferentes líneas de trenes y un concierto didáctico en articulación con el Ministerio de Desarrollo Social de la Nación y los municipios locales.

La Orquesta Sinfónica Juvenil Nacional “José de San Martín” se propone ampliar el acceso de su producción a nuevos públicos en todo el país y, para ello, compartirá su música con un cronograma de conciertos e intervenciones.

Los próximos serán en las estaciones de tren de Retiro, Quilmes, Villa Soldati, La Plata, Lomas de Zamora, Almirante Brown y en la Casa Central de la Cultura Popular 21-24.

Argentina

13 libros que cambiaron el mundo

Se celebra cada 23 de abril, en homenaje a la muerte de Miguel de Cervantes, William Shakespeare y el Inca Garcilaso de la Vega. En esta selección arbitraria, te contamos los libros que cambiaron la historia de la humanidad

Cada 23 de abril se celebra el Día Mundial del Libro y del Derecho de Autor, como “un día simbólico para la literatura mundial”, según lo describe las Naciones Unidas. La fecha se eligió a partir de la extendida versión de que ese mismo día, pero de 1616, fallecieron tres grandes de las letras universales: Miguel de Cervantes, William Shakespeare y el Inca Garcilaso de la Vega.

Fue durante una conferencia general de la UNESCO, cuando reunido en París, en 1995, se decidió rendir homenaje a los libros y autores –además de sensibilizar y concientizar a las sociedades sobre su importancia en la formación intelectual y emocional–, con la idea de incentivar a todos a descubrir el placer de la lectura y a valorar los grandes progresos sociales que se realizaron a través de la cultura impresa.

A propósito del día, y por amor a los libros, nos propusimos armar una lista arbitraria que contenga las 13 obras literarias que cambiaron de alguna u otra manera la historia del mundo. ¿Los leyeron?

Diálogos (Platón). Se trata de distintos textos donde el filósofo griego, Platón, trae la voz de Sócrates, quien debate  con sus contemporáneos los grandes problemas metafísicos, morales y políticos. Platón vivió del 387 al 347 a. C, fue discípulo de Sócrates y maestro Aristóteles. Entre los tres, desde la antigua Grecia, cambiaron para siempre la filosofía occidental.

Biblia / Torá / Corán. Son nada menos que las Sagradas Escrituras que dieron forma a tres de las religiones monoteístas con más practicadas del mundo: cristianismo, judaísmo e islamismo.

Beowulf (Anónimo). Se considera el primer poema en un lenguaje europeo moderno que refleja un mundo feudal, recién cristiano, de héroes y monstruos, sangre y victoria. Se desconoce el autor y la fecha de composición, aunque se calcula que la fecha de publicación oscila entre el siglo VIII y XII d. C. Está escrito en inglés antiguo y cuenta con 3182 versos.

La divina comedia (Dante Alighieri). El gran poema del italiano Alighieri, donde el infierno, purgatorio y paraíso nunca habían sido representados con tanta maestría y lirismo. Dante resume un conocimiento acumulado de siglos, desde la antigüedad hasta el mundo medieval, con la Fe religiosa y las convicciones morales y filosóficas presentes en cada verso. Se calcula que fue publicada por primera vez en 1307.

Hamlet (William Shakespeare). Una de las obras más emblemáticas del teatro isabelino inglés. Se dice que con Hamlet, nació la consciencia del sujeto que luego, filósofos como Kant abordarán en sus obras. Fue publicado en algún momento entre 1599 y 1601.

El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha (Miguel de Cervantes). Comenzó como una burla a las obras de caballerías del momento y se convirtió en la obra cumbre de la literatura española. Fue publicada en 1605 y representa la primera novela moderna y la primera novela polifónica.

El discurso del método (René Descartes). “Pienso, luego existo” fue la famosa frase de René Descartes que le dio entidad a una nueva forma de saber y de conocer el mundo. Marcó un quiebre en el pensamiento occidental. Se publicó de forma anónima en Leiden, Holanda, en el año 1637 bajo el título: «Discurso del método para conducir bien la propia razón y buscar la verdad en las ciencias».

Las críticas (Emmanuel Kant). La crítica de la razón pura; de la razón práctica, y del juicio son los tres pilares de la obra magna del alemán Inmanuel Kant. Allí reflexiona sobre las facultades de la razón, el entendimiento y la sensibilidad, entre otras grandes cuestiones. La critica de la razón pura, publicada por primera vez en 1781, trata de una indagación trascendental acerca de las condiciones epistémicas del conocer humano cuyo objetivo central es lograr una respuesta definitiva sobre si la metafísica puede ser considerada una ciencia.

El origen de las especies (Charles Darwin). Con este libro, el científico inglés Charles Darwin presentó su teoría de la evolución mediante la selección natural. Hoy sigue siendo la base del estudio de la naturaleza para la biología contemporánea. Fue publicado el 24 de noviembre de 1859 y es considerado una obra precursora de la literatura científica y el fundamento de la teoría de la biología evolutiva.

El capital (Karl Marx). Sin dudas, el texto más revolucionario e influyente. Allí, el alemán Marx desentrañó y explicó las bases del sistema capitalista y su lucha de clases, a través de un tratado de crítica de la economía política. Al mismo tiempo es considerado una obra de filosofía, un tratado de economía o político que describe las relaciones de dominación entre las clases sociaales: de un lado los proletarios y de otro los burgueses. Se publicó en 1867.

Así habló Zaratustra (FriedrichNietzsche). En esta obra, el pensador sintetiza lo esencial de su filosofía, destinada a la creación del superhombre. Algunos consideran este texto como la contrafigura de la Biblia y un manual para quienes buscan la Verdad, el Bien y el Mal. Contiene las principales ideas de Nietzsche expresadas poéticamente, y está compuesta por relatos, discursos, hechos y reflexiones de un profeta llamado Zaratustra (personaje inspirado en Zoroastro, fundador del mazdeísmo o zoroastrismo). Se imprimió en 1883.

La interpretación de los sueños (Sigmund Freud). Ninguna teoría como doctrina psicoanalítica ejerció tanta influencia como la del psicólogo austríaco Sigmund Freud, quien estableció un modo distinto de entender la realidad psíquica. El autor plantea que los sueños son una realización alucinatoria de deseos y por consecuencia, una vía privilegiada de acceso al inconsciente, mediante el empleo del método interpretativo fundado en la asociación libre de los símbolos más importantes del sueño. Fue publicado en noviembre de 1899 y revolucionó el siglo XX.

El segundo sexo (Simone de Beauvoir). Uno de los libros de cabecera sobre el Feminismo, donde resuena la famosa frase de la filósofa: “Mujer se hace, no se nace”. Su autora, Simone-Lucie-Ernestine-Marie Bertrand de Beauvoir, comenzó a escribirlo cuando reflexionó sobre lo que había significado para ella el ser mujer. Fue publicado en 1949.

Argentina

Empezó Bariloche Experiencia Cultura

El Ministerio de Cultura de la Nación llega a la ciudad de Bariloche con una intensa agenda de actividades para toda la familia y un programa de actividades para artistas, productores y gestores culturales, a través de sus distintos programas buscando fortalecer y desarrollar la cultura en todo el país. El evento tendrá lugar durante el 20, 21 y 22 de abril, en doce sedes y con epicentro de el Centro Cívico de la ciudad rionegrina. Con decenas de talleres y capacitaciones, más de 16 exposiciones y shows, recitales gratuitos de Los CafresOnda Vaga y Nahuel Penisi, entre otros, quedan todas las familias e interesados invitados a formar parte de esta fiesta que tendrá entrada libre y gratuita para todas sus actividades.

Entre los destacados del festival, están las actividades propuestas por Libros y Casasque desplegará su Club de Pequeños Creativos, un espacio que propone la participación de los chicos en un circuito de talleres de sensibilización hacia la lectura y de creación de personajes e historias a partir de mitos y leyendas de la región patagónica. Por su parte, la Conabip (Comisión Nacional de Bibliotecas Populares) llevará a cabo una charla a cargo de Javier Areco, vocal del organismo, y un encuentro de lectura con la autora Elsa Osorio. Del mismo modo, el Fondo Nacional de las Artes participará con artistas de toda la región en una clínica intensiva donde participan los becarios y referentes artísticos de trayectoria vinculados al FNA LAB.

Además, durante los tres días, los ganadores de la edición 2017 de Vamos Las Bandas estarán tocando en el escenario principal, ubicado en el Centro Cívico, brindando espectáculos musicales para toda la familia.

Bariloche también contará con un escenario urbano, ubicado en el anfiteatro municipal, donde se llevará a cabo un encuentro de hip hop y de diferentes disciplinas de la cultura urbana como el beatbox y el freestyle. El camión de cultura acerca la muestra fotográfica Los Ángeles de Charly,con imágenes inéditas de un ícono nacional: Charly García. Como si esto fuera poco, los días sábado y domingo habrá un circuito de artes visualescon transporte gratuito desde el centro cívico.

El festival coincide con la presencia de MICA Patagonia en Bariloche: el mercado regional Bariloche contará con la presencia de diversos actores de las industrias creativas de Chubut, La Pampa, Neuquén, Río Negro, Santa Cruz y Tierra del Fuego que estarán participando de conferencias, talleres, rondas de negocios, feria de emprendedores y muestras en vivo de música, artes escénicas, artesanías y audiovisual. Los Mercados Regionales MICA son espacios para la formación, el intercambio y la vinculación de productores, empresas y profesionales de las industrias creativas. En el MICA participan el Ministerio de Producción de la Nación, la Agencia Argentina de Inversiones y Comercio Internacional, el Instituto Nacional de la Música (INAMU), la Exposición de Videojuegos Argentina-EVA Patagonia, y el Instituto Nacional del Teatro (INT). Consultá acá la programación de MICA Patagonia.

 

SÁBADO 21

14 hs a 17 hs. Hacelo Sonar. Taller para creación de instrumentos musicales / Centro Cívico (En caso de mal tiempo pasa a la Sala de Prensa) / Niños desde 10  Años

14 hs a 17 hs. Club de Pequeños Creativos. Taller del Programa Libros y Casas / Centro Cívico

14 hs a 17 hs. Abran Mancha. Taller de creatividad en artes visuales / Centro Cívico  (En caso de mal tiempo pasa al Scum) / Niños de 4 a 10 años

14 hs a 20 hs. Los Ángeles de Charly. Una colección de tomas en su mayoría inéditas de uno de los mayores creadores de la música popular argentina: Charly García. / Centro Cívico

14 hs a 19 hs. Circuito Artes Visuales en la Ciudad / Casa Taller Midori Mai / Laguna del Trébol / Transporte sin cargo desde el centro cívico a las 14 hs y 16 hs

  • 14 hs. Taller “Dibujar el deseo, redactar el paisaje” a cargo de M.O.R.T.E.R.O. (Valeria Anzuate y Edgar López).
  • 15 hs. Lectura de poesías de poetas locales.
  • 16 hs. Proyección del documental Nadie diría que el desierto puede gritar pero grita, Palestina Monamur gira sur 2017, realizado por Natalia Labaké.
  • 17 hs. Proyección video-clip «Geología del tiempo» realizado y producido por Parquee, Vesta y Rab (La Plata).
  • 17.30 hs. Recital Proyecto: «Estudios naturales. Nahuel Huapi», del músico Chavez Chavez (becario Fondo Nacional de las Artes 2017)
  • 18 hs. Recital de Palestina Monamur con proyecciones en vivo.

16 hs a 19hs. Encuentro Hip Hop / Anfiteatro

17 a 21. Música/ Escenario Principal / Centro Cívico

  • 17 a 19 hs. Vamos las Bandas
    Mal Viaje (Tierra del Fuego)
    Relicario (Chubut)
  • 19.30 hs. Los Cafres

18 hs. Cine / Proyección de “Natacha” (pre estreno) / Microestadio bomberos voluntarios “Pedro Estremador”

21.30 hs. Teatro / José María Muscari presenta “Bollywood” junto a talentos locales / Entrada gratuita, capacidad limitada. / Auditorio Biblioteca.

DOMINGO 22

14 hs a 17 hs. Hacelo Sonar. Taller para creación de instrumentos musicales / Centro Cívico (En caso de mal tiempo pasa a la Sala de Prensa) / Niños desde 10  Años

14 hs a 17 hs. Club de Pequeños Creativos. Taller del Programa Libros y Casas / Centro Cívico

14 hs a 17 hs. Abran Mancha. Taller de creatividad en artes visuales / Centro Cívico  (En caso de mal tiempo pasa al Scum) / Niños de 4 a 10 años

14 hs. «Contrareloj creativo». Ensayo y producción acelerada de proyecto de libro» Imagen, texto, diseño. IDEA matriz. El detrás de escena de la creación de libros álbum,  a cargo de Pablo Bernasconi / Sede Biblioteca

14 hs a 20 hs. Los Ángeles de Charly. Una colección de tomas en su mayoría inéditas de uno de los mayores creadores de la música popular argentina: Charly García. / Centro Cívico

14 hs a 19 hs. Circuito Artes Visuales / Casa Taller Nadia Guthmann / Villa Los Coihues, Lago Gutiérrez. / Transporte sin cargo desde el centro cívico a las 14 h y 16 h

  • 14.30 hs. Charla abierta “Herramientas de desarrollo y proyección para artistas y gestores culturales” con integrantes de la Asociación de Artistas Plásticos de Bariloche.
  • 16.00 hs. Caminata hacia la Cascada de los Duendes (20 min.) junto a artistas de Bariloche
  • 18.00 hs: Activación de escultura lumínica, obra inédita de Guthmann.

16 hs  a 19hs. Encuentro Hip Hop / Anfiteatro Municipal / ATP

20 hs. Música / Orquesta Nacional de Música Argentina “Juan de Dios Filiberto”. Artista invitado: Nahuel Pennisi / Microestadio bomberos voluntarios “Pedro Estremador”