Argentina

INDIOS estrena “Besos en la Espalda”

Es el tercer álbum de estudio de la agrupación argentina y será editado el viernes 10 de Mayo.

POR FERNANDA SCHELL

«Ya lo sé» anticipa el lanzamiento de «Besos en la espalda», el tercer disco de estudio de Indios, cuyo lanzamiento será el viernes 10 de Mayo. Dirigido por Malu Boruchowicz y Rafael Nir, grabado en el Arenas Studios en el barrio de La Boca, Buenos Aires, el clip se mueve al ritmo del groove de esta canción irresistible, acompañada por una coreografía perfecta y sensaciones que reflejan el espíritu bailable del tema.

 

El sencillo sugiere la atmósfera sonora que traerá “Besos en la espalda”: la búsqueda del ritmo y de la sensualidad como formas que se complementan en una misma canción son conceptos que se sostienen a lo largo del álbum. Desde las letras, este nuevo trabajo promete pequeñas historias, algunas realistas, otras llenas de fantasía, donde la intimidad y la proximidad se convierten en un hilo conductor. 

 

“Besos en la espalda” fue grabado entre Septiembre de 2018 y Enero del 2019 en los estudios El Mar y Nak de Buenos Aires; producido artísticamente por Indios, mezclado por Jack Lahana en la ciudad de París y  masterizado por Antoine ‘Chab’ Chabert en la misma ciudad.

 

En el mes de Mayo, la agrupación iniciará una gira por México en la que además de sus canciones más conocidas, adelantarán en vivo algunos de los temas de “Besos en la espalda”. El tour será junto a Charlie Rodd y se iniciará el 23 de Mayo en Puebla y pasará por  Ciudad de México, Pachuca, Teotihuacán, Morelia, Querétaro, San Luis Potosí y Monterrey.  Referentes indiscutidos del pop/rock alternativo, Indios transita un presente luminoso que emana de la energía del pasado y se nutre con las brisas del futuro.

 

Disfruta de “Ya lo sé: en tu tienda digital favorita

                   

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::: INDIOS :::

 

TOUR MÉXICO 2019

23 Mayo, Beat 803, Puebla, México

24 Mayo, Lunario, Ciudad de México, México

25 Mayo, Jardín Caníbal, Pachuca, México

30 Mayo, Teotihuacán, Foro Nahual, México

31 Mayo, Cactux, Morelia, México

06 Junio, La Glotonería, Querétaro, México

07 Junio, Brix, San Luis Potosí, México

08 Junio, Foro Didi, Monterrey, México

 

Más info @RRSS

/IndiosOficial    

 

Argentina, Noticias

BAJO FONDO Y LOS JAIVAS EN CONCIERTO DE LAS AMÉRICAS

Cuenta regresiva para el gran Concierto de las Américas de este sábado 13 de abril con la esperada participación de Bajofondo Remixed DJ Live Set y Los Jaivas.

Para esta ocasión y teniendo en cuenta la gran cantidad de personas que disfrutarán del show, desde el Ministerio de Turismo y Cultura en conjunto con la Municipalidad de Calingasta, informaron que habrá un servicio especial de transporte de colectivos que saldrán desde tres localidades del departamento de Calingasta.

Quienes se encuentren allí podrán hacer uso de los colectivos municipales y trasladarse hasta el cerro Alcázar. De esta manera, habrá tres recorridos internos:

  • Plaza General San Martín (Barreal)- Sorocayense.
  • Plaza Domingo Faustino Sarmiento (Tamberías) – Alto Calingasta, Villa Calingasta, La Isla y Colón.
  • Escuela Álvarez Condarco (Villa Nueva) – Puchuzún – Villa Corral y Alcaparrosa.

EL VALOR DE ESTE PASAJE SERÁ GRATUITO (IDA Y VUELTA) Y EL HORARIO DE SALIDA A PARTIR DE LAS 18:30 DESDE CADA PUNTO DE PARTIDA MENCIONADO.

Además, la empresa de transporte El Triunfo habilitó un servicio de promoción. Los colectivos partirán este sábado 13 de abril desde la Terminal de Ómnibus a partir de las 16hs. Este servicio tendrá un costo de $430, monto que incluirá tanto la ida como la vuelta además de una vianda con bebida.

Cabe recordar que el evento comenzará a las 20 y contará además de los artistas mencionados, con la danza del Ballet San Juan Nuevo Arte.

FUENTE:  https://www.telesoldiario.com

 

Argentina

Carlos Vega, el recolector de melodías

A 53 años de su fallecimiento, te contamos la vida del padre de la musicología argentina

Montados en autos, mochilas, mulas o caballos, con los fonógrafos mecánicos, eléctricos a batería, y en los últimos años grabadores de cinta magnetofónica, Carlos Vega realizó entre 1931 y 1965 setenta viajes por la Argentina y sus países limítrofes. Buscaba melodías en las memorias y en las voces vivas de los territorio. Nacido en Cañuelas, en la provincia de Buenos Aires, el 14 de abril de 1898, el poeta y compositor argentino es considerado el padre de la musicología argentina. Este 10 de febrero de 2019, se cumplen 53 años de su partida, en 1966.

La etnomusicóloga Isabel Aretz, la pianista Silvia Eisenstein y el investigador Lauro Ayestaran, fueron sus principales colaboradores. Junto a ellas, Vega recorrió geografías escondidas de las provincias argentinas, registrando en ese andar los cantos populares de los baqueanos. Compiló 1700 discos grabados sobre diferentes soportes, como cartón parafinado, acetato, celuloide y cintas magnetofónicas. Esos documentos sonoros se acompañan de un abundante registro fotográfico y de fichas y cuadernos donde Vega apuntaba día, lugar, género y compositor.

Motivado por conocer de dónde venía la música argentina, el veinteañero Carlos Vega empezó trabajar ad honorem en la sección de arqueologia y etnografia del Museo Argentino de Ciencias Naturales “Bernardino Rivadavia”. Años más tarde, en 1930, su desvelo por el tema lo llevó a crear el área de musicología andina del museo, y su gran proyecto de recopilación de la música tradicional argentina comenzó a andar.

Ricardo Rojas fue una importante influencia en sus investigaciones. Lo introdujo en el mundo del folclore y lo llevó a poner en diálogo perspectivas de investigaciones bajo la impronta del pensamiento “euríndico”, que plantea la fusión entre los valores culturales europeos con los de los indígenas americanos prehispánicos.

Vega pasaba sus días entre mundos que entrecruzaba: la organización de sus viajes de recolección de la música tradicional oral y el estudio los códices medievales, dando forma a su teoría de transcripción, en notación moderna, de las cientos de melodías que recogía en sus trabajos de campo.

Sus estudios sobre los orígenes de las danzas, la historia de música vocal e instrumental o la variedad de instrumentos musicales, no fueron teorizados por Carlos Vega en el contexto de ejecución en el que se desarrollaban esas experiencias musicales, sino que se centraban en los objetos y productos sonoros. Por tal motivo, la mayoría de los registros de campo eran producto de sesiones organizadas fuera del contexto cotidiano.

Gracias a las fotografías y cuadernos de campo, en donde dibujaba un mapa, la vestimentas de los bailarines, o apuntaba algunas características de las viviendas de cada poblado, hoy se pueden conocer algunas referencias sobre la vida diaria de aquellos ancianos que compartieron sus memorias y sus melodías.

La documentación completa de sus viajes se conserva en el Instituto Nacional de Musicología Carlos Vega

*Fuentes Instituto Nacional de Musicología Carlos Vega / Emilio Casares Rodicio en Diccionario de la música española e hispanoamericana

Fotos: Instituto Nacional de Musicología Carlos Vega

Agradecimientos: María Mendizabal, Rubén Travierso, Tomás Pagano y  Hernán Vázquez, del Instituto Nacional de Musicología Carlos Vega

Fuente: Cultura.gob.ar /Ministerio de cultura de la Nación Argentina

Argentina

Presentación del poemario EL PROFETA, de Guillermo Contreras

El poemario EL PROFETA de Guillermo Contreras será presentado el 16 de marzo a las 18 horas en el Centro Cultural Tiempos Modernos, Aristóbulo Del Valle 1701, Vicente López, Buenos Aires ( a dos cuadras de Puente Saavedra).

PRÓLOGO

                        “Es un bosque que navega y se balancea sobre las olas, un bosque en donde, sin saberse cómo, comenzaron a cantar pájaros, debían de estar escondidos por ahí y de repente decidieron salir a la luz, tal vez porque la cosecha ya esté madura y es la hora de la siega…” José Saramago.

 

            Asistimos a la obra de un poeta que camina. Y en su caminar, confunde vivencia poética con don de la profecía. No es extraño que esto suceda: quien ha visto en reiteradas ocasiones el alboroto de los pájaros antes de los tiempos de la cosecha o los ha oído enmudecer de súbito durante los segundos previos al estruendo de una tormenta, es capaz de adivinar, guiado por la experiencia y la lucidez, casi cualquier suceso.

            Porque la poesía de Guillermo Contreras atraviesa el mundo, del mismo modo en que el mundo ha atravesado el sentir del poeta. Así, desde el principio al fin de esta obra, somos testigos sensibles de este deambular, que no es una mera contemplación, sino más bien el testimonio de quien ha surcado la espesura de los bosques y a veces se ha perdido en ellos. Somos partícipes también de la voz de un hombre que, con minuciosa hondura, se ha detenido ante el cálido hechizo del fuego para dejarse atrapar por sus manos naranjas, a pesar de haber padecido, en ocasiones, del frío desolador que dejaron las cenizas.

            Contreras se sumerge del mismo modo, con un lenguaje arraigado en la ternura, en el seno del amor filial. Porque por esos lares sabe que puede suspender su andar con confianza. Allí entrega las palabras más sublimes y despojadas. Allí permanece sin defensas y se desvela ante los afectos más trascendentales. De ellos bebe todo lo necesario para continuar su peripecia por el mundo ecléctico y alocado, que a veces es paisaje y cordillera, a veces es ciudad amordazada; a veces es patio de infancia y otras tantas es un sueño poético o un poema que por los sueños anda.

            La ruta lírica que traza esta obra culmina en un grito libertario. Allí, enfrentado a su propio hartazgo en relación a las injusticias circundantes, el poeta parece arrancar los velos para advertirle al mundo que en los tiempos descarnados, él también ha dejado su sangre. Sin embargo, Contreras, con verso siempre atinado y despierto, deja una cuota de esperanza en el futuro. No porque sea optimista, sino porque confía en las bifurcaciones infinitas que el amor que hemos dado y recibido en nuestro paso por la vida, ha sabido surcar en lo más profundo de la tierra, contra todo viento y a pesar de cualquier marea. 

            Los invito a transitar esta obra como si se tratara del diario de un viajante. En palabras del poeta: “Camino solo por la vereda de la tarde/ hacia la plaza de los recuerdos/ viniendo lento del caos original /de la explosión primigenia/de la célula primera, de la última noche”. Acompañemos a Guillermo Contreras en su tránsito comprometido con la palabra, atravesemos junto a él cada pasaje desde el origen del día hasta la caída de la noche. No hay brújulas que aseguren el lugar exacto de la llegada, pero les aseguro que perderse por un buen rato entre sus versos, valdrá la pena.

 

Carla Demark

 

Argentina

Partituras para piano: arreglos de música popular argentina

Los Pianistas Argentinos, dirigidos por Hilda Herrera, comparten las partituras con arreglos propios de su gran repertorio de tango y folclore

Sin dudas la música popular argentina se destaca por su riqueza y variedad. Cada región del país desarrolló su propio sonido a lo largo de nuestra historia, dando lugar a un colorido mapa musical criollo. Sin embargo, muchas veces es difícil encontrar partituras de folclore pensadas para el piano solo, que puedan ser interpretadas por cualquier pianista, tenga o no experiencia en los géneros argentinos. Ése es uno de los principales objetivos que planteó la pianista y compositora Hilda Herrera en 2002, cuando creó el programa Pianistas Argentinos: producir material para piano de calidad con un equipo de músicos especializados y destacados alumnos. A lo largo de 17 años, Pianistas Argentinos produjo una gran cantidad de arreglos originales y composiciones sobre las formas y ritmos de nuestro folclore y tango. 

A continuación les compartimos parte de nuestro archivo de partituras para piano: versiones originales producidas por profesores, alumnos y graduados de Pianistas Argentinos, recorriendo las diferentes regiones musicales del país. 

  1. Bailecito

    Bailecito Arribeño
    Cuando Nada Te Debía
    El Peregrino
    Entre pañuelos
    Granito de sal

  2. Canción del Litoral

    Juancito en la Siesta
    Río y tiempo

  3. Candombe

    Papá Baltasar

  4. Carnavalito – Huayno

    Carnavalito de las llamas
    Gallito ciego – Palomitay
    Huayno del Diablo
    La Canastita

  5. Chacarera

    A las 5
    Aguita Demorada
    Chaca-kunturi
    Chacarera del 55
    Chacarera del aveloriado
    Chacarera del Rancho
    Chacarera del Zorro
    Corazón, qué te Sucede
    El Presumido
    Juan del Monte
    La Confusa
    La Enroscada
    La Huesuda
    La Nadita (H. Herrera)
    La Nadita (N. Martino)
    La Obrajera
    La Sonámbula

  6. Chamamé

    Corazon de Curupi
    Kilómetro 11
    Nueva Ilusión
    Refugio de soñadores
    Viejo-Caa-Cati

  7. Chaya

    Arrullo famatino
    Chaya
    Chayita del solitario
    Coplero del alto
    Los Guitarreros de Catuna

  8. Cueca

    Cueca del coto celoso
    De abajito
    La Huanchaqueña
    Las dos puntas
    Voy Llegando a Cuyo

  9. Estilo

    Pobre Gallo Bataraz

  10. Galopa

    Misionerita (Galopa) – Partitura completa

  11. Gato

    De Pago en Pago voy
    El Amor y Los Campos
    El Baquianito
    El Gatito de Tchaikovsky
    El ingenuo
    El Mercedino
    El Trepador
    Gatitos piqueteros

  12. Huella

    Alambradas de horizonte
    El triunfo de la huella
    Huella de la Tranquera
    Huella del Desierto – Partitura completa
    Huella
    Para Ser Silbada
    Por el sur

  13. Milonga Campera

    Al Calor de la tierra
    Para rezar en la noche
    Tiempo de partir

  14. Milonga Ciudadana

    Amanece despacito
    El bondi de la amistad
    La Trampera

  15. Milonga Entrerriana

    Fogón de Ausencia

  16. Otros

    Infancia
    Melodia del adiós y danza rústica

  17. Tango

    Cada día te extraño más
    Canaro en París-6 manos
    De Norte a Sur
    De parque y plaza
    La Ultima Curda
    Naranjo en Flor
    Orlando Goñi – 4 manos
    Redención

  18. Tonada

    Ay, Hasta Cuando
    Corazón que dice
    De Tinajas
    Mateando en el recuerdo
    Regreso a la tonada

  19. Triunfo

    Cardos Azules
    Entre Pampa y Riachuelo
    La vuelta de Obligado
    Mariano el Abanderado
    Merlo
    Prueba de ingles
    VAMOS IENDO IA PIANO Y FLAUTA 80 – Piano
    VAMOS IENDO IA PIANO Y FLAUTA

  20. Vals Criollo

    A una mujer
    Esquinas Porteñas
    Volvé Ciudad

  21. Vidala

    Corazón que sufre
    La luna y el cerro
    Vidala Sola

  22. Vidalita

    Palomita del Valle

  23. Zamba

    Agua Escondida
    Flor santiagueña
    La Diablera
    Nostalgias Santiagueñas
    Pañuelito de nubes
    Por las trincheras – Partitura completa
    Rodar la Sombra
    Zamba de los mineros
    Zamba de una Sombra
    Zamba del Chaguanco
    Zamba del Fiero
    Zamba del grillo
    Zambita del que se va
    Zambita pa’ Enamorar

Ministerio de cultura de Argentina

Argentina

Raly Barrionuevo y Miloska Valero se lucieron en Cosquin 2019

El Festival Nacional de Folclore de Cosquín es el festival más importante de música folclórica de Argentina.

El santiagueño, reconocido cantante y compositor argentino se presentó con un espectacular show invitando a una serie de artistas al escenario; Milena Salamanca y la cantante chilena Miloska Valero, quien disfrutó con la interpretación de una chacarera de su autoría y el tema «La Jardinera» de Violeta Parra.

Revisa el video a continuación:

Argentina

Cultura bajo el mar: en qué consiste el trabajo de los investigadores de patrimonio subacuático

Barcos con más de 300 años, naufragios épicos y objetos que revelan las costumbres y culturas de sociedades de siglos pasados. Enterate cómo se formó y qué estudia el equipo interdisciplinario del INAPL, en esta nota

Dolores Elkin es arqueóloga y desde sus días de estudiante trabajó como voluntaria en el Instituto Nacional de Antropología y Pensamiento Latinoamericano (INAPL). Le interesaba participar e involucrarse en espacios y proyectos que le permitieran “aprender y profundizar la formación”. “Y, como la inmensa mayoría de los arqueólogos de este país, –dice– cuando me recibí me dediqué a la arqueología prehispánica, de grupos cazadores, recolectores de la provincia de Catamarca”.

Elkin había ganado una beca de CONICET y aproximadamente durante una década estudió, para el INAPL, “los restos faunísticos que aparecían en las excavaciones”, a cuatro mil metros de altura, en la puna catamarqueña. Hasta que se enteró de la existencia de la “HMS Swift”, una corbeta de guerra británica que naufragó en 1770 en una ría Deseado –una entrada del mar que hoy se conoce como Puerto Deseado, en Santa Cruz–. El naufragio había sido descubierto en 1982, y a principios de los 90 un grupo de arquitectos buzos –entre los que estaba Cristian Murray– que investigaban desde 1987 el barco sumergido, advirtió la necesidad de incorporar arqueólogos que bucearan para sumarse al equipo de estudio.

Dolores Elkin

“Que yo supiera, no había en el país arqueólogos que bucearan. Me pareció tan interesante y valiosa la actitud de convocar arqueólogos que decidí intentarlo: aprender a bucear. Y propuse en el INAPL que se creara un área de Arqueología Subacuática. La directora era Diana Rolandi (que se jubiló no hace mucho), ella lo apoyó de entrada. Me preguntó si sabía bucear, le dije que no pero que iba a hacer un curso y ver si me gustaba. Y, muy sintéticamente, así fue cómo pasé de la provincia de Catamarca, muy árida, y de un tema prehispánio, a naufragios históricos. De esto ya hace poco más de 20 años”, cuenta Elkin.

En 1995 se formalizó la propuesta: se creó, en el INAPL, el Área de Arqueología Subacuática, y Elkin se convirtió en la primera arqueóloga submarina del país.

Cristian Murray es arquitecto y el único que no es arqueólogo del equipo que finalmente se puso al hombro la investigación de la Swift.

“Me puse en relación con el tema estando todavía en la facultad de Arquitectura, hace ya varios años, cuando un profesor de Historia dijo que quería formar un equipo en el Comité argentino del Consejo Internacional de Monumentos y Sitios (ICOMOS). Quería integrar un equipo de patrimonio cultural subacuático. Ahí yo ya había empezado a bucear, o sea que me interesó desde el primer momento. Y armamos un grupo en el que éramos todos estudiantes de arquitectura. Después de que empezamos a hacer prácticas de relevamientos y de trabajo subacuático, apareció esta posibilidad de trabajar en el naufragio de Puerto Deseado, que era el de la Corbeta Swift. Y cuando llevábamos un par de años de investigar, nos dimos cuenta de que era necesario incorporar arqueólogos para que trabajaran con nosotros. Entonces fue que vine al Instituto y conocí a Dolores”, recuerda Murray.

“El primer trabajo como arquitectos –agrega– fue tratar de entender los restos bajo el mar, porque realmente es un lugar en el que el agua es turbia y hay solo un metro de visibilidad, entonces es difícil. Lo que se ve no parece un barco armado, es una especie de rompecabezas de maderas dispersas, sueltas, caídas, en algunas partes más formadas. Lo primero que hicimos fue armar un plano del naufragio. Por ahí empezamos. Y después avanzamos con la incorporación de los arqueólogos”.

“Desde la arqueología –explica Elikin–, lo que tratamos fue, justamente, de empezar a trabajar en un tipo de resto en el que en el país no había experiencia, con las técnicas científicas con las que somos formados. Por ejemplo: decimos: ‘No vamos a sacar objetos así nomás, por más que los saquemos con cuidado y los llevemos a un museo, sino que primero dejamos claro qué preguntas queremos responder y, según eso, dónde voy a excavar y cómo’. Una de las preguntas era: ‘¿Qué tipo de objetos usaban los oficiales?’, porque en esa época, en el siglo XVIII, ser un oficial de la Armada británica era algo de estatus alto. No cualquiera llegaba a ese rango. Hay que pensar que este era un barco británico y Gran Bretaña era la dueña de los mares en ese momento. Entonces nuestra pregunta era: ‘¿Cómo eran los platos, las cosas cotidianas que utilizaban los oficiales de esta corbeta?’. Si querés excavar en el lugar donde estaban los oficiales para responder esa pregunta, decís: ‘Bueno, ¿dónde estaban los camarotes de los oficiales?, ¿dónde estaba la cabina?’, entonces vamos a buscar en la zona de popa. Y así fue como empezamos por excavar la parte de los oficiales y por focalizarnos en los objetos que usaban. Esa era una de las preguntas. Otra era: ‘¿Cómo fue construido este barco?, ¿es un barco típico o atípico para la época? ¿Había sido reformado?’. Entonces Cristian, como arquitecto, coordinaba y lideraba esa línea de investigación vinculada a la construcción naval.

Con un minucioso trabajo los investigadores subacuáticos lograron reconstruir la historia del naufragio. En Inglaterra hallaron registros que les permitieron saber que el barco llevaba 91 tripulantes a bordo, que solo tres murieron en su hundimiento, y algunos datos duros referidos a la corbeta y a las rutas que navegaba, pero otros tantos aportes valiosos los descubrieron gracias a la excavación realizada bajo el mar.

“Creo que uno de los descubrimientos más interesantes tiene que ver con la alimentación de la tripulación –dice Elikin–. (…) Gracias al agua fría de la Patagonia, gracias a las condiciones de enterramiento de los materiales –porque estaban no solo bajo el agua sino bajo sedimento, o sea enterrados y bajo el agua–, y quisiera decir gracias a la calidad de nuestro trabajo que nos llevó años, recuperamos semillas y frutos, restos de uva, de nuez moscada, de pimienta, de mostaza. Elementos que muestran que tenían una dieta quizás un poquito más variada de lo que uno pensaría. También restos de cáscara de huevo de pingüino (…). Posiblemente también pescarían, nosotros no encontramos restos de anzuelos o elementos de pesca. Toda esa información no está en los documentos históricos. (…) Entonces desde la arqueología estamos aportando información que creo que es interesante. También encontramos un cajoncito de madera compartimentado que estaba lleno de frascos de uso medicinal, con el contenido adentro. Se hicieron estudios de lo que había y encontramos que uno tenía mercurio puro, que para esa época se consideraba que curaba enfermedades venéreas como la sífilis (que en realidad no la curaba, al contrario, a lo sumo te producía una alteración neurológica seria porque el mercurio es muy tóxico). A partir de eso también pudimos obtener información sobre cómo era la farmacología a bordo de un barco de 1770. Y después, el cuerpo humano. Encontramos el cuerpo de un tripulante”.

“Sabíamos por los registros históricos que se habían ahogado tres y que se había encontrado el cuerpo de uno a los pocos días del naufragio, así que había dos que probablemente estaban dentro del barco. Entonces siempre decíamos: “A ver si excavando en un momento encontramos alguno”, cuenta Murray.

El cuerpo del soldado inglés estaba completo. Tenía los zapatos de cuero puestos, botones, parte de la chaqueta roja de su uniforme militar pegada a los huesos, hebillas.

“Habíamos encontrado ya muchos zapatos de cuero sueltos –agrega el arquitecto– en diferentes lugares. Apareció otro, empezamos a manipularlo abajo del agua y vimos que tenía adentro unas cosas blancas que al principio no sabíamos qué era y enseguida nos dimos cuenta de que eran huesos. Entonces dijimos: ‘Este zapato no está suelto, viene con algo’. Y lo interesante fue que esta zona del barco, la popa, fue la primera que empezó a sumergirse. El barco quedó encallado en una roca y, cuando empezó a bajar la marea, quedó como colgado con la proa en la roca y la popa se inundó. Entonces los documentos históricos dicen que había muchos tripulantes ayudando a sacar el agua con baldes y que se habían sacado los zapatos. Y este apareció dentro de la cabina del capitán, bajo una cubierta. Probablemente haya quedado atrapado ahí cuando el barco se deslizó de golpe y se hundió. Además había tres o cuatro baldes en la zona donde estaba él, así que probablemente era uno de los que estaba ayudando a sacar el agua”.

Según los documentos históricos, el barco había partido de la base inglesa en Malvinas con el objetivo de realizar un relevamiento geográfico, y tuvo la mala suerte de que hubo días continuos de mal tiempo, con fuertes vientos, y fue impulsado alejándose del archipiélago y acercándose a la costa continental. Algunos marineros sugirieron ingresar a la ría Deseado para buscar reparo pero chocaron contra una roca primero y luego contra otra y la travesía terminó en naufragio. Por fortuna, los 88 tripulantes que sobrevivieron fueron rescatados unas tres semanas después gracias a que cinco voluntarios acondicionaron un bote salvavidas y fueron a remo hasta Malvinas a pedir auxilio.

La investigación del naufragio de la Swift llevó más de dos décadas. En la excavación subacuática el tiempo que una persona puede estar sumergida depende de la profundidad, y la corbeta británica hundida a 18 metros permitía a los buzos solo dos inmersiones por día, por persona. La primera de 45 minutos y la segunda de 35, aproximadamente. Exceder ese límite es perjudicial para la salud.

A eso se le suma el trabajo detallado que realizan: “Nosotros registramos cada cosa y decimos: ‘Bueno, este plato estaba cerca de esta taza y esta taza estaba en un estante de un mueble que estaba en la cabina del capitán’. O sea para nosotros el contexto es fundamental, y una vez que sacás las cosas del agua ya lo destruiste”, explica Elkin.

En 2011, los ocho profesionales que se abocaron a este proyecto cerraron la investigación con la presentación de un libro que escribieron en conjunto narrando el caso y sus hallazgos. Aún así, aclaran Elkin y Murray, muchas otras personas participaron y colaboraron en diferentes momentos: investigadores de otros países, estudiantes, personal de las áreas de Química, Medicina, Odontología, cuando descubrieron el cuerpo del tripulante, línea de la investigación que finalizó con el entierro del soldado en el sector británico del cementerio de Chacarita y una ceremonia con representantes de la Armada argentina y la Marina inglesa.

Todos los objetos que rescataron del barco, junto a la historia de la Swift, se encuentran expuestos en el Museo Municipal Mario Brozoski, en Puerto Deseado, el único dedicado a la arqueología subacuática en Argentina.

En la actualidad, el equipo que conforma el Programa de Investigación y Conservación del Patrimonio Cultural Subacuático está formado por: Dolores Elkin, que es investigadora del CONICET con lugar de trabajo en el INAPL y además integra la Comisión Nacional de Monumentos, Lugares y Bienes Históricos de la Secretaría de Cultura; el arquitecto Cristian Murray; la doctora Mónica Grosso, también arqueóloga; y Christopher Underwood, investigador honorario. Además, una camada de jóvenes recién graduadas, arqueólogas y buzas -tal como se designan entre ellas-, que hicieron sus tesis bajo la dirección de los investigadores se han sumado a algunos proyectos del programa.

“Creo, sobre todo ahora mirando en perspectiva, que pudimos demostrar que en nuestro país se puede hacer arqueología subacuática de calidad, como cualquier arqueología; que estamos haciendo ciencia y que estamos ampliando el panorama de lo que es el conocimiento del pasado gracias a que accedemos a restos que estaban ocultos por el agua”, finalizó Elkin.

Fuente: https://www.cultura.gob.ar
Argentina

¿Qué significa Qhapaq Ñan y por qué atraviesa Argentina?

Nació durante el Imperio Inca y hay un proyecto plurinacional para revalorizarlo; en Argentina, la longitud total de los tramos es de 119 km, dividido en 13 segmentos de camino distribuidos en siete provincias y 32 sitios arqueológicos asociados

¿Qué significa Qhapaq Ñan y qué se entiende por Sistema vial andino?

Qhapaq Ñan en quechua significa “camino principal” y se extiende a lo largo de una de las zonas geográficas más extremas del mundo, que fue usada durante varios siglos por caravanas, viajeros, mensajeros, ejércitos y grupos poblacionales que alcanzaban las 40 mil personas. Recorrerlo permite conocer la línea vital del Tawantinsuyu -Imperio Inca-, que conectaba ciudades y centros de producción y de culto a lo largo de grandes distancias. De este modo, ciudades, pueblos y áreas rurales fueron integrados en una misma traza vial. Muchas comunidades locales actúan como guardianes y custodios tradicionales de los segmentos de este camino y continúan salvaguardando las tradiciones culturales inmateriales relacionadas, incluyendo el idioma.

   

El Programa Qhapaq Ñan es un proyecto plurinacional. Tiene como objetivo implementar actividades de investigación, recuperación, puesta en valor y promoción del sistema vial andino, que tiene más de dos mil años de antigüedad, y fue consolidado por el imperio incaico durante el siglo XV.

En Argentina, el camino ingresa desde Bolivia por el pequeño poblado de Calahoyo (en la Puna) y atraviesa desiertos, valles y montañas uniendo los territorios que hoy componen las provincias de Jujuy, Salta, Tucumán, Catamarca, La Rioja, San Juan y Mendoza; todas trabajan en conjunto bajo la coordinación técnica del INAPL.

Como consecuencia de este trabajo, en junio de 2014 fue inscripto en la lista de Patrimonio Mundial por el Centro de Patrimonio Mundial de UNESCO, bajo la categoría de “bien transnacional seriado” y en calidad de Itinerario Cultural. En nuestro país, la longitud total de los tramos de camino nominados es de 118,527 km (13 segmentos de camino en las siete provincias) y 32 sitios arqueológicos asociados.

El Sistema Vial Andino mantiene sus funciones originales de integración, comunicación, intercambio y flujo de bienes y conocimientos, y a pesar de las formas actuales de comercio moderno y los cambios sociales, conserva su relevancia e importancia a través de los siglos, así como un rol de referencia cultural que contribuye a reforzar la identidad dentro del mundo andino.

¿Qué es la secretaría pro-tempore?

Argentina es sede de la Secretaría Pro-Tempore del proyecto plurinacional Qhapaq Ñan. En 2015, fue establecido que la sede rotaría entre los seis países: Argentina, Colombia, Ecuador, Perú, Bolivia y Chile, ordenados alfabéticamente y comenzando por Perú, que acaba de hacer entrega de la misma a nuestro país. La coordinación está a cargo de la Dirección Nacional de Bienes y Sitios Culturales.

El ámbito internacional del Sistema es representado por el Comité Internacional del Qhapaq Ñan, que está formado por los responsables nacionales del bien, por los puntos focales en los Ministerios de Relaciones Exteriores de cada uno de los seis Estados Parte y por los Delegados Permanentes de los países del Qhapaq Ñan ante la UNESCO.

Esta Secretaría cumple el rol de coordinar las acciones de las seis secretarías técnicas y contará con el apoyo del Secretario Técnico de un segundo país, para llevar a cabo el trabajo regular y de consulta, y le sustituirá en la responsabilidad al finalizar el período de su designación. El objetivo principal es dar continuidad a los procesos, mantener la información compartida y contar con apoyo para consulta y gestión en el desarrollo de las actividades.

En el traspaso de la sede, el asesor Américo Castilla, quien en el momento en que se iniciaron las negociaciones estaba a cargo de la Secretaría de Patrimonio, agradeció al país andino: “La tarea que ha hecho el Perú, no solo al comienzo de este proyecto si no continuamente,  nos ha estimulado a todos los países a trabajar en conjunto”.

Durante el traspaso se encontraron presentes también la Directora del Instituto Nacional de Antropología y Pensamiento Latinoamericano, Leonor Acuña; la asesora del INAPL, Victoria Sosa; en representación de la Cancillería Argentina, Andrea Repetti y la Secretaria Técnica Saliente del Qhapaq Ñan, Diana Rolandi.

Fuente: https://www.cultura.gob.ar

Argentina

Gustavo Bove: “Cerati era un gran personaje para entrevistar”

Gustavo Bove: “Cerati era un gran personaje para entrevistar”

Por Fernanda Schell

Gustavo Bove, un periodista musical argentino junto a Gustavo Cerati, se plantearon por primera vez el proyecto de realizar una biografía a través de entrevistas, para lograr “Cerati: conversaciones intimas”, un texto que refleja las propias palabras del ex Soda Stereo.

El periodista refleja las diferentes instancias que compartió con el músico, expresando disímiles pasajes de la vida de Gustavo Cerati.

¿Cómo lo conociste a Cerati?

Lo conocí a mediados de los 80’s, nos cruzábamos en lugares nocturnos de Buenos Aires, como discotecas, pubs y reductos para conciertos. Nos encontrábamos seguido y conversábamos. Teníamos gustos musicales muy similares, hasta un look que nos hermanaba. Pero él tenía una  imagen que lo llevaba más al extremo, Gustavo  salía con maquillaje y ropa tipo new wave. Lo mío era más precario, me daba vergüenza salir maquillado a la calle. En ese momento, Cerati era un músico que estaba en ascenso, no era la estrella que se convirtió en unos años después, especialmente desde el 89’ o 90’ en adelante, donde se erigió en una celebridad.

¿Cómo surge la idea de escribir Conversaciones íntimas?

Surge de una conversación mía con Gustavo acerca de hacer una biografía “charlada”, más que algo lineal como son las biografías. La idea era hacer foco en sensaciones, sentimientos, reflexiones, más que simples datos de su vida artística. Quería hacer un libro en “carne viva”.

¿Cómo se dio esa confianza con Gustavo?

Yo estaba dando mis primeros pasos como periodista en un programa radial llamado “Submarino amarillo”, este se emitía por “Radio Del Plata”. Allí empezamos a tener esa relación más íntima. Cuando hacíamos alguna entrevista, la confianza se filtraba en nuestras charlas “profesionales”. Esto hacía que Gustavo se sintiera relajado y se animara a conversar de cosas que con otros periodistas se guardaba o prefería conservar.

Él era un gran entrevistado, muy culto, le gustaba mucho hablar, conocía la música, y algo más importante: sabía escuchar al otro. Se reía mucho de sí mismo. Este último detalle lo hacía entrañable para mí.

¿Cómo defines la relación periodista y músico?

En líneas generales, podría decir que era una relación muy sincera, simple y desinteresada.

Encontraste unos cassettes, ¿qué encontraste allí?

Me encontré de muy de niño, haciendo como entrevistas básicas, con preguntas que podían ser muy inocentes o ácidas. Digamos que tenía el control de la conversación pero que no la domaba. También, visualicé un crecimiento humano y espiritual en ambos al comparar entrevistas de los 80’s con otras de los 90’s o del 2000.

Creo que las mejores notas de mi carrera las realicé con él. Definitivamente, Gustavo era un gran personaje para entrevistar, por lo menos para mí.

¿Cómo armaste la estructura del libro y selección de archivos? 

Fue difícil porque la idea del libro era hacerlo con él para tener un perfil biográfico. Yo empecé a escuchar esos cassettes mientras Gustavo estaba internado, entonces se hacía muy angustiante escucharlo. Por otro lado, me di cuenta de que en esas notas estaba la esencia de lo que queríamos hacer: transmitir la parte humana del personaje, Iluminar a la persona detrás de él. En ese sentido, la portada del libro logró proyectar la idea. Siento que se convirtió en un retrato iconográfico.

¿Cómo era la vida íntima de Cerati?

De lo que yo conocí de él, era un personaje muy simple,  disfrutaba de la vida, tenía su parte de “rockstar”, a la vez el lado común muy claro. Gustavo sabía muy bien quien era y que representaba, pero en la intimidad no te hacía sentir de esa manera. Era simple y complejo al mismo tiempo. Fue un artista inigualable, con una sensibilidad única, muy poético, visual, con metáforas que en su boca sonaban como en otra dimensión. Tenía esa sensibilidad innata, única.

                 Gustavo Bove

¿Tuvieron algún descubrimiento inesperado durante estas conversaciones?

Lo más importante, quizá haya sido que en una de nuestras conversaciones salió el título de su tercer disco solista, “Siempre Es Hoy”. Estábamos hablando del regreso de Soda Stereo y él se resistía a que le hablen de ello. Ante mi insistencia, recuerdo que me contestaba que no, que hoy era muy poco probable y me respondía con el latiguillo “y hoy es siempre”. Allí le sugerí que era un buen nombre para el disco. No me dio mucha importancia en ese instante, pero la frase le quedó rebotando en la cabeza y terminó como título del álbum.

 

¿Gustavo se sentía más pleno en Soda Stereo o solista?

Estoy seguro que se sentía más pleno como solista. Quizá la dinámica de la banda le quitaba plenitud, aunque con Soda tuvo momentos muy inspirados, pero a nivel felicidad, siempre lo vi más contento en su rol solista. Estaba más libre de las presiones que llevaba el hecho de grabar cada disco con su ex banda.  

 

Desde tu perspectiva, ¿cuál fue la mejor etapa de Cerati?

Para mí, es la etapa que va de “Canción Animal” a “Sueño Stereo”, del 90’ al 95’. Allí compuso canciones increíbles. En esos años también grabó “Colores Santos” con Daniel Melero, un álbum que es inspiración al cuadrado. Dentro de aquella época también salió “Dynamo”, para mí es el mejor disco de Soda, y la canción “En Remolinos”, una de los tres mejores temas que compuso Gustavo.

 

¿Cuál es el rol que cumple Gustavo Cerati en la música latinoamericana?

Para mí, es el número uno indiscutido, con su carisma, canciones e ímpetu artístico le abrió la puerta definitivamente al rock en español. Tras su muerte, la figura de Cerati creció a niveles inimaginables. Como dijo Richard Coleman en mi libro “Gustavo quería que todo el mundo lo ame”.  Me parece que pagó un precio muy alto para que ello suceda, pero sucedió.

 

¿Cómo fue el recibimiento de tu libro, en la familia de Cerati, fanáticos y cercanos? 

Muy bien recibido. Fue Best Seller en 4 países, Chile, México, Perú y Argentina.

Diariamente recibo mensajes de fanáticos que me dicen que escuchan la voz de Gustavo cuando leen el libro. En el lado familiar, cuando fue la presentación del Cirque Solei de Soda, Lilian (la madre de Gustavo) me dijo “tu libro es muy emocionante, muy emocionante”.  Me quedo con esa sensación y esas palabras.

 

¿Qué proyectos tienes a futuro? 

El próximo año se cumple el quinto aniversario del libro de Gustavo y va a salir una versión deluxe, con dos capítulos nuevos, fotos inéditas, un prólogo de Richard Coleman y varias sorpresitas. Diría que es otro libro.

 

 

Argentina

Historia del mate: mitos y secretos

Historia del mate: mitos y secretos

 

FUENTE: Secretaría de Cultura de la Nación / ARGENTINA 

https://www.cultura.gob.ar/historia-mitos-y-secretos-del-mate_6821/

En el marco del Día Nacional del Mate, todos los 30 de noviembre, hacemos un recorrido por la historia de la infusión que nos define y te contamos sus secretos y sus leyendas

Aunque ya en 2013 el mate había sido declarado «infusión nacional» por el Congreso de la Nación, fue el 30 de noviembre de 2015 la primera vez que se celebró el Día Nacional del Mate, después de que se publicara en el Boletín Oficial la ley sancionada el 17 de diciembre de 2014. La fecha fue escogida para conmemorar el nacimiento de Andrés Guacarí y Artigas, un caudillo guaraní que fue de los primeros líderes federales de las Provincias Unidas del Río de la Plata y el único gobernador indígena de la historia argentina.

Designado por José Gervasio Artigas como Comandante General de Misiones, Andrés Guacarí y Artigas gobernó entre 1815 y 1819 la entonces Provincia Grande de las Misiones, desde donde fomentó la producción y distribución de la yerba mate.

Orígenes de la ronda del mate 

En el principio, los custodios y usuarios de las yerba mate fueron los guaraníes. Ellos utilizaban sus hojas como bebida, objeto de culto y moneda de cambio en sus trueques con otros pueblos. Caá en guaraní significa yerba, planta y selva. Para este pueblo, el árbol de la yerba mate era, más que nada, un regalo de los dioses. 

Pero quienes se encargaron de difundir su consumo y sus virtudes por todo el entonces Virreinato del Río de la Plata fueron los conquistadores. Años más tarde, los Jesuitas introdujeron el cultivo en las reducciones o misiones jesuíticas guaraníes. Gracias a ellos, la yerba mate se popularizó.

De esta manera fue que tomar mate se transformó en una de las tradiciones que, como pocas, se mantiene inalterada desde hace siglos, arraigándose y expandiéndose alrededor del mundo. Tanto, que hoy por hoy en Argentina se consumen alrededor de 100 litros de mate al año por persona.

Pau Navajas, autor del libro Caá Porã, El espíritu de la yerba mate (Establecimiento Las Marías, 2013), afirma que tomar mate es una de las costumbres vigentes en nuestro país desde antes de su independencia.Navajas, que aborda en su texto la infusión desde su origen hasta su participación en la conformación de la identidad nacional y la economía argentina, asegura que aun quienes bregaban por la independencia en 1816 debían cebarse mates entre las acaloradas discusiones en la Casa de Tucumán.

“La historia se escribió posteriormente, y por ello se perdieron detalles de la vida cotidiana. Pero seguramente los congresales tomaban mate; de hecho, todos lo que trabajaban lo hacían mientras ejercían sus labores, como ahora”, contó en una nota para La Gaceta, el principal diario tucumano.

“En 1816 había un contexto de comarcas aisladas, con fortísimos regionalismos, y el mate era uno de los pocos elementos transversales, como el poncho. Era un elemento de construcción de identidad común. Por ello, debe haber tenido un rol muy importante en esa fecha, algo bueno para investigar profundamente ya que ninguna crónica o ilustración muestra a los congresales tomando mate en las sesiones”, dice Navajas.

Asimismo, explica que gracias a los relatos de los forasteros que llegaban a explorar estas tierras se pudo reconstruir que el mate atravesaba todos los estratos sociales, unía e igualaba: era consumido por ricos, pobres, amos, esclavos, nativos, españoles, hombres, mujeres, jóvenes y viejos. Incluso se compartía entre miembros de diferentes posiciones como esclavo y patrón.

Navajas cuenta que la manera de distinguir las clases sociales no pasaba por consumir mate o no hacerlo, sino por qué aditamentos se incluían, tanto en la “receta” como en los objetos para beberlo. Así, los aristócratas de la época volvían a la infusión más selecta agregándole leche, crema, canela o clavo de olor.Y “mandaban a labrar sus mates a Potosí, con la plata de ahí. Cuanto más ostentoso, elaborado y barroco fuera, más refinado se lo consideraba. También tenían la figura de la cebadora, que se ubicaba en las salas de las casas. En aquel entonces el mate se ofrecía como hoy se ofrece un té o un café”, describe el autor.

“Frente al mate somos todos iguales”

La frase la dijo Valeria Trapaga en una charla TED, la primera sommelier de mate del país. “Frente al mate somos todos iguales”. Esa condición fue una de las tantas cosas que la atrajo y la llevó a volverse experta en los secretos de esta bebida ritual de los argentinos.

Trapaga, que recorre el país compartiendo sus conocimientos sobre la yerba mate en charlas y reuniones, agrega que “la yerba mate no es hoja molida metida dentro de un paquete, es mucho, mucho más que eso”.

La especialista se declara enamorada del mate y aprovecha el espacio de la charla para desmentir 3 de las leyendas más difundidas sobre esta bebida:

  1. “El polvo de la yerba mate hace mal”. Falso. El polvo de hoja es uno de los componentes más virtuosos de esta infusión, le aporta suavidad y espumosidad. Hace que los mates sean ricos y rendidores.

  2. “Raspar el mate es correcto para destapar la bombilla”. No está comprobado. Para que la bombilla no se tape, lo mejor que podemos hacer es echar un chorrito de agua fría o tibia al comenzar el mate, así la yerba se hincha y en este estado no ingresa dentro de la bombilla.

  3. “Se puede tomar el mate a más de 85 grados de temperatura”. O “Si se hierve el agua, enfriarla con un chorro de agua fría”. Error. De este modo se arruina toda la bebida porque cuando el agua hierve le quitamos el oxígeno, y por ende el poder de solvencia, que es lo que permite que la yerba muestre todos sus sabores y aromas.

6 secretos para hacer un buen mate:

  1. Se llena tres cuartas partes del mate.

  2. Se lo sacude tapando la boca del mate con la palma de la mano.

  3. Se deja toda la yerba de uno de los lados del recipiente para que al pararlo quede colocada en forma oblicua.

  4. Se echa un chorro de agua fría o tibia en la parte del mate donde hay menos yerba, de decir, en la parte de abajo de la inclinación. Cuando la yerba se hincha, allí es donde se coloca la bombilla.

  5. Se ceba el mate vertiendo el agua lo más cerca posible de la bombilla para evitar mojar toda la yerba. De esta manera, conservará su sabor por más tiempo porque cada vez que volquemos agua al recipiente la yerba que está seca irá alimentando, liberando gradualmente, el sabor. Si se moja toda la yerba los mates se lavarán más rápido.

  6. Se recomienda no mover la bombilla una vez que se inicie el mate para que no se tape y para que la yerba seca no se moje.

Para finalizar, la especialista nos comparte 2 enseñanzas valiosas vinculadas con el ritual:

“Cebar no es servir. Cebar significa repartir alimentando, una acción en la que necesito poner una cuota de amor, de cariño y dedicación. La idea es que empecemos a cebar y no a servir mates”.

“La magia más grande que tiene el mate la heredamos de los guaraníes que la descubrieron. Ellos ordenaban su vida según un principio de reciprocidad porque consideraban que no era más rico el que más tenía si no el que mayor capacidad tuviera de compartir los bienes materiales y espirituales con los demás. Por eso cuando descubrieron la yerba mate y la hicieron parte de sus vidas, porque para ellos era una pócima, decidieron que la tenían que compartir. Y fue frente al fuego, que era sagrado, y pasándose un cuenco, que tomaron esta decisión. Hoy al mate lo compartimos gracias a ese gesto, a ese mensaje tan místico y tan mágico de los guaraníes”.

 
Argentina

¿Quién fue María Rosa Lida?

A 108 años de su nacimiento, el 7 de noviembre de 1910, homenajeamos a la mujer argentina que marcó un antes y un después en la investigación de las culturas clásicas y literaturas hispánicas.

Fue helenista, medievalista, hispanista y filóloga. La argentina María Rosa Lida fue una de las pocas figuras académicas con más relevancia internacional que nacional, durante el siglo XX. Nació el 7 de noviembre de 1910 en Buenos Aires, en el seno de una familia judía que hablaba idish, pero sus padres nunca dejaron de incentivarla -tampoco a su hermano, Raimundo- sobre la cultura hispánica. Ambos abrazaron la filología de la lengua española y lograron reconocimiento. Tanto, que María Rosa fue miembro correspondiente de la Real Academia de la Lengua Española, recomendada por el prestigioso historiador y filólogo, Ramón Menéndez Pidal; y más tarde, de la Academia Argentina de Letras.

Egresada de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, con mención honorífica, en 1947 obtuvo su doctorado con una tesis sobre la poesía de Juan de Mena, bajo la dirección del escritor y crítico español, Amado Alonso. Gran erudita y conocedora del mundo grecorromano y judaico, comenzó a publicar sus primeras investigaciones durante los años 30 y 40.

Su talento la llevó a ganar la beca de la Fundación Rockefeller, primero en Massachusetts (Cambridge) y, luego, en California (Berkerley). En esta última ciudad fue donde conoció y se casó con el filólogo Yákov Malkiel, quien era pariente de dos grandes iniciadores de lo que se conoció como el formalismo ruso literario: Victor Zirmunskij y Yuri Tyniánov.

En Buenos Aires, María Rosa también se codeó con otros intelectuales de la época, como Victoria Ocampo y Jorge Luis Borges. Hasta colaboró en la emblemática revista Sur, con un ensayo sobre el mito de Helena. En 1982, Victoria no dudó en publicar todo un número en homenaje a esta erudita argentina.

Lida ejerció la docencia en la Universidad de Buenos Aires, pero con el desmantelamiento en 1947 del Instituto de Filología y cierta persecución política, partió hacia Estados Unidos junto con su hermano Raimundo y Amado Alonso, su tutor académico.

Durante los 50, comenzó a dar clases en la Universidad de Harvard, pero solo como becaria, ya que los cargos permanentes estaban reservados para los hombres. Sin embargo, aprovechó el acceso a las importantes bibliotecas de la institución y es allí cuando comenzó a escribir su obra magna: La originalidad artística de La Celestina, la cual se publicó en 1963 por Eudeba.

Hoy, continúa siendo el texto más crítico y reconocido sobre la obra de Fernando de Rojas. Su prestigio no paró de crecer: el Smith College norteamericano le concedió un doctorado honoris causa por su enorme labor y aporte a las culturas clásicas, y así también lo hizo la UBA. Entre algunas de sus obras, tradujo del griego la Introducción al teatro, de Sófocles, y Los nueve libros de la historia, de Heródoto.

 

Víctima de un cáncer, murió a los 51 años el 25 de septiembre de 1962, en Oakland, California. Su marido se encargó de editar muchos de los apuntes y escritos inéditos que María Rosa había dejado, como sus estudios sobre la obra del historiador jerosolimitano del siglo I, Flavio Josefo. Pero más allá de su temprana desaparición física, María Rosa Lida dejó una huella profunda en la cultura filológica y literaria con la que develó distintas perspectivas y abordajes del mundo clásico y de la literatura española.

Con un estilo particular, crítico y razonado, acercó toda aquella antigüedad de una forma apasionante y deslumbrante. Quizá por eso, tanto en el país como en el exterior, quienes se inicien en el estudio de las Letras se encuentren sin dudas con su nombre, siempre contemporáneo y siempre vigente.

Fuente: https://www.cultura.gob.ar

Argentina

Cultura en la Noche de los Museos 2018

Este 10 de noviembre los Museos Nacionales abren sus puertas de noche para recibir al público con sus colecciones, shows y visitas guiadas. Todas las actividades son gratis. Conocé la programación y armá tu recorrido

El sábado 10 de noviembre de 2018, a partir de las 20, los Museos Nacionales volverán a abrir sus puertas en la 15° edición de La Noche de los Museos. En esta nota, te detallamos todas las actividades que podés disfrutar con entrada libre y gratuita.

Bajate la programación completa en PDF

Circuito SUR I

Museo Mitre/ Manzana de las luces/ Museo del Cabildo

Museo Mitre

San Martín 336, CABA

Exhibiciones temporarias

El trabajo en el siglo XIX desde la mirada de Samuel Rimathé. Muestra fotográfica sobre la obra del fotógrafo suizo, Samuel Rimathé, que pone el foco en los trabajadores de la sociedad argentina decimonónica.

#ExpoEfímera: Rarezas del Mitre. Exposición efímera cocurada con la comunidad. Solo durante esta noche, se exhibirán piezas raras de nuestra colección que fueron elegidas y votadas por el público en las redes sociales.

Actividades

Desde las 20:30, cada una hora

Visita guiada La casa de Bartolomé Mitre. Conocé la casona de origen colonial en la que vivieron Bartolomé Mitre y su familia, entre 1859 y 1906, y descubrí los secretos que esconden sus salas con patrimonio original. Comienza en el primer patio.

Desde las 21, cada una hora

Taller autodidacta de intervención artística. Te invitamos a observar en detalle la ilustración del artista Pablo Lobato que, actualmente, cubre la fachada del Museo, y a imaginar y crear tus propias intervenciones. Comienza en la fachada del museo.

Toda la noche

Construí tu propia exhibición. Invitamos al público a apropiarse de los patios del Museo con las obras creadas en el taller autodidacta de intervención artística, y a montar su propia exhibición.

Museo Nacional del Cabildo y de la Revolución de Mayo

Hipólito Yrigoyen 511, CABA

Exhibiciones temporarias

La Conspiración. Una experiencia visual y sonora a partir de una historia real. Se trata de una muestra basada en la “Conspiración de Álzaga”, episodio que sucede en Buenos Aires en 1812. La muestra narra el devenir de esta historia a partir de dispositivos sonoros y dibujos en clave de cómic, invitándonos a pensar en los cambios que produjo la Revolución de Mayo en la sociedad porteña.

Léonie Matthis, paisajista de la historia. Un homenaje a la única mujer con obra firmada de la colección del Museo. Un espacio que permite acercarse a la historia y la intimidad de esta artista, a través de sus fotos y sus herramientas de trabajo.

Excavación arqueológica. Sé testigo de una excavación en el patio del Museo para buscar los antiguos muros del edificio original. Además de ver el trabajo que realiza nuestro arqueólogo, en el hall podrás encontrar algunas de las piezas descubiertas (restos de metal, cerámica, mayólicas, vasijas y ladrillos antiguos).

Actividades

Toda la noche.

Sumate a las intervenciones y activaciones artísticas que haremos en las exhibiciones temporarias.

Complejo Histórico Cultural Manzana de las Luces

Perú 222, CABA

Exhibiciones temporarias

Máquinas de mirar. Esta exhibición itinerante tiene como objetivo difundir, promover y acercar a grandes y chicos a la etapa previa del nacimiento del cine. Cuenta con algunos dispositivos-réplicas de originales de la época victoriana, otros artesanales diseñados y producidos en Córdoba, y aparatos de otras partes del mundo y de diferentes momentos de la historia.

Hablemos de orgullo. Veintisiete miradas jóvenes celebran la diversidad y promueven, a través de sus fotografías, el reconocimiento y el respeto a la libertad de orientación sexual, de identidad y expresión de género. Se trata de la primera exposición fotográfica que convoca el programa nacional Hablemos de Todo, del Instituto Nacional de Juventud, junto con la Dirección de Diversidad Sexual de la Secretaría de Derechos Humanos y Pluralismo Cultural de la Nación, y la Secretaría de Cultura.

Actividades

De 20 a 2 am

Música y pintura en acción, por Sofía Rébora. Vení a disfrutar de un espectáculo de pintura neoexpresionista en vivo, inspirado en música en directo.

Arte en el cuerpo, por Arancha Blanco. Te invitamos a participar de esta intervención de body art en vivo, tomando como disparador la producción de artistas contemporáneos y latinoamericanos.

20

Tangos y boleros, por Dúo Lucrecia Merico y Oscar De Elía. Vení a disfrutar de un espectáculo de tango. Lucrecia es una de las intérpretes más representativas del tango reo, y Oscar es pianista, arreglador y subdirector de la Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto.

20:40

Ensamble de guitarras del Conservatorio Superior de Música de la Ciudad de Buenos Aires “Astor Piazzolla”. Disfrutá de este concierto de guitarras en el que compartiremos obras de Vivaldi, Pujol y Gallino.

21

Música barroca y sonido porteño, por Ensamble Euterpe. Te invitamos al concierto de piezas barrocas de los autores italianos Corelli, Vivaldi, Marcello y tangos del emblemático Astor Piazzolla. Con una formación no tradicional (flauta traversa, guitarra, piano, violoncello y bandoneón), el ensamble busca fusionar la música antigua con el sonido porteño.

22:15

Ensamble de violoncellos del Conservatorio Superior de Música de la Ciudad de Buenos Aires “Astor Piazzolla”. Vení a disfrutar del concierto de este ensamble dirigido por los profesores Florencia Tomasini y Luciano Falcón.

22:45

Grupo de producción musical artística del Conservatorio Superior de Música de la Ciudad de Buenos Aires “Astor Piazzolla”. Este concierto invita a explorar diferentes posibilidades performáticas, musicales y sonoras con equipos electrónicos capaces de procesar, producir y posproducir música en vivo. Los estudiantes interpretarán composiciones propias e improvisaciones semiestructuradas.

23:30 h

Músicas del mundo, por Violetas Voces. Violetas es un cuarteto vocal de mujeres que, a través de sus individualidades, aportan elementos diversos a la selección, estudio e interpretación de canciones tradicionales del mundo y composiciones contemporáneas.

1 am

Sister’s Side Jazz Band. Te invitamos a disfrutar del concierto de esta agrupación conformada por mujeres músicas que buscan desarrollar y ampliar horizontes en la interpretación de estándares del jazz de todas las épocas.

Circuito SUR II

Museo Histórico Nacional/ Museo Nacional de la Historia del Traje

Museo Histórico Nacional

Defensa 1600, CABA

Exhibiciones temporarias

Identidad, una pasión al compás del cincel. Muestra del orfebre Jorge Atilio Mason. Las obras deambulan entre todos los tiempos, estilos y variedades con un sello propio. Destacan el excelente cincelado, la prolijidad extrema en el acabado y la simetría obsesiva.

Actividades

De 20 a 23

Exhibición y demostración de joyería precolombina. Te invitamos a ver las obras realizadas en el transcurso del taller de joyería precolombina, y a disfrutar de una demostración de los procesos que implica la realización de una pieza por parte de los alumnos.

Colores para la patria. Vení a participar de esta actividad interactiva. Utilizaremos como disparador vestimenta de las épocas de la Colonia, la Independencia y la organización nacional.

21

Concierto de Fernando Tomasenía. Con acompañamiento de piano, guitarra, acordeón y mandolina, Fernando Tomasenía propone un concierto en el que sus obras (canciones, poemas y obras instrumentales) irán tejiendo una urdimbre de colores folklóricos, sonoridades urbanas y una delicada poética.

23

Societas, por MUUK grupo de danza contemporánea. Te invitamos a disfrutar de una propuesta con veinte artistas en escena y gran heterogeneidad de cuerpos, edades, corrientes artísticas y profesiones.

0 am

Concierto Fusión austral. Vení a disfrutar de un repertorio folklórico y de compositores latinoamericanos con arreglos a partir de formas tradicionales. Se trata de un espectáculo de improvisación en un lenguaje autóctono que incorpora elementos del jazz.

Museo de la Historia del Traje

Chile 832, CABA

Exhibiciones temporarias

Diseñadores del futuro. El Museo exhibirá prendas de diseñadores que generaron cambios radicales en su época respecto al modo de concebir la moda. Estas diferencias anunciaban el futuro de las formas de vestir.

II Bienal Latinoamericana de Joyería Contemporánea. El Museo se transforma en una de las sedes de la II Bienal Latinoamericana de Joyería Contemporánea, con la inauguración de tres exhibiciones: Fabulaciones, de los colectivos Fwiya (Argentina), Delirios (Chile) y otros invitados; Interiores, de la Asociación de Joyería Contemporánea Chilena Joya Brava, curada por el maestro Jorge Castañón; e Inefable, del joyero Jorge Manilla (México).

Actividades

De 20 a 23

Vestir el futuro. ¿Cómo imaginás que vestirán los habitantes del futuro? Animate a bocetar tu propia indumentaria vanguardista.

Circuito CENTRO I

Museo Nacional de Bellas Artes/ Museo Roca/ Museo Nacional de Arte Oriental/ Museo Nacional de Arte Decorativo

Museo Nacional de Bellas Artes

Av. del Libertador 1473, CABA

Exhibiciones temporarias

JMW Turner. Acuarelas de la Tate Collection. Esta exposición, curada por David Blayney Brown, reúne 85 acuarelas de diferentes períodos de la vida creativa de J. M. W. Turner. Se trata de más de medio siglo de producción continua del gran artista inglés.

Venecia en clave verde. Nicolás García Uriburu y la coloración del Gran Canal. La muestra conmemora los cincuenta años de la intervención del artista argentino en las aguas de Venecia, el 19 de junio de 1968. Curada por Mariana Marchesi, la exhibición reúne serigrafías, fotos intervenidas y piezas documentales referentes a la coloración de 1968 y otras coloraciones históricas.

Premios Nacionales a la Trayectoria 2018. Exhibición de obras ganadoras del Gran Premio a la Trayectoria. 

Exhibición permanente. 

Museo Casa de Yrurtia

Actividades (en Museo Nacional de Bellas Artes)

De 20 a 22:30

El Museo Casa de Yrurtia visita el Museo Nacional de Bellas Artes. Vení a participar de un recorrido guiado a través de la obra escultórica de Rogelio Yrurtia, en diálogo con la colección del Museo Nacional de Bellas Artes.

Museo Nacional de Arte Decorativo

Av. del Libertador 1902, CABA

Exhibiciones temporarias

No taste for bad taste, so Starck, so Boutoullec… so Le French Design. Los cuarenta objetos de culto que se presentan en esta exhibición se enmarcan en una escenografía poética creada por el famoso diseñador Jean-Charles de Castelbajac y están definidas sobre diez valores designados por cuarenta figuras internacionales, a las que se les pidió que identificaran la esencia del “French Design”.

La vida es dura pero no tanto, por Grupo Bondi. Esta exhibición, con curaduría del artista pop Edgardo Giménez, plantea el énfasis en el humor y el despojo de todo tipo de solemnidad como modo de exhibir las obras. Está dedicada a la memoria del arquitecto Ricardo Blanco, el gran maestro de Grupo Bondi, y alude con ironía al artificio y la ilusión de sus propios diseños.

Actividades

De 20 a 3 am

DJ en vivo. Vení a recorrer el Museo Nacional de Arte Decorativo y disfrutá de la musicalización dentro del edificio y en el jardín.

Museo Nacional de Arte Oriental

Exhibiciones temporarias (en Museo Nacional de Arte Decorativo)

Microexhibición: el universo de Visnu. El Museo Oriental propone una muestra de una sola pieza proveniente de India para realizar, alrededor de ella, un itinerario de relatos y danzas.

Actividades (en Museo Nacional de Arte Decorativo)

Toda la noche

Audioguía: el universo de Visnu. Desde el sitio web del Museo de Arte Oriental se podrán descargar pistas de audio con relatos sobre Visnu, para adentrarse en el fascinante mundo del hinduismo y sus deidades: mnao.cultura.gob.ar

21 / 23 / 1 am

Danzas de la India, por Gungur. Vení a disfrutar de tres presentaciones de danzas tradicionales de India.

Museo Roca

Vicente López 2220, CABA

Actividades

Programa: Expresiones culturales en torno al mundo rural

20:30

Visita guiada. Sumate a este recorrido a través de los diferentes temas y las distintas épocas que forman parte de las narrativas del Museo Roca.

20:30 a 22:30

Taller Espacios rurales pincelados, por María Isabel Cicciaro. Te invitamos a disfrutar en familia de este divertido taller de pintura. Recorreremos juntos las formas y los estilos más característicos de representar el mundo rural entre 1880 y 1914, y luego crearemos entre todos un mural colectivo con la consigna “Presente y futuro del mundo rural”.

21

Cantares y danzas de la llanura pampeana, por Juan Guillermo Giménez. Te invitamos a participar de esta clase abierta de danzas folklóricas, en la que abordaremos algunas danzas regionales, como el gato y la polca, que se bailaban entre fines del siglo XIX y comienzos del XX. Cerraremos la actividad con un recital de guitarra y voz, a cargo del músico Pablo Toscanini.

21 a 23

El clown en el mundo rural, una tierra sin límites, por Yanina Frankel y Valeria Maldonado. En este taller de clown abordaremos la figura del gaucho: personaje de las pampas, real e imaginado, que se parece al clown por ser provocador de emociones. Te invitamos a sumergirte en el juego teatral para experimentar en torno a las diversas facetas de esta figura. Actividad para mayores de 18 años.

22:30

Danzas y cantos folklóricos polacos Nasz Balet. Te invitamos a participar de este espectáculo, a cargo del conjunto perteneciente a la Unión de los Polacos en la República Argentina. Con dirección artística de Carolina Warpachowicz.

23:15

Bienhaiga pal’ que oye y que baila. Este brioso trío propone un recorrido por danzas de las regiones centro y norte de nuestro país con un sonido bien criollo. La presentación será acompañada por coreografías tradicionales, a cargo de los bailarines Merité Mazzari y Juan Guillermo Giménez.

00:15

Conjunto de danzas folklóricas ucranianas Prosvita. Te invitamos a participar de este espectáculo colorido, alegre y acrobático, a cargo del ballet de la colectividad ucraniana, formado en 1961 e integrado por veintiocho bailarines.

1 am

Coral Joven Deutsche Chorvereinigung Villa Ballester. La centenaria Sociedad Coral Alemana presenta su Coral Joven, dirigida por el maestro Federico De Ferrari. Vení a disfrutar de un repertorio que incluye música académica, obras corales originales de músicos contemporáneos y arreglos de música popular.

Circuito CENTRO II

Museo Casa de Ricardo Rojas/ Casa Nacional del Bicentenario

Museo Casa de Ricardo Rojas

Charcas 2837, CABA

Exhibiciones temporarias

100 años | Reforma Universitaria. Esta exposición se enmarca en las celebraciones del Centenario de la Reforma Universitaria iniciada en la Universidad Nacional de Córdoba en 1918. Presenta documentación original y novedosa, que da cuenta de la época, sus protagonistas y las proyecciones del importante movimiento.

Cartografías. Esta exhibición surge para conmemorar el 60.° Aniversario del Museo Casa de Ricardo Rojas, y propone un recorrido por la historia de la institución.

Actividades

De 20 a 3

Ciclo de cine Presencia, Palabras, Acción: Los estudiantes encuentran su lugar en el siglo XX. Participá de este ciclo de cine curado por Guillermo De Carli, en el que cada película da cuenta de la presencia activa de los jóvenes a lo largo del siglo XX, como protagonistas y hacedores de su destino.

Taller Creá tu propio símbolo. En la casa de Ricardo y de Julieta hay un universo de símbolos de distintas culturas americanas y europeas. Te invitamos a descubrir los misterios y significados que esconden estos símbolos y a crear el tuyo.

Actividad participativa Amor a puño y letra. El amor nos pone poéticos: un novia/o, amiga/o, familia, gato, perro o un plato de comida deliciosa pueden inspirar nuestras ideas más poéticas. Pero ya casi nadie escribe cartas de amor a mano. ¿Pasaron de moda? ¡En el Museo queremos que vuelvan! A partir de un poema que le escribió Ricardo a Julieta, te invitamos a escribirle a esa/e otra/o tan especial, poniendo el cuerpo, la tinta, la mano y las ideas.

Casa Nacional del Bicentenario

Riobamba 985, CABA

Exhibiciones temporarias

107.ª Edición del Salón Nacional de Artes Visuales. Se exhiben las obras seleccionadas y ganadoras de la edición 2018 de la tradicional convocatoria en las disciplinas cerámica, dibujo, escultura, fotografía, grabado, instalaciones y medios alternativos, pintura y textil, con curaduría de Carina Cagnolo.

Actividades

De 20 a 3 am

Cine en el patio: Grandes historias de mujeres. Una variada y potente selección de cortometrajes de ficción de realizadoras argentinas reunidas especialmente para el evento.

Circuito NORTE

Museo Malvinas/ Museo Histórico Sarmiento

Museo Malvinas e Islas del Atlántico Sur

Av. del Libertador 8151, CABA

Exhibiciones temporarias

Escribir cien veces: son nuestras. En esta exhibición, desarrollada junto con el Museo de las Escuelas, los invitamos a conocer más sobre nuestra Soberanía, entendiendo que Malvinas fue mucho más que una guerra y que eso se vio expresado en cada cuaderno, libro y espacio educativo.

Mi foto de Malvinas. En 2016, nuestro Museo lanzó una convocatoria para que el público compartiera digitalmente las fotografías que conservara, relacionadas con Malvinas. De esa convocatoria, surgió esta exhibición.

Actividades

De 20 a 23

Recorridos pedagógicos. ¿Se animan a conocer el Museo Malvinas jugando? Estos recorridos permiten a los visitantes recorrer y abordar, a través de dispositivos como el arte, la literatura y el juego, los ejes principales de Paz, Memoria y Soberanía. Actividad para toda la familia.

Biblioteca María Elena Walsh. La Biblioteca infantojuvenil María Elena Walsh tiene más de 150 títulos disponibles centrados en cinco ejes: la humanidad en relación con el mar; la flora y la fauna de la Patagonia; las costumbres y tradiciones argentinas; los derechos humanos y la identidad, y el conflicto bélico de 1982. ¡Vení a conocerla! Actividad para toda la familia.

De 20 a 00 am

Tejiendo Soberanía. Vení a participar de la construcción de un tejido colectivo con el dibujo de las Islas Malvinas. La reivindicación de nuestra soberanía sobre las Islas Malvinas e Islas del Atlántico Sur es el resultado de un proceso colectivo: una historia que construimos entre todos. Los invitamos a seguir tejiendo juntos este camino de Paz, Memoria y Soberanía. Actividad para todo público.

De 21 a 22 

Sentir Malvinas. En el marco del Programa de Accesibilidad, el Museo Malvinas e Islas del Atlántico Sur mostrará en una mesa todos los elementos de trabajo que se utilizan para que nuestro Museo sea accesible. Actividad para todo público.

De 23 a 00 am

Concierto de Camerata UNA. Te invitamos a disfrutar de la presentación de la Camerata UNA, con dirección de Rodrigo Javier González Jacob. Está integrada por docentes y estudiantes del DAMus y realizará un concierto que incluye obras del repertorio académico, y música popular. Actividad para todo público.

1.30 y 2.30 am

Set de música. Tango, rock nacional, boleros y folklore. Los músicos Aldo Vallejos en guitarra, Nicolás Plácido en bandoneón y Miguel García en voz, brindarán dos set de música para los visitantes. Actividad para todo público.

Museo Histórico Sarmiento

Cuba 2079, CABA

Exhibiciones temporarias

Expandiendo horizontes. Esta muestra es un acercamiento al viaje que emprendió Sarmiento en 1845 rumbo a Europa, África y América del Norte, con el objetivo de relevar los sistemas educativos de los países que visitó durante dos años. Pero su viaje fue mucho más que eso.

Actividades

19

Apertura en el jardín: Banda del Colegio Ward*. Banda musical estudiantil inspirada en sus pares estadounidenses, pero con una tradición propia, forjada a lo largo de ocho décadas. Con dirección de Laura Urcola.

20:30

Dibujando a Sarmiento. Te invitamos a ver en vivo el trabajo de dibujantes que realizarán, sobre grandes paneles, caricaturas inspiradas en la figura de Domingo Faustino Sarmiento.

20:30

Concierto: Garçons. Te invitamos a disfrutar de este coro de cámara masculino, que abordará un repertorio dedicado a obras de compositores arraigados en diferentes tradiciones musicales, con fuerte raíz en lo profano y en lo popular.  Con dirección de Juan Stafforini.

22

Teatro: El amor de la estanciera. Según se cree, esta obra de teatro en verso fue escrita por un autor desconocido a fines del siglo XVIII. Te invitamos a disfrutar de un sainete gauchesco, considerado fundacional del teatro argentino. Con dirección de Emilio Urdapilleta.

23:30

Concierto: Nota N’ Blues. Se trata de una banda de blues que interpreta un repertorio variado, dentro del espectro de la música negra norteamericana.

1:30 am

Cierre en el jardín: Hay candombe en el Sarmiento*. ¡Vení a cerrar la noche al ritmo de los tambores! El candombe, reconocido por la UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, hunde sus raíces en el continente africano y llegó a América con los esclavos desembarcados en el puerto de Montevideo.

*Las actividades programadas en el jardín se suspenden en caso de lluvia.

Argentina

El Pensador de Rodin: ¿Cómo llegó a Buenos Aires la célebre escultura?

¿Es la original? ¿La realizó el escultor francés? ¿En qué año llegó a nuestro país y dónde se la puede apreciar? Enterate en esta nota

Un hombre desnudo, sentado sobre una roca, con los pies recogidos y la cabeza apoyada en el dorso de la mano, quizá, sea la escultura más célebre del artista francés, Auguste Rodin (1840-1917). Realizada en 1880 y conocida como El pensador, el escultor ideó la pieza para una de las alegorías y personajes de La puerta del Infierno: aquella obra monumental inspirada en la Divina comedia, de Dante Alighieri.

 

Antes de ser conocida como El pensador, la escultura se titulada El poeta. La figura estaba concebida como un creador que observaba a los condenados —aquellos representados en el texto de Alighieri—, vagando por los diferentes círculos del infierno. Esta pieza original solo medía 0,70 cm y fue en 1903, cuando se reprodujo a una escala mayor: casi 1,90 cm. Desde allí, la escultura adquirió la fama que hoy todavía conserva

En relación con la forma, analistas de la producción de Rodin aseguran que se liberó de ciertos accesorios pensados para la Puerta. Esto fue lo que le otorgó un carácter mucho más universal. Y, si bien sus contemporáneos criticaron la obra del artistas por su acentuada musculatura, la cual se alejaba de los parámetros estéticos para una alegoría o representación de la mente, su cuerpo y desnudez pudieron atravesar las barreras del tiempo y no estar vinculados a ninguna época en particular. En este sentido, el propio escultor expresó:

“Mi idea fue representar al hombre como símbolo de la humanidad. Al hombre rudo y laborioso que se detiene en plena tarea a pensar y a ejercer una facultad que lo distingue de los brutos”.

La instalación de El pensador delante del Panteón de París, en 1906, fue todo un éxito. En 1922, la escultura se trasladó al Museo Rodin de aquella misma ciudad francesa.

El pensador en Buenos Aires

Gracias a la gestión del primer director del Museo Nacional de Bellas Artes, el pintor e historiador del arte Eduardo Schiaffino, se realizó una copia de la obra francesa que vino directamente de París, en 1907.

Si bien iba a ser emplazada en las escalinatas del Congreso de la Nación, la demora que supuso la construcción del edificio hizo que la pieza —fundida en bronce a partir del molde original y que también lleva la firma de Rodin— quedara instalada definitivamente en la Plaza aledaña, a espaldas de la fachada principal del organismo gubernamental. Fue exhibida por primera vez allí, durante el Centenario de la Revolución de Mayo.

A fines de mayo de este año, y después de más de un siglo ahí instalada, la obra fue retirada por el Ministerio de Ambiente y Espacio Público de la Ciudad de Buenos Aires para su restauración. Además de realizarle una limpieza superficial y devolverle el aspecto original, se duplicó la altura del pedestal. De esta forma, se puede apreciar mejor y con mayor perspectiva por quienes circulen por la Plaza del Congreso.

Luego de tres meses de trabajo, y junto con autoridades y expertos del Museo Rodin de Francia, la escultura volvió a su sitio original, para seguir inspirando y reflexionando sobre el poder del pensamiento y la razón.

Fuente: https://www.cultura.gob.ar/

Argentina
abraham hostel tel aviv

19 recitales gratuitos para escuchar en los Juegos Olímpicos de la Juventud

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Del 6 al 18 de octubre se llevarán a cabo los Juegos Olímpicos de la Juventud, y la Secretaría de Cultura de la Nación te invita a disfrutar distintos recitales

Todos los recitales y conciertos que organizó la Secretaría de Cultura de la Nación, en el marco de los Juegos Olímpicos de la Juventud, se desarrollarán diariamente en distintos escenarios y parques. El «Punto Cultura», ubicado dentro del YOC (Youth Olimpic Park, Av. Escalada 4222), es un espacio que propondrá, además, distintas actividades creativas, como la realización de un mural participativo y distintos talleres para la educación artística. Además, en la Villa Olímpica (Av. Escalada y Roca), los deportistas también podrán disfrutar de recitales y conciertos exclusivos para ellos.

La programación musical:

        Domingo 7 de octubre

  1. A las 14.50. Orquesta Corear (en YOC).
  2. A las 21.00. Orquesta Corear (en la Villa Olímpica).Lunes 8 de octubre

     

  3. A las 15.50. Vamos las Bandas en Green Park (Francisco Tomas, El Fogón y Palurdo).
  4. A las 16.10. Vamos las Bandas en YOC (Joaquín Merino-Durazno).
  5. A las 21.00. Vamos las Bandas en Villa Olímpica (Carlos Leiva-Los Bichunos).

    Martes 9 de octubre
     
  6. A las 15.50. Vamos las Bandas en Green Park (Maru Lerner-Te encanta la Farándula-Xovox).
  7. A las 16.10. Vamos las Bandas en YOC (Sebastián Facca-Nativos Mutantes).
  8. A las 21.00. Vamos las Bandas en Villa Olímpica (Tina Pop-Madness).Miércoles 10 de octubre

     

  9. A las 15.50. Vamos las Bandas – Green Park (Micaela Muños-Descendientes-La Séptima cuerda)
  10. A las 16.10. Vamos las Bandas en YOC (Hoffman- Zona Perdida).
  11. A las 21.00. Raíz Folclórica en Villa Olímpica en Villa Olímpica.

    Jueves 11 de octubre
     
  12. A las 15.20. Ballet Danza Contemporánea (en el  YOC).
  13. A las 15.50. Vamos las Bandas en Green Park (Micaela Muñoz, Descendientes y La Séptima cuerda).
  14. A las 21.00. Vamos las Bandas en Villa Olímpica (Volver en Guitarra y Los Lyra).

    Viernes 12 de octubre
     
  15. A las 15.20. Ballet Folklórico Nacional (en el YOC).

    Domingo 14 de octubre
     
  16. A las 19.45. Social Tango Ensamble (en la Villa Olímpica.

    Lunes 15 de octubre
     
  17. A las 13.45. Coro Nacional de Niños (en el YOC).

    Martes 16 de octubre
     
  18. A las 15.00. TodoPoderoso (en YOC).
  19. A las 21.00. TodoPoderoso (en la Villa Olímpica).Todas las actividades culturales serán de acceso libre al público. 

    Link para acreditación: https://ticketing.buenosaires2018.com/

Fuente: Ministerio de cultura Argentina

Argentina

Ibermúsicas en Argentina

Estreno de “Amor América”, la cantata compuesta por el compositor argentino Martín Palmeri en el marco de su Residencia Artística Ibermúsicas

¿Qué es?  IBERMÚSICAS pretende fomentar la presencia y el conocimiento de la diversidad cultural iberoamericana en el ámbito de las artes musicales, estimulando la formación de nuevos públicos en la región y ampliando el mercado de trabajo de los profesionales del ramo.El Programa de Fomento de las Músicas Iberoamericanas, IBERMÚSICAS, fue aprobado en la XXI Cumbre Iberoamericana de Jefas y Jefes de Estado y de gobierno, celebrada en Asunción, Paraguay en noviembre de 2011.

¿Por qué ir?  La Orquesta Nacional de Música Argentina «Juan de Dios Filiberto» y el Coro Nacional de Jóvenes bajo la batuta del maestro Mariano Chiacchiarini y con los cantantes solistas Laura Penchi y Ricardo González Dorrego, será estrenada en Buenos Aires la cantanta «Amor América» compuesta por Martín Palmeri en su residencia artística realizada con el apoyo de Ibermúsicas.

“Amor América” es una cantata para soprano, tenor, coro y orquesta sinfónica. Fue creada a partir del libreto escrito por el artista uruguayo Roberto Aguerre Ravizza como versión libre del Canto General de Pablo Neruda. Consta de seis movimientos con dos partes cada uno:

PreludioI) Un hombre, una mujer / OrígenesII) Árboles y raíces / Vidas palpitantes /III) Destellan alas / Estrellan mares cadenasIV) Sangre fluvial / Pueblos de la memoriaV) Oceánidas / Templos inmaculadosVI) Canción de cuna / Amanecer de ojos

El estreno mundial de la obra tuvo lugar en la ciudad de Cuenca (Ecuador) en julio de 2014 por la Orquesta Sinfónica de dicha ciudad bajo la batuta del Maestro Medardo Caisabanda.

“Antes del Canto General de Pablo Neruda no existía un corpus literario latinoamericano en el que se conjugara de forma tan acabada un auténtico respiro épico con la más límpida poesía. Verdadero monumento de la lengua española contemporánea y a la vez un clásico. Componer el presente texto con el objeto de transformarlo en un libreto para una obra musical, ha sido antes que nada un ejercicio de libertad espiritual. Canto devuelto al canto para que lo entonen los pueblos”, señala Roberto Aguerre Ravizza. Por su parte, Martín Palmeri, afirma: “La propuesta representa la creación de un universo sonoro que precisamente exprese toda América Latina, como nos indica Pablo Neruda con su Canto General”.

¿Cuándo? Viernes 12 de octubre, a las 20

¿Dónde?  Sala Sinfónica del Centro Cultural Kirchner, Sarmiento 151, C.A.B.A

Argentina

20 datos curiosos sobre la moda en 1816

Los especialistas Jorge Moragues y Gabriel Di Meglio nos cuentan cómo era la vestimenta en la época de la declaración de la independencia.

  • A un artesano, vestirse completo le llevaba dos meses enteros de sueldo.
    “En el siglo XIX, antes de la industrialización y de la importación masiva de textiles de Inglaterra, la ropa era una de las cosas más caras que había, porque era artesanal”, dice Gabriel Di Meglio, historiador y director del Museo del Cabildo. Esta información surge del libro “Los talleres de la revolución” de Lyman Johnson, que es una historia popular de la Buenos Aires virreynal. Ahí, el autor habla sobre los trabajadores –principalmente los artesanos–, que se dedicaban a producir sombreros, zapatos y ropa.
  • Existía un mercado negro, que funcionaba donde ahora está el Congreso, en el que se vendía ropa robada. Una frase común entre los ladrones era: “vamos desnudando gente”.
    Había casos judiciales donde peritos de la policía se dedicaban a identificar, por ejemplo, de quién era un capote (una capa larga). No había tantos, entonces había pistas que se podían seguir y uno iba viendo cómo una ropa robada podía dar vuelta la ciudad, desde uno que la empeñaba, otro le perdía la pista y así, hasta que la recuperaban”, describe el historiador.
  • En esa época, una persona pobre no usaba levita nunca. No tenía forma de comprarla y además no se la hubiera puesto, la hubiera vendido. Los miembros de la Primera Junta usaban levitas o fracs, ese era un gran distintivo.
    Para el director del Museo del Cabildo, que la elección de prendas funcionara como un indicador de clase social es una diferencia con la actualidad: “Hoy en día, un rico y un pobre usan jean, lo que cambia es la marca y la calidad y la diferencia en el costo entre uno y otro puede ser enorme, pero la prenda es la misma”. También agrega que los de chaqueta o casaca eran artesanos, pulperos, comerciantes; los sectores medios solían usar pañuelo en la cabeza; y los de levita o frac eran los ricos, los dirigentes, y todos los próceres.
  • Los “descamisados”, como se les decía a los trabajadores, eran los que no tenían camisa. Usaban un poncho y abajo no tenían nada, literalmente.

    “A los plebeyos o el bajo pueblo, en ese momento no se les decía así, eran los hombres que usan poncho, y por otro lado los que usan chaqueta y levita. Y no solamente eran los pobres de la ciudad, también era la gente que trabajaba en el campo”, explica.

  • “Descamisados” no sólo es un concepto argentino. En la Inglaterra del siglo XVII, se hablaba de los “Fellows whithout shirts”.

    “Ambas son  maneras de clasificar a la población pobre a través de la ropa”, dice el especialista».

  • En Francia, también había un término parecido: a los pobres se les decía sans culotte, que significa “el que no tiene culotte”.

    “Eran esos pantalones como los que usaba Belgrano, ajustados y cortos, que los pobres no tenían, ya que tenían pantalones todos rotos”, continua Di Meglio.

  • Aunque todavía no existía el concepto de moda como lo conocemos hoy, la imagen del gaucho fue el primer arquetipo nacional.
    “Hay una transición del gaucho desde el poncho, el chiripá, las botas de potro, el pañuelo en la cabeza con el sombrero –que después va a usar en el cuello– hasta la incorporación de prendas que vienen de Europa. Todavía no podríamos llamarlo ‘moda’, pero ahí se conforma una instancia primaria del arquetipo que representa lo nacional”, explica Jorge Moragues, director del Museo Nacional de la Historia del Traje.
  • La china (así se llamaba a las mujeres gauchescas) también hicieron su aporte a la creación de ese primer arquetipo, pero en un segundo plano.
    Moragues argumenta que el aporte de esta figura femenina a nivel imagen no es sobresaliente, porque seguían manteniendo características netamente europeizantes,  como la falda, la camisa, el volado, la trenza y el moño. A diferencia de lo que pasó en otros países, no tomaron elementos y costumbres de las culturas originarias.
  • Las bombachas de campo aparecieron cuando los gauchos fueron estableciéndose como estancieros.
    El director del Museo del Traje amplía: “Es interesante ver cómo ese traje que le dio posibilidades para moverse y andar se sigue usando por un período y después va a ser interferido por lo que hoy conocemos como las bombachas de campo”.
  • Las bombachas de campo no son argentinas: vinieron en un cargamento de la zona de Rumania y Polonia.

    “Por la guerra de Crimea, vinieron a parar a Uruguay y de ahí, por error, a la Argentina. Por eso es muy parecida esa imagen y la geografía de Hungría, con la Argentina. Esa cosa de la pampa, el personaje a caballo con bombacha, botas, es bastante similar. La bombacha es un rectángulo que se ata a la cintura, con una faja. La misma primero va a ser tejida o de cuero y después se coloca un cinturón ancho, una rastra, con diferentes motivos de plata y con monedas para darle una cosa como festiva, y eso le da una cierta posibilidad de lucirse como ser masculino”, dice Moragues.

  • La moda de la divisa punzó era típica de acá y no se repetía en ninguna otra parte del mundo.
    “Es una instancia de moda regional, de la época federal, que apareció en la zona del Río de la Plata. Dio el puntapié a que la Argentina se destacara porque no ocurrió en ninguna otra parte del mundo. Era una cosa absolutamente aislada y que daba a conocer una idea política. Los unitarios usan celeste, blanco y verde”, dice Moragues.
  • Los peinetones empezaron como un elemento chico para sostener el pelo (peinetas) y fueron creciendo. Algunos llegaron a medir hasta un metro veinte.
    Fue una tendencia que llegó desde Europa. En concreto, de la tradición española. A medida que su tamaño fue aumentando, se les empezó a colocar la mantilla sobre ellos. Además, se usaba acompañarlos por vestidos de manga jamón (abuchonada a la altura de los hombros y estrecha hacia las muñecas).
  • Las peinetas se hacían con astas de animales y caparazones de las tortugas. Al ser de elementos orgánicos, a veces explotaban o se desintegraban.
    “De esa materia prima natural se obtenía un acrílico primario, que se calentaba, se estiraba y llegaba a ser tan traslúcido y resistente que también se usaba para hacer las ventanas de los barcos”, dice Moragues.
  • Actualmente, hay peinetones reales en el Museo Nacional de Bellas Artes y se pueden visitar.
    Tienen talladas leyendas federales, por ejemplo: “Viva la federación”, o el perfil de Rosas y de la esposa de Rosas, doña Encarnación Ezcurra.
  • El término “dama antigua” no es del todo correcto.

    “Hay modismos del imaginario popular, que en el público pegan y siguen estando, pero no son correctos. Un ejemplo es el concepto de “dama antigua”, con el vestido torta y el peinetón. La dama romana y la dama gótica, entre otras, también son antiguas.

  • Los vestidos largos, armados –con distintos tipos de enaguas que le daban gran volumetría– se dejaron de usar porque era incómodos y se fueron acortando, ya que no había veredas.
    “El neoclásico, en la creación de lo que se conoce como la patria vieja, va creciendo cuando aparece el vestido con las mangas y con la falda. Pero se modificaron porque Buenos Aires era como un rancherío, las condiciones de las ciudades no eran óptimas para vestirse así”, expuso Moragues.
  • Levitas, fracs, jaqué y smoking: todos vienen de la tradición inglesa.
    Moragues señala que después de la Revolución Francesa, Francia dejó de ser el centro y tomó protagonismo Inglaterra con tejidos como los tartanes y otros paños. También cuenta que la lana les ingresaba a través de Escocia, el algodón de las diferentes colonias y el lino desde Egipto. “Inglaterra se apoderó del traje masculino”, dice.
  • Las levitas tienen la característica de achicar la cintura del caballero.
    “Es una prenda que habla del lugar masculino que va a tener el hombre en la sociedad y tiene que ver con la época rosista. La exactitud y precisión al vestirse, con camisa, el chaleco y el corset, buscaban entallar y generar más prestancia. Se imponía el traje de la chaqueta, por la parte superior, la pierna o los pantalones largos, del mismo color, muy discreto, y la capa”, dice el especialista.
  • Si eran heridos en una batalla, los militares le dejaban su poncho a quien le seguía en la línea de mando, como si fuera una herencia.
    El gesto se interpretaba como ‘yo te doy mi armadura’, era un legado al compañero. San Martín, Rosas y Quiroga usaban poncho. Además, agrega Moragues, como era muy difícil conseguir ropa en esa época de la colonia, aprovechaban de los heridos, los muertos, en las batallas y les robaban para usarla, venderla, o intercambiarla.
  • El poncho es antiquísimo y también se encuentra en otras culturas.
    El especialista en historia de la vestimenta dice: “Si bien tiene una tradición latinoamericana, podemos encontrarlo en diferentes culturas. Ha sido traído por las primeras oleadas migratorias que vinieron de Oriente, no por el español”.

Cultura Argentina

 

Argentina

La nave de los sueños

Crónica de Guillermo Contreras

Un mago recorre Buenos Aires resucitando las buenas bandas

“Hace 23 años que estamos con La nave de los sueños”, nos dice Gabriel. “A la vez, Matías tiene una productora, “Fomento producciones” (en pausa en este momento), que revivimos para la película. Nos juntamos, Matías y Gabriel. Uno tiene atrás la Nave como estructura, y el otro aporta su estructura que son amigos, técnicos que, de una forma u otra, colaboraron con la película”.

Nos reunimos una tarde de lluvia y frío con Gabriel Patrono y Matias Lojo, los productores y directores de la película “Alguien más en quien confiar”,  me esperan con algo caliente y ganas de charlar, descontando la buena onda.

Alguien más en quien confiar es un documental. Nos cuentan que les llevó 2 años y medio. Se grababa algo, se editaba; se juntaba gente. No se hizo a tiempo completo. Se hacía a contra-turno de los trabajos, sábados y domingos. Si queremos medir a tiempo completo, habrán sido unos seis meses. Venían bien esos tiempos intermedios, porque revisábamos el material. Cada fragmento era revisado para ver qué descartábamos y preparábamos nuevas entrevistas. Fue tiempo bien usado para la planificación y el armado”.

Luego de pensarlo un rato, calcularon: en total, grabaron más de 15 horas de material entre 15 y 20 horas . Para este documental, filmaron mucho que después sirvió.

“Aprovechamos la experiencia de los dos para ir a cada entrevista sabiendo qué habían dicho los otros y qué necesitábamos que nos contasen. Buscábamos y sabíamos qué nos podrían entregar. Alfredo Rosso fue el que mejor explicaba todo. Nos dio el contexto general que necesitábamos. La investigación previa nos dio claridad de lo que buscábamos. Eso facilitó que nos sirvieran esas horas de grabación”.

“Cuando comenzamos, Matías tenía muy claro lo que quería de la película: que sería una cronología, que se trataría de dar mayor importancia a la década de los 70 porque era vital para la banda, pero también que no dejaríamos afuera las siguientes etapas de la banda. En ese momento, la banda no estaba tocando. No sabíamos cuál sería el final, que terminó siendo el regreso de la banda. Ellos volvieron en medio de la filmación de la película”.

¿Por qué eligieron El Reloj?

Matías dice que él tenía ganas de hacer el documental sobre ellos. Le parecía una banda muy interesante “La idea no fue de la banda, porque, en ese momento, estaban en otros proyectos, no estaban tocando. Los del El Reloj dicen nunca haber estado separados, siempre están esperando”.

EL grupo La nave de los sueños tiene un ciclo, que se llama “La pesada del doc, en el que involucran más de 30 documentales sobre distintas bandas, dice Matías. “Yo veía ese ciclo y faltaba la película sobre el Reloj, faltaba el periodo de rock pesado de los 70”.

“Y la película fue muy bien recibida. Muchos que queríamos mucho a El Reloj lo habíamos perdido en el tiempo”.

Ambos coincidieron en hacer el documental de El Reloj, y Gabriel tenía experiencia en documentales. Ambos encaran el proyecto, lo discuten mucho. Matías armó el primer bosquejo y, así, comenzaron a ver cómo sintetizar, qué dejar, qué agregar. Trabajaron mucho en la preparación.

Matias aclara “Teníamos predisposición a trabajar en grupo, a negociar. Tiene que ser el resultado del trabajo de dos productores y los colaboradores. Y queríamos resaltar la voluntad que ellos tuviero”

La pesada del doc aglutina a varios directores de documentales sobre bandas o estrellas de rock. “Nos agrupamos para salir de gira, para tener más fuerza. Juntos interesa más a la gente, al público, con la presentación de seis o siete documentales. Hay alguna de las películas que se están haciendo, que se van agregar pronto al ciclo. Por ejemplo “Peregrino” de Gustavo Soulé (Vox Dei), que tiene muchas cosas lindas para contar: él es una biblia”.

Entre estos documentales, nos cuentan, hay uno de Barriga de la banda “Sexual democracia” de Chile.

Proyectos inmediatos

Gabriel agrega “Estamos a full con Alguien más en quien confiar. La estamos proyectando en diferentes barrios y en festivales de cine. La llevamos a diferentes barrios para que todos puedan verla. Y pensamos levantarla a la red para que esté disponible masivamente. Por nosotros, ya estaría en la red”.

“Se estrenó en Mayo, a sala llena todos los jueves en La Cooperación, sala de la calle Corrientes. Pero la veníamos preestrenando con gran éxito desde diciembre. Nos sigue pasando en Ituzaingó. El otro día, no entraba más gente y seguían llegando”.

“Era difícil encontrar grabaciones, buscamos en los recuerdos de la familia. Ahí había fotos, algún video”.

Detalle del trabajo

“La edición, lo técnico lo hace Matías, pero la elección de lo que va lo hicimos juntos. Se fue armando a medida que se grababa. Eso me dejaba lo huecos para llenar con nuevas entrevistas. El esquema pasaba completo por mi cabeza. De los 70 a 2011, era el plan inicial”.

“Al principio, tener todo el material desarmado es como entrar en una habitación toda revuelta: el TV en el suelo, la cama dada vuelta, la ropa por todos lados, los discos por ahí. Te vuelves loco pensando que eso no lo terminas de ordenar nunca y, una vez que comienzas funciona. Armaba y lo discutíamos. Así mirábamos como si fuéramos espectadores; así buscamos acentuar una frase, un comentario”

“¿Cómo le contamos a alguien que nunca los escuchó? Ese era el desafío. ¿Qué buscamos? Que la gente se acerque a su música, que la película sea atractiva para los fanáticos y para los que nada saben de ellos, o nada del rock”.

La canción

Alguien más en quien confiar sonó mucho en Buenos Aires en los años 70. A los que la recordamos nos mueve todos los pasteles de cumpleaños de nuestros queridos principios del rock.

Nota de Guillermo Contreras para la revistadelsojaivas.com

El Reloj oficial en Facebook : “El Reloj 2018”

 

Argentina

El Reloj

Crónica de Guillermo Contreras, Gabriel Sacco y Sofia Estrella

Entre 1970 y 1972, en Ramos Mejía, zona Oeste del Gran Buenos Aires, una banda nueva comienza a preparar sus propias canciones. Se ensambla de a poco, coinciden en el estilo. Escuchan Led Zeppelin, Deep Purple, Rush; suenan muy bien, sincronizan entre ellos de tal forma que uno de los que compartía sus ensayos les dijo: “tendrían que llamarse EL RELOJ porque suenan exactamente como un relojito”. A pesar de haber pensado ya otros posibles nombres (“Engendro” era unos de los nombres tanteados), los músicos terminan eligiendo El Reloj para la que sería la banda pionera del rock pesado en Buenos Aires.

Nos juntamos con Eduardo Frezza y Osvaldo Zabala en un bar de Flores. Ahí en una mesa, ellos nos esperan con muchas cosas que contar.

 

¿Cómo comenzaron?

Eduardo. ─Nos juntamos en el año 1970 con el bocón Francino y él me llevo a Willy Gardi. Aún no teníamos nombre, veníamos de bandas propias y comenzamos a generar el estilo de la banda ─aclara Osvaldo que él no estaba en ese momento: él ingresó en 1973.

Eduardo. ─Tocamos en público por primera vez en 1972, en el cine Monumental, con una gran convocatoria para la época. Con publicidad de boca en boca, entraron más de 1200 personas (aclarando que quedó gente afuera). Bueno, ahí aparecieron los productores, que, como siempre, aparecen después. Nos reunimos con Jorge Álvarez y Oscar López, pero no llegamos a ningún acuerdo con él. El primer productor que tuvimos fue Leo Rivas, productor que nos llevó a la RCA. Ensayábamos en la casa de Luis Valenti, el tecladista. En esa primera formación, estaba Horacio Tucata; luego, lo reemplazó Osvaldo Blanco, Gregorio Felipe (que falleció en un accidente) y, entonces, lo reemplazó Osvaldo Zabala, que nos lo presentó Lite Graziano─. Eduardo vivía, y vive, en Mataderos. Todos los días ensayaban en Ramos Mejía, al oeste de Buenos Aires. Y sigue el relato─. Teníamos la sala de ensayo grande y nos visitaban amigos. Venían Pappo, Rafanelli, Alejandro Medina, Iorio; todos venían a zapar. Zapábamos juntos y aprendíamos unos de otros. En “Divagarios”, nos juntábamos a divagar zapando juntos. Mientras tocaban unos, los otros esperábamos con el instrumento listo y el cable en la mano para subir en cuanto alguno se bajaba.

Osvaldo. ─Era mucha gente. Recuerdo que hasta vino el flaco Spinetta. Eso sí, en la batería, estaba siempre el Negro Amaya (Black Amaya). Eran zapadas, la creación de los temas pasaba por momentos más íntimos de cada uno. Pero lamentamos que no se hayan grabado esas tremendas zapadas. No era como ahora que todo se graba, se registra. No tenemos muchas fotos de esa época, no hay registro filmado. Era otra época.

Eduardo. ─Con Los Jaivas, nos cruzamos muchas veces en los recitales, tuvimos el gusto de juntarnos con muchos próceres del Rock ─lo dice sin hacer notar que ellos fueron parte del grupo de músicos fundacionales del rock nacional─. Pappo fue el primero en invitar músicos de otras bandas a tocar con él ─y nos recuerda que Pappo lo invitó a ser parte de Pappo’s Blues, pero su compromiso con El reloj se lo impidió.

Influencias musicales de El reloj

Osvaldo. ─Teniendo en cuenta que, a principios de los setenta, la información era poca, nosotros escuchábamos Deep Purple, Rush, Emerson Lake and Palmer, Zepellin. No teníamos mucho más para escuchar. Esas eran las influencias, pero nosotros generamos temas desde el principio. Considerábamos que El reloj tenía un sonido propio. Salía todo de nosotros. Más de Willy Gardi y de Eduardo Frezza. Desde el principio, comenzamos a crear juntos.

¿Cómo es el proceso creativo?

Eduardo. ─El proceso, a veces, comienza con una zapada; luego, intercambio de ideas con esa base y se da forma un tema. Otras, uno traía una idea casi terminada y pasaba por el filtro de todos. Cada uno agregaba algo o, en las pruebas, se tomaban o descartaban las ideas, siempre tocando en grupo. El tiempo era completo, desde las 9 hasta que caíamos muertos. Éramos todos de signos y caracteres diferentes. Eso le dio fuerza a la banda. Teníamos nuestros problemas, pero éramos El reloj. En ese momento, no éramos conscientes de lo que estábamos haciendo. Hoy, viendo el impacto que tiene en el tiempo y que lo que hicimos aún suena, nos damos cuenta realmente de lo que generamos. Ahora nos dicen que fuimos referentes de otros músicos, eso nos reconforta.  En el arte, cuando lo estás haciendo, no se toma conciencia de lo que se deja. Solo después puede verse. Es como una ola creativa, viene y se va. Nos sorprende que estamos tocando temas que tienen poco más de cuarenta años, y el público se emociona, algunos lo escuchan por primera vez.

Osvaldo. ─Hace tres años, dos productores deciden hacer un documental sobre El reloj, y, gracias a esa iniciativa, hoy, volvemos a sonar. Hay un redescubrir de El reloj por las nuevas generaciones y un reencuentro con los de nuestra época. Somos los Walt Disney del rock ─dice en broma─. Nos congelaron en los 70 y nos descongelaron ahora. Volvemos con la misma fuerza que antes. Y, al año 2018, llegamos como una gran novedad al público. El disco que sacamos está grabado en vivo. Se grabó en tres presentaciones. El técnico de sonido está haciendo un trabajo muy bueno.

Después de los 70, ¿qué fue de El reloj?

Eduardo. ─Después de hacer dos Luna Park nos separamos. Teníamos muchos problemas, nos paraban en la ruta. Éramos enemigos del régimen. La cultura era enemiga del proceso.

Osvaldo. ─Seguimos tocando. Armé otras formaciones de El reloj. Eduardo formó otra banda “Cronología”, nombre cercano a El reloj. Parte de esa formación está hoy en El reloj: el tecladista y el batero. Yo tengo actualmente una banda “Oz” con Maximiliano Zabala, mi hijo. Estamos grabando en este momento. El reloj grabó, en 2000, “Mercado de Almas” y “Hombre de hoy”. El reloj estuvo vivo todo este tiempo. El reloj, con diferentes formaciones, fue dejando su rastro. 

Eduardo. ─El reloj es hoy, con un pasado fuerte y su evolución, pero nos interesa sonar hoy y que nos escuchen.

Proyectos

Osvaldo. ─Estamos en una etapa recreativa de los inicios de El reloj, los orígenes. Luego, iremos conformando el material nuevo de la banda. El sábado pasado tocamos “Los cinco elementos”, un nuevo tema. Esa será la nueva etapa. Un reloj nuevo 2019, un disco nuevo. Tal vez un Luna. El reloj sigue soñando, sigue sonando.

En Facebook, la banda aparece como “Elreloj2018” porque hay muchos sitios no actualizados, no oficiales.

Nota de Guillermo Contreras, Gabriel Sacco y Sofia Estrella para

revistadelosjaivas.com y laveredadelsol.com.ar