Argentina

JUAN FALÚ

«LA GUITARRA QUE CANTA A LA TIERRA ES UNA GUITARRA LLENA DE MEMORIA»

POR Cultura.gob.ar

Compositor, docente, militante, psicólogo, guitarrero y cantor son algunas de las múltiples facetas en vida que representan a Juan Falú. Durante su infancia en Tucumán, a los siete, ya hacía arpegios y entonaba melodías con la guitarra, mientras su padre Alfredo, que era abogado pero por sobre todo melómano y músico aficionado, lo escuchaba con suma atención. Así como con su hijo, Alfredo también fue el responsable de poner una guitarra por primera vez en las manos de Eduardo, su hermano menor (tío de Juan), marcando el destino del gran guitarrista y compositor argentino.

Nadie se lo dijo, pero Juan supo que portando ese apellido, si se dedicaba a tocar la guitarra, tendría que hacerlo con la responsabilidad de convertirse en un maestro. Así lo hizo, y con los años se transformó en un guitarrista de primer nivel.

“De lo que podemos conocer como educación formal estudié pocos años, pero en el ámbito informal estudie bastante. Desde niño estuve en tantos lugares, en tantas reuniones y siempre hubo una guitarra. La guitarra siempre estaba presente, se tocaba en todos lados. Las guitarreadas en las casas, en las peñas tienen un sentido educativo muy importante porque se genera un vínculo muy fuerte con la música y con la poesía cuando se da en esa situación de amistad, de compartir, y eso marca mucho la personalidad musical. Yo recomiendo las dos cosas, que se haga eso y que se estudie. Aunque pensándolo bien, no sé si recomiendo mucho las guitarreadas, porque vamos a terminar todos buscando un hepatólogo”, concluye con su humor característico Juan Falú.

En 1963, Juan Falú se subió por primera vez a un escenario, sintiendo la presión de su padre y de su tío, y ante esa mirada expectante prefirió refugiarse en las guitarreadas con amigos. De esta manera, se alejó por completo del estudio académico y dirigió sus energías a la militancia revolucionaria en la Facultad de Filosofía y Letras. Tras la desaparición de su hermano Lucho,durante la dictadura cívico-militar, debió exiliarse a Brasil. Entre años de penas y destierros, Juan se reencontró con la guitarra, con la composición y con la creación de un lenguaje propio que comenzó a maravillar a su público.

La relación con la guitarra fue terapéutica, un cable a tierra para todos los momentos difíciles de su vida. Tocar una zamba, una vidala, una chacarera siempre lo transportó a su tierra, a sus seres queridos, a sus paisajes.

VAMOS A LA ENTREVISTA:

-¿Cómo sigue siendo hoy su vínculo con la guitarra?

-Para mí es algo imprescindible, no puedo definirlo con palabras, pero no me concibo sin la guitarra. Cuando uno hace música de su tierra, es música llena de memoria. Aunque sea una música nueva lo que uno está haciendo, pero la hace en base a una memoria. Uno no hace una zamba de la nada, sino que detrás hay tantas zambas que uno ha amado, que ha disfrutado y entonces van a aparecer recuerdos de cantores, de guitarristas, de poetas, recuerdo de reuniones, aunque no sea todo plenamente consciente, siempre está actuando la memoria dentro de la música.

Cuando yo observo mis grabaciones me doy cuenta que más del cincuenta por ciento están dedicadas a personas. Tengo piezas dedicadas a mis hijos, a mis nietos, a mi esposa, a mis padres, a amigos y amigas cualquier cantidad. Y también a personas que no conocí, pero las conoció el poeta, como por ejemplo Rosario Pastrana, una coplera de los valles calchaquíes. Yo no la conocí pero el poeta, Pepe Nuñez sí, y es esa memoria de los otros es lo que me ayudó a componer e imaginarme a esa persona. Siempre hay algo memorioso ligado a lo afectivo.

Con el retorno a la democracia, después de haber recorrido casi todos los contienentes con su repertorio, Juan retornó a la Argentina con la inquietud de replicar en su país los maravillosos festivales de guitarras en los que había participado. 

-¿Cómo surgió la iniciativa, ese deseo de transportar sus vivencias en otros lugares a su país?

-Yo venía viajando por el mundo y siempre había estado en festivales de guitarras. Hubo un festival en el año 1992, en Francia, que me motivó mucho. Fue en el marco de los 500 años del “descubrimiento” de América, por lo que se convocó a guitarristas de las tres Américas. Y ahí decidimos con otros músicos de Chile y Costa Rica impulsar un festival cada uno en su país con una idea de revalorizar la música de los pueblos, no de hacer un concierto clásico.

Guitarras del Mundo

El primer Festival de Guitarras del Mundo se realizó en el año 1995, en la sede del sindicato de 
la Unión del Personal Civil de la Nación (UPCN), en medio del barrio Once. La lejanía de las calles estelares de Buenos Aires hacían dudar a los organizadores del éxito del Festival. Para sorpresa, tres cuadras de cola esperaron el toque de la primer guitarra.  

“En ese momento nos dimos cuenta que era la propuesta adecuada para el país adecuado, porque Argentina es un país que ama mucho la guitarra y esa fue la constatación. Y además, esas colas enormes empezaron a repetirse durante muchos años. Primero empezamos en dos sedes, luego en cuatro, en ocho, en diez, en quince. Y hoy, en estos 25 años vamos a estar brindando conciertos en 54 sedes de todo el país”.

-¿Ya pasaron 25 años?

-El número 25 impacta, tienen un peso simbólico porque es un número que invita a festejar y a celebrar la continuidad de un proyecto en un país donde no es frecuente que los proyectos se mantengan. Hemos atravesado diferentes gobiernos, diferentes coyunturas económicas, y acá seguimos, gracias a un público fiel y a una presencia sindical fundamental que brinda toda su estructura para garantizar el desarrollo del Festival. Con la continuidad ininterrumpida del Festivalse valoriza un modelo de gestión que está apoyado por el público, por los y las guitarristas, por el Estado, por el sindicato y gracias a todo eso podemos sobrevivir. Hay que pensar en la comunidad y tener buenos socios porque si el socio es un sponsor privado vas a tener muchos condicionantes.

-¿Cuál es la trascendencia de este tipo de políticas culturales?

-Desde sus inicios para nosotros el Festival era una propuesta ideológica y estética, no era solo un festival para juntar guitarristas. Guitarras del Mundo es un festival netamente federal, porque se hace en las 24 provinciasy es muy horizontal porque tienen los honorarios igualados, así venga un recontra capo o alguien que se está iniciando. 

Son una serie de atributos importantes como también el hecho de valorar las músicas regionales, las culturas de los pueblos, valorar que el guitarrista toqué con idoneidad las músicas que les pertenecen, valorar al guitarrista que no tuvo una formación académica pero sin embargo tiene mucho talento, valorar al que tiene poco curriculum y necesita ser motivado, valorar el federalismo, la participación y todas esas son cuestiones políticas e ideológicas.

-¿Cómo es el público que va a un festival a escuchar las guitarras?

-Es heterogéneo, hay ciudades donde el Festival tuvo fervor de convocatorias y después decayeron, en otros casos pasó al revés. Hay ciudades con salas pequeñas, otras con salas enormes. En un festival de guitarras, donde no hay bandas no grandes volúmenes sonores, se produce algo muy interesante que es la valoración del silencio. Y en el silencio se produce otra cosa interesante: como nosotros mezclamos géneros musicales, el público viene de escuchar un repertorio de zambas a escuchar otro guitarrista tocando Bach y después otro guitarrista interpretando jazz, y el comentario se repite ‘es la primera vez que escucho estas músicas’. Entonces hay ahí un aspecto formativo importantísimo que siempre tienen que estar presente en este tipo de propuestas. 

Cuando el Estado promueve espectáculos se tiene que ocupar del aspecto formativo, sino el Estado está cumpliendo el mismo rol que el mercado: poner un artista conocido para que se lo aplauda. Y después están las guitarreadas que se generan alrededor del Festival y eso ya es otra cosa, es una caja de sorpresas. Ahí todos aprendemos de todos, público, guitarristas reconocidos, novatos. Siempre hay un intercambio.

Hace más de 30 años que Juan Falú es docente. Estuvo al frente en varias escuelas, conservatorios y universidades. El vínculo con los estudiantes lo hace siempre estar ligado a las nuevas generaciones. Confiesa ser no muy organizado para escuchar pero sí ser conciente de tener un vasto conocimiento de lo que producen los músicos en el país. «Me impresiona la musicalidad de los músicos argentinos, es tremendo, impresionante. Algo que no veo tanto en la poesía como en la música».

-Usted habla la música ligada a memoria, a las vivencias, a los momentos históricos ¿cómo se transmiten esos aprendizajes en el ejercicio docente?

-Se expresa a través de cómo uno es, cómo uno siente, cómo piensa, la música que hace y cómo la hace. No es que tenga que plantearme solamente una estrategia académica, sino que es necesario transmir vivencias. En general la pasión por la música ya están asegurada porque si los estudiantes llegaron ahi, es porque vienen con un enorme respeto y muchas ganas. La música es un lenguaje que tiene sus reglas, vos podes tener un libro de mil acordes y estudiarlos, pero hacer algo sencillo y bello, es otro cantar.

Buenos Aires, 11 de noviembre de 2015 – El foro Imaginación Cultural reune a referentes del teatro, el cine, la literatura, las artes plásticas y el humor para debatir sobre el estado artístico de la última década, en la Sala Berni del Museo Nacional de Bellas Artes, El encuentro es organizado por el Ministerio de Cultura de la Nación, por medio de la Secretaría de Coordinación Estratégica para el Pensamiento Nacional, junto con el Museo Nacional de Bellas Artes y Radio Nacional Rock. En este marco se ralizó la charla “Música argentina e identidad nacional”. Diálogo entre Juan Falú y Jorge Dorio Fotos: Mauro Rico/ Ministerio de Cultura de la Nación.

-¿Qué relaciones posibles puede haber entre la música y el compromiso con el contexto? ¿se puede desvincular el artista del contexto donde produce?

-Me parece que hay algo de arte que lo asocia inevitable a la política y no es tanto la opción de un partido o línea partidaria sino a «la» política y ese es el sentido liberador del arte. El arte, al tener esa energía liberadora, necesariamente lo ubica a uno en una expectativa liberadora también para la tierra de uno, para la gente de uno. Hay artistas que tienen otra posición, que son conservadores, que consideran dejar las cosas como están, hay otros que reniegan de la política, pero creo que en general esa cuestión de la energía liberadora lo pone a uno en una posición más amigable con las transformaciones y con la libertad. Cuando en un sistema no hay libertad me parece que el artista inmediatamente lo combate, eso sería lo esperable.

Ahora, el arte y la política en el sentido más explícito de lo que podria ser la canción con contenido político, eso es otra historia, es usar una herramienta concreta. Yo no compro la vestimenta revolucionaria de un artista porque haga una canción de protesta. Yo prefiero que haga una buena canción y que esté incuida la denuncia desde la mejor música y poesía posible. Porque para mí ahí el arte mantiene su rol y, de paso, le hace bien a la política. Sino se bastardea la política y se bastardea el arte.

-¿Qué espera del público que participa en un festival, sea un Cosquín o Guitarras del Mundo?

-Que escuchen. Y que entren en esas profundidades. Yo espero que tanto artista como público se metan en el arte. Es mejor aplaudir al arte que al artista porque es más enriquecedor. Si yo estoy haciendo una zamba, con esa hermosa poesía y esa hermosa música, quiero que ese público esté sintiendo lo que yo estoy sintiendo, que se meta en la zamba y eso es más importante que esperar una gran performance y me llenen de aplausos. Celebrar la obra de arte y no al artista me parece que eso sería un objetivo extraordinario. Y no lo hago desde una posición de humildad, creo que ese es el punto de comunión. El punto de comunión no es la contemplación de las cualidades del que está tocando, el punto de comunión es lo que produce esa zamba que suena aquí y ahora.

https://www.cultura.gob.ar/

Argentina

¿Por qué es bueno tomar caña con ruda cada primero de agosto?

Descubrí cómo surge y en qué se basa esta tradición milenaria de los pueblos originarios de América, que recomienda tomar caña con ruda el primer día del mes de agosto para espantar maleficios

Tomar caña con ruda el primer día de agosto es una costumbre que no pierde adeptos. Se cree que cumplir con este ritual atare la salud y la suerte y aleja la envidia y los maleficios. Siete sorbos, tres tragos, uno largo, un vaso entero, y siempre en ayunas. Pero, ¿de dónde surge y qué significa?

Esta costumbre, enraizada en el norte argentino (más específicamente en las provincias de Misiones y Corrientes), se ha extendido por todo el país. Es una tradición milenaria, que proviene de los pueblos originarios de América que reconocían en la ruda múltiples propiedades medicinales contra parásitos y malestares gastrointestinales, además de su uso para calmar el ardor y la irritación de picaduras de bichos y alimañas. 

Como en agosto se producían grandes lluvias, que junto al frío causaban muchas muertes en la población y en el ganado, crearon este remedio natural donde se mezcla la caña con la ruda para superar estos problemas.

La evolución del brebaje

Originalmente se utilizaban licores fabricados con chañar, patay, tunas o algarroba, a los que se les agregaba la contrayerba o hierbas medicinales. Con la llegada de los europeos, los componentes fueron mutando hasta conformar la receta que hoy conocemos.

La introducción del cultivo de caña para la fabricación de azúcar, en la época de la colonización española, empezó a producir paralelamente el aguardiente de caña. A esto se le sumó la llegada de la ruda a América cuyas capacidades medicinales no pasaron desapercibidas.

A esta combinación de planta y bebida, el imaginario guaraní le fue adjudicando propiedades y virtudes. De allí derivó la creencia popular que considera a la caña con ruda como un conjuro contra la envidia y la mala suerte. Este brebaje se consume “para espantar los males del invierno”.

Caña con ruda

Si bien la tradición dicta que hay que tomarlo el primero de agosto, aquellos que se olviden o no alcancen a hacerlo, tienen la oportunidad de hacerlo hasta el 15 del mes. Además, en Argentina y varios países de América Latina, el primero de agosto se celebra el Día de la Pachamama. Es una fiesta de agradecimiento que se festeja de diferentes maneras dependiendo de la región. Uno de los ritos más populares, claro, es tomar caña con ruda.

Salud, y ¡feliz día, Madre Tierra!

Fuente: Ministerio de cultura de la República de Argentina

Argentina

¿Por qué Pugliese trae suerte?

«Pugliese, Pugliese, Pugliese». En un nuevo aniversario de su nacimiento, homenajeamos al Maestro del tango y te contamos cómo nació el mito de invocarlo para atraer la buena suerte

“Suerte”“merd”“éxitos” o “Pugliese, Pugliese, Pugliese”. Dueño de un gran talento y una brillante carrera musical, Osvaldo Pugliese se convirtió en uno de los artistas más reconocidos del tango. Su particular estilo continúa inspirando a músicos y tangueros del mundo, pero a más de 20 años de su muerte, también se lo invoca en un gesto de antimufa o antiyeta.

Se dice que durante un recital de Charly García, se desencadenó una serie de situaciones y problemas técnicos que retrasaron el comienzo del espectáculo. El sonido no funcionaba bien, hasta que alguien del equipo intentó hacer una prueba con un disco del Maestro Pugliese. Todo empezó a mejorar y Charly dio su show. A partir de ahí, nació el mito de la buena suerte que traía invocar al músico.

Ante cortes de luz, amplificadores averiados, instrumentos perdidos y otras tantas cosas que pueden suceder durante los conciertos o presentaciones, la cábala Pugliese parece estar siempre presente. Por eso, no son pocos los artistas que pegan una de sus fotos en un rincón del camarín. Hasta tiene su propia estampita y oración:

“Protégenos de todo aquel que no escucha. Ampáranos de la mufa de los que insisten con la patita de pollo nacional. Ayúdanos a entrar en la armonía e ilumínanos para que no sea la desgracia la única acción cooperativa. Llévanos con tu misterio hacia una pasión que no parta los huesos y no nos dejes en silencio mirando un bandoneón sobre una silla”.

El Maestro

Nació el 2 de diciembre de 1905. Hijo de una familia de músicos, su padre le regaló un violín y lo inscribió en el Conservatorio Odeón, del barrio porteño de Villa Crespo. Sin embargo, allí descubrió el instrumento que lo apasionó durante toda su vida: el piano. Estudió con grandes maestros, como Vicente Scaramuzza y Pedro Rubione.

A los quince años formó parte de un trío musical junto con el bandoneonista Domingo Faillac y el violinista Alfredo Ferrito. En un bar llamado el “Café de la Chancha” -se dice que por su poca higiene- debutó a puro tango, con aquellos dos maestros. Luego, lo hizo participando con otro conjunto, en la que se encontraba Francisca Bernardo, la primera bandoneonista de la Argentina, más conocida como “Paquita” o “la flor de Villa Crespo”.

Fue integrando distintos agrupamientos musicales hasta que en la década del 30 formó su propia orquesta junto con el violinista Elvino Vardaro. En el Café Nacional realizaron su primera presentación y con la que ganaron una amplia repercusión. Con aquella fama incipiente, lograron llevar adelante la primera gira por el país. Pero no todo resultó como esperaban: la gira demandó más gastos que ganancias y hasta tuvieron que empeñar algunos de sus instrumentos para volver a casa.

En 1936 creó un sexteto junto con los bandoneonistas Alfredo Calabró, Juan Abelardo Fernández y Marcos Madrigal, los violinistas Rolando Curzel y Juan Pedro Potenza, y el contrabajista Aniceto Rossi. Esta fue la orquesta con la que cosechó su gran reconocimiento durante 55 años, siempre con algunos cambios, pero fiel al espíritu original de los integrantes. Así, Osvaldo Pugliese creó más de 150 canciones. Algunas muy conocidas como “La Yumba”, “Recuerdos”, “La Beba”, “Negracha” o “Malandraca”. También grabó más de 600 piezas de otros músicos y autores.

Pugliese, el ciudadano

A Osvaldo Pugliese no solo se lo reconoce como uno de los grandes músicos argentinos que revolucionó la interpretación del tango en el piano, sino también como un ciudadano comprometido con el trabajo de músicos, intérpretes, compositores, y sus derechos y obligaciones como artistas. Fue entonces, en 1935, cuando impulsó el Sindicato Argentino de Músicos del que fue el afiliado número 5, para promover las labores de la música como «una dignidad personal y no un castigo», decían desde la organización.

Un año después, también se afilió al joven Partido Comunista Argentino. Sus ideas y convicciones le valieron la persecución, censura y hasta la cárcel, durante el gobierno de Juan Domingo Perón y la posterior dictadura de la “Revolución Libertadora”. No obstante, Pugliese nunca dejó de tocar.

Su influencia

Para 1985, al cumplir sus 80 años, tocó con su orquesta en el prestigioso Teatro Colón, ante un público que lo adoró y ovacionó desde la primera hasta la última canción. Por su orquesta, pasaron destacados cantante e intérpretes como Roberto Chanel, Alberto Morán, Jorge Vidal, Jorge Maciel, Miguel Montero, Alfredo Belusi, Adrián Guida y Abel Córdoba. Córdoba fue quien cantó junto a la orquesta, durante 30 años, dirigido por el Maestro Pugliese.

Recibió innumerables distinciones tanto nacionales como del exterior, entre ellas, la otorgada por el gobierno de Cuba, la medalla “Alejo Carpentier”, la más importante distinción cultural de la Isla; el gobierno francés lo nombró Commandeur de L’Ordre des Arts et Letters y Buenos Aires lo declaró Ciudadano Ilustre. La Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música (SADAIC) y la Asociación de Coleccionistas de Tango colocaron una placa en la Av. Corrientes 960, en conmemoración y por sus 50 años de carrera y aporte a la cultura argentina y al tango. En 1990, recibió el título de Académico Honorario de la Academia Nacional del Tango.

El 25 de julio de 1995, a los 89 años, falleció en la Ciudad de Buenos Aires. Su hija Beba y su nieta Carla, también pianistas, continúan el legado de aquel grande de la música que, aún hoy, sigue más vigente que nunca.

«Pugliese, Pugliese, Pugliese».

Fuente: Ministerio de cultura Republica Argentina
Argentina

Argentina entregó a Bolivia la Secretaría Tempore del Qhapaq Ñan

Tras 2 años al mando de la Secretaría Pro Tempore de Qhapaq Ñan, Sistema Vial Andino, Argentina entregó la presidencia al Estado Plurinacional de Bolivia


¿Qué significa Qhapaq Ñan y por qué atraviesa Argentina?

Nació durante el Imperio Inca y hay un proyecto plurinacional para revalorizarlo; en Argentina, la longitud total de los tramos es de 119 km, dividido en 13 segmentos de camino distribuidos en siete provincias y 32 sitios arqueológicos asociados

En el sitio arqueológico Tiwanaku, ubicado a 72 kilómetros de La Paz, y en el marco del Año nuevo Andino, que se celebra todos los 21 de junio, Argentina entregó la Secretaría Pro Tempore luego de dos años al Estado Plurinacional de Bolivia. El acto de traspaso se realizó a las 8 de la mañana en la puerta de Kalasasaya, un templo de piedras que se utilizaba para verificar con exactitud los cambios de estaciones y el año solar de 365 días.

Entre los participantes, la Ministra de Cultura y Turismo boliviana, Wilma Alacona Mamani, agradeció a los presentes y destacó que “Bolivia no solamente tiene un marco normativo que protege sus pueblos indígenas, originarios y campesinos, sino también los revaloriza a través del turismo comunitario”.

Y explicó sobre Qhapaq Ñan: “ahora que Bolivia asumirá la presidencia pro tempore del tenemos un trabajo de gran responsabilidad. En los últimos años hemos hecho una prospección por toda la ruta, se ha identificado el estado de conservación de los caminos, se han hecho caminatas en Perú, en el Ecuador, y ayer la primera caminata internacional en Bolivia con gran éxito”.

Por su parte, Marcelo Panozzo, Secretario de Patrimonio Cultural y Secretario Pro Tempore saliente del Qhapaq Ñan, enfatizó que “fueron dos años de mucho aprendizaje, de hablar entre nosotros, fortalecer a las comunidades locales y aprender de ellas. Me hace inmensamente feliz dejar la Secretaría Pro Tempore en manos de Bolivia por los próximos dos años, que ha demostrado en estos dos días que la articulación y el trabajo con las comunidades es directamente prodigioso”.

Caminata por Qhapaq Ñan Bolivia

Un día antes del traspado, el 20 de junio, las delegaciones internacionales convocadas, con la participación de autoridades indígenas de las comunidades cercanas, partieron hacia la localidad de Azafranal para realizar la primera Caminata Internacional del Qhapaq Ñan. Además de entrar en contacto con el ambiente andino, se presentaron ceremonias y danzas tradicionales.

Cerca de las nueve de la mañana, con la presencia del presidente Evo Morales, las autoridades indígenas realizaron una ofrenda a la Pachamama. Luego marcharon hasta la localidad de Titijoni, y allí la comunidad ofreció un “Apthapi”, es decir, un bufet andino a base de papas, chuño, quedo y pescado. Después de comer, y tras visitar el museo comunitario local, se realizó una nueva ceremonia de agradecimiento a la Pachamama. 

La caminata prosiguió hasta San Pedro, donde se preparó un escenario en el que tomaron asiento las autoridades nacionales, los diferentes referentes locales e indígenas y las delegaciones internacionales, que disfrutaron de diferentes presentaciones de música y danza.

Finalmente, Evo Morales habló sobre Qhapaq Ñan y su valor histórico. «Es una vía de liberación de los pueblos. Estos caminos eran de integración y ahora son caminos de liberación, y son también caminos de integración. Ningún muro hermanas y hermanos, ciudadanía universal, queremos un mundo plurinacional”.

Y agregó: «Conocer el Qhapaq Ñan es comprender gran parte de la historia y la magnitud de la herencia de nuestros antepasados, que antes eran reprimidos y soportaron intentos de exterminio, mientras que ahora llevan con orgullo el poncho y demás vestimenta propia de la región”.

Argentina

Así fue la 4ta. Feria Internacional del Libro de Puerto Madryn

Con el auspicio del programa Festejar y una nutrida programación, visitantes de distintas regiones se acercaron a esta cuarta edición que celebra las letras y el pensamiento. Participaron la ilustradora de Harry Potter, Dolores Avendaño; la escritora y periodista Luciana Peker; la socióloga y conductora Eugenia Zicavo, entre otras personalidades y artistas locales.

Una vez al año, entre las atracciones que se pueden encontrar en la ciudad de Puerto Madryn está, por supuesto, la llegada de las ballenas. Se trata de la especie franca austral que, desde mayo, comienza a llegar por alimento y reproducción. Miles de turistas y lugareños se acercan para contemplar el espectáculo marino. De alguna manera, ser parte de un momento único de la naturaleza más viva. Sin embargo, y desde hace cuatro años, otro gran evento se viene llevando a cabo y en el que también se llena de visitantes y curiosos: la Feria Internacional del Libro de Puerto Madryn.

Durante cuatro días -y auspiciado por el Programa Festejar de la Secretaría de Cultura de la Nación-, la Escuela 84 fue el punto de encuentro entre lectores, escritores, editores y los miles de libros que se presentaron de distintos sellos. Desde las editoriales con gran trayectoria -Sudamericana; Adriana Hidalgo; Random House; Paidós- hasta emergentes, independientes y locales de la Patagonia -La cebolla de vidrio; Doble Z; Orillas casa de libros; Espacio Hudson; De la grieta-.

Además, la programación y diferentes actividades de esta cuarta edición de la Feria contaron con personalidades de lujo. Por ejemplo, en la apertura oficial, se realizó un homenaje a Joaquín Salvador Lavado Tejón: más conocido como Quino, el creador de la entrañable Mafalda. Con la coordinación de Eugenia Zicavo -conductora del programa “Bibliómanos” (Canal de la Ciudad)-, estudiantes de varias escuelas se acercaron al escenario principal, para formar parte de una maratón de lectura. Allí continuaron leyendo las humorísticas historias de Mafalda y sus amigos. Muchos, quizá, la conocieron por primera vez, mientras se proyectaban en la pantalla del escenario varias de las viñetas más divertidas de la niña de Quino. Leer, reir, compartir y comentar fueron los grandes protagonistas, apenas comenzó esta nueva celebración de las letras y el pensamiento.

Eugenia Zicavo

Por otra parte, el escenario principal fue el espacio donde se llevaron a cabo espectáculos de música, baile, acrobacia, teatro, lecturas en vivo y hasta demostraciones de cocina. Entre ellos, estuvieron presentes el Ballet Antulen; el Coro Municipal de Niños; Danza Tradicionales Galesas Her Siriol; Ballet Amor y Danza; Murga “A la perinola”; el dúo Bárbara Prosperi y Emiliano Bordenave, quienes interpretaron canciones de María Elena Walsh; la chef Gabriela Goyeneche, quien realizó algunas preparaciones de distintas salsas, y hasta hubo una pequeña sala de cine improvisada, en la que se proyectaron cortos animados y otros de temática ambiental y del cuidado del planeta.

Dolores Avendaño, ilustradora de Harry Potter

Dolores Avendaño

Una de las presentaciones más fuertes de la Feria, reunió a distintos lectores de todas las edades para escuchar a Dolores Avendaño, la ilustradora que le dio cara y color a Harry Potter y otros personajes de la famosa saga de J. K. Rowling, para la ediciones de Emecé y Salamandra en español. Cada vez llegaba más gente. Muchos de ellos, disfrazados del niño mago más famoso de la literatura.

Luego, chicos y chicas se formaron con diversas ediciones de Harry Potter para conseguir un autógrafo de la ilustradora.

“La experiencia en esta Feria del Libro fue lindísima. El público fue supercálido, me sentí muy bienvenida. Firmé muchísimos libros. Me conmovió muchísimo que varios de los chicos y chicas me hicieron regalos. Me sorprendió y, realmente, me conmovió. Unos chicos me regalaron unas esculturitas de Harry Potter en cerámica fría, en plastilina, muy bien hechas, con los anteojitos, con todos los detalles. También me dieron una maqueta de Harry. Realmente me sentí muy querida”, comentó Avendaño, al término de su participación.

Talleres y algo más

El Mercado de Industrias Creativas Argentinas (MICA), programa de la Secretaría de Cultura de la Nación, contó con su momento de presentación. A cargo de Vanina Colagiovanni, coordinadora de sector editorial del MICA, los asistentes tuvieron la oportunidad de charlar sobre las opciones de financiamiento, capacitación y posibilidades para este campo de libros y publicaciones.

A partir de ahí, se expusieron las líneas de trabajo que ya viene realizando el MICA. Sobre todo, su apuesta más fuerte: las rondas de negocios. Colagiovanni comentó cómo funcionan estos los vínculos y lazos entre los gestores y actores del sector, que se dan en cada uno de los encuentros: “Me gusta más llamarlos rondas de vínculos porque es por donde empieza todo. A partir de ahí, se crean los lazos para potenciar las diferentes regiones en que se presenta el MICA, con los autores, editores, festivales, contenidos, etc. La idea es también tratar de profesionalizar, cada vez más, el sector”. Los visitantes presentes contaron sus experiencias y los proyectos de los que participan. En su mayoría, publicaciones de libros y edición de revistas. Lo interesante es que el taller funcionó, a su vez, como una perfecta “ronda de vínculos”, como las llamó la coordinadora, porque los asistentes que venían de diferentes regiones del sur no dudaron en registrar sus contactos para futuras colaboraciones que tenían en común.

Otro de los talleres que se abrió durante la Feria fue el de “Creación de editoriales artesanales”, dictado por el editor y gestor cultural, Iván Moiseeff. Allí, quienes participaron aprendieron a crear y producir los propios libros, mediante una forma de encuadernación manual. Moiseeff señaló:

“Lo que van a necesitar es una impresora láser, papel libro (bookcel), planchas de cartón para las tapas, cola vinílica, tela de encuadernación, agujas curvas, hilo y guillotina. Con estos elementos, ya estamos listos para crear nuestros propios libros”.

El tallerista, mediante una experiencia de producción artesanal de encuadernación, también reflexionó sobre los proyectos de editorial independiente, para llevar adelante un miniemprendimiento. “Dicen que la medida es de cien títulos, porque cuando se llega a ese número, un día se venden veinte de uno; cinco de otro, etc. En las grandes editoriales, siempre hay dos o tres libros que le salvan el año, son los que salvan el catálogo cuando cuentan con títulos muy exitosos”, comentó Moiseeff.

Y agregó:

“Esta es una lógica comercial. Cuando uno arranca con una editorial independiente no es así. El retorno económico no es muy rápido. Pero todos los proyectos independientes culturales tienen muchas vidas y eso va armando cierto circuito económico. Lo que tiene de bueno es que, quizá al comienzo no cierran los números, pero el proyecto empieza a multiplicar relaciones, productos y a generar contactos”.

Luciana Peker y La revolución de las hijas

Luciana peker presenta «La revolución de las hijas«

El último día de la Feria, otra gran multitud se juntó al escenario principal de la Escuela 84. En su mayoría, mujeres, chicas y hasta niñas, pero también muchos varones. Curiosas y emocionadas, con ideales y esperanzas, esperaban la presentación de la escritora y periodista especializada en género, Luciana Peker. Con la moderación de Zicavo, gran parte del público de la Feria se tomó un momento para reflexionar sobre las injusticias que violan la diversidad de género, las luchas feministas, la deconstrucción cultural y la batalla por la legalización del aborto seguro y gratuito. En ese contexto que conmovió a más de uno, Peker presentó la reciente publicación de su libro, La revolución de las hijas (Paidós).   

“Durante mucho tiempo no habíamos logrado que nos escuchen. Por eso, estar acá y ser escuchada es una emoción. El origen del feminismo argentino, que hoy es hablar de un feminismo y revolución mundiales, tiene que ver con los encuentros nacionales de mujeres a través de la historia. Encuentros que son horizontales, colectivos, federales y autónomos. Que sean autónomos es la gran razón de la resistencia del feminismo, en épocas en que no hubo otras resistencias en estos últimos años”, expresó Peker.

Y agregó:

“Lo autónomo es lo que generó que los mecanismos de resistencia no se debiliten. Y además, que estos encuentros sean federales, nos permiten conocer palabras, geografías y romper con mitos fundacionales, como el mito del desierto y mucho más”.

Peker se refirió al episodio histórico de la Conquista del Desierto, por la idea que se tenía de que allí “no había nadie” y, entonces, se podía conquistar lo que “no existía”. La escritora señaló que esa idea de la inexistencia de pueblos en la Patagonia no solo permitió un genocidio, sino también otras inexistencias: “El desierto sobre los cuerpos de las mujeres y trans; ese lugar de no lugar; esas personas que no llegamos a ser personas”, destacó.

Sin embargo, un día volvieron a alzar la voz, para construir una nueva ola feminista. Movimientos como “Ni una menos”, “Me too”, etc., se tornaron cada vez más multitudinarios, expansivos, y comenzaron no solo a luchar contra la misoginia y el femicidio, sino también a reflexionar, repensar y debatir en pos de deconstruir lo que peligrosamente se había naturalizado. En este contexto, Peker escribió La revolución de la hijas, un libro en el que la autora es más que clara desde el principio:

“No voy a parar hasta que mi hija tenga los mismos derechos que mi hijo. Pero, por sobre todo, la que no va a parar es ella. Ellas no van a parar”.

Argentina

Cumbre Cultural de las Américas 2019

La segunda edición de la Cumbre Cultural de las Américas se llevará a cabo en Argentina, el 28 y el 29 de junio, con el lema «los Cambios Culturales en un Territorio Diverso». ¿Cómo repensamos los encuentros y desencuentros en esta América diversa?

La segunda edición de la Cumbre Cultural de las Américas, cuya temática estará centrada en «los Cambios Culturales en un Territorio Diverso», se llevará a cabo los días 28 y 29 de junio, en el Centro Cultural de la Ciencia (Godoy Cruz 2270, Ciudad de Buenos Aires).

Durante las dos jornadas se analizarán los cambios profundos que impactan constantemente a los modelos y prácticas culturales actuales. Se planteará también un diálogo colectivo para comprender cuáles de los paradigmas tradicionales han quedado obsoletos y cómo vamos construyendo nuevos modelos de gestión cultural que conviven con los anteriores.

El escenario del Mercado de Industrias Creativas Argentinas (MICA 2019), que se realizará del 28 de junio y al 2 de julio bajo el lema de «Creatividad argentina sin fronteras», será la plataforma que impulsará las conversaciones planteadas en el marco de la Cumbre.

Fenómenos emergentes y nuevos paradigmas

El continente americano transita hoy por una experiencia cultural que pasa, en gran medida, por fenómenos emergentes y nuevos paradigmas: la comunicación en la era digital, movimientos sociales que promueven la igualdad de género y que impulsan a deconstruir prácticas y visiones conservadoras, corrientes migratorias que expanden nuestros entornos y cosmovisiones, el auge de la cultura colaborativa y de red, la hiperconectividad, la inclusión digital, la problemática del medio-ambiente, el cambio climático y el resurgimiento de movimientos y minorías que reclaman sus derechos. ¿Que conversaciones impulsamos, desde el sector cultural y artístico, para repensar los encuentros y desencuentros en esta América diversa?   


El antecedente
La primera Cumbre tuvo lugar en Ottawa, Canadá,  en el 2018, y contó con más de 130 líderes de las artes y la cultura, entre ellos reconocidos artistas, pensadores eminentes y líderes del ámbito del financiamiento público. Entre ellos discutieron su rol e impacto en el surgimiento de la ciudadanía cultural

Organiza la Secretaría de Cultura de la Nación y la Federación Internacional de Consejos de Artes y Agencias Culturales (IFACCA), la red mundial de agencias nacionales que financian el arte y la cultura.

Para participar de la Cumbre Cultural de las Américas inscribite AQUI

El Programa

Viernes 28 de junio  

(Actividades abiertas al público con inscripción previa)

Acreditaciones
8.30 a 9.30 h 

Apertura oficial
9.30 a 10 h

› Magdalena Moreno Mujica. Directora Ejecutiva de la Federación Internacional de Consejo de las Artes y Agencias Culturales – IFACCA.
› Simon Brault. Director y CEO del Canada Council for the Arts. Presidente de IFACCA.
› Pablo Avelluto. Secretario de Gobierno de Cultura de la República Argentina.

Moderador: Andrés Gribnicow. Secretario de Cultura y Creatividad – Secretaría de Gobierno de Cultura de la República Argentina. Miembro de la Junta Directiva de IFACCA.

Conferencia
10 a 10.30 h
Construcción de ciudadanía cultural en un territorio diverso

Desafíos comunes desde la perspectiva del creador y divulgador en la construcción de ciudadanía cultural y gestión en épocas de transición: ¿cómo impactan los cambios sobre nuestros tradicionales modelos en el desarrollo de la carrera de un artista en su medio y en la participación ciudadana? ¿Qué está pasando con estos nuevos ecosistemas sociales y culturales que están interpelando nuestras miradas? ¿Cuál es el rol del Estado y la comunidad creativa en esta construcción ciudadana participativa? ¿Cómo actualizar en forma colaborativa las discusiones, métodos y prácticas de los diversos actores del campo cultural para acompañar las transformaciones profundas por las que atraviesan nuestras sociedades? › Luis Pescetti. Escritor, músico y cantante (Argentina)


Panel de perspectivas
10.30 a 12 h 
Deconstrucción de modelos culturales
Los últimos años fueron el escenario de cambios profundos en todo el mundo:tecnológicos, de movimientos sociales, corrientes migratorias y predominio del trabajo en red, entre otros. ¿Cómo impactan hoy el auge de la cultura colaborativa, los flujos migratorios y la perspectiva de género en nuestras iniciativas y modelos culturales de gestión? ¿Cuáles son los límites y alcances de las estrategias de innovación en los ejes de referencia?

Panelistas:
› Dra. Marcela A. País Andrade. Profesora e investigadora en la Facultad de Ciencias Sociales, UBA. Investigadora Adjunta de CONICET (Argentina).
› Lori Pourier. Directora Ejecutiva, Fondo de Pueblo Originarios (Estados Unidos de América).
› Odile Joannette. Directora Ejecutiva de la organización indígena Wapikoni Mobile (Canadá).
› Alex Brahim. Comisario independiente y director de proyectos culturales,(Colombia).

Moderadora: Belén Igarzabal. Directora del Área Comunicación y Cultura de la Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales – FLACSO (Argentina).

Preguntas del público sobre la Conferencia de apertura y el panel de perspectivas.
12 a 12.30 h

Intervalo
12.30 a 14.30 h 

Conferencia
14.30 a 15 h 
Dilemas y oportunidades en el horizonte cultural de la experiencia digital ¿Hacia dónde vamos?¿Oportunidades de expansión cultural o maniobras de persuasión? ¿Cómo influyen las nuevas narrativas y tecnologías en los nuevos modelos de gestión cultural? Maridaje y convivencia entre lo digital y lo analógico en los consumos culturales de las Américas.

› Sara Diamond. Presidenta de la Universidad OCAD, Escuela de Arte y Diseño de Ontario (Canadá).

Panel de perspectivas
15 a 16.30 h 
Experiencias culturales en clave digital
La experiencia cultural está pasando en gran medida por el espacio digital y virtual, dando lugar a una diversidad de nuevas narrativas y sensibilidades culturales que delinean el paisaje del futuro. La hiperconectividad, saturación de información y la inclusión digital se vuelven, entonces, conversaciones fundamentales a la hora de pensar cuáles son las oportunidades para una cultura en clave digital. En esta época de hiperconexión, de acceso digital desigual y narrativas emergentes, ¿pueden las Américas forjar experiencias culturales nuevas y distintivas? ¿Cómo asegurar el desarrollo y la circulación de contenidos locales y/o regionales en un espacio digital desigual y con
regulaciones pendientes, como por ejemplo en materia de derechos de propiedad intelectual?

Panelistas:
› Tana Schémbori. Productora y cineasta. Directora de Proyectos Audiovisuales (Paraguay).
› José Carlos Mariategui. Presidente de ATA – desarrollo e investigación en arte, ciencia y tecnología (Perú).
› Silvana Bahia. Presidenta de PretaLab (Brasil).
› Octavio Kulesz. Director de la Editorial Teseo y Experto UNESCO en diversidad cultural, creatividad digital e inteligencia artificial (Argentina).

Moderador: Gabriel Gendin. Subsecretario de Innovación y Vinculación Tecnológica, Universidad Nacional Nordeste (Argentina).

Preguntas del público sobre la conferencia y el panel de perspectivas.
16.30 a 17 h

Conferencia de Cierre
17 a 18 h

Coordenadas para el futuro
Pensar en el campo cultural del continente implica reconocer nuestras identidades y nuestros orígenes, en convivencia con las nuevas sensibilidades y consumos. En un mundo de cambio y transformación permanente, que tiende a homogeneizar y borrar las fronteras culturales amalgamando identidades diversas, ¿qué compromisos políticos e institucionales hay que asumir como ciudadanos y líderes (desde lo individual y en vinculación con lo colectivo) para la transición entre la visión, las acciones y la transformación sostenible?

Diálogo abierto con Simon Brault y Pablo Avelluto.

Moderadora: Magdalena Moreno Mujica.

APERTURA OFICIAL DEL MERCADO INDUSTRIAS CREATIVAS ARGENTINA
19 a 20 h 
Palabras de autoridades:

› Máximo Jacoby. Director Nacional de Economía Creativa – Secretaría de Gobierno de Cultura de la República Argentina.
› Andrés Gribnicow. Secretario de Cultura y Creatividad – Secretaría de Gobierno de Cultura de la República Argentina. Miembro de la Junta IFACCA.
› María Julia Muñoz. Ministra de Educación y Cultura de la República Oriental del Uruguay.
› Pablo Avelluto. Secretario de Gobierno de Cultura de la República Argentina.


› Cierre artístico

Argentina

25 de Mayo: actividades gratuitas en los Museos Nacionales

Te invitamos a celebrar la Semana de Mayo en los Museos Nacionales, con actividades gratuitas para toda la familia

Ciudad de Buenos Aires

Museo Nacional del Cabildo y la Revolución de Mayo

Viernes 24 de mayo, a  las 00.00
Vigilia en la fachada del Cabildo. En la víspera del 25 de mayo, el Regimiento de Infantería 1 “Patricios” entonará las estrofas del Himno Nacional Argentino y de El Uno Grande, marcha del regimiento.
Dirección: Bolívar 65.

Sábado 25 de mayo, de 12 a 19.
En el día más importante para este museo, podrán disfrutar del Cabildo, recorrer sus salas y sus patios, conocer su historia y la historia de la Revolución. ¡Habrá sorpresa para los primeros visitantes!
Dirección: Bolívar 65.

Todo el día
Encuentros con la arqueología. Charlas sobre arqueología urbana y exhibición de algunas de las piezas recuperadas en la excavación que estamos realizando en el patio del museo.
Dirección: Bolívar 65.

Domingo 26 de mayo a las 13, 15 y 17.
Narración del cuento «El día en que el Río de la Plata se quedó sin agua». A la vera del aljibe van a poder escuchar esta historia que nos acerca a los aspectos de la vida cotidiana colonial, los actores sociales y el Cabildo como lugar de encuentro y resolución de problemas.  Además, durante todo el día, una dama de 1810 recorrerá los espacios y recovecos del museo contando historias y anécdotas de la época colonial y revolucionaria.
Dirección: Bolívar 65.

Todo el día, de 10.30 a 19
Durante todo el día, una dama de 1810 recorrerá los espacios y recovecos del museo
contando historias y anécdotas de la época colonial y revolucionaria.
Dirección: Bolívar 65.

Museo Histórico Nacional

Sábado 25 de mayo, a las 16.
Teatro: “Misión secreta de San Martín”. Este recorrido teatralizado por el museo, que combina lo fáctico y lo ficticio, e incluye expresiones de teatro, música, danza y canto, invita al espectador a conocer las obras históricas que muestran las batallas comandadas por nuestro Padre de la Patria el general don José de San Martín.
Dirección: Defensa 1600.

Domingo 26 de mayo, a las 16.
Concierto: «Romanticismo rioplatense. La cultura musical de la generación del ‘37». En el marco de la conmemoración de la Revolución de Mayo, se ejecutaran obras musicales en el piano forte de Mariquita Sanchez de Thompson en manos del Maestro José Luis Juri.
Dirección: Defensa 1600.

Museo Nacional de Arte Decorativo

Sábado 25 de mayo, a las 17
Concierto de guitarras. Vení al museo a disfrutar de una tarde de música. El espectáculo forma parte de DAMUSEOS, el ciclo de conciertos en Museos Nacionales organizado en colaboración con el Departamento de Artes Musicales y Sonoras de la Universidad Nacional de las Artes. En esta oportunidad, se presentará la cátedra de guitarra del Prof. Walter Ujaldon con la ayudantía de Marcela Sfriso.
Dirección: Av. del Libertador 1902.

Museo Histórico Sarmiento

Sábado 25 de mayo, a las 17
Teatro viajero: “La pulpería de Jacinto”. Vení al museo a disfrutar de este espectáculo teatral. Se trata de una pieza que aborda la vida cotidiana en el campo durante la Revolución, poniendo el foco en un descanso camino al Cabildo.
Dirección: Cuba 2079.

Museo Malvinas e Islas del Atlántico Sur

Sábado 25 de mayo a las 15
Visita guiada especial “Malvinas y la Revolución de mayo”. Te invitamos al museo a reflexionar sobre los hechos ocurridos en Malvinas desde el comienzo de nuestra historia, pasando por la Revolución de la mayo y la guerra de la Independencia.
Dirección: Espacio Memoria y Derechos Humanos, Ex-ESMA, Av. del Libertador 8151.

Sábado 25 de mayo a las 16.30
Taller para niños y familias “Historia de otros vientos”. Las mujeres que construyeron la historia de Malvinas, durante muchos, muchos años fueron silenciadas. Hoy soplan otros vientos ¡Vení a sentirte parte de estas historias!
Dirección: Espacio Memoria y Derechos Humanos, Ex-ESMA, Av. del Libertador 8151.

San Juan

Museo y Biblioteca Casa Natal de Sarmiento

Sábado 25 de mayo, de 10.30 a 16
Actividades por inauguración de monumento de Sarmiento. Con motivo de la inauguración, en Buenos Aires, de un monumento dedicado a Domingo Faustino Sarmiento, el área educativa realizará actividades junto con el banco de imágenes del museo.
Dirección: Sarmiento 21 Sur, San Juan.

Tucumán

Casa Histórica de la Independencia 

Viernes 24 de mayo, a las 00.00
Vení a conmemorar el 25 de mayo en el museo, entonando el Himno Nacional Argentino y acompañados por la Banda de música Militar “Sarg. 1º Pedro Bustamante” del Liceo Gral. Araoz de Lamadrid.
Dirección: Peatonal Congreso 141, Tucumán, Tucumán.

Fuente: Secretaría de cultura de la nación Argentina

Argentina

INDIOS estrena “Besos en la Espalda”

Es el tercer álbum de estudio de la agrupación argentina y será editado el viernes 10 de Mayo.

POR FERNANDA SCHELL

«Ya lo sé» anticipa el lanzamiento de «Besos en la espalda», el tercer disco de estudio de Indios, cuyo lanzamiento será el viernes 10 de Mayo. Dirigido por Malu Boruchowicz y Rafael Nir, grabado en el Arenas Studios en el barrio de La Boca, Buenos Aires, el clip se mueve al ritmo del groove de esta canción irresistible, acompañada por una coreografía perfecta y sensaciones que reflejan el espíritu bailable del tema.

 

El sencillo sugiere la atmósfera sonora que traerá “Besos en la espalda”: la búsqueda del ritmo y de la sensualidad como formas que se complementan en una misma canción son conceptos que se sostienen a lo largo del álbum. Desde las letras, este nuevo trabajo promete pequeñas historias, algunas realistas, otras llenas de fantasía, donde la intimidad y la proximidad se convierten en un hilo conductor. 

 

“Besos en la espalda” fue grabado entre Septiembre de 2018 y Enero del 2019 en los estudios El Mar y Nak de Buenos Aires; producido artísticamente por Indios, mezclado por Jack Lahana en la ciudad de París y  masterizado por Antoine ‘Chab’ Chabert en la misma ciudad.

 

En el mes de Mayo, la agrupación iniciará una gira por México en la que además de sus canciones más conocidas, adelantarán en vivo algunos de los temas de “Besos en la espalda”. El tour será junto a Charlie Rodd y se iniciará el 23 de Mayo en Puebla y pasará por  Ciudad de México, Pachuca, Teotihuacán, Morelia, Querétaro, San Luis Potosí y Monterrey.  Referentes indiscutidos del pop/rock alternativo, Indios transita un presente luminoso que emana de la energía del pasado y se nutre con las brisas del futuro.

 

Disfruta de “Ya lo sé: en tu tienda digital favorita

                   

Spotify: http://bit.ly/YaLoSe_Spotify

Apple Music: http://bit.ly/YaLoSe_AppleM

Deezer: http://bit.ly/YaLoSe_Deezer

Claromusica: http://bit.ly/YaLoSe_ClaroM

Youtube Music: http://bit.ly/YaLoSe_YoutubeMusic

Google Play: http://bit.ly/YaLoSe_GoogleP

 

 

 

::: INDIOS :::

 

TOUR MÉXICO 2019

23 Mayo, Beat 803, Puebla, México

24 Mayo, Lunario, Ciudad de México, México

25 Mayo, Jardín Caníbal, Pachuca, México

30 Mayo, Teotihuacán, Foro Nahual, México

31 Mayo, Cactux, Morelia, México

06 Junio, La Glotonería, Querétaro, México

07 Junio, Brix, San Luis Potosí, México

08 Junio, Foro Didi, Monterrey, México

 

Más info @RRSS

/IndiosOficial    

 

Argentina, Noticias

BAJO FONDO Y LOS JAIVAS EN CONCIERTO DE LAS AMÉRICAS

Cuenta regresiva para el gran Concierto de las Américas de este sábado 13 de abril con la esperada participación de Bajofondo Remixed DJ Live Set y Los Jaivas.

Para esta ocasión y teniendo en cuenta la gran cantidad de personas que disfrutarán del show, desde el Ministerio de Turismo y Cultura en conjunto con la Municipalidad de Calingasta, informaron que habrá un servicio especial de transporte de colectivos que saldrán desde tres localidades del departamento de Calingasta.

Quienes se encuentren allí podrán hacer uso de los colectivos municipales y trasladarse hasta el cerro Alcázar. De esta manera, habrá tres recorridos internos:

  • Plaza General San Martín (Barreal)- Sorocayense.
  • Plaza Domingo Faustino Sarmiento (Tamberías) – Alto Calingasta, Villa Calingasta, La Isla y Colón.
  • Escuela Álvarez Condarco (Villa Nueva) – Puchuzún – Villa Corral y Alcaparrosa.

EL VALOR DE ESTE PASAJE SERÁ GRATUITO (IDA Y VUELTA) Y EL HORARIO DE SALIDA A PARTIR DE LAS 18:30 DESDE CADA PUNTO DE PARTIDA MENCIONADO.

Además, la empresa de transporte El Triunfo habilitó un servicio de promoción. Los colectivos partirán este sábado 13 de abril desde la Terminal de Ómnibus a partir de las 16hs. Este servicio tendrá un costo de $430, monto que incluirá tanto la ida como la vuelta además de una vianda con bebida.

Cabe recordar que el evento comenzará a las 20 y contará además de los artistas mencionados, con la danza del Ballet San Juan Nuevo Arte.

FUENTE:  https://www.telesoldiario.com

 

Argentina

Carlos Vega, el recolector de melodías

A 53 años de su fallecimiento, te contamos la vida del padre de la musicología argentina

Montados en autos, mochilas, mulas o caballos, con los fonógrafos mecánicos, eléctricos a batería, y en los últimos años grabadores de cinta magnetofónica, Carlos Vega realizó entre 1931 y 1965 setenta viajes por la Argentina y sus países limítrofes. Buscaba melodías en las memorias y en las voces vivas de los territorio. Nacido en Cañuelas, en la provincia de Buenos Aires, el 14 de abril de 1898, el poeta y compositor argentino es considerado el padre de la musicología argentina. Este 10 de febrero de 2019, se cumplen 53 años de su partida, en 1966.

La etnomusicóloga Isabel Aretz, la pianista Silvia Eisenstein y el investigador Lauro Ayestaran, fueron sus principales colaboradores. Junto a ellas, Vega recorrió geografías escondidas de las provincias argentinas, registrando en ese andar los cantos populares de los baqueanos. Compiló 1700 discos grabados sobre diferentes soportes, como cartón parafinado, acetato, celuloide y cintas magnetofónicas. Esos documentos sonoros se acompañan de un abundante registro fotográfico y de fichas y cuadernos donde Vega apuntaba día, lugar, género y compositor.

Motivado por conocer de dónde venía la música argentina, el veinteañero Carlos Vega empezó trabajar ad honorem en la sección de arqueologia y etnografia del Museo Argentino de Ciencias Naturales “Bernardino Rivadavia”. Años más tarde, en 1930, su desvelo por el tema lo llevó a crear el área de musicología andina del museo, y su gran proyecto de recopilación de la música tradicional argentina comenzó a andar.

Ricardo Rojas fue una importante influencia en sus investigaciones. Lo introdujo en el mundo del folclore y lo llevó a poner en diálogo perspectivas de investigaciones bajo la impronta del pensamiento “euríndico”, que plantea la fusión entre los valores culturales europeos con los de los indígenas americanos prehispánicos.

Vega pasaba sus días entre mundos que entrecruzaba: la organización de sus viajes de recolección de la música tradicional oral y el estudio los códices medievales, dando forma a su teoría de transcripción, en notación moderna, de las cientos de melodías que recogía en sus trabajos de campo.

Sus estudios sobre los orígenes de las danzas, la historia de música vocal e instrumental o la variedad de instrumentos musicales, no fueron teorizados por Carlos Vega en el contexto de ejecución en el que se desarrollaban esas experiencias musicales, sino que se centraban en los objetos y productos sonoros. Por tal motivo, la mayoría de los registros de campo eran producto de sesiones organizadas fuera del contexto cotidiano.

Gracias a las fotografías y cuadernos de campo, en donde dibujaba un mapa, la vestimentas de los bailarines, o apuntaba algunas características de las viviendas de cada poblado, hoy se pueden conocer algunas referencias sobre la vida diaria de aquellos ancianos que compartieron sus memorias y sus melodías.

La documentación completa de sus viajes se conserva en el Instituto Nacional de Musicología Carlos Vega

*Fuentes Instituto Nacional de Musicología Carlos Vega / Emilio Casares Rodicio en Diccionario de la música española e hispanoamericana

Fotos: Instituto Nacional de Musicología Carlos Vega

Agradecimientos: María Mendizabal, Rubén Travierso, Tomás Pagano y  Hernán Vázquez, del Instituto Nacional de Musicología Carlos Vega

Fuente: Cultura.gob.ar /Ministerio de cultura de la Nación Argentina

Argentina

Presentación del poemario EL PROFETA, de Guillermo Contreras

El poemario EL PROFETA de Guillermo Contreras será presentado el 16 de marzo a las 18 horas en el Centro Cultural Tiempos Modernos, Aristóbulo Del Valle 1701, Vicente López, Buenos Aires ( a dos cuadras de Puente Saavedra).

PRÓLOGO

                        “Es un bosque que navega y se balancea sobre las olas, un bosque en donde, sin saberse cómo, comenzaron a cantar pájaros, debían de estar escondidos por ahí y de repente decidieron salir a la luz, tal vez porque la cosecha ya esté madura y es la hora de la siega…” José Saramago.

 

            Asistimos a la obra de un poeta que camina. Y en su caminar, confunde vivencia poética con don de la profecía. No es extraño que esto suceda: quien ha visto en reiteradas ocasiones el alboroto de los pájaros antes de los tiempos de la cosecha o los ha oído enmudecer de súbito durante los segundos previos al estruendo de una tormenta, es capaz de adivinar, guiado por la experiencia y la lucidez, casi cualquier suceso.

            Porque la poesía de Guillermo Contreras atraviesa el mundo, del mismo modo en que el mundo ha atravesado el sentir del poeta. Así, desde el principio al fin de esta obra, somos testigos sensibles de este deambular, que no es una mera contemplación, sino más bien el testimonio de quien ha surcado la espesura de los bosques y a veces se ha perdido en ellos. Somos partícipes también de la voz de un hombre que, con minuciosa hondura, se ha detenido ante el cálido hechizo del fuego para dejarse atrapar por sus manos naranjas, a pesar de haber padecido, en ocasiones, del frío desolador que dejaron las cenizas.

            Contreras se sumerge del mismo modo, con un lenguaje arraigado en la ternura, en el seno del amor filial. Porque por esos lares sabe que puede suspender su andar con confianza. Allí entrega las palabras más sublimes y despojadas. Allí permanece sin defensas y se desvela ante los afectos más trascendentales. De ellos bebe todo lo necesario para continuar su peripecia por el mundo ecléctico y alocado, que a veces es paisaje y cordillera, a veces es ciudad amordazada; a veces es patio de infancia y otras tantas es un sueño poético o un poema que por los sueños anda.

            La ruta lírica que traza esta obra culmina en un grito libertario. Allí, enfrentado a su propio hartazgo en relación a las injusticias circundantes, el poeta parece arrancar los velos para advertirle al mundo que en los tiempos descarnados, él también ha dejado su sangre. Sin embargo, Contreras, con verso siempre atinado y despierto, deja una cuota de esperanza en el futuro. No porque sea optimista, sino porque confía en las bifurcaciones infinitas que el amor que hemos dado y recibido en nuestro paso por la vida, ha sabido surcar en lo más profundo de la tierra, contra todo viento y a pesar de cualquier marea. 

            Los invito a transitar esta obra como si se tratara del diario de un viajante. En palabras del poeta: “Camino solo por la vereda de la tarde/ hacia la plaza de los recuerdos/ viniendo lento del caos original /de la explosión primigenia/de la célula primera, de la última noche”. Acompañemos a Guillermo Contreras en su tránsito comprometido con la palabra, atravesemos junto a él cada pasaje desde el origen del día hasta la caída de la noche. No hay brújulas que aseguren el lugar exacto de la llegada, pero les aseguro que perderse por un buen rato entre sus versos, valdrá la pena.

 

Carla Demark

 

Argentina

Partituras para piano: arreglos de música popular argentina

Los Pianistas Argentinos, dirigidos por Hilda Herrera, comparten las partituras con arreglos propios de su gran repertorio de tango y folclore

Sin dudas la música popular argentina se destaca por su riqueza y variedad. Cada región del país desarrolló su propio sonido a lo largo de nuestra historia, dando lugar a un colorido mapa musical criollo. Sin embargo, muchas veces es difícil encontrar partituras de folclore pensadas para el piano solo, que puedan ser interpretadas por cualquier pianista, tenga o no experiencia en los géneros argentinos. Ése es uno de los principales objetivos que planteó la pianista y compositora Hilda Herrera en 2002, cuando creó el programa Pianistas Argentinos: producir material para piano de calidad con un equipo de músicos especializados y destacados alumnos. A lo largo de 17 años, Pianistas Argentinos produjo una gran cantidad de arreglos originales y composiciones sobre las formas y ritmos de nuestro folclore y tango. 

A continuación les compartimos parte de nuestro archivo de partituras para piano: versiones originales producidas por profesores, alumnos y graduados de Pianistas Argentinos, recorriendo las diferentes regiones musicales del país. 

  1. Bailecito

    Bailecito Arribeño
    Cuando Nada Te Debía
    El Peregrino
    Entre pañuelos
    Granito de sal

  2. Canción del Litoral

    Juancito en la Siesta
    Río y tiempo

  3. Candombe

    Papá Baltasar

  4. Carnavalito – Huayno

    Carnavalito de las llamas
    Gallito ciego – Palomitay
    Huayno del Diablo
    La Canastita

  5. Chacarera

    A las 5
    Aguita Demorada
    Chaca-kunturi
    Chacarera del 55
    Chacarera del aveloriado
    Chacarera del Rancho
    Chacarera del Zorro
    Corazón, qué te Sucede
    El Presumido
    Juan del Monte
    La Confusa
    La Enroscada
    La Huesuda
    La Nadita (H. Herrera)
    La Nadita (N. Martino)
    La Obrajera
    La Sonámbula

  6. Chamamé

    Corazon de Curupi
    Kilómetro 11
    Nueva Ilusión
    Refugio de soñadores
    Viejo-Caa-Cati

  7. Chaya

    Arrullo famatino
    Chaya
    Chayita del solitario
    Coplero del alto
    Los Guitarreros de Catuna

  8. Cueca

    Cueca del coto celoso
    De abajito
    La Huanchaqueña
    Las dos puntas
    Voy Llegando a Cuyo

  9. Estilo

    Pobre Gallo Bataraz

  10. Galopa

    Misionerita (Galopa) – Partitura completa

  11. Gato

    De Pago en Pago voy
    El Amor y Los Campos
    El Baquianito
    El Gatito de Tchaikovsky
    El ingenuo
    El Mercedino
    El Trepador
    Gatitos piqueteros

  12. Huella

    Alambradas de horizonte
    El triunfo de la huella
    Huella de la Tranquera
    Huella del Desierto – Partitura completa
    Huella
    Para Ser Silbada
    Por el sur

  13. Milonga Campera

    Al Calor de la tierra
    Para rezar en la noche
    Tiempo de partir

  14. Milonga Ciudadana

    Amanece despacito
    El bondi de la amistad
    La Trampera

  15. Milonga Entrerriana

    Fogón de Ausencia

  16. Otros

    Infancia
    Melodia del adiós y danza rústica

  17. Tango

    Cada día te extraño más
    Canaro en París-6 manos
    De Norte a Sur
    De parque y plaza
    La Ultima Curda
    Naranjo en Flor
    Orlando Goñi – 4 manos
    Redención

  18. Tonada

    Ay, Hasta Cuando
    Corazón que dice
    De Tinajas
    Mateando en el recuerdo
    Regreso a la tonada

  19. Triunfo

    Cardos Azules
    Entre Pampa y Riachuelo
    La vuelta de Obligado
    Mariano el Abanderado
    Merlo
    Prueba de ingles
    VAMOS IENDO IA PIANO Y FLAUTA 80 – Piano
    VAMOS IENDO IA PIANO Y FLAUTA

  20. Vals Criollo

    A una mujer
    Esquinas Porteñas
    Volvé Ciudad

  21. Vidala

    Corazón que sufre
    La luna y el cerro
    Vidala Sola

  22. Vidalita

    Palomita del Valle

  23. Zamba

    Agua Escondida
    Flor santiagueña
    La Diablera
    Nostalgias Santiagueñas
    Pañuelito de nubes
    Por las trincheras – Partitura completa
    Rodar la Sombra
    Zamba de los mineros
    Zamba de una Sombra
    Zamba del Chaguanco
    Zamba del Fiero
    Zamba del grillo
    Zambita del que se va
    Zambita pa’ Enamorar

Ministerio de cultura de Argentina

Argentina

Raly Barrionuevo y Miloska Valero se lucieron en Cosquin 2019

El Festival Nacional de Folclore de Cosquín es el festival más importante de música folclórica de Argentina.

El santiagueño, reconocido cantante y compositor argentino se presentó con un espectacular show invitando a una serie de artistas al escenario; Milena Salamanca y la cantante chilena Miloska Valero, quien disfrutó con la interpretación de una chacarera de su autoría y el tema «La Jardinera» de Violeta Parra.

Revisa el video a continuación:

Argentina

Cultura bajo el mar: en qué consiste el trabajo de los investigadores de patrimonio subacuático

Barcos con más de 300 años, naufragios épicos y objetos que revelan las costumbres y culturas de sociedades de siglos pasados. Enterate cómo se formó y qué estudia el equipo interdisciplinario del INAPL, en esta nota

Dolores Elkin es arqueóloga y desde sus días de estudiante trabajó como voluntaria en el Instituto Nacional de Antropología y Pensamiento Latinoamericano (INAPL). Le interesaba participar e involucrarse en espacios y proyectos que le permitieran “aprender y profundizar la formación”. “Y, como la inmensa mayoría de los arqueólogos de este país, –dice– cuando me recibí me dediqué a la arqueología prehispánica, de grupos cazadores, recolectores de la provincia de Catamarca”.

Elkin había ganado una beca de CONICET y aproximadamente durante una década estudió, para el INAPL, “los restos faunísticos que aparecían en las excavaciones”, a cuatro mil metros de altura, en la puna catamarqueña. Hasta que se enteró de la existencia de la “HMS Swift”, una corbeta de guerra británica que naufragó en 1770 en una ría Deseado –una entrada del mar que hoy se conoce como Puerto Deseado, en Santa Cruz–. El naufragio había sido descubierto en 1982, y a principios de los 90 un grupo de arquitectos buzos –entre los que estaba Cristian Murray– que investigaban desde 1987 el barco sumergido, advirtió la necesidad de incorporar arqueólogos que bucearan para sumarse al equipo de estudio.

Dolores Elkin

“Que yo supiera, no había en el país arqueólogos que bucearan. Me pareció tan interesante y valiosa la actitud de convocar arqueólogos que decidí intentarlo: aprender a bucear. Y propuse en el INAPL que se creara un área de Arqueología Subacuática. La directora era Diana Rolandi (que se jubiló no hace mucho), ella lo apoyó de entrada. Me preguntó si sabía bucear, le dije que no pero que iba a hacer un curso y ver si me gustaba. Y, muy sintéticamente, así fue cómo pasé de la provincia de Catamarca, muy árida, y de un tema prehispánio, a naufragios históricos. De esto ya hace poco más de 20 años”, cuenta Elkin.

En 1995 se formalizó la propuesta: se creó, en el INAPL, el Área de Arqueología Subacuática, y Elkin se convirtió en la primera arqueóloga submarina del país.

Cristian Murray es arquitecto y el único que no es arqueólogo del equipo que finalmente se puso al hombro la investigación de la Swift.

“Me puse en relación con el tema estando todavía en la facultad de Arquitectura, hace ya varios años, cuando un profesor de Historia dijo que quería formar un equipo en el Comité argentino del Consejo Internacional de Monumentos y Sitios (ICOMOS). Quería integrar un equipo de patrimonio cultural subacuático. Ahí yo ya había empezado a bucear, o sea que me interesó desde el primer momento. Y armamos un grupo en el que éramos todos estudiantes de arquitectura. Después de que empezamos a hacer prácticas de relevamientos y de trabajo subacuático, apareció esta posibilidad de trabajar en el naufragio de Puerto Deseado, que era el de la Corbeta Swift. Y cuando llevábamos un par de años de investigar, nos dimos cuenta de que era necesario incorporar arqueólogos para que trabajaran con nosotros. Entonces fue que vine al Instituto y conocí a Dolores”, recuerda Murray.

“El primer trabajo como arquitectos –agrega– fue tratar de entender los restos bajo el mar, porque realmente es un lugar en el que el agua es turbia y hay solo un metro de visibilidad, entonces es difícil. Lo que se ve no parece un barco armado, es una especie de rompecabezas de maderas dispersas, sueltas, caídas, en algunas partes más formadas. Lo primero que hicimos fue armar un plano del naufragio. Por ahí empezamos. Y después avanzamos con la incorporación de los arqueólogos”.

“Desde la arqueología –explica Elikin–, lo que tratamos fue, justamente, de empezar a trabajar en un tipo de resto en el que en el país no había experiencia, con las técnicas científicas con las que somos formados. Por ejemplo: decimos: ‘No vamos a sacar objetos así nomás, por más que los saquemos con cuidado y los llevemos a un museo, sino que primero dejamos claro qué preguntas queremos responder y, según eso, dónde voy a excavar y cómo’. Una de las preguntas era: ‘¿Qué tipo de objetos usaban los oficiales?’, porque en esa época, en el siglo XVIII, ser un oficial de la Armada británica era algo de estatus alto. No cualquiera llegaba a ese rango. Hay que pensar que este era un barco británico y Gran Bretaña era la dueña de los mares en ese momento. Entonces nuestra pregunta era: ‘¿Cómo eran los platos, las cosas cotidianas que utilizaban los oficiales de esta corbeta?’. Si querés excavar en el lugar donde estaban los oficiales para responder esa pregunta, decís: ‘Bueno, ¿dónde estaban los camarotes de los oficiales?, ¿dónde estaba la cabina?’, entonces vamos a buscar en la zona de popa. Y así fue como empezamos por excavar la parte de los oficiales y por focalizarnos en los objetos que usaban. Esa era una de las preguntas. Otra era: ‘¿Cómo fue construido este barco?, ¿es un barco típico o atípico para la época? ¿Había sido reformado?’. Entonces Cristian, como arquitecto, coordinaba y lideraba esa línea de investigación vinculada a la construcción naval.

Con un minucioso trabajo los investigadores subacuáticos lograron reconstruir la historia del naufragio. En Inglaterra hallaron registros que les permitieron saber que el barco llevaba 91 tripulantes a bordo, que solo tres murieron en su hundimiento, y algunos datos duros referidos a la corbeta y a las rutas que navegaba, pero otros tantos aportes valiosos los descubrieron gracias a la excavación realizada bajo el mar.

“Creo que uno de los descubrimientos más interesantes tiene que ver con la alimentación de la tripulación –dice Elikin–. (…) Gracias al agua fría de la Patagonia, gracias a las condiciones de enterramiento de los materiales –porque estaban no solo bajo el agua sino bajo sedimento, o sea enterrados y bajo el agua–, y quisiera decir gracias a la calidad de nuestro trabajo que nos llevó años, recuperamos semillas y frutos, restos de uva, de nuez moscada, de pimienta, de mostaza. Elementos que muestran que tenían una dieta quizás un poquito más variada de lo que uno pensaría. También restos de cáscara de huevo de pingüino (…). Posiblemente también pescarían, nosotros no encontramos restos de anzuelos o elementos de pesca. Toda esa información no está en los documentos históricos. (…) Entonces desde la arqueología estamos aportando información que creo que es interesante. También encontramos un cajoncito de madera compartimentado que estaba lleno de frascos de uso medicinal, con el contenido adentro. Se hicieron estudios de lo que había y encontramos que uno tenía mercurio puro, que para esa época se consideraba que curaba enfermedades venéreas como la sífilis (que en realidad no la curaba, al contrario, a lo sumo te producía una alteración neurológica seria porque el mercurio es muy tóxico). A partir de eso también pudimos obtener información sobre cómo era la farmacología a bordo de un barco de 1770. Y después, el cuerpo humano. Encontramos el cuerpo de un tripulante”.

“Sabíamos por los registros históricos que se habían ahogado tres y que se había encontrado el cuerpo de uno a los pocos días del naufragio, así que había dos que probablemente estaban dentro del barco. Entonces siempre decíamos: “A ver si excavando en un momento encontramos alguno”, cuenta Murray.

El cuerpo del soldado inglés estaba completo. Tenía los zapatos de cuero puestos, botones, parte de la chaqueta roja de su uniforme militar pegada a los huesos, hebillas.

“Habíamos encontrado ya muchos zapatos de cuero sueltos –agrega el arquitecto– en diferentes lugares. Apareció otro, empezamos a manipularlo abajo del agua y vimos que tenía adentro unas cosas blancas que al principio no sabíamos qué era y enseguida nos dimos cuenta de que eran huesos. Entonces dijimos: ‘Este zapato no está suelto, viene con algo’. Y lo interesante fue que esta zona del barco, la popa, fue la primera que empezó a sumergirse. El barco quedó encallado en una roca y, cuando empezó a bajar la marea, quedó como colgado con la proa en la roca y la popa se inundó. Entonces los documentos históricos dicen que había muchos tripulantes ayudando a sacar el agua con baldes y que se habían sacado los zapatos. Y este apareció dentro de la cabina del capitán, bajo una cubierta. Probablemente haya quedado atrapado ahí cuando el barco se deslizó de golpe y se hundió. Además había tres o cuatro baldes en la zona donde estaba él, así que probablemente era uno de los que estaba ayudando a sacar el agua”.

Según los documentos históricos, el barco había partido de la base inglesa en Malvinas con el objetivo de realizar un relevamiento geográfico, y tuvo la mala suerte de que hubo días continuos de mal tiempo, con fuertes vientos, y fue impulsado alejándose del archipiélago y acercándose a la costa continental. Algunos marineros sugirieron ingresar a la ría Deseado para buscar reparo pero chocaron contra una roca primero y luego contra otra y la travesía terminó en naufragio. Por fortuna, los 88 tripulantes que sobrevivieron fueron rescatados unas tres semanas después gracias a que cinco voluntarios acondicionaron un bote salvavidas y fueron a remo hasta Malvinas a pedir auxilio.

La investigación del naufragio de la Swift llevó más de dos décadas. En la excavación subacuática el tiempo que una persona puede estar sumergida depende de la profundidad, y la corbeta británica hundida a 18 metros permitía a los buzos solo dos inmersiones por día, por persona. La primera de 45 minutos y la segunda de 35, aproximadamente. Exceder ese límite es perjudicial para la salud.

A eso se le suma el trabajo detallado que realizan: “Nosotros registramos cada cosa y decimos: ‘Bueno, este plato estaba cerca de esta taza y esta taza estaba en un estante de un mueble que estaba en la cabina del capitán’. O sea para nosotros el contexto es fundamental, y una vez que sacás las cosas del agua ya lo destruiste”, explica Elkin.

En 2011, los ocho profesionales que se abocaron a este proyecto cerraron la investigación con la presentación de un libro que escribieron en conjunto narrando el caso y sus hallazgos. Aún así, aclaran Elkin y Murray, muchas otras personas participaron y colaboraron en diferentes momentos: investigadores de otros países, estudiantes, personal de las áreas de Química, Medicina, Odontología, cuando descubrieron el cuerpo del tripulante, línea de la investigación que finalizó con el entierro del soldado en el sector británico del cementerio de Chacarita y una ceremonia con representantes de la Armada argentina y la Marina inglesa.

Todos los objetos que rescataron del barco, junto a la historia de la Swift, se encuentran expuestos en el Museo Municipal Mario Brozoski, en Puerto Deseado, el único dedicado a la arqueología subacuática en Argentina.

En la actualidad, el equipo que conforma el Programa de Investigación y Conservación del Patrimonio Cultural Subacuático está formado por: Dolores Elkin, que es investigadora del CONICET con lugar de trabajo en el INAPL y además integra la Comisión Nacional de Monumentos, Lugares y Bienes Históricos de la Secretaría de Cultura; el arquitecto Cristian Murray; la doctora Mónica Grosso, también arqueóloga; y Christopher Underwood, investigador honorario. Además, una camada de jóvenes recién graduadas, arqueólogas y buzas -tal como se designan entre ellas-, que hicieron sus tesis bajo la dirección de los investigadores se han sumado a algunos proyectos del programa.

“Creo, sobre todo ahora mirando en perspectiva, que pudimos demostrar que en nuestro país se puede hacer arqueología subacuática de calidad, como cualquier arqueología; que estamos haciendo ciencia y que estamos ampliando el panorama de lo que es el conocimiento del pasado gracias a que accedemos a restos que estaban ocultos por el agua”, finalizó Elkin.

Fuente: https://www.cultura.gob.ar
Argentina

¿Qué significa Qhapaq Ñan y por qué atraviesa Argentina?

Nació durante el Imperio Inca y hay un proyecto plurinacional para revalorizarlo; en Argentina, la longitud total de los tramos es de 119 km, dividido en 13 segmentos de camino distribuidos en siete provincias y 32 sitios arqueológicos asociados

¿Qué significa Qhapaq Ñan y qué se entiende por Sistema vial andino?

Qhapaq Ñan en quechua significa “camino principal” y se extiende a lo largo de una de las zonas geográficas más extremas del mundo, que fue usada durante varios siglos por caravanas, viajeros, mensajeros, ejércitos y grupos poblacionales que alcanzaban las 40 mil personas. Recorrerlo permite conocer la línea vital del Tawantinsuyu -Imperio Inca-, que conectaba ciudades y centros de producción y de culto a lo largo de grandes distancias. De este modo, ciudades, pueblos y áreas rurales fueron integrados en una misma traza vial. Muchas comunidades locales actúan como guardianes y custodios tradicionales de los segmentos de este camino y continúan salvaguardando las tradiciones culturales inmateriales relacionadas, incluyendo el idioma.

   

El Programa Qhapaq Ñan es un proyecto plurinacional. Tiene como objetivo implementar actividades de investigación, recuperación, puesta en valor y promoción del sistema vial andino, que tiene más de dos mil años de antigüedad, y fue consolidado por el imperio incaico durante el siglo XV.

En Argentina, el camino ingresa desde Bolivia por el pequeño poblado de Calahoyo (en la Puna) y atraviesa desiertos, valles y montañas uniendo los territorios que hoy componen las provincias de Jujuy, Salta, Tucumán, Catamarca, La Rioja, San Juan y Mendoza; todas trabajan en conjunto bajo la coordinación técnica del INAPL.

Como consecuencia de este trabajo, en junio de 2014 fue inscripto en la lista de Patrimonio Mundial por el Centro de Patrimonio Mundial de UNESCO, bajo la categoría de “bien transnacional seriado” y en calidad de Itinerario Cultural. En nuestro país, la longitud total de los tramos de camino nominados es de 118,527 km (13 segmentos de camino en las siete provincias) y 32 sitios arqueológicos asociados.

El Sistema Vial Andino mantiene sus funciones originales de integración, comunicación, intercambio y flujo de bienes y conocimientos, y a pesar de las formas actuales de comercio moderno y los cambios sociales, conserva su relevancia e importancia a través de los siglos, así como un rol de referencia cultural que contribuye a reforzar la identidad dentro del mundo andino.

¿Qué es la secretaría pro-tempore?

Argentina es sede de la Secretaría Pro-Tempore del proyecto plurinacional Qhapaq Ñan. En 2015, fue establecido que la sede rotaría entre los seis países: Argentina, Colombia, Ecuador, Perú, Bolivia y Chile, ordenados alfabéticamente y comenzando por Perú, que acaba de hacer entrega de la misma a nuestro país. La coordinación está a cargo de la Dirección Nacional de Bienes y Sitios Culturales.

El ámbito internacional del Sistema es representado por el Comité Internacional del Qhapaq Ñan, que está formado por los responsables nacionales del bien, por los puntos focales en los Ministerios de Relaciones Exteriores de cada uno de los seis Estados Parte y por los Delegados Permanentes de los países del Qhapaq Ñan ante la UNESCO.

Esta Secretaría cumple el rol de coordinar las acciones de las seis secretarías técnicas y contará con el apoyo del Secretario Técnico de un segundo país, para llevar a cabo el trabajo regular y de consulta, y le sustituirá en la responsabilidad al finalizar el período de su designación. El objetivo principal es dar continuidad a los procesos, mantener la información compartida y contar con apoyo para consulta y gestión en el desarrollo de las actividades.

En el traspaso de la sede, el asesor Américo Castilla, quien en el momento en que se iniciaron las negociaciones estaba a cargo de la Secretaría de Patrimonio, agradeció al país andino: “La tarea que ha hecho el Perú, no solo al comienzo de este proyecto si no continuamente,  nos ha estimulado a todos los países a trabajar en conjunto”.

Durante el traspaso se encontraron presentes también la Directora del Instituto Nacional de Antropología y Pensamiento Latinoamericano, Leonor Acuña; la asesora del INAPL, Victoria Sosa; en representación de la Cancillería Argentina, Andrea Repetti y la Secretaria Técnica Saliente del Qhapaq Ñan, Diana Rolandi.

Fuente: https://www.cultura.gob.ar

Argentina

Gustavo Bove: “Cerati era un gran personaje para entrevistar”

Gustavo Bove: “Cerati era un gran personaje para entrevistar”

Por Fernanda Schell

Gustavo Bove, un periodista musical argentino junto a Gustavo Cerati, se plantearon por primera vez el proyecto de realizar una biografía a través de entrevistas, para lograr “Cerati: conversaciones intimas”, un texto que refleja las propias palabras del ex Soda Stereo.

El periodista refleja las diferentes instancias que compartió con el músico, expresando disímiles pasajes de la vida de Gustavo Cerati.

¿Cómo lo conociste a Cerati?

Lo conocí a mediados de los 80’s, nos cruzábamos en lugares nocturnos de Buenos Aires, como discotecas, pubs y reductos para conciertos. Nos encontrábamos seguido y conversábamos. Teníamos gustos musicales muy similares, hasta un look que nos hermanaba. Pero él tenía una  imagen que lo llevaba más al extremo, Gustavo  salía con maquillaje y ropa tipo new wave. Lo mío era más precario, me daba vergüenza salir maquillado a la calle. En ese momento, Cerati era un músico que estaba en ascenso, no era la estrella que se convirtió en unos años después, especialmente desde el 89’ o 90’ en adelante, donde se erigió en una celebridad.

¿Cómo surge la idea de escribir Conversaciones íntimas?

Surge de una conversación mía con Gustavo acerca de hacer una biografía “charlada”, más que algo lineal como son las biografías. La idea era hacer foco en sensaciones, sentimientos, reflexiones, más que simples datos de su vida artística. Quería hacer un libro en “carne viva”.

¿Cómo se dio esa confianza con Gustavo?

Yo estaba dando mis primeros pasos como periodista en un programa radial llamado “Submarino amarillo”, este se emitía por “Radio Del Plata”. Allí empezamos a tener esa relación más íntima. Cuando hacíamos alguna entrevista, la confianza se filtraba en nuestras charlas “profesionales”. Esto hacía que Gustavo se sintiera relajado y se animara a conversar de cosas que con otros periodistas se guardaba o prefería conservar.

Él era un gran entrevistado, muy culto, le gustaba mucho hablar, conocía la música, y algo más importante: sabía escuchar al otro. Se reía mucho de sí mismo. Este último detalle lo hacía entrañable para mí.

¿Cómo defines la relación periodista y músico?

En líneas generales, podría decir que era una relación muy sincera, simple y desinteresada.

Encontraste unos cassettes, ¿qué encontraste allí?

Me encontré de muy de niño, haciendo como entrevistas básicas, con preguntas que podían ser muy inocentes o ácidas. Digamos que tenía el control de la conversación pero que no la domaba. También, visualicé un crecimiento humano y espiritual en ambos al comparar entrevistas de los 80’s con otras de los 90’s o del 2000.

Creo que las mejores notas de mi carrera las realicé con él. Definitivamente, Gustavo era un gran personaje para entrevistar, por lo menos para mí.

¿Cómo armaste la estructura del libro y selección de archivos? 

Fue difícil porque la idea del libro era hacerlo con él para tener un perfil biográfico. Yo empecé a escuchar esos cassettes mientras Gustavo estaba internado, entonces se hacía muy angustiante escucharlo. Por otro lado, me di cuenta de que en esas notas estaba la esencia de lo que queríamos hacer: transmitir la parte humana del personaje, Iluminar a la persona detrás de él. En ese sentido, la portada del libro logró proyectar la idea. Siento que se convirtió en un retrato iconográfico.

¿Cómo era la vida íntima de Cerati?

De lo que yo conocí de él, era un personaje muy simple,  disfrutaba de la vida, tenía su parte de “rockstar”, a la vez el lado común muy claro. Gustavo sabía muy bien quien era y que representaba, pero en la intimidad no te hacía sentir de esa manera. Era simple y complejo al mismo tiempo. Fue un artista inigualable, con una sensibilidad única, muy poético, visual, con metáforas que en su boca sonaban como en otra dimensión. Tenía esa sensibilidad innata, única.

                 Gustavo Bove

¿Tuvieron algún descubrimiento inesperado durante estas conversaciones?

Lo más importante, quizá haya sido que en una de nuestras conversaciones salió el título de su tercer disco solista, “Siempre Es Hoy”. Estábamos hablando del regreso de Soda Stereo y él se resistía a que le hablen de ello. Ante mi insistencia, recuerdo que me contestaba que no, que hoy era muy poco probable y me respondía con el latiguillo “y hoy es siempre”. Allí le sugerí que era un buen nombre para el disco. No me dio mucha importancia en ese instante, pero la frase le quedó rebotando en la cabeza y terminó como título del álbum.

 

¿Gustavo se sentía más pleno en Soda Stereo o solista?

Estoy seguro que se sentía más pleno como solista. Quizá la dinámica de la banda le quitaba plenitud, aunque con Soda tuvo momentos muy inspirados, pero a nivel felicidad, siempre lo vi más contento en su rol solista. Estaba más libre de las presiones que llevaba el hecho de grabar cada disco con su ex banda.  

 

Desde tu perspectiva, ¿cuál fue la mejor etapa de Cerati?

Para mí, es la etapa que va de “Canción Animal” a “Sueño Stereo”, del 90’ al 95’. Allí compuso canciones increíbles. En esos años también grabó “Colores Santos” con Daniel Melero, un álbum que es inspiración al cuadrado. Dentro de aquella época también salió “Dynamo”, para mí es el mejor disco de Soda, y la canción “En Remolinos”, una de los tres mejores temas que compuso Gustavo.

 

¿Cuál es el rol que cumple Gustavo Cerati en la música latinoamericana?

Para mí, es el número uno indiscutido, con su carisma, canciones e ímpetu artístico le abrió la puerta definitivamente al rock en español. Tras su muerte, la figura de Cerati creció a niveles inimaginables. Como dijo Richard Coleman en mi libro “Gustavo quería que todo el mundo lo ame”.  Me parece que pagó un precio muy alto para que ello suceda, pero sucedió.

 

¿Cómo fue el recibimiento de tu libro, en la familia de Cerati, fanáticos y cercanos? 

Muy bien recibido. Fue Best Seller en 4 países, Chile, México, Perú y Argentina.

Diariamente recibo mensajes de fanáticos que me dicen que escuchan la voz de Gustavo cuando leen el libro. En el lado familiar, cuando fue la presentación del Cirque Solei de Soda, Lilian (la madre de Gustavo) me dijo “tu libro es muy emocionante, muy emocionante”.  Me quedo con esa sensación y esas palabras.

 

¿Qué proyectos tienes a futuro? 

El próximo año se cumple el quinto aniversario del libro de Gustavo y va a salir una versión deluxe, con dos capítulos nuevos, fotos inéditas, un prólogo de Richard Coleman y varias sorpresitas. Diría que es otro libro.

 

 

Argentina

Historia del mate: mitos y secretos

Historia del mate: mitos y secretos

 

FUENTE: Secretaría de Cultura de la Nación / ARGENTINA 

https://www.cultura.gob.ar/historia-mitos-y-secretos-del-mate_6821/

En el marco del Día Nacional del Mate, todos los 30 de noviembre, hacemos un recorrido por la historia de la infusión que nos define y te contamos sus secretos y sus leyendas

Aunque ya en 2013 el mate había sido declarado «infusión nacional» por el Congreso de la Nación, fue el 30 de noviembre de 2015 la primera vez que se celebró el Día Nacional del Mate, después de que se publicara en el Boletín Oficial la ley sancionada el 17 de diciembre de 2014. La fecha fue escogida para conmemorar el nacimiento de Andrés Guacarí y Artigas, un caudillo guaraní que fue de los primeros líderes federales de las Provincias Unidas del Río de la Plata y el único gobernador indígena de la historia argentina.

Designado por José Gervasio Artigas como Comandante General de Misiones, Andrés Guacarí y Artigas gobernó entre 1815 y 1819 la entonces Provincia Grande de las Misiones, desde donde fomentó la producción y distribución de la yerba mate.

Orígenes de la ronda del mate 

En el principio, los custodios y usuarios de las yerba mate fueron los guaraníes. Ellos utilizaban sus hojas como bebida, objeto de culto y moneda de cambio en sus trueques con otros pueblos. Caá en guaraní significa yerba, planta y selva. Para este pueblo, el árbol de la yerba mate era, más que nada, un regalo de los dioses. 

Pero quienes se encargaron de difundir su consumo y sus virtudes por todo el entonces Virreinato del Río de la Plata fueron los conquistadores. Años más tarde, los Jesuitas introdujeron el cultivo en las reducciones o misiones jesuíticas guaraníes. Gracias a ellos, la yerba mate se popularizó.

De esta manera fue que tomar mate se transformó en una de las tradiciones que, como pocas, se mantiene inalterada desde hace siglos, arraigándose y expandiéndose alrededor del mundo. Tanto, que hoy por hoy en Argentina se consumen alrededor de 100 litros de mate al año por persona.

Pau Navajas, autor del libro Caá Porã, El espíritu de la yerba mate (Establecimiento Las Marías, 2013), afirma que tomar mate es una de las costumbres vigentes en nuestro país desde antes de su independencia.Navajas, que aborda en su texto la infusión desde su origen hasta su participación en la conformación de la identidad nacional y la economía argentina, asegura que aun quienes bregaban por la independencia en 1816 debían cebarse mates entre las acaloradas discusiones en la Casa de Tucumán.

“La historia se escribió posteriormente, y por ello se perdieron detalles de la vida cotidiana. Pero seguramente los congresales tomaban mate; de hecho, todos lo que trabajaban lo hacían mientras ejercían sus labores, como ahora”, contó en una nota para La Gaceta, el principal diario tucumano.

“En 1816 había un contexto de comarcas aisladas, con fortísimos regionalismos, y el mate era uno de los pocos elementos transversales, como el poncho. Era un elemento de construcción de identidad común. Por ello, debe haber tenido un rol muy importante en esa fecha, algo bueno para investigar profundamente ya que ninguna crónica o ilustración muestra a los congresales tomando mate en las sesiones”, dice Navajas.

Asimismo, explica que gracias a los relatos de los forasteros que llegaban a explorar estas tierras se pudo reconstruir que el mate atravesaba todos los estratos sociales, unía e igualaba: era consumido por ricos, pobres, amos, esclavos, nativos, españoles, hombres, mujeres, jóvenes y viejos. Incluso se compartía entre miembros de diferentes posiciones como esclavo y patrón.

Navajas cuenta que la manera de distinguir las clases sociales no pasaba por consumir mate o no hacerlo, sino por qué aditamentos se incluían, tanto en la “receta” como en los objetos para beberlo. Así, los aristócratas de la época volvían a la infusión más selecta agregándole leche, crema, canela o clavo de olor.Y “mandaban a labrar sus mates a Potosí, con la plata de ahí. Cuanto más ostentoso, elaborado y barroco fuera, más refinado se lo consideraba. También tenían la figura de la cebadora, que se ubicaba en las salas de las casas. En aquel entonces el mate se ofrecía como hoy se ofrece un té o un café”, describe el autor.

“Frente al mate somos todos iguales”

La frase la dijo Valeria Trapaga en una charla TED, la primera sommelier de mate del país. “Frente al mate somos todos iguales”. Esa condición fue una de las tantas cosas que la atrajo y la llevó a volverse experta en los secretos de esta bebida ritual de los argentinos.

Trapaga, que recorre el país compartiendo sus conocimientos sobre la yerba mate en charlas y reuniones, agrega que “la yerba mate no es hoja molida metida dentro de un paquete, es mucho, mucho más que eso”.

La especialista se declara enamorada del mate y aprovecha el espacio de la charla para desmentir 3 de las leyendas más difundidas sobre esta bebida:

  1. “El polvo de la yerba mate hace mal”. Falso. El polvo de hoja es uno de los componentes más virtuosos de esta infusión, le aporta suavidad y espumosidad. Hace que los mates sean ricos y rendidores.

  2. “Raspar el mate es correcto para destapar la bombilla”. No está comprobado. Para que la bombilla no se tape, lo mejor que podemos hacer es echar un chorrito de agua fría o tibia al comenzar el mate, así la yerba se hincha y en este estado no ingresa dentro de la bombilla.

  3. “Se puede tomar el mate a más de 85 grados de temperatura”. O “Si se hierve el agua, enfriarla con un chorro de agua fría”. Error. De este modo se arruina toda la bebida porque cuando el agua hierve le quitamos el oxígeno, y por ende el poder de solvencia, que es lo que permite que la yerba muestre todos sus sabores y aromas.

6 secretos para hacer un buen mate:

  1. Se llena tres cuartas partes del mate.

  2. Se lo sacude tapando la boca del mate con la palma de la mano.

  3. Se deja toda la yerba de uno de los lados del recipiente para que al pararlo quede colocada en forma oblicua.

  4. Se echa un chorro de agua fría o tibia en la parte del mate donde hay menos yerba, de decir, en la parte de abajo de la inclinación. Cuando la yerba se hincha, allí es donde se coloca la bombilla.

  5. Se ceba el mate vertiendo el agua lo más cerca posible de la bombilla para evitar mojar toda la yerba. De esta manera, conservará su sabor por más tiempo porque cada vez que volquemos agua al recipiente la yerba que está seca irá alimentando, liberando gradualmente, el sabor. Si se moja toda la yerba los mates se lavarán más rápido.

  6. Se recomienda no mover la bombilla una vez que se inicie el mate para que no se tape y para que la yerba seca no se moje.

Para finalizar, la especialista nos comparte 2 enseñanzas valiosas vinculadas con el ritual:

“Cebar no es servir. Cebar significa repartir alimentando, una acción en la que necesito poner una cuota de amor, de cariño y dedicación. La idea es que empecemos a cebar y no a servir mates”.

“La magia más grande que tiene el mate la heredamos de los guaraníes que la descubrieron. Ellos ordenaban su vida según un principio de reciprocidad porque consideraban que no era más rico el que más tenía si no el que mayor capacidad tuviera de compartir los bienes materiales y espirituales con los demás. Por eso cuando descubrieron la yerba mate y la hicieron parte de sus vidas, porque para ellos era una pócima, decidieron que la tenían que compartir. Y fue frente al fuego, que era sagrado, y pasándose un cuenco, que tomaron esta decisión. Hoy al mate lo compartimos gracias a ese gesto, a ese mensaje tan místico y tan mágico de los guaraníes”.

 
Argentina

¿Quién fue María Rosa Lida?

A 108 años de su nacimiento, el 7 de noviembre de 1910, homenajeamos a la mujer argentina que marcó un antes y un después en la investigación de las culturas clásicas y literaturas hispánicas.

Fue helenista, medievalista, hispanista y filóloga. La argentina María Rosa Lida fue una de las pocas figuras académicas con más relevancia internacional que nacional, durante el siglo XX. Nació el 7 de noviembre de 1910 en Buenos Aires, en el seno de una familia judía que hablaba idish, pero sus padres nunca dejaron de incentivarla -tampoco a su hermano, Raimundo- sobre la cultura hispánica. Ambos abrazaron la filología de la lengua española y lograron reconocimiento. Tanto, que María Rosa fue miembro correspondiente de la Real Academia de la Lengua Española, recomendada por el prestigioso historiador y filólogo, Ramón Menéndez Pidal; y más tarde, de la Academia Argentina de Letras.

Egresada de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, con mención honorífica, en 1947 obtuvo su doctorado con una tesis sobre la poesía de Juan de Mena, bajo la dirección del escritor y crítico español, Amado Alonso. Gran erudita y conocedora del mundo grecorromano y judaico, comenzó a publicar sus primeras investigaciones durante los años 30 y 40.

Su talento la llevó a ganar la beca de la Fundación Rockefeller, primero en Massachusetts (Cambridge) y, luego, en California (Berkerley). En esta última ciudad fue donde conoció y se casó con el filólogo Yákov Malkiel, quien era pariente de dos grandes iniciadores de lo que se conoció como el formalismo ruso literario: Victor Zirmunskij y Yuri Tyniánov.

En Buenos Aires, María Rosa también se codeó con otros intelectuales de la época, como Victoria Ocampo y Jorge Luis Borges. Hasta colaboró en la emblemática revista Sur, con un ensayo sobre el mito de Helena. En 1982, Victoria no dudó en publicar todo un número en homenaje a esta erudita argentina.

Lida ejerció la docencia en la Universidad de Buenos Aires, pero con el desmantelamiento en 1947 del Instituto de Filología y cierta persecución política, partió hacia Estados Unidos junto con su hermano Raimundo y Amado Alonso, su tutor académico.

Durante los 50, comenzó a dar clases en la Universidad de Harvard, pero solo como becaria, ya que los cargos permanentes estaban reservados para los hombres. Sin embargo, aprovechó el acceso a las importantes bibliotecas de la institución y es allí cuando comenzó a escribir su obra magna: La originalidad artística de La Celestina, la cual se publicó en 1963 por Eudeba.

Hoy, continúa siendo el texto más crítico y reconocido sobre la obra de Fernando de Rojas. Su prestigio no paró de crecer: el Smith College norteamericano le concedió un doctorado honoris causa por su enorme labor y aporte a las culturas clásicas, y así también lo hizo la UBA. Entre algunas de sus obras, tradujo del griego la Introducción al teatro, de Sófocles, y Los nueve libros de la historia, de Heródoto.

 

Víctima de un cáncer, murió a los 51 años el 25 de septiembre de 1962, en Oakland, California. Su marido se encargó de editar muchos de los apuntes y escritos inéditos que María Rosa había dejado, como sus estudios sobre la obra del historiador jerosolimitano del siglo I, Flavio Josefo. Pero más allá de su temprana desaparición física, María Rosa Lida dejó una huella profunda en la cultura filológica y literaria con la que develó distintas perspectivas y abordajes del mundo clásico y de la literatura española.

Con un estilo particular, crítico y razonado, acercó toda aquella antigüedad de una forma apasionante y deslumbrante. Quizá por eso, tanto en el país como en el exterior, quienes se inicien en el estudio de las Letras se encuentren sin dudas con su nombre, siempre contemporáneo y siempre vigente.

Fuente: https://www.cultura.gob.ar