Este documento que da cuenta de un pueblo que se pensaba conquistador al igual que los españoles.

La empresa liderada por Hernán Cortés para conquistar Tenochtitlan tuvo como importante estrategia la búsqueda de una alianza bélica con Tlaxcala, pueblo que poseía una larga historia de enemistad con el imperio mexica. Esta animadversión fue una oportunidad para los españoles, quienes buscaban un aliado eficaz en su proyecto de ocupación, no solo de Tenochtitlan sino de otros territorios. 

La coalición entre los tlaxcaltecas y los españoles fue determinante en la derrota del imperio mexica; y aun después de la caída de éste, los soldados tlaxcaltecas continuaron colaborando con los españoles conquistadores en diferentes afrentas. Los beneficios obtenidos con este pacto no solo fueron para Cortés y sus hombres, sino que los tlaxcaltecas tuvieron como recompensa la caída de su principal enemigo, la obtención de una serie de privilegios en la época virreinal y el mantenimiento de una alianza que perduraría por varios siglos. 

La constancia de la estrecha colaboración bélica entre Tlaxcala y los españoles ha sido registrada en múltiples documentos, tal es el caso del denominado Lienzo de Tlaxcala, el cual fue elaborado a mediados del siglo XVI y reúne imágenes sobre la participación de los tlaxcaltecas en la conquista como aliados de los españoles. 

La pictografía del documento presenta elementos tanto de origen prehispánico como europeo y retrata las cuatro cabeceras con sus respectivas insignias (Quiyahuiztlan, Tepeticpac, Ocotelolco, Tizatlan), sus palacios y principales (Citlalpopocatzin, TIehuexolotzin, Maxiscatzin, Xicohténcatl).

En el centro de la lámina se encuentra representado un cerro que en su interior tiene una iglesia que ostenta en su fachada la imagen de la virgen María; debajo de esta iglesia y arriba de una cruz está plasmado el escudo de la Casa de Habsburgo. También aparecen representadas diversas autoridades españolas, como gobernantes y funcionarios posteriores a Hernán Cortés, figura con la que inicialmente se estableció la alianza. 

Adicionalmente el lienzo cuenta con más de 80 escenas que abordan, entre otros sucesos, el arribo de los españoles, el pacto rumbo a la derrota de los mexicas, la conquista en sus diferentes fases, la matanza de Cholula y la caída de Cuauhtémoc. 

El Lienzo de Tlaxcala fue realizado a petición del Cabildo de Tlaxcala y del virrey Luis de Velasco en 1552 con la intención de comunicar a la corona española la colaboración de los tlaxcaltecas en la conquista. El objetivo de este documento era demostrar a la corona que, debido a su papel en la conquista, Tlaxcala era merecedora de ciertos privilegios, como la disminución o indulgencia del pago de tributos que las autoridades virreinales imponían a las provincias. 

Se cree que en un inicio fueron elaborados tres documentos originales cuyos destinos eran España, Ciudad de México y el Cabildo de Tlaxcala. Sin embargo, se desconoce el paradero de todos estos documentos. 

Del lienzo original que se encontraba en el Cabildo de Tlaxcala fue elaborada una copia por Manuel Yllañes, esta réplica es una de las más conocidas y difundidas y se encuentra bajo resguardo de la Biblioteca Nacional de Antropología e Historia (BNAH); a su vez existen por lo menos tres copias de este documento que se encuentran en diversas instituciones, como la Universidad de Tulane, en Nueva Orleans, Estados Unidos. 

Existen una serie de documentos que fueron realizados posteriormente al Lienzo de Tlaxcala y que guardan una estrecha relación con él, pues comparten representaciones pictográficas y glosas en náhuatl, tal es el caso del denominado Códice Tlaxcala, nombre que se le da a los documentos pictográficos de la obra “Descripción de la ciudad y de la provincia de Tlaxcala de la Nueva España e Indias del mar Océano para el buen gobierno y ennoblecimiento de ellas”, realizado hacia 1585 y autoría del historiador Diego Muñoz Camargo; actualmente este documento es conocido como Manuscrito de Glasgow. 

También destaca la serie de cuatro fragmentos que se localizan en la Universidad de Texas y que son conocidos comúnmente como los Fragmentos de Texas. Estas láminas corresponden a diversas escenas del Códice de Tlaxcala y el Lienzo de Tlaxcala. 

El Lienzo de Tlaxcala es considerado una pieza fundamental en el conocimiento de las estratagemas para el éxito de la conquista, así como un documento que da cuenta de un pueblo que se pensaba conquistador al igual que los españoles. 

La raíz de la Guelaguetza se halla en los antiguos zapotecas y las ofrendas que realizaban a los dioses agrícolas en agradecimiento por sus cosechas.

El ambiente festivo, lleno de baile, música, comida, artesanías, exposiciones y vestimentas de gala, es el que caracteriza a la Guelaguetza, una celebración anual que se instauró oficialmente en Oaxaca en 1932 a manera de “homenaje racial”.

Esta fiesta muestra las expresiones artísticas de las ocho regiones de Oaxaca; es decir, La Costa, Cañada, Tuxtepec, Mixteca, Sierra Sur, Sierra Norte, Valles Centrales e Istmo. Esto hace de ella un mosaico cultural que congrega las costumbres y tradiciones de todas las comunidades del estado, razón por la que ha alcanzado un importante reconocimiento internacional.

 “Guelaguetza”, mote impuesto a este convite en la década de los 30 del siglo pasado, es de origen prehispánico y se tomó del nombre de una de las instituciones de “ayuda mutua” de los pueblos originarios de Oaxaca que hace latente su sentido de comunidad.

El término hace alusión en zapoteco a las ideas de “cooperar” y “reciprocidad”; además, hace referencia a los “obsequios de cortesía” que se intercambian entre las familias de una comunidad y tiene profundos sentidos de respeto y colaboración.

Existen registros relativamente cercanos que dan cuenta de una tradición festiva de la que la Guelaguetza y su oficialización forman parte y dan continuidad. Sin embargo, algunas investigaciones históricas sugieren que los orígenes más lejanos de esta fiesta se encuentran en la época prehispánica.

De acuerdo con estas teorías, la raíz de la Guelaguetza se halla en los antiguos zapotecas y las ofrendas que realizaban a los dioses agrícolas Pitao Cocijo y Pitao Cozobi en agradecimiento por sus cosechas.

El lugar en el que se hacían estos ofrecimientos era el Dani Lao Nayaalaoni, lugar sagrado para los zapotecas que también es conocido como el cerro de Bella Vista. Las ofrendas se desarrollaban a mediados de julio e incluían música, danza, alimentos y la compartición de los primeros frutos de la siembra en la comunidad.

Los festejos honraban a Centéotl, Chicomecóatl o Xilonen e Ilamatecuhtli –deidades representantes del maíz impuestas a los zapotecas en el predominio mexica–, pero tras la llegada de los españoles, las costumbres de los antiguos pobladores pasaron por la imposición del catolicismo y con el tiempo este ritual involucró la veneración a la Virgen del Carmen, celebrada el 16 de julio.

Los festejos a la virgen implicaban un gran jolgorio y con el pasar de los años fueron conocidos como Los lunes del cerro, pues, tal como lo indicaba la tradición católica, si la festividad no caía en domingo se realizaba el lunes siguiente con una segunda celebración a los ocho días posteriores.

De esta manera, la algarabía pasó a efectuarse todos los lunes del mes en el cerro del Fortín, nombre con el que actualmente se identifica al Dani Lao Nayaalaoni.

Durante años la tradición tuvo mucha fuerza; sin embargo, para la segunda mitad del siglo XIX su práctica decayó considerablemente hasta que en 1932, con motivo de la celebración de los 400 años de la ciudad de Oaxaca y como una estrategia posrevolucionaria de reafirmación de la identidad nacional de México, el gobierno estatal organizó un programa con elementos tradicionales de cada una de las regiones.

Este programa fue bautizado como Guelaguetza y desde entonces diversas delegaciones de comunidades indígenas del estado participan año con año. Así esta tradición se convirtió en un espectáculo cultural que despliega hermosas y únicas expresiones que forman parte de la identidad cultural de los pueblos indígenas de Oaxaca.

La Guelaguetza, tal como la conocemos actualmente, se realiza en La rotonda de la Azucena en el cerro del Fortín los dos lunes posteriores al 16 de julio. Es una plataforma de difusión de las acciones culturales del estado de Oaxaca y está conformada por un amplio programa que integra música, danza, arte y gastronomía.

En 1938, luego de una prolifera producción artística, del reconocimiento de su talento como pintora y de sus relaciones cercanas con intelectuales y artistas del mundo, Frida Kahlo (1907-1954) tuvo su primera exposición individual en la Galería Julien Levy en Nueva York; esta exposición estuvo acompañada de un texto del poeta y ensayista André Breton, quien en su escrito celebra a la artista mexicana y la califica como surrealista.

“Mi asombro y regocijo no conocían límites cuando descubrí, al llegar a México, que su obra había florecido, produciendo en los últimos cuadros un surrealismo puro, y eso a pesar del hecho de que todo fue concebido sin tener conocimientos anteriores de las ideas que motivaron las actividades de mis amigos y las mías”, señala en su texto Breton, teórico del surrealismo.

Además, agrega: “Este arte aún contiene esa gota de crueldad y de buen humor singularmente capaz de mezclar los raros poderes eficaces que en conjunto forman la poción secreta de México… Lejos de considerar que estos sentimientos componen terrenos vedados de la mente, así como sucede en las zonas de clima más frío, ella los expone orgullosamente, con una mezcla de franqueza e insolencia a la vez”.

Contrario a las afirmaciones de Bretón, Kahlo negó ser surrealista e incluso afirmó no saber qué significaba o representaba dicho movimiento hasta que conoció a André Breton.

“Lo único que sé es que pinto porque necesito hacerlo, y siempre pinto todo lo que pasa por mi cabeza sin más consideraciones… El surrealismo es la sorpresa mágica al encontrar un león en un ropero, cuando uno estaba ‘seguro’ de hallar camisas. Utilizo el surrealismo como una manera de burlarme de los demás sin que se den cuenta, y de trabar amistad con los que sí se percatan de ello”, señaló Kahlo sobre las observaciones de Breton.

Esta exposición en Nueva York sería solo una de las múltiples en el extranjero que antecederían por años a su primera exposición individual en México, la cual tuvo lugar en 1953. Frida Kahlo arribó a dicha exposición en una ambulancia e ingresó, pese a las indicaciones médicas sobre su salud, en una cama de hospital.

Este hecho se convertiría en años posteriores en uno de los pasajes que contribuirían a mitificar su figura y a pensarla como una pintora cuyo principal motor artístico fue el dolor y el sufrimiento. Una artista cuya obra no podría ser pensada y comprendida si se separara de su vida.

Sin embargo, antes del mito está su historia, la cual inició el 6 de julio de 1907, fecha en la que nació como resultado de la unión entre Guillermo Kahlo, un inmigrante de origen húngaro-alemán, y de la oaxaqueña Matilde Calderón. Frida creció en la que ahora es conocía como la Casa Azul, ubicada en Coyoacán, Ciudad de México.

En 1913, a la edad de seis años, Frida padece poliomielitis, enfermedad cuyas secuelas hicieron que su pierna derecha tuviera un desarrollo menor, por lo que dicha extremidad permaneció más pequeña y más delgada.

Para 1922 ingresa a la Escuela Nacional Preparatoria; era de las pocas mujeres que asistían a dicha institución, pues apenas superaban la treintena.  Las ideas y educación que recibió en la Escuela Nacional Preparatoria fueron determinantes en la formación de Frida de ideas revolucionarias y de izquierda y de su posterior vida militante en el Partido Comunista de México.

Además, ahí conoció a quienes en el futuro se convertirían en importantes intelectuales del país. Durante su paso por la Escuela Nacional Preparatoria formó parte de “Los Cachuchas”, una agrupación conformada en su mayoría por varones y que se definía como un grupo político y crítico de la autoridad. Ella y Carmen Jaime eran las únicas mujeres en este grupo de alumnos.

Cuando tenía 18 años Frida padeció un aparatoso accidente que dejaría en su cuerpo daños que la acompañarían toda su vida. El 17 de septiembre de 1925 el autobús en el que viajaba fue arrollado por un tranvía, el impacto la dejó con fracturas en la columna, la clavícula y las costillas; además, su pierna derecha sufrió diversas fracturas.

Este accidente representaría un hecho coyuntural, no solo por el impacto emocional y el sufrimiento que le generó hasta el final de su vida, sino porque, debido a la inmovilidad a la que estuvo sometida por meses, Frida comenzó a pintar.

Es en ese momento en el que inicia la carrera de Frida Kahlo como pintora. Por ese entonces mantenía una relación afectiva con el ensayista y orador político Alejandro Gómez Arias, a quien dedica su primer autorretrato; se trata de Autorretrato con traje de terciopelo, considerada una de las piezas más importantes de la historia del arte mexicano.

Su interés en la pintura y talento hicieron que Frida incursionara en círculos artísticos, donde conoció a importantes artistas e intelectuales como la fotógrafa Tina Modotti, el periodista Juan Antonio Mella y el muralista Diego Rivera.

Pronto Frida y Diego, a quien la pintora describió en un texto como “un niño grandote, inmenso, de cara amable y mirada triste”, estrecharían relaciones, mantendrían una relación afectiva y se casarían en 1929.

La Casa Azul fue su hogar y se convirtió en un espacio de visita obligada para los artistas e intelectuales de la época. A partir de 1934, y tras su regresó de una estancia en distintas ciudades de Estados Unidos, Frida habita, al lado de Diego, una casa que actualmente es conocida como la Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo, edificada por el arquitecto Juan O’ Gorman.

Los ideales políticos de ambos los llevaron a que entre 1937 y 1939 refugiaran en su casa a León Trotsky, con quien Frida mantiene un amorío y es finalmente asesinado por Ramón Mercader.

En 1939 Frida se divorcia de Diego a raíz de los conflictos derivados de las múltiples infidelidades de Rivera. Sin embargo, se vuelven a casar en 1940 y acuerdan tener vidas sexuales independientes; entre las relaciones afectivas que mantuvo Frida se encuentran tanto hombres y mujeres.

Como ya se mencionó, la primera exposición individual de Frida se realiza en 1938 en Nueva York. Otras exposiciones en el extranjero donde fueron mostradas algunas de se sus obras se dieron en la Galería Renou et Colle de París; el Mueso de Arte Moderno de Nueva York; y el Instituto de Arte Contemporáneo.

Asimismo, en México sus obras formaron parte de exposiciones colectivas en diversos recintos como la Galería de Arte Mexicano, el Palacio de Bellas Artes y el Salón de la Plástica Mexicana. La única exposición individual de Frida sucedió en 1953, un año antes de su muerte, en la Galería de Arte Contemporáneo de Lola Álvarez Bravo.

La parte final de su vida estuvo llena de complicaciones en materia de salud, en 1950 permaneció cerca de un año en cama como resultado de una negligencia médica; en 1953 se le amputa la pierna derecha y en 1954 tuvo dos intentos de suicidio.

Por esa época participó en una marcha en contra del derrocamiento del presidente de Guatemala y del intervencionismo de Estados Unidos en dicho país centroamericano, esto le generó mayores dificultades en salud.

Finalmente falleció el 13 de julio de 1954 a los 47 años de edad y su cuerpo fue velado en el Palacio de Bellas Artes.

Frida Kahlo se ha convertido en una figura mediática y en un emblema reivindicado por diversos movimientos sociales, como el de la diversidad sexual,  el feminismo y el de las personas con discapacidad, no solo por su trabajo artístico sino por su intensa vida, obra y la defensa de sus ideales.

Actualmente forma parte del imaginario nacional del páis del norte, por lo que su nombre es inminentemente aludido cuando de México, su arte y su cultura se habla.

Fuente: Ministerio de cultura de México

Este arte, que ha sobrevivido sobre la tierra por miles y miles de años, se encuentra en todo el mundo, incluso en México, principalmente en el norte del país.

El arte rupestre es una de las manifestaciones artísticas más antiguas de las que se tiene registro. Este tipo de expresiones datan principalmente de la prehistoria; sin embargo, se tiene constancia de ellas en diferentes etapas de la historia, pues literalmente su nombre hace alusión a las pinturas o dibujos que se encuentran en rocas o cavernas.

Este arte, que ha sobrevivido sobre la tierra por miles y miles de años, se encuentra en todo el mundo, incluso en México, principalmente en el norte del país.

Pinturas rupestres de la Sierra de San Francisco

En la sierra de San Francisco, Baja California Sur, existen emblemáticos abrigos rocosos en los que están plasmadas pinturas rupestres del estilo Gran Mural.

En la mayoría de las pinturas se hallan representaciones geométricas, así como de fauna, flora y humanas; además, algunas figuras antropomorfas portan flechas y lanzas. Estas pinturas se encuentran en un buen estado de conservación gracias al clima y el difícil acceso al sitio.

Una de las pinturas rupestres más antiguas de la zona se ubica en la Cueva de San Borjitas, en la Sierra de Guadalupe. Se estima que el panel de San Borjitas tiene una antigüedad de cerca de 7 mil 500 años.

Otras zonas importantes donde existen manifestaciones rupestres son La Pintada, Las Flechas, La Música, La Soledad, Boca San Julio, Cuesta Palmarito y El Ratón.

Debido a la importancia de estas pinturas, por la constancia que hacen de la existencia de una cultura milenaria, fueron incluidas en 1993 en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Pinturas rupestres de Coahuila

Algunos sitios arqueológicos rupestres en Coahuila son la Cueva Pinta (ubicada en El Sobaco, entre los municipios de San Pedro de las Colonias y Cuatro Ciénegas), el El Hundido y El Junco, en la Sierra de la Fragua. También destaca la Cueva de la Candelaria, una de las cuevas mortuorias más importantes de México.

Se estima que estos sitios datan de diversas épocas que van, por lo menos, desde hace 10 mil años hasta el virreinato.

Las cuevas prehistóricas de Yagul y Mitla

Se trata de un sitio arqueológico ubicado en el Valle de Tlacolula, en el estado de Oaxaca. Está conformado por dos vestigios prehispánicos y una serie de cuevas prehistóricas y refugios rocosos de ocupación humana, mismos en los que han sido encontrados rastros de arte rupestre en el que se pueden observas figuras humanas, fauna, flora y figuras abstractas en tonos rojos.

En este sitio existe evidencia de la domesticación prehistórica de diferentes especies de plantas, pues en la cueva de Guilá Naquitz se han encontrado semillas de calabaza que datan de hace 10 mil años, lo cual representa que son los restos más tempranos de plantas domesticadas descubiertos hasta la fecha en el continente americano.

El valor de este sitio hizo que en 2010 fuera incluido en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Pinturas rupestres de la Sierra de San Carlos

En el municipio de Burgos, en el estado de Tamaulipas, existen cerca de 5 mil pinturas rupestres realizadas por grupos de cazadores o recolectores de la región. Las piezas fueron halladas en el interior de oquedades y cañadas de la Sierra de San Carlos.

Las pinturas plasman figuras antropomorfas, zoomorfas, astronómicas y abstractas. Según explicaron investigadores, la importancia de su hallazgo radica en que gracias a ellas se ha podido documentar presencia de grupos prehispánicos en Burgos, donde se crecía que no había presencia humana.

Pinturas rupestres de Yucatán

En las miles de cuevas y cenotes que se encuentran en la península de Yucatán han sido encontradas pinturas rupestres que pertenecen a la cultura maya.

Algunas de estas cuevas se encuentran en los municipios de Homún, Kaua y Akil. Las pinturas halladas representan figuras humanas con armas (posiblemente guerreros mayas), figuras geométricas, palmas de manos y animales.

De acuerdo con los especialistas, este tipo de manifestaciones dan cuenta del alto grado de respeto y conocimiento que los mayas prehispánicos tenían por el arte. Se cree que los pictogramas en estas cuevas son parte de un ritual de la cultura maya; asimismo, se estima que datan de una época cercana a la conquista española, a finales del siglo XV o principios del XVI.

El origen de esta tradición ha sido identificado en el virreinato, pues dicha danza era un ritual dedicado al dios africano Ruja, al cual los esclavos le pedían ser liberados del yugo español.

Las poblaciones afrodescendientes, que representan el 1.16% de nuestra población, han tenido un papel importante e influencia en el pasado y el presente de México, estas aportaciones se ven reflejadas en las luchas contra la esclavitud en épocas muy tempranas durante el virreinato, en la herencia de tradiciones de origen africano y en el desarrollo de una conciencia política basada en la identidad.

La identidad cultural de nuestro país no conforma una unidad, sino que es tan divergente y variada como sus propios pueblos, sus cosmovisiones e historias, lo mismo pasa con los pueblos afrodescendientes en México, no podemos hablar de un solo pueblo o de un conjunto homogéneo de expresiones culturales, sino que cada una de ellas varía de acuerdo con la región en la que se asientan estas comunidades.

En nuestro país no solo existe población afromexicana en la costa chica de Guerrero y Oaxaca (zona que aglomera la mayor cantidad de estas comunidades), sino que se encuentra dispersa en todo el territorio, tanto en el centro y norte del país, y en cada uno de esos territorios la afrodescendencia se expresa de manera particular.

Por ello, la difusión de las expresiones culturales de los pueblos afromexicanos es una acción importante que contribuye a visibilizar a estas poblaciones y a reconocer su identidad étnica, a la vez que favorece a eliminar los estereotipos y prejuicios que giran en torno a estas poblaciones y que se asientan en el racismo.

La Danza de los Diablos

En Guerrero existe una tradición cuyo origen se encuentra en los intercambios culturales y sociales de las poblaciones africanas que arribaron al país como resultado del comercio de esclavos provenientes de África hacia América y como parte de las huestes españolas.

El origen de esta tradición ha sido identificado por especialistas y estudiosos en el virreinato o época colonial, pues esta danza era un ritual dedicado al dios africano Ruja, al cual los esclavos le pedían ser liberados del yugo español.

A través del intercambio cultural la ceremonia se transformó y adquirió influencias de corte católico, pero también pasó a formar parte de una de las tradiciones indígenas más importantes de la región de la Costa Chica de Guerrero y Oaxaca, principalmente en el municipio de Cuajinicuilapa, el cual fue declarado Sitio de Memoria de la Esclavitud de las Poblaciones Afrodescendientes.

Esta danza, que también es conocida como Juego de los Diablos, se realiza principalmente el 1 y 2 de noviembre en el marco de la celebración del Día de Muertos en México, aunque también se ejecuta en los días de San Nicolás y en el día de la virgen de Guadalupe.

Los participantes de la danza usan máscaras con barbas y flecos hechos con crines y colas de caballo y portan ropas de harapo. El grupo, conformado por cerca de 12 personas, va precedido por el “Diablo Mayor” o “Tenango”, que representa el papel de capataz o patrón, y la “Minga” o “Bruja”, que es personificada por un hombre que usa ropas consideradas de mujer mientras carga un muñeco.

Estos dos personajes dirigen la comparsa y marcan el ritmo de la danza con un cencerro y un chicote.

Se cree que es posible que los diablos representen los espíritus de los muertos que vuelven para visitar a sus familias y los altares que les fueron colocados; mientras que otras creencias señalan que los diablos tienen un papel importante como intermediarios entre la vida y la muerte, pues se encargan de proteger a los vivos al impedir que los muertos visiten el mundo en otros días que no sea el Día de Muerto.

El grupo de danzantes está acompañado de tres músicos que tocan la charrasca (una quijada de burro o caballo que se usa a manera de güiro), el bote (un instrumento que posee un parche de cuero y que emula el rugido de un tigre), el violín y la armónica.

Este tipo de música es conocida como “la chilena”, un género que resultó de la mezcla de la música traída por marineros chilenos en el siglo XIX y de las tradiciones de los afrodescendientes. Actualmente se encuentra nutrida por influencias de ritmos, armonías y estilos provenientes de otras regiones de México y comunidades indígenas.

Otra de las expresiones culturales representativas de la Costa Chica de Guerrero y Oaxaca, que es resultado de los intercambios culturales de las poblaciones africanas, es el son o fandango de artesa, un baile que se practica arriba de una pieza de madera que es tallada en forma de animal y que recuerda a los caballos o las vacas.

El conjunto musical que da ritmo a este baile, el cual hasta mediados del siglo XX tenía un papel importante en las festividades locales, incluye el violín, la jarana, guitarra y cajón. Es probable que el origen de esta tradición provenga de Senegambia, región en África de la que fueron traídos a México algunos africanos durante los primeros años de la conquista.

No solo este tipo de tradiciones espectaculares recuerdan y evidencian la participación social, influencia e intercambio cultural africanos en la región de la Costa Chica, sino que diversas expresiones culturales dan cuenta y visibilizan la importancia de las y los afrodescendientes en México, como la gastronomía, la medicina tradicional, los vocablos y diversos saberes y formas de entender el mundo.

Fuente: https://www.gob.mx/cultura

El papel de los museos no solo se centra en la conservación e investigación, sino que por medio de sus tareas de exhibición y comunicación aportan a la transformación de realidad de las comunidades.

Los museos son una importante herramienta en el proceso de la democratización del conocimiento, la cultura y el arte, ya que contribuyen al intercambio cultural gracias a sus valiosas exposiciones, labores pedagógicas, cercanía e interpelación directa que estas tareas tienen con los visitantes.

Esto puede favorecer a la comprensión y conocimiento de diversos aspectos culturales, políticos y artísticos que se desarrollan en diferentes sociedades que a simple vista nos pueden parecer ajenas.

El papel de los museos no solo se centra en la conservación e investigación, sino que por medio de sus tareas de exhibición y comunicación aportan a la transformación de realidad de las comunidades, pues establecen un diálogo permanente sobre lo que la sociedad fue, es y puede ser en el futuro.

Actualmente, gracias a internet y la tecnología podemos visitar importantes recintos a lo largo del país sin la necesidad de salir de nuestros hogares.

Museo del Palacio de Bellas Artes

Fue inaugurado en 1934 con el nombre de Museo de Artes Plásticas, es considerado el primer museo de México

 Actualmente, el Museo del Palacio de Bellas Artes exhibe de forma permanente 17 obras murales de Diego Rivera, Manuel Rodríguez Lozano, Roberto Montenegro, David Alfaro Siqueiros, Rufino Tamayo y Jorge González Camarena que datan entre 1928 y 1963; además, posee un nutrido programa de exposiciones temporales y varias actividades para todo público

https://www.inba.gob.mx/sitios/recorridos-virtuales/museo-palacio-bellas-artes/

Museo de Arte Moderno

Fue fundado en 1964 por iniciativa del presidente Adolfo López Mateos con el objetivo de preservar y difundir al arte mexicano a partir de la década de 1930. El Museo cuenta con 4 salas y tres galerías, y entre su acervo se encuentran piezas de artistas como Frida Kahlo, David Alfaro Siqueiros, Emir Jair, Roberto Montenegro, José Clemente Orozco, Louis Henri Jean Charlot, Juan Soriano, Juan O’Gorman, Diego Rivera, entre otros.

https://www.inba.gob.mx/sitios/recorridos-virtuales/museo-de-arte-moderno/

Museo del Pueblo Maya

Ubicado en medio de la selva, este museo se construyó con la meta de mostrar el desarrollo de la cultura Maya desde la época prehispánica hasta el presente.

El edificio, obra del arquitecto Fernando González Gortázar, fue concebido como un conjunto disgregado entre la selva que tiene al respeto por la naturaleza como eje de su diseño. Está conformado por cuatro salas: Pérgola de los monolitos, Arqueología Maya, Historia y Solar Maya.

El museo exhibe esculturas prehispánicas monolíticas de Yucatán, Campeche y Quintana Roo, así como elementos cerámicos y arquitectónicos que dan cuenta de la historia y cosmovisión de este pueblo.

https://www.inah.gob.mx/paseos/MuseodelPuebloMaya/tour.html

Museo de las Culturas del Norte

En 1996 este recinto, diseñado por el arquitecto Mario Shetjnan, abrió sus puestas para mostrar su acervo, el cual alberga una de las más hermosas colecciones arqueológicas del México Antiguo. Esta colección fue recuperada de las excavaciones de Paquimé y otros sitios arqueológicos de la región conocida como la Gran Chichimeca (Norte de México y Suroeste de Estados Unidos).

El museo, ubicado en Chihuahua, fue declarado en 1998 Patrimonio Cultural de la Humanidad por la UNESCO, debido a que conserva piezas únicas en su tipo.

https://www.inah.gob.mx/paseos/MuseodelasCulturasdelNorte/tour.html

Museo del Templo Mayor

Fue inaugurado en 1987 para exponer los vestigios de la cultura mexica desde la época prehispánica hasta la colonial. El museo alberga más de 14 mil objetos encontrados en excavaciones realizadas entre 1978 y 1982 en el sitio donde se ubicaba el templo principal del pueblo mexica.

El museo tiene 8 salas que exhiben objetos provenientes de más de 110 ofrendas descubiertas en el templo; dos de las salas están dedicadas específicamente a Tláloc y Huitzilopochtli, deidades a las que estuvo dedicado el Templo Mayor.

https://www.inah.gob.mx/paseos/templomayor/

Fuente: Ministerio de cultura de México

Por su inteligencia y hambre de conocimiento destacaron en el arte desde muy temprana edad, estas son algunas de sus historias.

Juan Soriano (1920-2006)

Este artista plástico fue conocido como “El Mozart de la pintura” debido a que desde muy temprana edad desarrolló habilidades para la pintura y la escultura.

Incursionó en el ámbito de la plástica a los ocho años, a corta edad formó parte de la Escuela Taller de Artes Plásticas Evolución, encabezada por Francisco Rodríguez “Caracalla”, muralista y maestro de destacados artistas.

Cuando tenía 14 años participó por primera vez en una exposición en el Museo de Guadalajara. Su talento llamó la atención de artistas como como María Izquierdo, José Chávez Morado y la fotógrafa Lola Álvarez Bravo. Logró montar su primera exposición individual en 1938, cuando tenía tan solo 18 años.

Soriano, quien es considerado uno de los artistas jaliscienses más importantes de la plástica mexicana moderna, vivió abiertamente su homosexualidad, un tema recurrente en sus obras, en una época de poca tolerancia.

Sor Juana Inés de la Cruz (1648-1695)

La vocación literaria de Sor Juana, así como su oposición a seguir los mandatos sociales dictados a las mujeres, iniciaron a muy corta edad.

Según en sus propias palabras, escritas en la denominada “Respuesta a Sor Filotea de la Cruz”, antes de haber cumplido los tres años de edad, Juana de Asbaje se armó de una mentira para poder aprender a leer.

Su madre consiguió lecciones a su hermana mayor, la pequeña Juana la acompañaba e interesada en aprender le dijo a la maestra que por órdenes de su madre le tenía que enseñar a ella también.

“Ella no lo creyó, porque no era creíble; pero, por complacer al donaire, me la dio. Proseguí yo en ir y ella prosiguió en enseñarme (…) y supe leer en tan breve tiempo, que ya sabía cuando lo supo mi madre”, escribió Sor Juana sobre este hecho.

Además, quien es considerada una de las letras más importantes de la literatura novohispana, narra que aprendió latín en tan solo 20 lecciones. En 1664, cuando tenía solo 16 años, tuvo una estrecha relación con la corte virreinal y entabló amistad con los virreyes Antonio Sebastián de Toledo y Leonor Carreto, quien inspiró varios de sus poemas y se convirtió en su protectora y mecenas.

Octavio Paz (1914-1998)

El ganador del Premio Nobel de Literatura 1990 también mostró un precoz interés y producción literaria. En un texto recogido por Guillermo Sheridan y Gustavo Jiménez Aguirre, el mismo Paz narra parte de su infancia y cuenta cómo creció en una familia que tenía un contacto muy cercano con los libros, esto debido a su interés en la literatura y a la nutrida biblioteca de su abuelo Ireneo Paz, escritor y periodista.

Paz narra que en su niñez leyó muchos libros de Emilio Salgari y Julio Verne, y que entre sus amigos era muy popular “Los tres mosqueteros”; además, señala que en esa etapa infantil fue un “lector voraz” que incluso se adentró en literatura que era considerada “prohibida”.

Según Paz, en sus primeros años de educación primaria aprendió muy bien sobre gramática,  aritmética, geografía e historia. A la edad de siete u ocho años empezó a escribir poesía, su primer poema a esa edad es descrito por él mismo como “ingenuo y torpe”.

En 1931, cuando tenía 16 años publicó su primer artículo titulado “Ética del artista”, también publicó un poema titulado “Cabellera” y ese mismo año participó en la fundación de “Barandal”, una revista estudiantil. Dos años después, en 1933 publicó su primer libro titulado “Luna Silvestre”.

Arthur Rimbaud (1852-1891)

Quien es considerado el enfant terrible de la poesía comenzó a destacar a la edad de nueve años en el colegio Rossat, en Charleville-Mézières, Francia.

Un año después se cambia al colegio municipal y ahí pronto destaca como un alumno brillante y es considerado “superdotado”. Desde muy pequeño compuso poemas y otros textos en latín; además, expresó la rebeldía y conflictos intelectuales que caracterizaron su obra.

Cuando cumplió 15 años se había convertido en un destacado estudiante y para entonces ya había obtenido múltiples reconocimientos y premios en literatura y otras materias.

A esa edad intentó divulgar sus primeros poemas en una de las publicaciones “El Parnaso Contemporáneo”, para ello escribió una carta dirigida a uno de los directores del movimiento pidiendo que tres de sus poemas fueran publicados, en dicho texto mintió sobre su edad para conseguir su objetivo; sin embargo, no lo logró.

Tres años después publicó por él mismo su poema “Una temporada en el infierno”, considerado una obra fundamental de la literatura.

Pablo Picasso (1881-1973)

Creció en el seno de una familia burguesa y tenía como padre al pintor, dibujante y maestro José Ruiz Blasco, algo que explica su incursión en el mundo de la pintura de manera precoz.

Picasso comenzó a pintar desde muy pequeño y en 1889, con tan solo ocho años de edad, pintó la obra “El picador amarillo”, la cual fue creada bajo la dirección de su padre y estaba inspirada en una corrida de toros. Esta es considerada la primera pintura al óleo que hizo el pintor.

Fue un estudiante muy brillante, por ello, debido a su inteligencia, a los 14 años logró ingresar a la Escuela de la Lonja, una importante institución de arte y diseño en la que el joven Picasso destacó.

Al cumplir 15 años creó su primera obra académica que recibió el nombre de “La primera comunión”. Dos años después su lienzo “Ciencia y caridad” se presentó en la Exposición General de Bellas Artes de Madrid.

Fuente: Secretaría de Cultura de México

Con su muerte se gestó el mito, pero sobre todo trascendieron sus principios de justicia social, igualdad y resistencia, vigentes aún en el presente.

-Papá, ¿por qué llora?

-Porque me quitaron las tierras, Emiliano

-Pues cuando yo sea grande haré que las devuelvan

Más allá del mito que nació con su muerte, de la imagen estática de un desfallecido caudillo y de las historias fantásticas que desataron las negaciones de su asesinato; Zapata encarnó una lucha social que engendró el malestar del régimen latifundista del porfiriato y que dio voz y armas a campesinos e indígenas que durante décadas vieron arrebatado su patrimonio a manos de hacendados.

En 1883, un año antes de la llegada al poder de Porfirio Díaz, el presidente Manuel González expidió el Decreto del Ejecutivo sobre Colonización y Compañías Deslindadoras, que, con el fin de colonizar y ocupar tierras en desuso, permitió la intervención de “compañías deslindadoras”, cuyo trabajo era medir, fraccionar, valuar y deslindar tierras para finalmente adjudicarlas a una persona.

Este decreto permitía a las compañías conservar una porción de tierra de los terrenos por su trabajo realizado. Una vez llegado al poder, Díaz promulgó la Ley sobre Ocupación y Enajenación de Terrenos Baldíos, una ley que permitía que cualquier persona pudiera denunciar y adquirir terrenos que eran declarados “baldíos”.

Estas políticas de desarrollo agrario, que privilegiaron a compañías extranjeras y a grandes propietarios, contribuyeron al abuso, explotación y despojo de comunidades rurales e indígenas que carecían de títulos de propiedad y cuyos terrenos eran declarados baldíos por las propias compañías.

Este pillaje agrario, que permitió el enriquecimiento y acumulación de tierras de unas cuantas familias en detrimento de los pequeños propietarios, campesinos e indígenas, fue el contexto social y político en el que emergió la figura de Emiliano Zapata.

Nacido en 1879 en Anenecuilco, Morelos, en el seno de una familia pobre que se sostenía con la producción de sus propias tierras y con la venta y compra de animales, Zapata presenció a muy corta edad el proceso de saqueo del que fue objeto su comunidad y su propia familia.

Al quedarse huérfano a los 16 años, comenzó a trabajar como labrador y arriero y al cumplir 27 años dio sus primeros pasos en el mundo de la política cuando en 1906 asistió a una junta de campesinos en Cuautla, en la que se analizó la forma de defender las tierras del pueblo frente a los grandes hacendados.

Su participación e iniciativa en la junta le costó ser incorporado a manera de castigo en el Noveno Regimiento de Caballería, donde demostró sus dotes en el manejo y conocimientos sobre los caballos.

Su interés y liderazgo en la defensa de tierras lo llevó a ser nombrado en 1909 presidente de la Junta de Defensa de las Tierras de Anenecuilco. Mantuvo una fuerte representación y acción política que lo convirtieron en una autoridad de la causa y una vez que inició la Revolución, Zapata se involucró en el movimiento maderista atraído por el Plan de San Luis y su artículo tercero que reconocía los abusos cometidos contra los campesinos e indígenas y hablaba sobre la restitución de las tierras y la indemnización a sus propietarios.

Fundó y lideró el Ejército Liberador del Sur, un ejército revolucionario constituido por campesinos e indígenas que pronto tomó una gran fuerza y cuyas principales batallas se dieron en el sur del país, razón por la que Zapata sería conocido como el “Caudillo del Sur”.

Cuando la revolución maderista triunfó, Zapata se negó a dejar las armas hasta que la repartición de tierras se cumpliera. Para 1911 proclamó el Plan de Ayala, documento en el que se sintetizaba la lucha campesina bajo la idea de “La tierra es de quien la trabaja”; además de que desconocía el gobierno de Madero, al considerar que había traicionado la causa campesina.

El movimiento zapatista se enfrentó a los gobiernos de Victoriano Huerta y Venustiano Carranza, se dedicó a combatir el latifundismo y a emprender la repartición de tierras; además dejó claro que se trataba de un movimiento social que, al ver la inacción en materia agraria, hallaba en la lucha armada la única manera de hacer justicia.

El 10 de abril de 1919, Zapata fue asesinado en consecuencia de una artimaña erigida por el coronel Jesús Guajardo, quien hizo creer a Zapata que tenía diferencias con su superior, el general Pablo González, y que estaba interesado en unirse a su lucha.

Para ganarse su confianza y como parte de una simulación, Guajardo mandó tomar Jonacatepec, Morelos, municipio que estaba en poder carrancista, y ordenó asesinar a hombres que estaban a cargo del general Victoriano Bárcenas para demostrar su abandono de las líneas carrancistas y su lealtad a Zapata.

Un día después del simulado triunfo de Guajardo, el coronel carrancista citó a Zapata en la Hacienda de Chinameca, donde al poco tiempo de su llegada fue sorprendido con una emboscada.

Así fue como Zapata cayó para no levantarse jamás, según palabras de Salvador Reyes Avilés: “Bien pronto la resistencia fue inútil; de un lado, éramos un puñado de hombres consternados por la pérdida del jefe, y del otro un millar de enemigos que aprovechaban nuestro natural desconcierto para batimos encarnizadamente”.

Estos hechos fueron retomados por los periódicos de la época que reportaron no solo el asesinato de Zapata, sino que con su caída pregonaban la muerte del zapatismo.

Pese a que el cuerpo de Emiliano Zapata fue plenamente identificado y expuesto en el Palacio Municipal de Cuautla, sus partidarios y algunos pobladores se negaban a creer que Zapata, el eterno insurrecto, el invencible, había sido derrotado en medio de una trampa.

Con su muerte se gestó el mito de Zapata, pero sobre todo trascendieron sus principios de justicia social, igualdad y resistencia, vigentes aún en el presente y que son reivindicados por diversos movimientos defensores de las tierras de los pueblos indígenas y campesinos.

Fuente: Ministerio de cultura de México https://www.gob.mx

El códice está conformado por 71 páginas: una lista de tlatoanis, un registro de los pueblos sometidos y una narración sobre la vida cotidiana de los mexicas.

Los códices eran herramientas que los antiguos pueblos mesoamericanos utilizaban para preservar y transmitir sus conocimientos, tradiciones y saberes.

Eran documentos constituidos por imágenes que conformaban un sistema de comunicación radicalmente diferente al que utilizamos en el presente; pues se sustentaba en la oralidad, la memoria y códigos que solamente podían ser interpretados por quienes poseían esa capacidad.

Para su elaboración se implementaba piel de venado o papel amate y eran montados a manera de biombo para su lectura.

Tras la irrupción de los españoles en el territorio, los códices llamaron la atención de los conquistadores, autoridades eclesiásticas y autoridades civiles; por lo que en esa época se realizaron múltiples copias de códices ancestrales para comunicar al imperio español sobre diversos aspectos de las culturas indígenas. Lamentablemente muchas piezas originales se extraviaron o fueron destruidas.

Una de estas reproducciones es el Códice de Mendoza o Códice Mendocino, que recibe su nombre de Antonio de Mendoza, primer virrey de México que mandó a hacer este documento con la finalidad de que el rey Carlos V conociera a través de este tipo de elaboraciones la historia y organización social de los mexicas.

La copia se realizó en 1542 con la ayuda de los tlamatinime (sabios indígenas), quienes hicieron una explicación del contenido, la cual fue traducida y trascrita al español en hojas previas y sucesoras a laminas con los pictogramas, o incluso sobre ellas.

El códice está conformado por 71 páginas divididas en tres secciones, a través de las cuales se presenta una lista con los tlatoanis mexicas, se hace un registro de los pueblos sometidos y se incluye una narración sobre la vida cotidiana de los mexicas.

La primera sección inicia con la historia de la fundación de México-Tenochtitlan y la leyenda del águila posada en un tunal como un signo divino mandado por el dios Huitzilopochtli para establecer su asentamiento; entre otros personajes aparece Tenoch, un sacerdote que se muestra sentado sobre un petate mientras aprecia el portento.

En esta sección se marca el período en el que estuvo cada uno de los tlatoanis en el poder desde la fundación de México-Tenochtitlan y hasta la caída de Moctezuma Xocoyotzin; asimismo, se enlistan los pueblos que conquistó el imperio mexica.

En la segunda sección se presenta la extensión del poderío mexica, los pueblos conquistados y los tributos que éstos les hacían, como maíz, frijoles, armas, águilas, plumas de quetzal, oro, entre otras cosas.

Finalmente, la última sección incluye rasgos más específicos como la organización social y las costumbres. Se describe la educación en colegios y la instrucción en el Ejército; se desglosan los tipos de guerreros, sus armas y se alude a sus triunfos; se presentan diversos oficios, fiestas, ceremonias, juegos y tradiciones; incluso hay laminas que muestran el interior del palacio de Moctezuma. Asimismo, se expone su sistema de justicia enlistando grandes delitos y la manera de castigarlos.

A diferencia de otros códices, este no fue hecho sobre piel de venado sino en papel español y no se montó a manera de biombo, sino que fue encuadernado para que el rey de España pudiera comprenderlo. Estas son algunas oposiciones entre sistemas de pensamiento que se concentran en este códice; sin embargo, es uno los documentos más importantes para comprender la historia de México antes de la conquista.

Este documento, que es considerado por diversos estudiosos como uno de los más completos códices mesoamericanos, actualmente se encuentra en la Biblioteca Bodleiana de Oxford, en Reino Unido, recinto que lo alberga desde 1659. Asimismo, en 2015 el Instituto Nacional de Antropología e Historia lanzó, como una forma de repatriación virtual, una plataforma en la que el códice se puede consultar íntegramente de manera digital.

Fuente: Ministerio de cultura de México

Las lenguas con más hablantes en nuestro país son el Náhuatl, Maya, Mixteco, Tseltal, Tsotsil y Zapoteco.

México no es uno, es una multiplicidad de pueblos que poseen su propio territorio y maneras particulares de entender y estar en el mundo. Estos pueblos se organizan de manera comunitaria y tienen sus propias prácticas educativas, pero sobre todo poseen y ejercen conocimientos y saberes que los caracterizan y los identifican.

Medicina, valores, tradiciones, música, rituales, historias, mitos; cada uno de ellos son elementos de una cosmogonía que los entrelaza, los hace tomar forma, sentido y permanecer en las generaciones posteriores por medio de la lengua.

Cada pueblo originario tiene su lengua y con ello su propia identidad y su propia historia. Los pueblos indígenas en México no son homogéneos, sino diversos y complejos.

No obstante, los pueblos indígenas se enfrentan, entre otras adversidades, a la extinción de sus lenguas. Éstas se resisten a ser olvidadas y en medio de ese proceso, algunas palabras, por su peso y su historia, pasan a formar parte de los códigos cotidianos de los no hablantes de las lenguas originarias.

Estas son reminiscencias de palabras cuyo origen se haya en algunas lenguas indígenas y que hoy forman parte de nuestra cotidianidad.

Pibil: Comúnmente utilizamos este adjetivo para referirnos a una forma de preparación de la carne en un platillo de origen yucateco. El nombre de este alimento proviene del Maya “Pib”, nombre que recibían los hornos de tierra y cuyo significado puede ser “debajo de la tierra” u “horneado bajo tierra”.

Tianguis: Esta palabra de uso popular para referirse a los mercados ambulantes proviene del Náhuatl “Tiānquiz(tli)”, que significa “mercado”. Los tianguis, tal como los conocemos, son una herencia de las tradiciones económicas de los pueblos prehispánicos.

Aguacate: El nombre de esta fruta originaria de Mesoamérica proviene del Náhuatl “ahuacatl”, que significa “testículo”, se cree que recibió este nombre debido al parentesco entre las gónadas masculinas y el fruto.

Chicle: La popular goma de mascar azucarada tiene sus orígenes en la Mesoamérica prehispánica. Los aztecas y mayas fueron pioneros en utilizar la goma de mascar y en explotar sus propiedades; el término proviene del Náhuatl “tzictli”, nombre que recibía la savia del Manikara zapota, un árbol originario de Mesoamérica y del cual originalmente se obtenía la goma.

Molcajete: Este instrumento gastronómico proviene de la conjunción de dos vocablos del Náhuatl: “molli”, que significa “salsa”; y “caxitl”, que quiere decir “cajete” o “vasija”. “Mollicaxtli” se traduciría como “cajete para salsa”.

Mapache: El nombre de estos mamíferos, caracterizados por sumergir sus alimentos en el agua como si los lavaran, proviene del Náhuatl “mapach”, que significa “que tiene manos”, lo cual hace referencia a su habilidad para sujetar objetos con sus garras.

Atole: Esta bebida tradicional a base de maíz obtiene su nombre del Náhuatl “atolli”, que significa “aguado” y que a su vez proviene de “atl”, cuyo significado es agua.

Huarache: El nombre de esta prenda proviene del Tarasco “Kuarache” o “kwarachi”, nombre con el que el pueblo Purépecha llama a las sandalias que manufacturan y usan.

Cacomixtle: Este pariente nocturno y cercano del mapache obtiene su nombre de los vocablos Náhuatl “tlaco”, que significa “medio”  o “mitad”; y de “miztli”, quiere decir “felino mayor” o “puma”.

Papalote: Las cometas en México reciben su nombre del Nahuatl “Papalotl”, que significa “mariposa” y que hace referencia a la capacidad de volar de este artefacto.

Fuente: Secretaría de Cultura México

La familia Burrón logró llegar a un tiraje de medio millón de ejemplares diarios.

Alubita Salpicón, Satán Carroña, Boba Licona y Avelino Pilongano son sólo algunos de los personajes que acompañaron por 61 años a Doña Borola, Don Regino Burrón y a sus hijos. ¿Los recuerdas? Cada uno representa algún arquetipo de los mexicanos.

“Siempre me gustó el habla del pueblo, sobre todo cuando me encargaban mis primeros trabajos. Yo no sabía cómo hacer una historieta, pero sabía cómo es el lenguaje popular. No sólo es contar historias, sino saber cómo decir las cosas”, explicó en una entrevista Gabriel Vargas Bernal, autor de una de las historietas más longevas de México: La familia Burrón (se publicó desde 1948 hasta 2009).

Testigo de la vida popular del siglo XX, Gabriel Vargas recreó el lenguaje, modos y costumbres de una sociedad que dejaba atrás la Revolución y entraba en una era de modernización e industrialización.

Los personajes que trazó se asentaron en el imaginario de varias generaciones e incluso, adoptaron sus mismas frases, tal es el caso de “está de rechupete” o bien, “a todo mecate”. Asimismo, hay que destacar que Doña Borola Tacuche es una de las primeras grandes protagonistas de la historieta mexicana y que incluso, en varias de las tiras manifestaba el cambio de valores en el papel que la mujer tenía a mitad del siglo XX.

No sólo retrató a las clases media y baja, las analizó detalladamente. Para ello se metía a las vecindades, a los barrios… iba de los cafés a los cabarés. Observar y escuchar eran sus métodos de trabajo, a partir de estas experiencias entraba a su estudio y dibujaba a sus protagonistas.

“Saqué la forma de hablar sencilla y le agregaba algo más a las tramas, haciéndolas más jocosas y divertidas. Se me hace gracioso modificar el lenguaje”; esa capacidad fue admirada por intelectuales mexicanos como Sergio Pitol, Carlos Monsiváis, Juan Villoro o Alfonso Reyes, éste último consideraba que Gabriel Vargas era “el único mexicano que merecía ocupar un lugar en la Academia de la Lengua”, debido al registro que hizo del habla popular.

Nació en Tulancingo, Hidalgo, y no en el Cuajo número chorrocientos chochenta y chocho. Cuando tenía cuatro años, su padre falleció, lo que hizo que su familia se mudara a la Ciudad de México, exactamente a la calle Moneda en el Centro Histórico.

Su habilidad para el dibujo estuvo presente toda su infancia, aunque lo ocultó a su madre, quien no veía futuro en que se dedicara a ello. En la escuela primaria demostró una gran inteligencia, a los 11 años ganó un concurso de dibujo internacional infantil en Osaka, Japón, por lo que recibió una beca del Gobierno de México para estudiar en París, Francia, pero la rechazó para comenzar a trabajar en el periódico Excélsior.

Su dedicación lo llevó a subir de puesto poco a poco, hasta convertirse en jefe del departamento de dibujo. Sin embargo, su mayor éxito llegaría en 1948 cuando publicó La familia Burrón, la cual ha sido la historieta más longeva de México y formó a numerosos lectores en un tiempo en que el cine nacional aún no llegaba a su Época de Oro.

¿Cómo surgió la idea de la historieta? En una entrevista con Elena Poniatowska declaró:

“Para hacer La familia Burrón, me inspiré en una pareja que conocí de chico. Ella era una señora muy alta, abultada, parecía cantante de ópera; el marido era abogado, chiquito él, y todos los días tenía que ir como balazo del juzgado a su casa para preparar la comida, porque su esposa se la vivía de paseo. De ahí me nació don Regino, ese chaparrito aguantador. La señora llevaba la voz cantante en todo y le quitaba el dinero a su maridito”.

Gabriel Vargas dejó de dibujar a su entrañable familia y al resto de los personajes que la acompañaban un año antes de su muerte, la cual ocurrió el 25 de mayo de 2010.

Fuente: Gobierno de México / https://www.gob.mx/cultura

AUTOR:   SECRETARÍA DE CULTURA DE MÉXICO

Adela Velarde Pérez fue una valiente mujer que, a la edad de 15 años, se incorporó a las filas de la Revolución Mexicana, apoyando a la Asociación Mexicana de la Cruz Blanca en labores de enfermería.

Nació en Ciudad Juárez, Chihuahua, en el año de 1900; nieta de Rafael Velarde, destacado general juarista que luchó en contra del imperio francés, Adela dio nombre a las denominadas adelitas, mujeres soldaderas que durante la Revolución, atendían a heridos, cargaban armas, se encargaban de los alimentos e incluso, luchaban cuando el momento lo requería. 

Las adelitas simbolizan a las mujeres que enfrenta la adversidad con valentía. En la etapa de 1914 a 1917, se hizo explícita la filiación revolucionaria de las enfermeras y ésta se correspondió con los cuerpos de ejército en los que prestaron sus servicios; 19 lo hicieron en el zapatismo, diez en el villismo, dos convencionistas y 93 constitucionalistas-carrancistas[1].

Adela Velarde Pérez murió en 1971 en los Estados Unidos. Sus restos yacen en el cementerio de San Felipe en Del Río, Texas, donde cada año personas se reúnen en torno a la tumba de la mujer que inspiró una de las canciones revolucionarias más conocidas.

 

Con esta celebración, se agradece a la Madre Tierra (Nana Kuerajperi) los favores recibidos a lo largo del año.

Esta tradición marca el inicio del año, cada 1 de febrero, según los propios ciclos productivos de la tierra, y da paso a la revitalización de las tradiciones de esta cultura indígena de Michoacán.

Una vez encendido el Fuego Nuevo, los dirigentes purépechas rememoran su historia y ofrecen un mensaje basado en el pensamiento de sus antepasados, dando paso al Tiempo Nuevo.

Entre los mayas y aztecas, existían varios calendarios que medían los días, los meses y los años, algunos en función del año lunar, otros con base al año solar. Uno era el calendario del año solar de 360 días: el Cempoallapoualli; otro, el Tonalpohualli, entre los mexicas, y el Tzolkin, entre los mayas, utilizado básicamente con fines adivinatorios. Un tercero, el Xiuhpoualli, celebraba cada 52 años, conforme la división de 4 veces 13 años.

Los huicholes de Jalisco y Nayarit hacen numerosos rituales que se prolongan por seis días. Entre los tzotziles y tzeltales de Chiapas, se hace el cambio de bastón de las autoridades civiles y religiosas del pueblo.

Los zapotecas del Istmo, celebran sus velas, calendas y tiradas de frutas en los diferentes pueblos que conforman esta región de nuestro país. Al finalizar el año se dan dos manifestaciones peculiares: el regalo de los Tanguyu (regalan a los niños y niñas zapotecos muñecos de barro, caballos con jinetes para ellos, muñecas con faldas de campana con bebés en los brazos y canastas de frutas sobre la cabeza, ollas, molcajetes y platos diminutos para ellas) y la elaboración de El Viejo por los niños, usando ropas viejas y los huaraches más viejos que han sido usados durante todo el año, por cabeza se le coloca un coco, se le rellena de elotes y cohetes, se le pone un sombrero y un cigarro. Al llegar el último día de diciembre, a las 11 o 12 de la noche, se inicia la quema del Viejo, con lo que se termina el año y se inicia otro.

En Oaxaca, los jóvenes zoques se disfrazan de “huehues” (viejos) y “queman” el año viejo para después ir a celebrar con la comunidad. En otros pueblos, los viejos se valen de los cohetes para iluminar el cielo y observarlo detenidamente en el momento que llega el año nuevo, así podrán saber si será un año de lluvias o de sequías.

Fuente: https://www.gob.mx/cultura

FUENTE, SECRETARÍA DE CULTURA GOBIERNO DE MÉXICO : https://www.gob.mx/cultura/es/archivo/prensa

Abierta la convocatoria para showcases FIMPRO

Los proyectos seleccionados formarán parte de la quinta edición de la Feria Internacional de la Música a realizarse del 29 de mayo al 1 de junio del próximo año

La Feria Internacional de la Música (FIMPRO), considerado el encuentro anual más importante de la industria musical mexicana y latinoamericana, invita a músicos solitas y agrupaciones del continente americano a inscribirse a su convocatoria de showcases.

Los creadores que cumplan con la mayoría de edad y cuya propuesta se desarrolle dentro de música popular urbana (rock, hip hop, electrónica, jazz, tropical, fusiones y nuevas tendencias), música tradicional y música clásica tienen hasta el 4 de febrero de 2019 para registrar su propuesta en el portal www.filmguadalajara.mx.

La intención de la convocatoria emitida por Cultura UdeG de la Universidad de Guadalajara es que proyectos seleccionados formen parte del programa de showcases de la quinta edición de FIMPRO 2019, a efectuarse del 30 de mayo al 1 de junio de 2019, donde también habrá conferencias, talleres, encuentros, networking, y speed meetings.

En entrevista para la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, Sergio Arbeláez, director de la FIMPRO, comentó que el encuentro está en pro del crecimiento de las industrias creativas y culturales, mismo que se ha ido consolidando como el encuentro profesional más importante de México.

“En FIMPRO la música es el hilo conductor para intercambiar ideas y sonidos, fortalecer lazos y expandir propuestas en entornos internacionales, el propósito principal de la Feria ha sido el propiciar el desarrollo y evolución de la música, una de las industrias del entretenimiento más prolíferas”.

Mencionó que los showcases dentro de la Feria es un programa relevante porque permite que los representantes y programadores de festivales, productores, periodistas, críticos, disqueras y seguidores vean nuevas e interesantes proyectos a través de breves conciertos.

“Los showcases dejan ver la calidad en vivo del grupo, eso propicia que los grupos que vienen a Guadalajara a las presentaciones puedan ser contratados y llevados a otros eventos”.

Sergio Arbeláez recordó que en las dos últimas ediciones se han inscrito entre 800 y mil propuestas de 17 países, esperándose para la presente convocatoria un número similar de registros, por lo que seguramente, dijo, habrá muy buen material para seleccionar.

Explicó que las propuestas serán calificadas de acuerdo a su originalidad, desarrollo, recursos, calidad y estructura por un jurado integrado por Anibal Kerpel, músico y productor argentino; Fabiana Batistela, directora de SIM Sao Paulo; el músico mexicano Ramón Amezcua “Bostich”; Liliana Estrada, periodista musical; y Rodrigo Noriega, compositor, empresario y director general de Artent Group.

“Siempre buscamos que el jurado tenga diferentes actores de la industria de la música, ellos evaluaran trayectoria, calidad y la pertinencia en el contexto actual de la música, esperamos que bandas, a pesar de que sean nuevas, tengan un pequeño reconocimiento y discos publicados”, explicó.

Sergio Arbeláez destacó que las agrupaciones seleccionadas tendrán la oportunidad de presentarse ante líderes internacionales de la industria musical e indicó hay dos maneras de seleccionar a los grupos.

“Una es esta convocatoria que abrimos para músicos latinoamericanos y otra son las convocatorias que tenemos con aliados de diferentes países como Canadá, Australia, Chile, Argentina, España, que envían delegaciones integradas por artistas, promotores y sellos discográficos”

El promotor cultural y musical informó que en cuatro ediciones de showcases dentro de FIMPRO han pasado más de 80 agrupaciones para las cuales ha sido un parte aguas en su carrera musical. Destacó a los grupos mexicanos Porter, Jonáz, y Caloncho, Diamante Eléctrico de Colombia, La Santa Cecilia de Estados Unidos, Mateo Kingman de Ecuador, Los Espíritus de Argentina y Francisco, El Hombre de Brasil.

“FIMPRO -menciona su director- tiene como lema La música nos une, es un punto de encuentro donde se articula la industria musical en México, se tiene un dialogo proactivo sobre su futuro y se crean oportunidades a través de redes y canales de distribución, sin duda esto lo hace un encuentro muy atractivo.

“En la industria musical se están tomando muchos caminos, muchas decisiones, finalmente estamos pensándonos en México como industria para compartir con diferentes actores de la industria independiente internacional. Invitamos a los músicos y agrupaciones a que se inscriban y tengan la oportunidad de presentarse y encontrar nuevas oportunidades en México y fuera del país”, puntualizó Sergio Arbeláez.

Los seleccionados de la convocatoria tendrán la oportunidad de tocar durante 25 minutos frente a más de 600 agentes de la industria musical de 27 países, tendrán derecho a la acreditación profesional de todos los integrantes del proyecto musical para que vivan de cerca la Feria y puedan participar en todas sus actividades, y la producción de su presentación.

Para consulta de la convocatoria de Showcases de la FIMPRO 2019, abierta desde el 20 de noviembre,  visite: https://www.fimguadalajara.mx/fimpro/files/vista_convocatoria/fi_name_archivoes.1.pdf o en la página https://fimguadalajara.mx

Información: DAF