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¿Sabes qué pintor era considerado uno de los Cuatro Azules?

Su percepción del color iba más allá de lo visual; estaban intrínsecos otros sentidos como el de la audición. Era una persona sinestésica, es decir, percibía colores a través del sonido.

Wassily Kandinsky junto con Lyonel Feininger, Alexej von Jawlensky y Paul Klee fundaron, en la segunda década del siglo XX, el grupo Die Blaue Vier (Los Cuatro Azules), nombre hacía referencia a otro al que habían pertenecido anteriormente: el Blauer Reiter (Jinete Azul), la espiritualidad de ese color en ambos era fundamental.

Kandinsky, uno de los artistas más influyentes de la primera mitad del siglo XX, nació en Moscú en 1866. Se le reconoce como pionero de una de las expresiones más importantes de la modernidad: el arte abstracto. 

Tras haber realizado estudios de derecho y economía, se inició en el mundo del arte a la edad de 30 años; se estableció en Munich, Alemania en donde se desempeñó como profesor de la Escuela de la Bauhaus, hasta 1933, cuando la institución fue clausurada por los nacionalsocialistas. 

Interesado en otras disciplinas como la música, se acercó a distintos creadores que también buscaban alternativas al formalismo y al materialismo que dominaban el mundo  artístico a principios del siglo XX. 

Su percepción del color iba más allá de lo visual; estaban intrínsecos otros sentidos como el de la audición. Era una persona sinestésica, es decir, percibía colores a través del sonido. 

Para Kandinsky la representación del objeto en sus pinturas era secundaria. Liberó al cuadro de ataduras realistas. Según su teoría, mediante un desapego de la perspectiva y la geometría tradicionales, el espectador es puesto en el centro de sus pinturas. 

Por primera vez en México se presenta una exposición individual del artista. Kandinsky. Pequeños mundos muestra la producción que durante cuatro décadas realizó el pintor. Te invitamos a visitarla en el Museo del Palacio de Bellas Artes. Hasta enero de 2019. 

https://www.gob.mx/cultura

 

 

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La muerte en la cosmovisión prehispánica

Aquellos que sufrían una muerte relacionada con el agua tenían como destino el Tlalocan, el paraíso del Dios de la Lluvia. El Tlalocan era un paraíso de abundancia, representado en los murales de Tepantitla de Teotihuacan.

El Omeyocan, reino del sol presidido por Huitzilopochtli, era morada de guerreros que morían en combate y mujeres al dar a luz. Tras cuatro años, los residentes del Omeyocan volvían a la tierra transformados en mariposas o colibríes.

En el Mictlán habitaban los dioses de la muerte y estaba reservado para aquellos que habían sufrido una muerte natural.

 

Llegar al Mictlán no era sencillo, se necesitaba a un perrito que ayudara a los muertos a cruzar el río.

Los niños muertos tenían un lugar especial llamado Chichihuacuauhco, donde había un árbol de cuyas ramas goteaba leche.

De la época prehispánica viene la costumbre de realizar ofrendas que incluían objetos del agrado del difunto.

En la tumba de Huitzilapa, en Jalisco se encontraron tres personajes acompañados de objetos personales, vasijas y jade.

Para los nahuas, la vida y la muerte son procesos de asociación y disociación entre elementos corpóreos y etéreos [2] . Entre los pobladores, el mal estaba representado por el Tlakatecolotl, el ‘hombre búho’ que devela el vínculo entre la naturaleza y lo sobrenatural.

* Información aportada por la arqueóloga Mariana Toledo.

1 Información basada en: Ruz Lhuillier, Alberto, “El pensamiento náhuatl respecto a la muerte”, en Estudios de cultura Nahuatl, págs. 252-262, y en León-Portilla, Miguel, La Filosofía Náhuatl, estudiada en sus fuentes, Universidad Nacional Autónoma de México, Instituto de Historia, Seminario de Cultura Náhuatl. México, 1959

2 Iván Romero Redondo, investigador del Centro INAH, en el estado de Veracruz.
http://www.inah.gob.mx/boletines/2199-brujeria-y-muerte-ritos-del-mal

Fuente: https://www.gob.mx/cultura

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¿Qué tanto sabes del Códice Maya?

Exposición Códice Maya de México. Eslabón, fuente y testigo, en el Museo Nacional de Antropología.

El Códice Maya es el manuscrito legible más antiguo de Mesoamérica, elaborado en amate hace más de ochocientos años, entre 1021 y 1152 d.C. Actualmente está conformado por 10 folios de los 20 que originalmente tenía. Se trata del calendario de Venus, un documento adivinatorio de los mayas del periodo Posclásico temprano.

En 1971 el documento fue exhibido en el Club Grolier, de Nueva York, de ahí que se le conociera como Códice Grolier, y la polémica entre la comunidad especializada se intensificó debido a su apariencia y a la singularidad de su contenido y por sus similitudes y diferencias con los códices mayas de Dresde, Madrid y París.

Después de un arduo trabajo para confirmar su autenticidad, expertos del INAH, de la UNAM y de la Universidad de Colorado, determinaron que todos los materiales que posee el códice son los utilizados en la época prehispánica; que la complejidad y la congruencia de su contenido ritual es imposible de haber sido conocida por un falsificador del siglo XX, y que los hechos representados y la austeridad del códice corresponden con una época de crisis en Mesoamérica.

También se identificó en el documento la presencia del azul maya, un pigmento utilizado principalmente por culturas mesoamericanas que está hecho de arcilla paligorskita y colorante índigo. Otro dato que confirma su autenticidad es que tiene restos de grana cochinilla, un insecto extraído del nopal del que se obtiene un color rojo carmesí.

Por la importancia que reviste este documento en la historia prehispánica de México, la Secretaría de Cultura presenta, por tiempo breve, la exposición Códice Maya de México. Eslabón, fuente y testigo, en la que podrás apreciar este documento que, por motivos de conservación, se encuentra en una cápsula anóxica de 1.75 metros de largo, con gas argón para impedir la proliferación de microorganismos y mantener una humedad estable.

De acuerdo con la investigadora Sofía Martínez del Campo Lanz, coordinadora del Proyecto de Investigación para exposiciones de la Coordinación Nacional de Museos y Exposiciones del INAH.

El manuscrito, que es parte del acervo de la Biblioteca Nacional de Antropología e Historia, regresará a su bóveda para garantizar su conservación y difícilmente podrá exhibirse nuevamente. Así que no te pierdas esta magnífica oportunidad que se presenta en el Museo Nacional de Antropología hasta el 28 de octubre.

La muestra, coordinada por Sofía Martínez del Campo y Baltazar Brito, cuenta con recursos interactivos e información contextual, a través de herramientas tecnológicas y lenguaje Braille, dando accesibilidad a todos los visitantes.

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¿Eres fanático del género noir?

La novel noir o novela negra por su traducción al francés, se caracteriza por su contenido criminal o policial y se desarrolla en un ambiente de misterio. Su nombre se debe a la revista Black Mask y en la serie de novelas policíacas Noire, en 1945, de la editorial Gallimard.

Grandes exponentes de la literatura negra han sido Samuel Dashiell Hammett, Raymond Chandler, Cornell Woolrich y Dorothy B. Hughes, Jim Thompson, David Goodis, Howard Phillips Lovecraft y por supuesto, Agatha Christie, considerada la mejor escritora de novela negra británica. Uno de los precursores del género en México es Rafael Bernal con su libro El complot mongol.

El género negro se refleja en el cine, novelas gráficas y televisión; ha tenido mucho éxito en los países nórdicos y desde hace un tiempo, en América Latina. Muchas capitales principales del mundo tienen sus festivales del género negro y México cuenta con su propio evento.

Se trata de Huellas del Crimen, festival que por tercer año consecutivo será espacio para el análisis, la discusión e intercambio de experiencias alrededor de este géneroque desde hace tiempo está en auge en la literatura mexicana.

Huellas del Crimen contará con la presencia de escritores extranjeros como John Connolly (Irlanda), Carlos Salem, Rosa Ribas (ambos de España), el sueco John Ajvide Lindqvist, los argentinos Claudia Piñeiro y Kike Ferrari, los colombianos Juan Sebastián Gaviria, Evelio Rosero y José Oliverio Tovar, el chileno Álvaro Bisama y el boliviano Wilmer Urrelo Zárate.

Entre los autores mexicanos estarán: Iván Farías, Luisa Iglesias, Adán Medellín, Sol Ceh Moo, Imanol Caneyada, Julián Mitre, Vicente Alfonso, y José Oliverio Tovar. También participará la investigadora Eggy Ostrosky, ganadora del Premio Nacional de Investigación en Psicología.

En el marco del Festival, se presentarán dos series fotográficas y una instalación del artista ítalo-mexicano Alejandro Gómez de Tuddo.

El Festival Internacional de Novela Negra Huellas del Crimen se llevará a cabo, del 6 al 9 de septiembre en el Centro de las Artes de San Luis Potosí.

VISITA EL SITIO WEB DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE NOVELA NEGRA HUELLAS DEL CRIMEN

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¿Sabes quién es la Reina Roja de Palenque?

Fue en el año de 1994 cuando un equipo de especialistas del INAH, comandados por el antropólogo Arnoldo González, descubrió en el edificio XIII, a un costado del Templo de las Inscripciones que resguarda la tumba del Rey Pakal, un gran sarcófago de piedra con los restos de una mujer cubierta por completo de cinabrio, un mineral rojo carmesí difícil de conseguir que sólo se utilizaba en pequeñas cantidades, por lo que el vasto uso llevó a que se le denominara la Reina Roja.

Las investigaciones concluyeron que se trataba de Tz’ak-b’u Ajaw, consorte de Pakal y madre de Kan B’alam y K’inich K’an Joy Chitam, dos gobernantes de la region; enigmática mujer de Lakam’ha, “Lugar de las grandes aguas”, hoy conocido como Palenque, en Chiapas, y que habría muerto aproximadamente a los 60 años de edad.

Diversos estudios determinaron que era una gobernante de esa antigua urbe maya por dos emblemas de la realeza: una pequeña concha esgrafiada y un rosetón con los rasgos sobresalientes de un mono araña. Juntos formaban un medallón con la representación del Dios Sol en la parte inferior del tórax y sujeto al pectoral.

Este gran hallazgo se presenta al público mexicano por primera vez, en un lugar íntimo y secreto, muy similar a la cámara mortuoria de Palenque donde se encontraron los restos, incluso con un arco maya, el Museo del Templo Mayor, donde se reproduce íntegro el ajuar funerario de la Reina Roja, que data de hace mil 345 años, el cual consta también de una máscara hecha de malaquita, compuesta por 119 fragmentos de piedra verde que no es de la región, pero que es dúctil, lo que permitió a los artistas mayas delinear los rasgos de Tz’ak-b’u Ahaw.

Podrás conocer más detalles en la exposición La Reina Roja. El viaje al Xibalbá, que se presenta en el corazón del Centro Histórico de la Ciudad de México hasta el 9 de septiembre, para luego regresar a Palenque e integrarse a la colección permanente que exhibe el Museo Arqueológico de ese sitio.

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¿Conoces el origen del Festival Internacional Cervantino?

Fue en el año de 1953 en Guanajuato, cuando Enrique Ruelas, promotor cultural, realizó el montaje de los Entremeses Cervantinos, un homenaje al novelista y dramaturgo español Miguel de Cervantes Saavedra, considerado una de las máximas figuras de la literatura española.

Lo novedoso del evento, fue haber realizado esta propuesta en escenarios públicos, en donde la comunidad, los artistas y los visitantes convergen con un solo fin: celebrar la riqueza cultural universal y la diversidad de propuestas artísticas.

Cada año, desde hace seis décadas, el Festival Internacional Cervantino se lleva a cabo en Guanajuato, estado que impone por su importancia histórica y su belleza arquitectónica. La entidad cuenta con dos distinciones: en 1988 fue reconocida como Patrimonio Cultural de la Humanidad por la UNESCO, y en 2005 fue designada la Capital Cervantina de América.

Edición XLVI del Festival Internacional Cervantino

Este 2018, la edición XLVI del Festival Internacional Cervantino estará conformada por 195 espectáculos, con un total de 327 funcionesdistribuidas en ópera y música vocal, música, danza, teatro, espectáculos de calle, exposiciones y actividades académicas, lo que representará un despliegue de 110 grupos artísticos, de 35 países, incluido México.

En esta ocasión, el País y Estado Invitados de Honor serán la India y Aguascalientes respectivamente, los cuales mostrarán un abanico artístico rico en tradiciones y modernidad, inserto en el eje temático del FIC: El futuro es hoy.

El festival incluye actividades, foros de discusión y espectáculos que abordan temas de enorme relevancia: el orden social y geopolítico, el cuidado del planeta, la migración, la tolerancia, la convivencia, las nuevas tecnologías de la comunicación y la globalización, en un marco de aprecio a nuestras raíces.

En 2018 se conmemora el centenario luctuoso de Saturnino Herrán, pintor emblemático de Aguascalientes y orgullo de México, a quien el festival reconocerá en esta edición.

Naciones como Alemania, Argentina, Armenia, Austria, Bélgica, Bosnia y Herzegovina, Brasil, Canadá, Colombia, Chile, China, Croacia, Ecuador, Eslovenia, España, Estados Unidos, Francia, Georgia, Guatemala, India, Irán, Israel, Italia, Japón, México, Mónaco, Países Bajos, Perú, Puerto Rico, Reino Unido, República del Congo, Serbia, Suiza, Taiwán y Zimbabwe, participarán en el encuentro.

La India, País invitado de Honor, está representado por 13 grupos de música, teatro y danza, que fusionan lo tradicional y lo contemporáneo. La bailarina Malavika Sarukkai, la música Sufi o de Rajastán, o la puesta en escena de un Quijote Kathakali, presentada en 2015 en el Festival de Almagro, serán parte del encuentro.

Aguascalientes, Estado Invitado de Honor, destaca por la pintura de Saturnino Herrán, quien será homenajeado en el marco del centenario de su fallecimiento.

Algunos escenarios:

Escalinatas de la Universidad de Guanajuato, símbolo de identidad para universitarios y guanajuatenses.

Explanada de la Alhóndiga de Granaditas, construcción del siglo XVIII, famosa por haber sido la fortificación de los españoles durante la gesta heroica en la que participó El Pípila.

Teatro Juárez, en cuyo terreno se asentaba el primer convento de franciscanos descalzos en la ciudad de Guanajuato. Su fachada posee ocho esculturas de bronce que representan las musas griegas del teatro, la danza, la música, el cine, la comedia, etc.

Exestación del Ferrocarril, construcción de finales del siglo XIX que fue parte del ramal que comunicaba a Guanajuato con Salamanca, Irapuato y Silao.

Mina El Nopal, cuyos yacimientos de oro, plata, zinc y cobre comenzaron a explotarse en 1868. Actualmente es un espacio para prácticas estudiantiles.

Catacumbas Mesón de San Antonio, construcción que data de 1776, en la que se concentraban los mineros. Es un referente arquitectónico por su alhóndiga y catacumbas.

¿Te lo vas a perder? Si quieres conocer la programación del XLVI Festival Internacional Cervantino, que se llevará a cabo del 10 al 28 de octubre, consulta: www.festivalcervantino.gob.mx

 

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¿Crees que es posible sonreír con los ojos y las manos?, ¿te imaginas dibujar sentimientos de tristeza o alegría con tus brazos y piernas?

Esto es posible para 104 niñas y niños de 17 estados de la República Mexicana que participan en los coros Voces en movimiento, un espacio en el que jóvenes mexicanos crean y desarrollan, a través del canto, diversas formas de comunicarse.

 

Se trata de un esquema colegiado, instaurado en 2016 por el Sistema Nacional de Fomento Musical de la Secretaría de Cultura, en el que participan maestros de canto y expresión corporal de estados como Aguascalientes, Baja California, Ciudad de México, Coahuila, Colima, Chiapas, Chihuahua, Estado de México, Guanajuato, Morelos, Nayarit, Nuevo León, Oaxaca, Quintana Roo, Sinaloa, Tlaxcala y Veracruz.

El objetivo es que además de incentivar el desarrollo integral de estas niñas y niños menores de 17 años, se identifiquen las nuevas voces de México, que a ritmo de rap, rock, trova, música popular y tradicional dan vida al texto de una canción con movimientos corporales como una forma lúdica de entrenamiento coral.

Voces en movimiento realizará una presentación en la que cantarán, junto con algunos miembros de la Orquesta Escuela Carlos Chávez y el Ensamble Escénico Vocal del SNFM, temas alusivos a la ecología, la equidad de género y la libertad.

Canciones como Can you hear me? de Bob Chilcott, que habla sobre un niño sordo que describe el mundo, a través del lenguaje de señas; Opereta ecológica, de Alberto Grau, que utiliza sonidos onomatopéyicos, susurros y efectos vocales poco convencionales, serán parte del repertorio.

Asimismo, cantarán célebres títulos como Blowing in the wind, de Bob Dylan, y La maza, de Silvio Rodríguez. ¿Te gustaría presenciarlo?  Asiste este viernes 25 de mayo, a las 18:00 horas, al Teatro de las Artes del Centro Nacional de las Artes. La entrada es libre, cupo limitado.

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¿Sabías que la cultura negra heredó al mundo ritmos como el jazz, el son, la salsa, el folk, el rock y el hip hop?

Procedente de África, la cultura negra llegó a Norteamérica, a través de los primeros migrantes, incidiendo en distintas formas del arte. La música, la danza y la literatura, entre otras expresiones, tienen sus antecedentes en la resistencia del hombre negro ante la esclavitud.

 

Seguramente has escuchado el concepto de negritud, el cual tiene intrínseca relación con los valores culturales y espirituales del mundo negro, y que también se utiliza para definir el proceso de rebelión o de toma de conciencia, incluso como un movimiento de rehabilitación y reivindicación. “Una forma de rebelión intelectual que hace crear conciencia a las diferentes culturas africanas: la negritud es la historia viva de la cultura del negro”. [1]

El concepto de negritud tiene su origen en la primera mitad del siglo XX en Paris, Francia, como un movimiento intelectual y social que buscaba el reconocimiento del hombre negro y para conocer más sobre esta corriente, no puedes perderte el montaje escénico-vocal Negritud, que llevan a cabo los ensambles Escénico Vocal y de Percusiones de la Orquesta Escuela Carlos Chávez del Sistema Nacional de Fomento Musical.

Se trata de un recorrido lúdico, a través de la historia de resistencia de esta civilización, en el que se revelarán las raíces negras en México y el resto del mundo, mediante los bailes, cantos y música esparcida mediante su cepa genética y cultural por diversos países del orbe.

Las canciones que se van a interpretar tienen que ver precisamente con la alegría de este pueblo, con su resistencia, sincretismo religioso, y la relación que tienen con la naturaleza, porque hay que recordar que durante la primera diáspora de los pueblos africanos su equipaje fue lo que habitaba en el interior de su cuerpo.

El objetivo es que mediante Negritud se visibilice y comprenda dicha influencia. Por eso, Danzas y música originarias de Belice, Colombia, Cuba, Estados Unidos, Perú, Trinidad y Tobago, Uruguay, Venezuela y México, integran este programa que será interpretado por ambas agrupaciones artísticas del SNFM.

Guiados por el coreógrafo peruano Luis Sandoval y la percusionista Monserrat Revah, cantantes y músicos del SNFM evocarán el sincretismo religioso, el espíritu festivo y la relación con la naturaleza de los afrodescendientes.

Festividades como el Candombe celebración de danza y religión que se realiza desde hace más de 200 años en Uruguay, una canción en honor a Obbatalá, orisha mayor (deidad religiosa cubana) creador de la tierra y escultor del ser humano, hasta una canción chilena de la Costa Chica Mexicana forman parte de esta armónica reflexión escénica.

Negritud estará apoyado con poesía de autores como Nicolás Guillén y Victoria Santamaría, además de algunos videos. La cita es el sábado 5 de mayo, a las 18 horas, y el domingo 6, a las 13 horas, en el Museo de la Ciudad de México (José María Pino Suárez 30, col. Centro, CDMX) así como el lunes 7, a las 20 horas, en el Teatro del Centro Cultural Teopanzolco de Cuernavaca, Morelos (Río Balsas 22, col. Vista Hermosa, Cuernavaca). ¡Entrada libre!

[1] María Elena Diez Pérez. Historia cultural civilizada.

http://historiacultural-civilizada.blogspot.mx/2013/08/blog-post.html

 

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¿Sabes qué escritores han sido distinguidos con el Premio Internacional Carlos Fuentes?

El Premio Internacional Carlos Fuentes a la Creación Literaria en Idioma Español, que se entrega de manera bienal desde 2012, fue concedido en ese año al escritor peruano Mario Vargas Llosa; en 2014, y con la participación de la Universidad Nacional Autónoma de México, se reconoció al poeta nicaragüense Sergio Ramírez; dos años más tarde, en 2016, se le entregó al poeta mexicano Eduardo Lizalde.
Premio Internacional Carlos Fuentes a la Creación Literaria en Idioma EspañolPremio Internacional Carlos Fuentes a la Creación Literaria en Idioma Español

El galardón está dirigido a escritores que por el conjunto de su obra han enriquecido el patrimonio literario de la humanidad y honra a la memoria de uno de los escritores mexicanos más notables del siglo XX, Carlos Fuentes, quien, a través de su vasta obra, supo transmitir al mundo las fascinantes y complejas realidades de la vida en México, sin descuidar la ficción que se filtra en el día a día.

Carlos Fuentes, autor de destacadas novelas como La región más transparente, La muerte de Artemio Cruz, Aura y Terra Nostra, cumpliría el próximo 11 de noviembre, 90 años de edad. A lo largo de su vida obtuvo múltiples reconocimientos como los premios Xavier Villaurrutia, el Internacional Alfonso Reyes, el Nacional de Ciencias y Artes, el Premio Cervantes y, el Príncipe de Asturias, por lo que se le considera entre los escritores más importantes del mundo de habla hispana.

Si quieres conocer más detalles sobre la convocatoria, consulta http://www.cultura.gob.mx/premio-carlos-fuentes/

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Foro Internacional de Diseño reunirá a importantes especialistas a nivel mundial

Arquitectos, urbanistas, diseñadores, paisajistas, escritores y artistas hablarán de los retos de las ciudades y su transformación

El Foro Internacional de Diseño, que se realizará el 5 y 6 de marzo en el Palacio de Bellas Artes, es una de las primeras actividades que se llevarán a cabo en la Ciudad de México que este año funge como Capital Mundial del Diseño (World Design Capital).

Emilio Cabrero, director de Design Week Mexico y de World Design Capital CDMX 2018, indicó que este foro se realizará con el tema “El futuro de nuestras ciudades”, con la participación de 14 especialistas de los más importantes a nivel mundial, la mayoría de los cuales estará en México por primera vez.

En conferencia de prensa, Cabrero destacó que se trata de arquitectos, urbanistas, diseñadores, paisajistas, escritores y artistas, quienes hablarán de cómo podemos enfrentar el reto de las ciudades y su transformación, teniendo en cuenta que la urbe es un determinante de interacción social.

El encuentro contará con la presencia de destacadas personalidades como Thom Mayne, Premio Pritzker 2005, Daniel Libeskind, Patrik Schumacher, Gaetano Pesce, Stefan Sagmeister, Daan Roosegaarde, Wade Graham, Charles Montgomery y Atelier van Lieshout, entre otros.

Se trata, según Emilio Cabrero, de un elenco que pocas veces se puede reunir, todo con el objetivo de hacer al diseño socialmente responsable y debatir cómo esta disciplina puede mejorar la calidad de vida y hacer a las ciudades más sostenibles y eficientes, a fin de que impacten en el bienestar de sus habitantes.

Además de este foro y como parte de las actividades de World Design Capital, la Feria de las Culturas Amigas (FICA) tendrá del 14 al 29 de abril un Pabellón Internacional de Diseño y junto con los museos Tamayo, Arte Moderno, Universitario de Ciencias y Arte (MUCA) y el Universitario del Chopo, se tendrá un programa cultural.

En la parte académica, se llevará a cabo un Circuito Inter-universitario con la participación de distintas universidades a fin de impulsar a las nuevas generaciones de diseñadores mexicanos.

Las actividades concluirán del 10 al 14 de octubre con la realización del Design Week México que en este 2018 celebra su décimo aniversario.

La directora del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), Lidia Camacho, celebró tan amplio programa de actividades que permitirá conocer más sobre las últimas tendencias de una de las disciplinas más ricas y creativas de las últimas décadas.

Recordó que desde la década de los cincuenta, el INBA impulsó la presencia del diseño en sus recintos, con magnas exposiciones en el Palacio de Bellas Artes y el Museo de Arte Moderno y en los últimos años, más recintos han abierto sus espacios a esta disciplina.

Sin embargo, dijo, esa institución no sólo fomenta el montaje de exposiciones, pues en materia formativa cuenta con una licenciatura y dos maestrías en la materia, tanto para ejercer la creación como la crítica.

Lidia Camacho señaló que se trata de una disciplina generadora de valores culturales, que es capaz de transformar realidades, por lo que es necesario mantener abierta la conversación en torno al diseño y sus diversas escalas.

Por su parte, María Laura Salinas, presidenta del Consejo de Design Week México, recordó que esta iniciativa surgió hace 10 años como una plataforma para la producción y difusión del campo del diseño, que ha logrado poner a la Ciudad de México como Capital Mundial de Diseño y sumarla a la red de ciudades que reconocen en la creatividad, un rol fundamental para el diálogo.

Finalmente, Irene Muñiz, directora del Fondo Mixto de Promoción Turística de la Ciudad de México, indicó que fomentar el diseño a escala urbana contribuirá a favorecer la calidad de vida en las ciudades.

La Ciudad de México como World Design Capital 2018 tendrá diversas actividades a lo largo del año, las cuales pueden ser consultadas en la página http://www.wdccdmx2018.com/

Información: AGB

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Casa de la Cultura de Puebla dedica muestra a El enmascarado de plata

Casa de la Cultura de Puebla dedica muestra a El enmascarado de plata
19/diciembre/2017 00:00
Museos, galerías y arquitectura

En el marco de su centenario

La figura de El Santo, ícono de la cultura popular de México y leyenda del cuadrilátero, así como superhéroe de historietas y filmes de terror dedicado a combatir zombies, hombres lobo y mujeres vampiro, es celebrada en la exposición 100 años. Santo, el enmascarado de plata.

Con motivo del centenario del natalicio de Rodolfo Guzmán Huerta (1917-1984) mejor conocido como El Santo, la Casa de la Cultura de Puebla exhibe en sus muros la muestra integrada por 201 piezas entre, fotografías, capas, máscaras, portadas de historietas y otros artículos, que dan cuenta de la vida cotidiana y fama del luchador mexicano.

El legendario deportista es uno de los pilares del imaginario popular mexicano. Su implacable reputación sobre el cuadrilátero y su éxito como estrella de cine lo convirtieron en un hito cultural, por ello la relevancia de la muestra.

El montaje recorre sus inicios, desarrollo y consolidación de quien se le recuerda como deportista, y también como un hombre con gran versatilidad que provocó un fenómeno popular indiscutible, al grado de exaltar entre los mexicanos un sentimiento de orgullo nacional.

Al recorrer el montaje el público adulto recuerda o reafirma sus conocimientos respecto a este ídolo. Mientras que nuevas generaciones se acercan, probablemente por primera vez, al famoso héroe popular que pasó del deporte a ser un protagonista de historietas, películas y programas de televisión.

A partir de la colección particular de El Hijo de El Santo, la muestra exhibe los aspectos públicos y privados de la vida del ícono mexicano de la lucha libre, por lo que se puede apreciar su papel amoroso como padre, su devoción por la Virgen de Guadalupe, aplicando famosas llaves sobre el cuadrilátero, conviviendo en el set de grabación con el equipo de producción, y atendiendo a sus admiradores.

Para el montaje de la exposición, la museógrafa Gina Cruz tomó como referencia el libro Santo, El enmascarado de plata. Imágenes, editado por la Dirección General de Publicaciones de Conaculta en 2009, un álbum de fotografías captadas por Lydia Gabriela Olivares Celis.

En las imágenes expuestas en la muestra, se revelan facetas poco conocidas del ícono mexicano y acciones cotidianas como su gusto por los toros, su asistencia a partidos de beisbol, rezando cerca de una cruz, colocando un árbol de navidad, en bata en el baño, observando la portada de un disco de The Beatles, visitando la casa de Pancho Villa en Chihuahua, y tocando la guitarra.

También se puede apreciar a El Santo compartiendo con actrices y actores que llegarían a ser figuras reconocidas, como el payaso Bozo, José René Ruiz Martínez “Tun tun”, María Eugenia San Marín, Lorena Velázquez, Sasha Montenegro, Irma Serrano, Alberto “El caballo” Rojas, Anel, Rossy Mendoza y Edaena Ruiz, así como sus encuentros con figuras de la televisión, entre ellas Cepillín, Jacobo Zabludovsky y Paco Malgesto.

Asimismo, se le puede ver junto a Javier Solís, con quien sostuvo una sincera amistad. El cantante regaló al luchador un sombrero de charro, mismo que se exhibe en la muestra, además de fotografías en las que lo porta.

La exhibición 100 años. Santo, el enmascarado de plata, se integra también de anuncios, como el de una presentación del luchador junto a Javier Solís, en 1963, el cartel original diseñado para el lanzamiento de la historieta Santo. El enmascarado de plata.

Se aprecian fotografías de los rodajes de filmes como Atacan las brujas, Santo vs El estrangulador, Santo en el tesoro de Drácula, Santo contra la invasión de los marcianos, Santo vs los zombies, Santo contra la invasión de los marcianos, Operación 67, Santo y el águila real.

En cuanto a los objetos presentados, destacan su cinturón de Campeonato Nacional Medio, obtenido en 1933, cárteles promocionales  de filmes como Santo vs la mafia del vicio, Santo vs la magia negra, El barón Brákola, Santo vs las diabólicas.

Otros objetos que se exhiben son el guión original del filme Santo vs las mujeres vampiro, su capote, chaquetilla y estoque de torero, la máscara original del luchador confeccionada por él mismo en piel de cerdo, un cuaderno de anotaciones con fechas, lugares y pagos de sus presentaciones en Estados Unidos.

También están las máscaras de los luchadores Gladiador, Bobby Lee, Black Shadow y Espectro, que obtuvo El Santo al ganarles sobre cuadrilátero, una capa y mallas plateadas, una capa de roja con plateado, otra en verde con plata, y zapatillas de lucha.

En una vitrina se pueden ver 16 portadas e ilustraciones de la historieta editada por José G. Cruz, en otra más los primeros tres números de la historieta, publicadas en septiembre de 1952, y publicaciones como K.O, o Clinch, que le dedicaron portadas y amplias artículos.

El amor de El Hijo del Santo hacia su padre queda de manifiesto en un texto y pinturas realizadas por él a su memoria, como La maleta y Recuperación. Se pueden leer frases dichas por el luchador en vida: “Podrán buscarme todos los defectos que quieran pero nunca se me podrá acusar de haber defraudado al público” o “Los héroes pueden morir, las leyendas son eternas”.

Cabe mencionar que paralelamente a la exhibición se proyectan películas protagonizadas por El Santo, en la Cinemateca Luis Buñuel de jueves a domingo.

La exposición 100 años, Santo, el enmascarado de plata, estará disponible hasta el próximo 30 de enero del 2018 en la Casa de la Cultura de Puebla, ubicada en 5 Oriente 5, esquina con 16 de septiembre en la colonia Puebla Centro. Horario: martes a jueves de 10:00 a 18:00 horas y viernes a domingo de 10:00 a 20:00 horas. Entrada general: $30.

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12 de diciembre. Día de la Guadalupana

Iconográficamente la Virgen de Guadalupe ha sido representada sobre la luna, y también en algunas estampas se le sitúa sobre serpientes, ya que en el Cerro del Tepeyac se le rendía culto a Coatlicue, cuyo nombre en náhuatl significa ‘la que tiene su falda de serpientes’.

Cristobal de Villalpando (México, ca. 1649-1714) Vírgen de Guadalupe, segunda mitad del siglo XVIII Colección María y Manuel Reyero, Ciudad de México.
Secretaría de Cultura de México

Supuestamente la primera manifestación de la Virgen de Guadalupe se fecha en el año de 1531, en el Cerro del Tepeyac dentro del Virreinato de la Nueva España.

A más de 480 años de esa fecha, este culto sigue representándose en múltiples expresiones de la diversidad cultural, e identidad de los pueblos y creatividad de sus fieles.

Como narra la tradición, Juan Diego Cuauhtlatoatzin, el indígena chichimeca  acudió con el primer obispo de la diócesis de México, Fray Juan de Zumárraga para revelarle la imagen milagrosa; a raíz de ese supuesto suceso fue que se erigió el primer templo dedicado a la imagen en el cerro del Tepeyac.

Este culto en un inicio se asocióó con el de Tonantzin, la madre de los dioses venerada por los antiguos nahuas, por lo que el Tepeyac era ya un lugar considerado sagrado y mágico por los pobladores de la región. Los aztecas así habían levantado en ese sitio un santuario dedicado precisamente a esta deidad.

Con el paso de los años, dentro de la cultura popular, la Virgen de Guadalupe forma parte de la tradición oral en su papel de leyenda, narración, literatura, hasta insertarse en el campo de la música y la pintura. El nombre de Guadalupe, incluso, se ha convertido en uno de los más usados en México para designar tanto a mujeres como a varones.

Esta festividad tiene más que ver con la reelaboración simbólica de la cosmovisión de nuestros pueblos originarios y con nuestro paisaje ritual de la Ciudad de México, o cuenca de México, donde se da la adoración de los cerros como principio básico del sistema cultural de la milpa.

Dentro de estas correspondencias, también se da una expresión de los fieles muy importante por su diversidad cultural y actualidad, manifestada en la llamada ‘Antorcha’. La Antorcha, símbolo del fuego mariano, se constituye por comitivas de peregrinos que recorren varios países y estados de México.

Muy significativo resulta que en estos trayectos se vinculen los denominados ‘caminos reales’, senderos de los antiguos pobladores para traer e intercambiar comercio, y que posteriormente fueron vías asociadas a distintas etapas de la historia de México: caminos reales de los independentistas, de los ejércitos revolucionarios, etc.

Los caminos reales y las Antorchas guadalupanas reviven la memoria histórica de México, donde los espacios sacralizados, especialmente en cerros y cuevas, se ven invadidos por procesiones de feligreses que tienen como objetivo rendir tributo y ofrecer agradecimiento a esta figura de la tradición cultural y religiosa de nuestro país, símbolo de sincretismo e identidad de los pueblos.

Una de las grandes obras que sobre la Virgen de Guadalupe se han realizado es la de Cristóbal de Villalpando, pintada en el siglo XVII, y que se exhibe actualmente en el Museo del Palacio de Bellas Artes dentro de la exposición Rojo mexicano. La grana cochinilla en el arte ¡No puedes perdértela!

México

Stand de Chile es premiado en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara 2017

El espacio obtuvo el galardón en la categoría Oro de la 31° edición de este certamen editorial, considerado como el más importante de Iberoamérica.

Con 136 metros cuadrados que ofrecen una selección de obras de editoriales nacionales y un diseño que recuerda los cien años de Violeta Parra, Chile obtuvo el premio al mejor stand de laFeria Internacional del Libro de Guadalajara 2017, que se extiende hasta el próximo 3 de diciembre.

El pabellón -que fue inaugurado ayer con la presencia del embajador de Chile en México, Ricardo Núñez- obtuvo el galardón en la categoría Oro, que reconoce a los espacios de 82 a 216 metros cuadrados presentes en este certamen, considerado como la reunión editorial más importante de Iberoamérica, al congregar a representantes de 44 países y más de 20.000 profesionales del libro.

“Cerramos un año de homenajes a Violeta Parra con una gran noticia. El diseño de nuestro stand en la Feria del Libro de Guadalajara ganó el premio de Oro por su diseño, originalidad y uso del espacio, entre otros criterios. Estamos felices, y por supuesto agradecemos el trabajo de todos los equipos e instituciones involucradas. La FIL Guadalajara es el hito editorial más importante de la región, en el que se centran las miradas de todo el mundo, y obtener este galardón, de la mano de la gran Violeta, impulsa la visibilidad de nuestros autores y extiende el reconocimiento a nuestros talentos vinculados a otras disciplinas”, expresó el Ministro de Cultura de Chile, Ernesto Ottone.

La Subdirectora Nacional de ProChile, Marcela Aravena, fue la encargada de recibir esta tarde un galardón entregado por Marisol Schulz, directora general de la FIL Guadalajara.

“Estamos muy orgullosos por este premio, ya que a través de este stand de dos niveles estamos ofreciendo una importante vitrina para nuestras editoriales y autores, quienes componen un sector que ofrece al mundo una gran diversidad de contenidos, con un fuerte sello nacional. Hace muchos años queríamos crecer en espacio y este año pudimos finalmente lograr que el primer piso tuviera 90 metros cuadrados, es decir, 36 metros cuadrados más que en la versión anterior, lo que permite que sea mucho más visible la presencia de nuestro país”, resaltó la Subdirectora de ProChile, institución que estuvo a cargo del diseño y coordinación del stand.

Chile ha participado desde 1990 en forma consecutiva en esta feria, siendo invitado de honor en dos oportunidades: en 1999 y 2012, ocasión en que tuvo un imponente despliegue cultural con más de un centenar de invitados. La presencia de la delegación nacional, compuesta en esta oportunidad por 43 actores del mundo del libro, ha sido posible gracias al trabajo coordinado del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA) y ProChile.

El stand chileno fue diseñado por el equipo de Diseño del CNCA, conformado por Soledad Poirot, Guillermo Negrón y Diego Valenzuela, de forma conjunta con los diseñadores de ProChile Francisca Saavedra, Magdalena Sepulveda y Daniela Romero, como un espacio para difundir la cultura nacional, promover comercialmente a las editoriales –al contemplar un lugar para reuniones de negocios- y contribuir a la promoción de la imagen país, todo lo cual fue reconocido por un jurado integrado por diseñadores, arquitectos, empresarios y profesores.

Gracias a este premio, Chile tendrá también un descuento en la contratación de su espacio para la siguiente edición de la FIL Guadalajara y continuará un trabajo que este 2017 involucró alrededor de 60 actividades relacionadas a la creación, edición y difusión literaria en todo América Latina.

Activación de realidad virtual “Pregunta por Chile” en el pabellón

En el marco de FIL Guadalajara, Imagen de Chile presentó también la campaña “Pregunta por Chile, un Mundo de Servicios”, iniciativa público privada cuyo propósito es dar a conocer al país como un actor competitivo en la oferta de Servicios Globales, destacando su potencial en el sector de economía creativa.

Es por ello que en el premiado pabellón nacional se implementó un espacio que invita a los asistentes a conocer más de la diversidad geográfica de Chile y a escuchar un relato en torno a sus atributos diferenciadores relativos a la rigurosidad, confiabilidad y creatividad de sus profesionales. Esto a través de una activación de realidad virtual bajo el concepto “Pregunta por Chile”.

Esta acción se ha ejecutado a lo largo del semestre en diferentes eventos priorizados, siendo uno de ellos la FIL Guadalajara, donde más de 400 personas han disfrutado de esta experiencia interactiva en los cuatro primeros días de feria.

México

Chile inaugura su pabellón en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara

  • Hasta el 3 de diciembre se extenderá la reunión editorial más importante de Iberoamérica y dentro de su programación se cuentan las casi 60 actividades que completan la nutrida agenda de Chile, cuya delegación oficial está compuesta por 43 actores del ecosistema del libro.

La Feria Internacional del Libro de Guadalajara no es sólo la reunión editorial más importante de todo Iberoamérica, es también un festival cultural que convoca a más de 40 países de todos los continentes, un encuentro que se extiende por nueve días y que invita a la ciudad a llenarse de música, arte, cine y teatro y que, sin embargo, no descuida su vocación como encuentro de negocios en torno a la industria del libro. Y este 2017 la participación de Chile, coordinada por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes en conjunto con ProChile, será parte del corazón de la celebración literaria que atrae las miradas de todo el globo.

“La participación chilena en la FIL Guadalajara consagra a nuestro país como un importante exportador de cultura en encuentros internacionales en torno a la edición y la creación literaria. Hoy podemos ver un trabajo sistemático y coordinado por parte del Estado, que responde a una Política Pública sobre la Lectura y el Libro, cuya implementación avanza satisfactoriamente”, destacó el Ministro de Cultura, Ernesto Ottone.

La inauguración del pabellón chileno se realizó este lunes con la presencia de Ricardo Núñez, embajador de Chile en México; Claudia Barattini, agregada cultural de Chile en México; Paula Larraín, secretaria ejecutiva del Consejo Nacional del Libro y la Lectura; Marcela Aravena, subdirectora nacional de ProChile; y Carmen Gloria Cerda, agregada comercial de ProChile en México, quienes brindaron con vino chileno y dieron inicio al programa oficial de actividades en la ciudad mexicana.

Nutrida agenda chilena en México

“Este año contamos con un stand que ocupa el doble de espacio respecto de versiones anteriores y un escenario que será ocupado por nuestros talentos. Y esto no es casual, pues en la mayoría de los casos, Guadalajara significa el final de un recorrido por diferentes ferias en las que el CNCA –y las delegaciones que viajan- tiene participación. Es en México donde comienzan a rendir sus frutos y regresan a Chile con la satisfacción de haber cerrado importantes acuerdos”, comentó el Ministro Ottone al respecto.

Un aspecto que también fue destacado por la subdirectora nacional de ProChile, Marcela Aravena, quien recordó que “a lo largo del país existen más de un centenar de editoriales independientes con diversas propuestas de contenidos y formatos, y con un fuerte sello nacional, por lo que tienen altas posibilidades de conquistar a nichos específicos en los mercados externos. Es por ello que este sector y la narrativa gráfica son parte de los once rubros de las Industrias Creativas que hemos priorizado este año para su promoción internacional. Es así como hemos participado en las principales ferias del libro latinoamericanas y europeas, trabajando en conjunto con el Consejo Nacional de la Cultura y la Dirección de Asuntos Culturales de la Cancillería. Hoy, en Guadalajara, estamos finalizando un calendario que hemos desarrollado teniendo en cuenta las capacidades y necesidades de nuestros profesionales del libro y el cómic, quienes para seguir creciendo requieren conectarse con agentes y lectores en las principales vitrinas de promoción internacional”.

Este año, la delegación que representa oficialmente a Chile en la FIL Guadalajara está compuesta por 43 actores del mundo del libro: 26 de los cuales viajan con financiamiento del CNCA; 7 invitados por la Feria o sus editoriales y 10 en misión comercial seleccionados por convocatoria pública de ProChile. Ellos son:

Delegación CNCA

  • Claudia Apablaza (Narradora)
  • Álvaro Bisama (Narrador)
  • Matías Correa (Narrador)
  • Jorge Guzmán (Narrador)
  • Carlos Reyes (Narrador)
  • José Leandro Urbina (Narrador)
  • Leonardo Sanhueza (Poeta)
  • Armando Azúa (Divulgador de ciencia)

Línea de Apoyo a la Difusión del libro, la lectura y la creación nacional

  • Editorial Amanuta
  • Editora Zig-Zag S.A.
  • Editorial Montacerdos
  • Ediciones Oxímoron
  • Editorial Cuarto Propio
  • Editorial Pehuén
  • Simplemente Editores
  • Dudo Editores
  • Erdosain Ediciones
  • Alejandra Acosta (Ilustradora)
  • Daniel Blanco Pantoja (Ilustrador)
  • Catalina Bu (Ilustradora)
  • Gabriel Ebensperger (Ilustrador)
  • Raquel Echenique (Ilustradora)
  • Mariana Hales (Agente literaria)
  • Cámara Chilena del Libro (Gremio editorial)
  • Diego Vargas Gaete (Narrador)
  • Salvador Young (Representante de Biblioteca Pública Digital)

Invitados por la Fil o sus editoriales

  • Jorge Baradit (Plaza y Janés / Penguin Random House)
  • José Ignacio Valenzuela (Loqueleo, Editorial Santillana)
  • Ricardo Núñez (Fondo de Cultura Económica)
  • Elizabeth del Carmen Manosalva Vega (Independiente)
  • Ashle Ozuljevic Subaique (Independiente)
  • Maritza Gutiérrez Rojas (Independiente)
  • Sue Martin (Independiente)

Editoriales en misión comercial, seleccionadas a través de convocatoria pública. Actividad parte del Plan Sectorial Editorial 2017 de ProChile

  • Austrobórea
  • Ebooks Patagonia
  • Edicola
  • Ediciones del Quijote
  • Ediciones Ñire Negro Limitada
  • Editorial Tadeys
  • Fundación Gourmet Patagonia
  • Grafito Ediciones
  • Imbunche Ediciones
  • Sociedad Centro de Estudios Sociales

Casi 60 actividades son las que completan la nutrida agenda de Chile en Guadalajara, un calendario que celebra y pone en relieve la importancia de la creación nacional en América Latina pero que también invita a los autores de la región a celebrar con el denominado “Carrete chileno”, un inédito espacio de reunión organizado en conjunto con la FIL y que convoca a editores y escritores en torno a las costumbres e identidades contemporáneas de Chile.

Chile, un mundo de servicios

En el marco de FIL Guadalajara, Imagen de Chile estará presentando la campaña “Pregunta por Chile, un Mundo de Servicios”, iniciativa público privada cuyo propósito es dar a conocer al país como un actor competitivo en la oferta de Servicios Globales, relevando su potencial en las áreas como Economía Creativa y Tecnologías de la Información, a través de una activa difusión digital y participación en ferias y eventos priorizados, siendo una de ellas esta relevante feria del libro.

Al respecto, la directora ejecutiva de Imagen de Chile, Myriam Gómez, destacó que “nuestra oferta exportable de servicios editoriales ha experimentado toda una revolución en términos de diversidad, especialización e innovación”. A eso, añadió que “estamos convencidos que Chile marca tendencia a nivel global gracias al talento de miles de profesionales, que con rigurosidad y creatividad enfrentan las necesidades de un mundo cada vez más dinámico y exigente, planteando soluciones de vanguardia”.

México

De muertos y tragones están llenos los panteones…

¿Sabías que la celebración del Día de Muertos es una de las tradiciones más representativas de México y la UNESCO la declaró Patrimonio Intangible de la Humanidad, en 2003?

Los caminos adornados por vistosas flores de cempasúchil son iluminados por velas para que el alma del finado sea guiada a las ofrendas que los deudos colocan en panteones y hogares, en las que no pueden faltar platillos, bebidas y objetos que, en vida, el difundo solía disfrutar.

En regiones como Oaxaca, Michoacán y la Ciudad de México, las familias permanecen al pie de los entierros velando de manera simbólica la noche en la que los muertos regresan. En la península de Yucatán y parte de Chiapas se abren criptas para asear los restos de los difuntos. En Tlaxcala se coloca aserrín de colores para marcar la brecha y que las almas no puedan perderse. En el Istmo de Tehuantepec, Chiapas y Tabasco se incluyen a los adornos, hojas de plátano, piñas y banderitas de papel picado [1].

En la Ciudad de México y estados aledaños es tradicional el pan de muerto con incrustaciones que figuran huesos adornados con azúcar. En Guerrero por ejemplo, el pan luce con el nombre de los muertos que se espera recibir; en la Huasteca esta celebración es conocida como Xantolo [2].

El origen del Día de Muertos

La festividad del Día de Muertos se remonta a tiempos prehispánicos, que más tarde se conjugó con tradiciones religiosas y populares.

Para los pueblos indígenas de México, las prácticas y tradiciones que prevalecen en sus comunidades para celebrar a los muertos o antepasados constituye una de las costumbres más profundas y dinámicas que actualmente se realizan. En las regiones maya, nahua, zapoteca y mixteca, por ejemplo, dicha celebración no sólo tiene relevancia en la vida ceremonial y festiva de los pueblos, sino que su propia naturaleza la coloca como uno de los núcleos centrales tanto de la identidad y la cosmovisión de cada grupo, como de su vida social comunitaria [3].

Los mexicas tenían dos festejos dedicados a la muerte. El primero era el llamado miccailhuitontli, el 16 de julio, dedicada a los niños muertos en el que se cortaba un árbol, cuyo tronco se erigía en la tierra y se elaboraba una ofrenda de flores. El segundo, denominado huey-miccailhuitl, dedicado a los difuntos adultos, que se llevaba a cabo el 5 de agosto. En esta ocasión, se derrumbaba el tronco sembrado en la celebración que le antecede y se preparaban comidas y sacrificios [4].

A los festejos mortuorios indígenas se sumaron elementos católicos. En Europa, la celebración del Día de los Fieles Difuntos se inició en el siglo XI y buscaba honrar a la multitud de creyentes que habían muerto. La fecha del 1 de noviembre proviene de la celebración de Todos los Santos y el 2 de noviembre, la de los Fieles Difuntos. Fue, a partir del siglo XIII, cuando la Iglesia romana formalizó su presencia en el calendario litúrgico [5]. La danza macabra, una fiesta medieval Europa de mediados del siglo XIV es una celebración en la que vivos y muertos conviven arropados por la música [6].

Las famosas calaveritas

Ninguna ofrenda del Día de Muertos estaría completa sin las tradicionales calaveritas de azúcar. Su origen proviene de las culturas mesoamericanas. Y es que la muerte, para los antiguos mesoamericanos era sólo la conclusión de una etapa de vida que se extendía a otro nivel. En la práctica era común conservar cráneos y mostrarlos durante los rituales que simbolizaban el término de ese ciclo.

A la llegada y conquista de los españoles, los rituales que iban en contra de los preceptos de la religión católica fueron prohibidos y en muchos casos, ante la resistencia de los pueblos indígenas por eliminarlos, se sustituyeron por otros.

En cuanto a las calaveras que eran publicadas en gacetas en verso a manera de crítica, se hicieron populares en la segunda mitad del siglo XIX gracias a grabadores como Gabriel Vicente Gaona, Manuel Manilla y muy especialmente José Guadalupe Posada.

Cultura https://www.gob.mx

México

El FIC el mejor de Iberoamérica y España, su reto los jóvenes: Fernando de Ita

México

La apuesta del Festival, es sobrevivir a las nuevas tendencias con las artes escénicas, dijo el crítico teatral

“Sin menoscabo, puedo decir que el Festival Internacional Cervantino es el mejor en Iberoamérica y España, no existe otro que tenga en su programación todas las disciplinas escénicas; el reto es la inclusión de los jóvenes al Festival, a través de las nuevas tecnologías y la socialización del espíritu cervantino”, así resumió el crítico teatral Fernando de Ita la edición 45 del encuentro.

Consideró que el FIC cuenta con un despliegue importante de públicos, de escenarios, de actividades. Se le podrá criticar, pero es el más importante de las artes escénicas. Contrario a otros festivales internacionales que cuentan con sus propias disciplinas, como son los casos de Salzburgo, que es de música; el de Aviñón, de teatro, por mencionar algunos. “Es el único que reúne a las artes escénicas y aquí estamos todavía, pero es el festival más importante de Iberoamérica”.

“Ha cambiado el país y la cultura también, con los sismos y los huracanes que han afectado al país de manera terrible, la cultura nos reconforta; no construye casas, no resucita muertos, pero nos ayuda a seguir viviendo”, precisó.

Respecto a un planteamiento sobre la sobrevivencia y convivencia del Festival Internacional Cervantino en el uso de las nuevas tecnologías y el generacional, sentenció: “el Festival se mantendrá en diálogo ante las nuevas tendencias con las artes, porque ha sido el termómetro de las mismas. Si el mundo está cambiando, también están cambiando las artes… Si no sabemos exactamente cómo llevar a los jóvenes al teatro, a la música, a las plazas, estaremos mal: el Festival Internacional Cervantino depende de la supervivencia ante los cambios”.

De Ita manifestó que el teatro de calle es el conducto para llegar a la comunidad, acción que se realiza a través de la actual edición del FIC con su programa El Cervantino para Todos. “Luis Martín Solís y Raquel Araujo, gente de primer nivel de teatro están trabajando en ello desde hace cuatro años con personas de la tercera edad; al principio era casi ridículo y ahora representan a Shakespeare con una soltura hermosa, como tiene que ser el teatro”, abundó.

Este año, el Festival concentró una importante oferta teatral, como fueron las obras de: Mateluna, bajo la dirección de Guillermo Calderón, destacado actor, dramaturgo, guionista y director teatral chileno; Wadji Mouawad, radicado en Francia, nacido en el seno de una familia libanesa-cristiano-maronita, que presentó las obras Inflamación del verbo vivir y Las lágrimas de Edipo; a su vez Pascal Rambert, nacido en Niza. Italia, director de escena, así como coreógrafo que llevó a puesta Clausura de amor; y finalmente, Joël Pommerat, de Roanne, Francia, con Todo saldrá bien (1) Fin de Luis Ça ira (1) Fin de Louis, entre otras.

 

México

El patrimonio cultural nos habla del pasado. Impulsa la grandeza del futuro

El rostro más expresivo de México es su inmenso patrimonio cultural; inagotable legado de símbolos, de creaciones y convicciones ancladas en la piedra, el barro y el maíz, que se construyen, resignifican y enriquecen cada día, forjando la identidad, la cohesión y la esencia de un país.

 

Cuando hablamos de patrimonio cultural, evocamos más de cincuenta mil sitios con vestigios arqueológicos y ciento diez mil edificaciones históricas construidas entre los siglos XVI al XIX. Pensamos en los pueblos que destacan por su traza, su singularidad arquitectónica, por ser suma de signos y por su belleza.

Este rico patrimonio le ha dado a México un lugar en el mundo. Con 34 sitios en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO, es el país del continente americano con el mayor número de bienes inscritos.

El vasto y excepcional patrimonio es el corazón de cada pueblo, de cada rincón del país. Son lugares privilegiados de reunión en las comunidades y en grandes ciudades donde se festeja la vida. Son dignos espacios donde se vive lo cotidiano, se venera lo eterno y se renuevan los lazos de amistad y fraternidad.

La grandeza no es asunto del pasado, es el presente, es la creatividad e imaginación de los mexicanos contemporáneos; de todos, de la gente de a pie, de artistas y académicos. Es entraña de esa solidaridad que se palpa en las calles, que evidencia que es un país y que su identidad y su patrimonio cultural están allí, hilo a hilo, armando el tejido social. Hablamos del patrimonio cultural de México tejido en piedra, adobe y palabras. Hablamos del pasado que nos hace mirar hacia el futuro.

México

La riqueza de las culturas de México, en una exposición dedicada a los testimonios de su cosmovisión

La riqueza de las culturas de México, en una exposición dedicada a los testimonios de su cosmovisión

La muestra Ecos de la cultura: etnografía y grabaciones sonoras, en el Museo Nacional de las Culturas, se integra con más de 70 piezas, entre aparatos de grabación, fotografías, piezas sonoras y objetos etnográficos

 

En el marco del aniversario 53 de la Fonoteca del INAH

En el marco del aniversario 53 de la Fonoteca del INAH
Autor: Secretaría de Cultura

Un viaje por las músicas, sonidos, cantos, rezos y plegarias de las distintas comunidades culturales de México presenta a través de objetos etnográficos y máquinas de grabación y reproducción la muestra Ecos de la cultura: etnografía y grabaciones sonoras, alojada en el Museo Nacional de las Culturas.

La exposición con la que la Fonoteca del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) celebra su 53 aniversario, se compone de poco más de 70 piezas, entre aparatos de grabación, fotografías y piezas sonoras, con las que el visitante podrá hacer un recorrido histórico desde los inicios de la grabación del sonido hasta la actualidad.

Benjamín Muratalla, subdirector de la Fonoteca del INAH, explicó en entrevista que la exposición hace referencia a los antropólogos, lingüistas e historiadores  que investigaron y grabaron sonidos de las diferentes culturas de México, y a los precursores del proyecto de Fonoteca iniciado en 1964.

“Este es un recorrido por el mundo de la antropología y el sonido, o mejor dicho la tecnología de grabación sonora como herramienta para las ciencias antropológicas y la historia”, apuntó el especialista.

Expuso que el objetivo de la muestra es explicarle al visitante que desde que se inventó la tecnología de grabación en 1896, ésta ha sido una herramienta fundamental para los estudios antropológicos y la historia, como fuentes documentales del sonido, la música, y la oralidad.

Benjamín Muratalla consideró que la muestra puede ser interesante para las distintas generaciones. “Fueron varias personas las que intentaron por largo tiempo en el siglo XIX capturar el sonido. Los aparatos exhibidos muestran este desarrollo, pues las personas no se imaginan cómo el sonido sin electricidad se puede capturar y quedar registrado para la posteridad.

“Se pueden ver desde aparatos voluminosos hasta la tecnología de vanguardia y digital que son aparatos minúsculos, así como objetos etnográficos característicos de las regiones donde los investigadores estuvieron trabajando”, detalló.

En Ecos de la cultura: etnografía y grabaciones sonoras se pueden escuchar algunas de las grabaciones que resguarda la Fonoteca del INAH, y conocer  cómo antropólogos, historiadores y lingüistas aprovecharon los adelantos de la tecnología para el registro de los sonidos de la cultura.

“Tuvimos el privilegio —refirió— de que los primeros antropólogos que utilizaron esta tecnología fue precisamente en México, en el noroccidente, así que además de la información de los investigadores, de la tecnología de la grabación, también hay audios, desde los más antiguos en los que se pueden escuchar murmullos, susurros, y cantos”.

Además del recorrido cronológico, en la exhibición se reconoce a los precursores de la Fonoteca INAH, iniciado en 1964 con la grabación y publicación del primer disco de vinilo titulado Testimonio musical de México, que dio origen a la colección homónima y que durante más de cinco décadas se ha constituido como una breve muestra de la enorme diversidad cultural.

Entre los aparatos que se pueden apreciar están un fonoautógrafo, fonógrafos, gramófonos, grabadoras de alambre, de cinta magnetofónica, de carrete abierto, cilindro de cera, grabadoras digitales, entre otros.

Asimismo, se pueden apreciar las fotografías y pequeñas semblanzas de los principales investigadores nacionales, como  Arturo Warman, Raúl Guerrero, Irene Vázquez Valle y René Villanueva, y extranjeros, como Carl Lumholtz, Konrad Theodor Preuss, y Henrietta Yurchenko, quienes se apoyaron en la grabación del sonido como herramienta en sus estudios etnográficos.

En la exposición se exhiben materiales tan antiguos, apenas se aprecian como susurros, pero destacan por la proeza que significó haber capturado el sonido. Ejemplo de ello son las piezas huecanias, de origen nahua, de Morelos, y el Siquiiri, del mismo estado.

Algunos de los objetos etnográficos mostrados son el tambor huichol,  la guitarra conchera, una réplica del tambor trípode conocido como “tepo”, de origen huichol,  y un arco cora, además de máscaras y vasijas. Otros de los objetos son libros, discos y fotografías.

“Esta es una muestra sui generis que vale la pena recorrer. Invitamos a hacer un viaje por mundos extraños a los cuales todos pertenecemos. Somos parte de una diversidad de culturas, México es plural, amplio, uno de los países más musicales, y al mismo tiempo uno de los que cuentan con más culturas en el mundo.

“Vale la pena hacer el viaje a través de sus músicas y sonidos, cantos, rezos, plegarias, de esa manera nos regodeamos de esa diversidad de la cual formamos parte, de este México lleno de sonidos y ruidos. Ecos de la cultura: etnografía y grabaciones sonoras lleva a los asistentes al pasado de nuestra historia y a la diversidad de nuestras culturas”, puntualizó Benjamín Muratalla.

Sobre la Fonoteca del INAH, explicó, es una de las más antiguas de México y de un proyecto de investigación, recopilación y difusión de la música tradicional y popular muy importante.

La exposición Ecos de la cultura: etnografía y grabaciones sonoras permanecerá abierta al público hasta el mes de diciembre en el Museo Nacional de las Culturas, en la calle de Moneda No. 13, Centro Histórico de la Ciudad de México, con horarios de  martes a domingos, de 10:00 a 17:00 horas; la entrada es libre.

Información: DAF

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