Internacional

Luis Lugo, el piano de cuba, trás una exitosa gira internacional.

Culminó la primera parte del año con una  gira por varios países de Sudamérica y Europa cumplimentando sendas invitaciones para realizar conciertos y Master clases  Israel en el importante centro internacional de Master clases de Tel Aviv patrocinado por el gran pianista ruso Eugeni Kissing ,convocado para grabar un disco con una importante cantante Andaluza asistir a conciertos y Master clases en la Escuela de música y el teatro nacional de  Croacia finalizando sus conciertos invitado por la Sociedad española de editores y autores de España en Madrid, y la especial invitación de la casa  del pianista de Sevilla para ofrecer concierto y Master clases.

Ejecutó obras de Rachmaninoff como las 2 versiones de la sonata N° 2 , las variaciones op.42 y 4 estudios, todas del compositor ruso Rachmaninoff, Scherzo N° 3  op.39  y 7 nocturnos y 4 polonesas  de Chopin, preludio y fugan N° 24 en re menor de Shostakovich y versiones muy difíciles de obras populares como Alfonsina y el mar de Ariel Ramírez, Adiós Nonino de Astor Piazzolla.

Un programa extenso y cuidadosamente escogido con un nivel de dificultad extrema y como un fiel  exponente de la escuela rusa de piano a lo cual Lugo nos tiene acostumbrado en sus conciertos por Chile y otros países.

Cabe destacar en esta ocasión la presencia de la joven violinista Sandra Borges Lugo Ariosa con la difícil sonata de Strauss op.18. Sandra viene con un gran aval técnico artístico que le otorgaran sus presentaciones desde los 13 años en el festival de música clásica del teatro Colon de Buenos Aires, recital en nuestro teatro del Lago en Frutillar y festival de internacional de Tucumán. Sandra culminó sus estudios musicales en la Habana -Cuba y fue  especialmente  invitada a cursar estudios superiores en España, donde se licencio como intérprete y realizo 2 Master en interpretación en conservatorios de Barcelona y recién finalizo un 3er máster en interpretación en Suiza , actuando en infinidades de salas de Europa .

También participó con su arte la destacada cantante croata Ivana Galic con lo que deleitaron obras populares con interesantes versiones creadas especialmente para la ocasión .

Los conciertos y en especial en Croacia fueron largamente ovacionados y con gran impacto por el público.

Su próxima agenda en este año incluye conciertos con la Sinfónica en Ecuador , festivales en Bolivia y un regreso a Europa.

Luis Lugo

¿Quien es Luis Lugo, el piano de Cuba?
De una fuerte formación académica en Cuba y en Moscú, el pianista y compositor cubano Luis Lugo es una de las personalidades más destacadas de la música clásica/ cubana y folclórica latinoamericana. Poseedor de una larga y notable trayectoria en diferentes países de América Latina, Europa y África.

Es uno de los pocos artistas internacionales que domina todos los géneros de la música con más de 2000 vídeos en YouTube en vivo. Transita desde las obras clásicas como las sonatas de Skriabin y Liszt más grande del piano hasta el jazz latino y el Hip Hop en los más importantes festivales de Jazz y músicas del mundo. Permanentemente está ofreciendo distintos tipos de conciertos Constantemente es requerido por distintas Universidades y conservatorios impartiendo conferencias , master clases y asesorando en distintas áreas de la música, filosofía y estética en congresos internacionales. 

Críticas Internacionales

Luis Lugo es un compositor prolífico. En los últimos años se ha abocado a realizar grandes versiones en concierto de obras del folclor latino y de la América “romántica” más influyentes del siglo XX.  Repercusión en los medios y personalidades de mundo de la cultura internacional.

 “..Una de las características de Lugo, ha señalado la prensa, es su capacidad para reunir piezas del cancionero tradicional cubano pero desarrollado desde el más cuidado academicismo. El resultado es un repertorio erudito y popular al mismo tiempo. La crítica distingue habitualmente la ejecución técnica de Lugo, a la que se califica de impecable, y también su gusto por la estilización. El prestigio de este pianista ha aumentado enormemente en la música clásica académica y en el terreno popular de su país. Intimista e impactante son dos palabras que aparecen con frecuencia en las críticas sobre sus conciertos…. El País Digital

En el caso de Luis Lugo, aquellos que guardamos memoria de los pianistas del romanticismo, el impresionismo y los mejores del jazz, podemos descubrir en Lugo un inteligente y sensible aprovechamiento de todo este ancestro puesto en función de un objetivo artístico que por logrado le distingue a él y nos complace a nosotros .   (Ojo con este hombre), César Portillo de la Luz, Autor de “Contigo en la distancia”. «…

 Lugo es uno de esos pianistas que ha logrado combinar géneros tan complicados como lo de interpretar música clásica hasta la salsa o el son cubano. Es el hombre orquesta que cualquier agrupación musical que se respete quisiera tener y satisfacer así a cualquier público presente”. “Luis Lugo – Un pianista consagrado

..el día antes de los conciertos Luis Lugo asistía a la Casa de la Música para tocar el repertorio que interpretaría en cada concierto, y tuve el privilegio de escucharle tocar el piano durante horas y pude percatarme de que su virtuosismo radicaba en haber aprendido a utilizar adecuadamente sus posibilidades físicas unido al conocimiento que posee de la estética de los estilos que interpreta, estaba en presencia de uno de los pianistas cuyo nombre quedaría registrado para siempre por su emotividad, su excelente sonido, su depurada técnica pianística y una concepción inequívoca del significado de la interpretación

Volvimos a encontrarnos en el concierto homenaje al centenario de la muerte de Liszt en 1986, ocasión en el que le escuchamos interpretar la Sonata Dante, los estudios trascendentales y los funerales, el nivel de emoción que desplegó fue tan intenso que provocó lágrimas en el auditorio. Compositor y escritor Reynaldo Fernández Pavón   

  III Festival de Jazz “Con el énfasis en la variedad de estilos” Tocó el pianista cubano Luis Lugo, que aúna piezas del cancionero tradicional cubano desarrolladas desde un cuidado academicismo. Una suerte de músico de repertorio erudito-popular. Aquí el auditorio del Puerta del Bosque tomó un aire de salón de concierto. Concentrado, el músico mostró una técnica impecable y de un gusto por cierta estilización que quitó el marcadísimo centro rítmico que tiene la música caribeña. Una serie de composiciones en las que evidenció su dominio sobre este tipo de composiciones que reflejaron una especie de sustrato erudito que tiene mucha de la música de Cuba. Por César Pradines, diario LA NACIÓN  Buenos Aires

Lugo, sin duda ha cumplido la promesa congénita de su sensibilidad: ser un pianista romántico, pero no solo es  eso. Es también un autor de obras originales y versiones virtuosas  que  busca caminos propios bebiendo en las fuentes de la cultura musical culta y popular de sus raíces. Porque también es, para orgullo nuestro, un pianista cubano, heredero de paradigmas tan ilustres como Cervantes y Lecuona.

En esta exigente profesión, de la que puede decirse con razón, que “muchos son los llamados, pero pocos los elegidos”, creo que Luis Lugo se ha ganado su lugar entre estos pocos.  Pianista y compositor José María Vitier.

“…es un excelente músico con una fina sensibilidad y una individualidad que arrastra, su sonoridad en el piano es perfecta, capaz de realizar grandes cosas como pianista debido a su naturaleza artística interesante…” Jean Micoult. profesor de la Hechulle de Sarbrusken y jurado del concurso internacional de piano Vioty de Italia

“…la técnica espectacular de Lugo le permiten lograr interpretaciones muy notables de obras muy difíciles.” Ángel Vázquez Millares crítico, Cuba.

» Sobre el ciclo obras cumbre de la literatura pianística de 8 conciertos en la Habana protagonizado por Lugo.

 “…Lugo. Su brillantez y emotividad anuncian al virtuosismo del romanticismo desbordante del siglo XIX.” Sobre concierto “centenario de la muerte de Liszt (1886/1986) Leo Brouwer, compositor, guitarrista y presidente de la Filarmónica de Cuba y Dir. de la Sinfónica de Córdoba, España y gran personalidad mundial de la música clásica del siglo XX.

 «… El momento llegó y el pianista sencillo e hierático quizás, hizo su entrada sin preámbulos ni anuncios, como quien llega o penetra en el templo de su propia intimidad y se sentó frente a él, amical mente, para iniciar un diálogo  emocional que ni en sueños había supuesto escuchar…»  Miguel Bustos, Diario La República – San Luis- Argentina

«…Posee una indudable posibilidad de dar conciertos, debido a su técnica significativa y su sensibilidad emotiva…»  Dr. Robbone, Presidente del Concurso Internacional de Piano Vioty –Italia 

“…posee una calidad interpretativa atrayente, expresa temperamento con un  entendimiento de los estilos de las obras que interpreta” .concierto sonata de Liszt Mali Sal Moscú. Mtislav Smirnov, Vicerrector del Conservatorio Tchaikovsky de Moscú

… Lugo se inserta en lo que puede llamarse una verdadera tradición pianística iniciada en Cuba el pasado siglo con Ignacio Cervantes y que el presente recoge nombres tan importantes como los de Ernesto Lecuona, Chucho Valdés, Jorge Luis Prat, Frank Fernández, Gonzalito Rubalcaba entre otros, que le han dado al país fama universal.”.  Urbino Amalla, Dir. Programas de Radio. Instituto Cubano de Radio y Televisión.

«… Lugo es uno de esos pianistas que ha logrado combinar géneros tan complicados como lo de interpretar música clásica hasta la salsa o el son cubano. Es el hombre orquesta que cualquier agrupación musical que se respete quisiera tener y satisfacer así a cualquier público presente”. “Luis Lugo – Un pianista consagrado». Diario Crónica Latina Londres – París

Internacional

La ONU proclamó el 2019 como Año Internacional de Lenguas Indígenas

FUENTE:    http://notimia.com/la-onu-proclamo-para-2019-como-el-ano-internacional-de-las-lenguas-indigenas/

 

En respuesta a la recomendación del Foro Permanente de 2016, la Asamblea General de la ONU (Organización de las Naciones Unidas) proclamó el 2019 como el Año Internacional de las Lenguas Indígenas con el fin de llamar la atención sobre la pérdida, que trae consigo la necesidad de conservarlas, revitalizarlas y fomentarlas a nivel nacional e internacional. La UNESCO (Organización de las Naciones Unidas  para la Educación, la Ciencia y la Cultura) actuará   como organismo principal durante este Año.

 

La importancia de abordar este tema es crucial para los pueblos indígenas, puesto que representan otra forma de ver al mundo, guardan conocimientos amplios y complejos que se han desarrollado por miles de años, siendo así fundamentales para la cultura e identidad de los pueblos originarios.

De acuerdo a la Declaración de las Naciones Unidas sobre los Derechos de los Pueblos Indígenas, ellos tienen derecho a revitalizar, utilizar, fomentar y transmitir a las generaciones futuras sus lenguas, tradiciones orales, sistemas de escritura y literaturas. Además, dispone que los Estados adoptaran medidas eficaces para proteger este derecho, incluida la oferta de servicios de interpretación en procedimientos políticos, legales y administrativos. Los artículos 14 y 16 establecen que los pueblos indígenas tienen derecho a establecer sus sistemas educativos y medios de información en sus propias lenguas.

En la actualidad, solo el 3 % de la población mundial habla el 96 % de las casi 6700 lenguas que hay en el mundo. Aunque los pueblos indígenas constituyen menos del 6 % de la población mundial, hablan más de 4000 lenguas.De acuerdo con la información del Foro Permanente de las Cuestiones Indígenas.

Por la preservación de los idiomas originarios, el 2019 será el año de las lenguas indígenas, durante la 18° Sesión del Foro Permanente de las Cuestiones Indígenas, la ONU se dará la tarea de debatirá y darán sus recomendaciones para su conservación.

 

Internacional

Chile llega al Festival de Toronto con esperados estrenos y grandes cartas en competencia

  • Tres películas nacionales, incluyendo una coproducción, formarán parte de la 43ª edición del Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF).  A éstas se sumará el estreno de “Gloria Bell”, el remake de la exitosa cinta chilena “Gloria”, también dirigida por Sebastián Lelio y producida por Fabula (“Una Mujer Fantástica”).
  • Una delegación de profesionales chilenos participará además -con más de 15 proyectos fílmicos en desarrollo- en Industry, el mercado audiovisual de Toronto. Entre ellos se cuenta Florencia Dupont (Santiago Independiente), Cristóbal Echevensko (Atómica), Pablo Calisto (Equeco) y Giancarlo Nasi (Quijote), quienes llegarán a la ciudad canadiense gracias al apoyo del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio,  a través del Programa de Apoyo para la participación en Mercados Internacionales 2018.

El Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) es para Latinoamérica una de las puertas de entrada más accesibles hacia la industria cinematográfica norteamericana. Eso, sin contar que su selección marca la cartelera del cine en septiembre junto al Festival de Venecia, representando una de las grandes vitrinas de la producción mundial.

Es así como una vez más Chile se hará presente en TIFF, certamen que se realizará entre el 6 y 16 de septiembre, con tres cintas -incluyendo una coproducción con Costa Rica-, una robusta delegación de productores apoyados en terreno por la marca sectorial de ProChile, CinemaChile, y grandes talentos nacionales como el director Sebastián Lelio y el actor Alfredo Castro, protagonista de la película argentina Rojo de Benjamín Naishtat, que competirá en la sección Platform.

“La participación de los profesionales del campo audiovisual chileno en un evento tan prestigioso como el Festival Internacional de Cine de Toronto, es muy relevante para la industria nacional, especialmente por el acuerdo de coproducción que tenemos con Canadá, lo que nos acerca aún más como países colaboradores en materia cultural. Esperamos que a partir de esta participación se generen instancias de intercambio y que aumente la creación, producción y distribución de películas en conjunto”, comenta la ministra de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Consuelo Valdés.

A la sección Discovery de la gran muestra canadiense llegará Tarde para morir joven, dirigida por la realizadora Dominga Sotomayor, quien recibió el premio a Mejor Dirección tras el estreno europeo de la cinta en el Festival de Cine de Locarno. La película fue producida por Cinestación y competirá con otra de las cintas de la empresa nacional: Cascos indomables, una coprodución minoritaria realizada junto a Pacífica Grey (Costa Rica) y dirigida por Neto Villalobos.  La sección Discovery está dedicada a los directores que hay que ver según Toronto, y al cine del futuro.

Por su parte, el cortometraje Altiplano, de Milena Szlam, tendrá su estreno en Wavelenghts, espacio encargado de levantar nuevas, visionarias y atrevidas voces en el cine. La película de 16 minutos pertenece al género documental-experimental, fue filmado en la Cordillera de los Andes en Chile y Argentina y se desarrolla en un universo geológico de salares ancestrales, desiertos volcánicos y lagos de colores.

A los títulos anteriores se sumará un nuevo estreno del ganador del Oscar, Sebastián Lelio: Gloria Bell, el esperado remake de su propia película Gloria (2013), que en 2013 se quedó con el Oso de Plata a Mejor Actriz para Paulina García en el Festival de Berlín. La cinta, producida por la compañía chilena Fabula (Una Mujer Fantástica), es protagonizada por Julianne Moore y cuenta la historia de una divorciada de espíritu libre que pasa sus días en un trabajo de oficina y sus noches en las pistas de baile de los clubs de Los Ángeles. La premiere se realizará en la sección Special Presentations que reúne estrenos de primer nivel y a los principales cineastas del mundo.

DELEGACIÓN NACIONAL EN TIFF INDUSTRY

Al espacio de industria del Festival de Cine de Toronto acudirán cuatro productores chilenos apoyados por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, a través del Programa de Apoyo para la Participación en Mercados Internacionales 2018 del Consejo del Arte y la Industria Audiovisual (CAIA). Se trata de Florencia Dupont (Santiago Independiente), Cristóbal Echevensko (Atómica), Pablo Calisto (Equeco) y Giancarlo Nasi (Quijote), quienes asistirán en busca de coproductores, distribuidores y agentes de venta para sus principales proyectos de ficción y documental. A ellos, se sumarán los productores Juan de Dios Larraín de Fabula, Ana Belén Asfura de Suimanga Films, Carlos Embry de El acierto producciones y Horacio Valdeavellano de Imaginario TV.

TIFF está hoy entre los cinco festivales de cine de mayor prestigio e importancia internacional y en Norteamérica es sin duda el de mayor relevancia para el desarrollo de la industria independiente así como asociada a los grandes estudios. Aprovechando este escenario, la marca sectorial de ProChile, CinemaChile, realizará un encuentro enfocado en conocer productores y compradores canadienses, para promover el existente acuerdo bilateral de coproducción entre Chile y Canadá.

Internacional, Valparaíso

Luis Lugo Pianista Internacional (Cuba)

Buenos Aires 26 septiembre 2016 Pianista Luis Lugo
foto Rolando Andrade Stracuzzi ley 11723

Chile 2018

Se presentará durante agosto en Osorno con la realización de un concierto de piano con el apoyo de la Corporación cultural de Osorno,  posteriormente se trasladará hasta Valparaíso con una presentación y un marter class en el Instituto chileno norteamericano de cultura.

Luis Lugo Pianista Internacional (Cuba)

Comenzó sus estudios por once años en la Escuela  de Música “Amadeo Roldan” de la Habana, con la profesora Mercedes Estévez con Cesar López y Silvio Rodríguez Cárdenas. Cuando cursaba el quinto año del nivel  elemental fue invitado por el vicerrector del conservatorio Tchaikovsky de Moscú Mtislav Smirnov a continuar sus estudios de piano en la famosa escuela central del conservatorio Tchaikovsky de Moscú. Meses más tarde se vincula con el eminente pianista ruso Rudolf Kerer, siendo audicionado periódicamente durante esos años.

Luego de haberse presentado en el concurso nacional de piano UNEAC 73 y obtener el tercer lugar. En sus años estudiantiles Lugo fue galardonado con: Diploma de destacados festivales I, II de jóvenes intérpretes de la Habana, Festival Barroco, diplomas de honor y excelencia del Conservatorio Amadeo Roldán, tercer premio en el concurso nacional de piano “Amadeo Roldan”, giras a los centros artísticos más importantes de Cuba.

Curso un postgrado de interpretación  en el Instituto Superior de la Habana con el joven pianista ruso Valery Kamichov (laureado con el 2do. premio del concurso internacional Tchaikovsky de Moscú 1962 alumno de Flier), que lo prepara para el Concurso Internacional de Piano en Moscú. En 1978 tras una prueba de oposición ingresa en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú en la clase del laureado profesor y artista emérito de Rusia “Profiesor” Rudolf Kerer. También recibió clases con Irina Smorodinova (maestro asistente de Rudolf Kerer, ex alumna de Emil Guilels y laureada del concurso Internacional Margaret Long de París) y con Víctor Nosov (vise decano de la facultad de Piano del Conservatorio Tchaikovsky. En el año1983 obtuvo los títulos de pianista concertista, Licenciado en Música, Profesor y la disposición especial “Master of Fine Arts.” del Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, tras un brillante examen donde obtuvo el máximo de puntuación con las sonatas de Scarlatty, sonata en h moll de Liszt y el concierto 3 de Rachmaninoff en re menor para piano y orquesta.

Ha sido invitado a tocar en distintas partes del mundo. Su actual repertorio incluye la mayoría de las grandes obras de todos los tiempos. Sus inquietudes musicales lo han llevado a diferentes planos de la creación artística como la composición en el terreno de la música clásica ,sinfónica y popular, con un marcado interés en  la trascripción de material temático de obras populares y autóctonas ,situando en la categoría de conciertos el folklore y temas latinos ,incursionando en el mundo de la improvisación jazzística y la música cubana e incorporando a su vez toda la técnica espectacular del mundo electrónico y el láser con los sonidos computarizados, acordes a las exigencias sonoras contemporáneas Además de sus actividades como compositor y pianista, Como  maestro de estatura internacional creo los “Master Cuba música”, ciclos de clases magistrales y seminarios de alta maestría pianística. Realizo, y produjo el  su ciclo “La historia del piano” en la sala grande del teatro Colon de Buenos Aires, e integro el jurado del concurso de música del Festival Internacional de Música de Buenos Aires en el teatro Colon. Lugo ha desarrollado una intensa actividad docente, periódicamente es invitado a dar conferencias y a ofrecer clases magistrales sobre música, estética del piano y técnica pianística en numerosas universidades de la región. Como compositor posee  un catalogo de obras que incluyen conciertos, sonatas, rapsodias para piano, con orquesta e instrumentos de percusión cubana y música de jazz-cubano y numerosos arreglos y paráfrasis virtuosas de autores cubanos como Lecuona y Cervantes; también escribió obras para teatro musical como “Cuba: Mitos y Leyendas”, para piano solista, banda magnetofónica y 3 actores. Su último trabajo se titula Concierto “Lecuona” para piano, percusión cubana y gran orquesta sinfónica. El lenguaje musical de Lugo es la combinación del complejo rítmico cubano-africano con su intelecto académico clásico. Su música es fundamentalmente una síntesis entre la cultura clásica universal con un lenguaje muy técnico de la música cubana.  Del pianismo de Lugo se ha  reconocido las influencias de  prominentes pianistas universales como Chucho Valdés, Gonzalito Rubalcaba, Ernesto Lecuona, Keith Jarret, Horowitz, y Alfred Cortot.

Internacional

Joan Margarit obtiene el Premio Iberoamericano de Poesía Pablo Neruda 2017

  • Desde La Sebastiana, en Valparaíso, el Ministro de Cultura de Chile, Ernesto Ottone, fue el encargado de dar la noticia al poeta español, quien recibirá un total de 60 mil dólares y recibirá el galardón de manos de la Presidenta Michelle Bachelet en el Palacio de La Moneda.

“Es el nombre del premio lo que me desconcierta. A mis 79 años es muy importante lo que ha significado en mi vida Pablo Neruda. Tanto ha significado que tuve muchos años para poder quitármelo de encima, porque un buen maestro, un gran maestro, es tan duro para llegar a él como también para quitárselo de encima”, fueron las palabras con que el poeta español Joan Margarit agradeció emocionado este mediodía su más reciente reconocimiento, el Premio Iberoamericano de Poesía Pablo Neruda, que como cada año, fue anunciado por el Ministro de Cultura de Chile, Ernesto Ottone, desde la casa porteña del poeta Pablo Neruda, La Sebastiana.

En honor al nombre del reconocimiento, el español además recitó un fragmento de Meditación, poema escrito por Neruda y catalogado por el mismo Margarit como “los versos más hermosos que se han escrito nunca”.

“Hoy, el jurado del Premio Iberoamericano de Poesía Pablo Neruda ha decidido de forma unánime otorgarle el galardón al poeta Joan Margarit por la calidad de su poesía y la fuerza lírica de su lengua catalana”, dijo el Ministro Ottone, al entregarle la noticia vía telefónica. El Secretario de Estado también destacó que: “Además de haber otorgado el premio, nos tiene muy felices poder publicar una antología en Chile, ya que salvo dos libros, no se han publicado más obras de él y permitirá al público nacional conocer a este poeta que cuenta con una vasta trayectoria y que ha estado traduciendo toda su obra al catalán, por lo que ahora integra esa lengua al premio, uno de los más importantes de Iberoamérica y que significa un reconocimiento a la poesía, que sigue presente en nuestras vidas”.

Según consta el acta, el jurado, compuesto por Raúl Zurita (Chile), Rubí Carreño (Chile), Piedad Bonnet (Colombia), Luisa Futoransky (Argentina) y Luis García Montero (España), destacó la obra y trayectoria del poeta, asegurando que: “después de evaluar distintos criterios de elección, ha decidido premiar a Joan Margarit en reconocimiento a su capacidad para unir la belleza formal y la emoción, su diálogo con la memoria y la dimensión ética del compromiso con la vida y con la muerte”.

El premio, de carácter anual, fue creado en 2004 como homenaje al centenario del poeta Pablo Neruda, por acuerdo entre el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes y la Fundación Neruda, y es concedido a un autor o autora de reconocida trayectoria cuyo trabajo sea una entrega notable al diálogo cultural y artístico de Iberoamérica. Consiste en una medalla, un diploma firmado por la Presidenta de la República y el Ministro de Cultura y una suma que asciende a 60 mil dólares (alrededor de 40 millones de pesos chilenos), situándose como uno de los reconocimientos más relevantes de la región.

En sus ediciones anteriores, el reconocimiento, concedido por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA), a través del Consejo Nacional del Libro y la Lectura,  ha recaído en José Emilio Pacheco (México); Juan Gelman (Argentina); Carlos Germán Belli (Perú); Fina García-Marruz (Cuba); Carmen Berenguer (Chile); Ernesto Cardenal (Nicaragua); Antonio Cisneros (Perú); Óscar Hahn (Chile); Nicanor Parra (Chile); José Kozer (Cuba); Reina María Rodríguez (Cuba); Augusto de Campos (Brasil) y Raúl Zurita (Chile).

Chile, Internacional

Libros de Margot Loyola y Osvaldo Cádiz formarán parte de la Casa del Senado de la Universidad de Londres

  • La Biblioteca de la Casa del Senado es la central de todas las universidades y escuelas de estudios avanzados de Inglaterra. En sus dependencias existen importantes colecciones de investigación en artes, humanidades y ciencias sociales, precisamente en el corazón de la comunidad estudiantil y de investigación de la capital inglesa.

Los directores de la Academia Nacional de Cultura Tradicional “Margot Loyola Palacios”, Osvaldo Cádiz y Juan Pablo López, presentarán el libro “50 danzas tradicionales y populares en Chile” en Reino Unido, en dependencias de la Casa del Senado (Senate House) de la Universidad de Londres en Inglaterra, lugar en el que también donarán las obras “La cueca: Danza de la vida y la muerte”, “La tonada. Testimonios para el futuro” y “El cachimbo”.

En agosto de 1956, Margot Loyola partió a Europa impulsada por el afán de dar a conocer nuestra cultura tradicional en los países del Viejo Continente. La maestra visitó Francia, España, Unión Soviética, Polonia, Rumania, Bulgaria y Checoslovaquia, después de haber obtenido una serie de reconocimientos por promover la riqueza de nuestro folclore y aquello que nos identifica como chilenos, mostrando la enorme diversidad del canto y las danzas de nuestra extensa geografía que abarca al Norte Grande, Norte Chico, Centro, Sur, Sur Austral, Araucanos y Rapanui.

Al respecto, el rector de la PUCV, Claudio Elórtegui, destacó el valioso aporte que desarrolló la Doctora Honoris Causa y Profesora Emérita, Margot Loyola, al interior de nuestra Casa de Estudios, formando a numerosas generaciones de profesionales que pasaron por sus clases de Danzas Tradicionales desde 1972, como también a través de la formación de diversos grupos folclóricos que permanecen vigentes y por medio de sus investigaciones etnográficas publicadas por la editorial de la Universidad.

“Margot Loyola es una figura esencial del folclore de nuestro país. Ella ha podido trascender al tiempo y ha plasmado su impronta en diversas generaciones a lo largo de Chile, lo que hizo en todos los ámbitos de su quehacer como académica, investigadora y cantora popular. Su aporte a la cultura nacional es indiscutible y sus méritos son muchos. Valoramos profundamente que parte de su obra realizada en la PUCV esté disponible en la Universidad de Londres. La maestra fue una intérprete multicultural que representó la diversidad cultural y étnica de Chile”.

La gerente de Ediciones Universitarias de Valparaíso de la PUCV, María Teresa Vega, agregó que “para nuestra editorial es motivo de alegría y orgullo que el último libro que publicaron Margot Loyola y Osvaldo Cádiz sea presentado en Inglaterra porque es un medio para la difusión en otro país de tan importante contribución al acervo cultural chileno y también porque nos permite difundir un título fundamental del extenso catálogo de EUV. La donación de este libro y de otros de ambos autores, complementa nuestra presencia en Inglaterra y también en Europa, donde ya saben de nuestro trabajo gracias a la participación que hemos tenido en la Feria Internacional del Libro de Frankfurt y otras en España e Italia”.

PRINCIPAL BIBLIOTECA DE UNIVERSIDADES

La Biblioteca de la Casa del Senado de la Universidad de Londres es la central de todas las universidades y escuelas de estudios avanzados de Inglaterra. En sus dependencias existen importantes colecciones de investigación en artes, humanidades y ciencias sociales, precisamente en el corazón de la comunidad estudiantil y de investigación de la capital inglesa.

Esta organización es miembro de Sconul, consorcio M25 de Bibliotecas Académicas, Liber, CERL y miembro fundador de Research Libraries UK, organización que representa a 37 de las principales bibliotecas de investigación más importantes del Reino Unido e Irlanda, cuyo objetivo es optimizar la contribución de las bibliotecas y colecciones de investigación al éxito económico y cultural del Reino Unido e Irlanda. RLUK fue fundada en 1983 por siete bibliotecas universitarias, e inicialmente operó bajo el nombre de CURL (Consortium of Research Libraries).

Para el profesor y coautor de muchas investigaciones, Osvaldo Cádiz, esta acción constituye el comienzo de una serie de actividades para dar a conocer el legado de Margot Loyola en Europa, particularmente en los grandes centros de estudios, como universidades y archivos nacionales.

“Esta invitación me llena de emoción, pues entiendo el valor que le asigna esa importante casa de estudios, como es la Universidad de Londres, a Margot y a los trabajos que realizamos en conjunto, bajo el inconmensurable apoyo de nuestra Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, Ediciones Universitarias de Valparaíso y la Academia Margot Loyola”.

Por su parte, el director ejecutivo de la Academia Nacional de Cultura Tradicional Margot Loyola, Juan Pablo López,  señaló que “esta acto constituye un hecho histórico para el país, pues es la primera vez que libros de esta naturaleza  desembarcan en tan importante institución universitaria de Reino Unido. Esto da muestra de nuestra rica diversidad cultural que nos representa como chilenos, dejando el legado y conocimientos de la gran maestra Margot Loyola y del profesor Osvaldo Cádiz”.

De acuerdo a los directores de la Academia Margot Loyola, esta actividad tendrá el Sello Centenario de la maestra.

Destacados, Internacional, Perú

Manuscritos de 1867 fueron entregados al Archivo General de la Nación Peruana

Ciudadano cedió textos de gran valor al Ministerio de Cultura luego que los adquiriera por internet.

Perú.-Un total de 27 folios que datan de los años 1867 y 1868, relacionados con la manufactura del Gran Reloj de Lima por el militar e inventor chiclayano Pedro Ruiz Gallo, fueron entregados por el Ministerio de Cultura al Archivo General de la Nación para su custodia. 

Cabe señalar que los manuscritos fueron cedidos por el ciudadano Juan Antonio Carrillo Retuerto, a la Dirección General de Defensa del Patrimonio Cultural del Ministerio de Cultura, luego que los adquiriera de un comerciante de libros antiguos a través de internet, a quien le dio a cambio  un libro sobre el cuatricentenario de Lima. 

Carrillo Retuerto, historiador y comerciante  sostuvo que decidió otorgar los documentos al Ministerio de Cultura por su gran significado y sobre todo el valor histórico que tienen para nuestro país. Por su parte, la directora general de Defensa del Patrimonio Cultural, Blanca Alva, expresó su agradecimiento por la decisión adoptada e instó a la ciudadanía a proteger nuestro patrimonio cultural. 

 Los folios fueron entregados al Director Nacional de Archivo Histórico, Eleodoro Balboa Alejandro y a la Directora de Archivo Colonial, Nora Gomero Sánchez, en presencia de la Directora de Recuperaciones del Ministerio de Cultura, Katie Navarro Vásquez y el Encargado de Control Patrimonial del Archivo General de la Nación, Jorge Rodríguez Moreno. 

El dato

Si tiene información o conoce algún caso de afectación a nuestros bienes culturales, denúncielo a través de nuestro portal www.cultura.gob.pe/es/defensapatrimonio/formulariodenuncia o al teléfono 321-5560.

Argentina, Destacados, Internacional

Carla Demark, Siete Mil Aleteos

 Nota de Guillermo Contreras y Gabriel Sacco para la Revista de Los Jaivas

“En estos tiempos, conectarse primero con lo que se siente ya es mucho, y resulta incómodo, y desde ahí intentar a duras penas que otro se conecte con algo de eso a través de un poema, es desmesuradamente loco, pero creo vale la pena”. Carla Demark.

El libro “Siete mil Aleteos” de Carla se presenta en Abril del 2016 en Buenos Aires, la Revista de Los Jaivas intenta con esta nota abrir las puertas al corazón de la poeta, que es el corazón mismo del libro. Gracias Carla por tu tiempo y que siga valiendo la pena.

¿Que tenés que decirnos sobre “La palabra”?

La mayoría de lo que intenté decir está en los poemas que escribí en la última parte del libro que tiene que ver con lo que me pasa con la palabra. En principio me parece que la palabra, elemento esencialmente humano, nos puede conducir a lugares tormentosos y a la vez es la única, creo yo, que nos puede rescatar de ellos. Esto dicho desde un lado psicoanalítico, pero también visto desde un lado creativo, la palabra puede encarnarse en cualquier tipo de arte. En mi caso es la materia prima, pero también en la pintura, en la música la palabra se traduce a ese lenguaje artístico. La expresión a través de las palabras reales, concretas, metafóricas, pueden acercar primero una verdad sobre nosotros mismos, o algo parecido a la verdad y después sacarnos de muchas tormentas. También creo que las palabras son siempre escasas, que dicen muy poco de lo que en realidad quisiéramos expresar. Se me ocurre, por ejemplo, cuando se habla de la muerte de un hijo, que no hay palabras para eso, yo creo que no hay palabras para casi nada. Las palabras son como bastones de los que nos servimos para darle como una contención a lo que sentimos o pensamos.

 La palabra dentro de la poesía, ¿cuál es su importancia?

La palabra es todo en la poesía, si bien en ella también vibra la música, creo que una poesía sin contenido, que no deje al lector con algo agregado en el sentido, no es la poesía que me gustaría encarnar. Creo que eso es posible a través de la palabra justa, que se busca duramente para decir más o menos lo que uno quiere decir. En la poesía también intentamos acercarnos a aquello que nunca se podrá decir del todo, es una limitación que, por lo menos yo pienso, tenemos los humanos. Yo en uno de los poemas lo digo: aunque invente una palabra tampoco podría darle el significado que deseo darle. La poesía permite enmarcar en palabras algo de lo podemos sentir y pensar, y creo que es lo que la hace tan maravillosa cuando se encuentra la palabra correcta.

¿Qué es un lector para el poeta?

Mirá, para un poeta o para cualquier tipo de escritor, el lector es siempre el horizonte al que se dirige. Me gusta pensarlo así porque cuando alguien dice “yo escribo para mí, porque me hace bien”, nadie duda de eso, pero el punto es que si escribiéramos para nosotros mismos y nada más, ¿qué sentido tendría dejarlo escrito en un papel?, ¿qué sentido tendría buscar palabras que se comprendan? Entonces siempre está el otro en el horizonte al cual nos dirigimos. Se puede estar escribiendo a solas, a través de pensamientos por ejemplo. Pero si uno lo plasma en un papel, siempre habrá alguien que lo va recibir, y es a ese alguien a quien nos dirigimos de manera consciente o inconsciente. Escribir para uno es, siempre, escribir para otro también.

 ¿Al plasmar una poesía hay alguna idea del lector?

Yo siempre digo que me gusta escribir con el lenguaje de la calle, sin quitar que a veces me vaya un poco de eso, porque cada uno está hecho de sus historias, de sus experiencias, de sus lecturas. No me gusta una poesía dirigida a un tipo muy intelectual, con palabras que requieran  buscar en un diccionario para entender, o recurrir a metáforas tan abstractas que no sean capaces de generar ningún sentimiento. Prefiero una poesía más concreta, que pueda generar sentires. Si alguna de las palabras que escribo en un poema deja algún sentimiento en alguien, entonces habré hecho algo bien, si no, tendré que seguir trabajando. Yo pienso en un lector que pueda sentir algo al leerme.

Dos extremos, la poesía para pocos, o la poesía para todos, ¿vos como ves la poesía?

Ni una ni la otra, tampoco creo que haya poetas para todo el mundo, con tampoco creo que haya películas para todo el mundo, o libros. Me parece que lo que escribimos nunca va a gustar a todos, yo me conformo con que a dos o tres les guste, eso ya es mucho. Porque la poesía tiene que ver con un espacio muy íntimo que se desplaza hacia otros, y requiere, para esto, de una empatía muy grande. En ese sentido no todos los temas nos tocan a todos de la misma manera, no todos los estilos. Es cierto que si una persona no puede entender cierto tipo de tropos, de figuras literarias porque no está ejercitado en la poesía probablemente no le guste leer poesía. Pero también creo que si un poeta logra seducir a alguien que nunca leyó poesía, empieza a desdibujarse esa frontera, de quién lee y de quién no lee poesía. Me sorprende enterarme de gente que lee y gusta de la poesía en este siglo. A veces se trata de personas sencillas, que quizá no tiene ningún tipo de estudios, a quien la poesía las conecta desde un lugar más íntimo, más del sentimiento, de sacar a flor de piel algunas cuestiones. Creo que está bueno pensar que la poesía no es sólo para intelectualoides. Me refiero a que no tiene ningún sentido escribir sin sentido y a veces en este juego intelectual de la búsqueda de la originalidad, tan común hoy, se pierde el sentido. Entonces la originalidad a veces aplasta esta conquista del lector. Creo que los poetas tenemos que ser más humanos y menos intelectualoides.

 ¿Cuándo te asumiste como poeta?

En realidad no creo que seamos una sola cosa, pero de tanto escribir poesía voy sospechando que algo de la identidad se juega allí, una de las tantas identidades que puedo sentir. Escribo cuentos, narrativa, lo que pasa es que ahí tampoco puedo evitar la mirada poética. Hay algo que los que escribimos poesía sabemos y es que no se trata tanto de una elección. La elección tal vez sea mostrarlo, sacar un libro, llamarse o no poeta, pero lo que uno no puede evitar es que algo te asalte de repente, que un sentimiento te posea, detenga el tiempo, te vibre internamente como el amor y te obligue a sentarte a escribir poesía. A partir de allí, ver situaciones en la calle, en cualquier lado, que puedan traducirse en poesía, es inevitable.

Tampoco creo que porque yo me llame poeta a mí misma, los demás me consideren así. En esto de las identidades creo que hay ida y vuelta, ya que se nutren de lo que nos dicen y de lo que creemos que somos. Lo que hace sentirme poeta es esto que me saca de mí por unos instantes, y obliga a escribir, me obliga a sacar algo fuera a través de las palabras. Lo demás son accesorios.

 ¿Viendo el resultado, alguna vez te sorprendió lo que escribiste?

Me parece que uno se conoce mucho a través de la escritura, sobre todo cuando dejás pasar un tiempo después de ese asalto emocional,  y te leés decís: ¿qué le paso a esta chica? (risas). En ese sentido, creo que la poesía me reveló cuestiones personales que ni yo misma sabía de mí.

¿Qué es el papel para un poeta?

Y, es pura adrenalina. Siempre dije que no me gustan los deportes extremos, ni la velocidad, por ejemplo, pero la página en blanco sí me genera adrenalina. Me invita a crear un mundo en el que todo es posible desde un lugar divertido y creativo. Incluso aunque esté escribiendo un poema desde lo más hondo de un sentimiento doloroso. Pero aún así hay algo que sucede desde el quehacer creativo que me toma por completo ante la página en blanco, y es una emoción muy fuerte encontrarme con ella cuando tengo algo que decirle, ¿no?

Lo peor que puede pasar es cuando querés escribir, pero en realidad no tenés un deseo genuino de hacerlo, en esos casos he aprendido a cerrar la página en blanco.

 Hablás en el libro de la niña, la mujer, la esposa, la madre, no sos siempre la misma.

Eso me hace pensar en lo que llamamos coherencia como un valor humano.  Pretendemos pensar, sentir y actuar en forma homogénea, casi como una máquina y a través el tiempo vemos que esa coherencia no existe, es una ficción. Lo que hay es puro cambio. La coherencia es como la luz en el fondo a la que apuntar cada vez. Pero lo cierto es que vamos cambiando, nos vamos equilibrando y desequilibrando continuamente. Y sin duda la poesía, a lo largo de casi veinte años que escribo, me va mostrando algunos de esos cambios.

Tus poesías no se andan con vueltas, arrojan valores a la cara, te interrogan el alma. ¿Vivís así todo el tiempo?

Sí, la realidad es que deberías preguntarle a mi esposo y a mis amigas que dicen que no tengo filtro (risas). No soy una persona agresiva ni cruel, ni me creo capaz de decir a otros verdades absolutas que ni yo sé de mí misma. Pero a través de los años, gracias también a dolores personales aprendí a escuchar lo que deseo y a decir lo que pienso, amorosamente, ni de forma provocadora ni revanchista, pero me gusta la intensidad de las emociones, de las palabras. Cuando amo, amo. Cuando no amo, no amo, no sé si odio tanto. Lo mismo me parece con la literatura, hay cuestiones que hay que decir sin vueltas y en otras tal vez se puede ser más decorativo. Pero es una cuestión de gustos.

Leo tus poesías aguantando la respiración, ¿cómo logras imponerle este vértigo?

Si yo supiera eso lo haría siempre y podría enseñarlo para que otros lo hagan. Creo que lo que ocurre es que primero me quita la respiración a  mí. Me gustan los remates intensos, que golpeen, no necesariamente que duelan, sino que impacten. Tal vez eso quite un poco la respiración. Me cuestan los tibios en la literatura. En cuanto a los sentimientos, la poesía es puro sentir, la intensidad se juega y se remata al final, como en la vida.

¿Cómo logras transformar lo sencillo y lo cotidiano en un canto que atraviesa toda corteza y llega al alma?

Agradezco esa pregunta, es una buena crítica… Me parece que, como te decía antes, no elijo ser poeta, tiene que ver con esa mirada que no es igual en todos los poetas, pero sí es distinta a la mirada convencional de las cosas, situaciones o sentimientos. Lo digo en uno de los poemas del libro: un granito de escarcha nos puede hacer pensar en el frío, nos puede indicar que está por nevar o nos puede recordar a Bariloche, depende. Y tal vez alguien, con una mirada poética pueda decir que ese granito es el mismísimo desamor naciendo. Esta mirada, que contempla las cosas más allá de lo que son de manera literal hace que se pueda ver poesía en cualquier lado. Porque la poesía está en cualquier lado. La poesía vive y late en lo cotidiano, y lo que hace el poeta es mostrarla. Como en el creacionismo de Huidobro: se trata de crear un mundo distinto en el mundo que todos habitamos.

Cuando un poeta puede ver en un colectivo una caja donde todos morimos un pocos cada día, pues bien, no está viendo el colectivo, es una visión distinta que todos tenemos, sólo que el poeta es asaltado por esto todo el tiempo y lo lleva a plasmarlo. Creo que la poesía también está encarnada en algunas personas, aquellas que hacen el mundo más amable, habitable para todos. Cada uno tiene sus herramientas para ser poesía y para hacer poesía. En mi caso es la palabra y ojalá que, en algunos casos, también algunas acciones.

Amor, fe, agradecimiento, dolor, soledad, certezas, dudas. Viva, muy viva y, cuando tocás a la muerte, es ese ahogo otra vez en la garganta, ¿tenés presente que quien te lee vive, muere, llora o se queda pensativo mirando  hacia adentro?

No, y si fuese así me sentiría muy satisfecha. No es fácil trasladar lo que se siente en palabras que sean pocas para no aburrir, que sean justas para decir lo que realmente se desea decir, que sean profundas. No es fácil lograr que el otro pueda sentir algo, si logro eso, sin dudas, tengo que seguir escribiendo.

 ¿En qué viaje te sumergiste para escribir ese hermoso homenaje a los combatientes de Malvinas?

Creo que si hay una forma en la que todos morimos a diario es a través de las injusticias, si hay algo nos ahoga en un sentimiento frío es la impotencia frente a esas injusticias. Sobre Malvinas he leído algunos  poemas de corte patriótico, reivindicatorios, de héroes, de dolor, y no recuerdo haber leído alguno que personificara lo que pudo haber sentido un pibe arrastrado a morir sólo por intereses mezquinos, políticos, dictatoriales, mientras aquí tanta gente festejaba. Me pareció que revivir a ese pibe mostrando lo que tal vez, sólo tal vez pudo haber sentido antes de morir era una manera distinta de expresar la guerra o la crueldad de la que somos capaces, pero de otra manera.

Algunas exclamaciones en poemas del libro: “Me opongo a la muerte

porque es obtusa y desconsiderada”, “No quiero que se arrepienta de ser niña”,  “Cinco siglos silenciados, orando para que no le roben lo poco de pacha que sustenta su vida”. Me sentí identificado con lo mucho que abarcan.

Mi intención es mucho más pequeña: expresar, en algunos casos denunciar, en algunos casos sanar. Abarcar mucho es un problema, es costoso abarcar tanto. Y yo que creí que había dejado afuera poemas que tocaban otros temas (risas).

Una niña  que no queres que se arrepienta de ser niña, abarca a todo niño abandonado.

Claro, al escribir intento mostrar a esa niña que yo vi en el subte. Si la lectura de ese poema lleva a que otro pueda ver a otro niño solo, abandonado o triste, creo que es porque funciona esa maravilla que llamamos interpretación, que no sabemos hasta dónde llegará cuando escribimos. Es desafío para los que escriben poesía no es tanto saber los temas que nos conmueven y nos mueven, sino saber cómo expresarlos de forma tal que conmuevan al lector.

 ¿La palabra es sólo un adorno?

No, no es un adorno. Salvo que nos detengamos en superficies.

 ¿La poesía es solo una forma de agrupar palabras?

No, es una forma en que las palabras dan sentido.

¿El poeta es un hipócrita de la palabra?

Desde el punto de vista que te decía antes, en el que la palabra nunca puede expresar exactamente lo que deseamos expresar, todos somos un poco hipócritas. Lo que el poeta intenta es sacarle la mayor cantidad de los velos para dejarla lo más pura posible.

¿La poesía es una cara de la expresión popular?

Sí, los poetas surgen del pueblo. El tema es qué concepción tenemos de pueblo y de lo popular. Yo intento hacer poesía que surja del pueblo y que vuelva, con un lenguaje coloquial, a él.

 En el tiempo que vivimos que la propaganda arma líderes, presidentes, formas, ¿la poesía tiene poder?

Yo suelo decir que el que escribe poesía en este siglo o es un tipo muy esperanzador o es un estúpido, igual las dos cosas se tocan, a veces tener mucha esperanza te convierte en un estúpido, o ser estúpido te da esperanza de alguna cosa. Hacer poesía en este tiempo es un desafío, no hay propaganda para la poesía, no hay poder económico detrás de ella. Intentar conectarse con el sentir en esta época cuesta mucho, porque estamos demasiado bombardeados por actividades, por consumo, por obligaciones, por superficialidades, por “no tengo tiempo”, por “quiero estar tranquilo”, por “no me importa nada”. En estos tiempos, conectarse primero con lo que se siente ya es mucho, y resulta incómodo, y desde ahí intentar a duras penas que otro se conecte con algo de eso a través de un poema, es desmesuradamente loco, pero creo vale la pena. Ése es el poder de la poesía, hacer que valga la pena.

 

SIETE MIL ALETEOS 

Abrí la jaula

de un solo trazo,

en aquel tiempo joven

en que decidí

soltarlos.

Les dije: ¡vuelen!,

pero no muy alto.

Ustedes encarnan la alegría,

de esta vida que aún ensayo.

Ustedes revelan la pena

irremediable de ser humanos.

 

Les dije: ¡vuelen!,

pero no muy alto.

Para que no me dejen

sin aquello que ya no callo.

Para que no se extingan

estos silencios despojados.

 

Y aletearon en setenta poemas,

en siete mil palabras volaron.

Cerca de la tierra,

a ras del suelo

para que aún pueda tocarlos.

 

Sobrevuelan

el puente misterioso

en el que el corazón

se estira

para que otros puedan tomarlo.

 

Son las alas

de la poesía

que me habitan

y que sostienen

mis pasos.

 

Carla Demark

Destacados, Internacional, Música

Cuando el sueño logrado es el piso, Rubén Gaitán

Juanse de Ratones Paranoicos viene de parte de Botafogo a tomar clases de armónica. Y un día me dice “maestro viene a tocar con nosotros”.  Yo le pregunte ¿que tema?, ¿que tonos?. Me dice “Venga y vemos ahí”. Era por Libertador, voy y como yo vivo en un mundo aislado no veo tele, no estoy al tanto de lo que pasa en general, no sabía dónde era que íbamos a tocar. Llego al lugar y buscaba un bar, un Pub, como no lo encontraba llamo al manager y le digo “Soy Gaitán, Juanse me dijo que venga y no se”- “Si, si Gaitán entre por Udaondo, y búsqueme al fondo, es la entrada del costado de la cancha de River”. Era el Quilmes Rock 2003 y toque ante70.000 personas, una locura. Ahí comencé a acompañarlos, y toque con los ratones los siguientes 10 años.

Rubén Gaitán nos cuenta de esa forma su entrada a los escenarios grandes. Pero la búsqueda del sueño comenzó allá por los 80s con un “Amor a primera vista”.

Tocaba piano y guitarra, estudiaba música clásica. Trabajaba en ADDIAS en finanzas, estuvo ahí muchos años, cursaba 3er año de administración de empresas. Un día viendo una película, un soldado saca una armónica. Eso fue suficiente, surgió la pasión, locura, visión, misión. Esa noche solo pensó en aprender a tocar armónica. “Para ese momento tenía todo patéticamente armado, casarme, tener hijos; casa, auto, trabajo, la muerte segura. Yo en eso estaba feliz, hasta ese momento había hecho lo que creía que quería. Hay quienes están en contra del sistema, en contra de todo, yo estaba bien, solo que necesitaba otra cosa”.

Y nos cuenta su historia a partir de esa decisión.

Tomé la decisión drástica, me fui a la nada, al día siguiente de conocer la armónica, pensé lo peor que puede pasar es tocar en un bar para 5 borrachos y enseñar, pero en ese trayecto puedo perderlo todo, pero necesito tiempo para aprender, para practicar, necesito todo mi tiempo

Si me va mal de última vuelvo a emplearme. Pero todos pensaron que había enloquecido. Volví al trabajo y renuncié. Nadie entendía nada, los compañeros de trabajo pensaron que estaba loco. ¡Dejó todo para tocar la armónica!.  Armónica que no tenía, y que no tocaba aún. Era todo una situación muy loca, para los demás peor. Deje la facultad, y me encerré a aprender a tocar armónica. Compré una armónica económica, pedía libros o discos a en disquerías especializadas y a esperar que lleguen. Me obsesione. Luis Robinson me dio unas clases, hasta que dijo ya más no te puedo enseñar más, yo iba por más, quería más. El cambio fue mucho, salí de mi zona de confort, y quede en la nada. Querían internarme, querían tratarme, pensaron seriamente que estaba loco. Si estaba obsesionado. Llegue a comprar un soporte de armónica para poder practicar mientras me hacia la comida, para no perder tiempo. Estudiaba como cuando iba a la facultad, estudiaba a full. Pero me fue terriblemente mal, perdí todo, vendí el departamento, llegué a dormir 10 días en la calle.

Los dos primeros años fueron para destrozar mi vida anterior, luego de esos años comienza a aparecer oportunidades, llega el ”Blues Especial Club” me invitan a tocar, en realidad no habían armoniquistas en esa época, yo buscaba los sonidos autóctonos del Blues. Varias veces tuve que replantearme lo que había aprendido como bueno, por ejemplo Cotton en el 94 me hizo replantear lo que hacía, y volver mis estudios a cero. Fue un proceso experimental, no había internet, eso de buscar un video, ver como se hace y aprender. El método era a prueba y corrección

En esa época “Blues Especial” y “Betty Blues Band”, banda que tocaba Jueves y domingos en Betty Blues, un pub muy concurrido. Me llama Alejandro García que era dueño de Betty Blues, me pide que haga ahí el show, que hagamos zapadas, que pasan a ser fijas jueves y domingos, arrancamos y después se llenaba, iba un montón de gente. En los 90 había mucho blues.

Era conocido, y sin embargo no me alcanzaba para comer y repartía en bicicleta recibos de luz. Tanto que una vez llevo un recibo a un taller mecánico y el que lo recibe me dice “Maestro, ¿es usted? “ El jueves lo vi en Betty Blues.

Tuve la suerte de tocar con varios músicos de afuera, Larry Klein, Dean Myer, y a partir de Betty blues todo comenzó a generarse.

Tenía cientos de alumnos, daba clases de 9 a 21 hs. Todo seguía siendo una locura, tal vez todo llego a buen puerto pero podría haber terminado como un loco tocando en la plaza, Fue mucho riesgo. La armónica era el eje de todo, había enamoramiento. Era mi camino, tenía que mantenerme.

Abrí el primer instituto de armónica, era tanto trabajo que pensé “Tengo que poner alguien más que enseñe conmigo”. Yo daba clases en Ricordi, Aquiles un alumno arquitecto me ayudo a buscar algo para alquilar. Vamos a ver un departamentito en Viamonte al 1600, lo veo, me gusta, ya lo veía como instituto y al salir me dice -hay otro, más grande, arriba-. -No sé-, lo vemos y era todo un piso, “No, no”, es lo que digo de entrada, pero mientras salíamos ya estaba organizando el de arriba. Mi pasión me ganaba, ya estaba organizado el alquiler del grande y su funcionamiento.

Al mes me dicen que sí, pero el dueño quería hablar conmigo, lo primero que me dice es de unos que quisieron alquilar un local para peluquería y haciendo cuenta lo que pensaban cobrar  no lo podrían pagar, me dice “un cachivache”. Luego de eso agrega ¿Cómo lo va a pagar? Le conté mi plan, al detalle estaba todo planificado, miró todo y comenzó a hablarme de la armónica que tenía el padre, se copó con la idea, y es más me dijo “va a poner un solo deposito, y si algún esta ahorcado usamos ese mes para que pueda irse tranquilo”, eso nunca pasó. No aceptó garantías, y así comencé con el instituto.

El instituto aún está funcionando, por ahí pasaron cientos de alumnos.

Pasé los 90s tocando Blues hasta que en el 2003 paso lo que conté con los Ratones, esa fue otra historia, luego de tocar en River vinieron otros shows y toqué en Obras el tema “el Vampiro”, se graba en vivo, yo al tiempo me entero que estaba quedando lindo el video, y ese tema fue el simple de difusión. Con la carga de que mis amigos me decían el vampiro, entonces todos pensaban que Juanse la hizo para mí, pero ese tema los ratones lo tenían hace mucho. Fue bueno, fue simple de difusión, y ahí pase a ser un invitado fijo con los Ratones, los 10 años siguientes con ellos. Tuve la oportunidad de tocar con Charly, con Spinetta, Fer de Catupecu. Tocar con Juanse me abrió las puertas de otro mundo. Mundo que es muy diferente al Under. No hay escalones, pasas de tocar ante 100 personas a 50.000, del Pub a River, entre el Under y tocar con los grandes la diferencia es mucha. El mundo es otro. No parábamos, tocar aquí y allá, viajes de un show a otro a más de 1000 km de distancia. Viaje a España, Méjico, Paraguay Uruguay. Recorrí la argentina, conocí muchos músicos, aprendí mucho.

Una mañana habíamos tocado en Calafate, caminamos el glaciar y a la noche estábamos  en Córdoba haciendo el Cosquin rock. Así de un lado a otro. Esa adrenalina es hermosa. Esa adrenalina hoy la provoco llegando sobre la hora al supermercado, por ejemplo.  Pero no es la velocidad de aquella época.

En 20 años una historia fuerte. Con el hijo de Muddy Waters, Matt Morgan con el me hice amigo, y escucharlo en la trastienda, un sueño. Los sueños pueden cumplirse, pero el sueño es la base, hay más después de los sueños. Mi sueño era tocar en un bar con unos borrachos escuchándome y dar algunas clases. El resto fue agregado y es disfrute total.

Armé todo mi mundo alrededor de la armónica, no solo tocar, sino la parte docente y las necesidades, mi hermano es luthiers, por suerte él se dedica a eso, fabricamos micrófonos para armónicas, valijas, cinturones, 4 libros cd de armoniquistas. Toda la tabla tura, y esto no hay en el mundo, la idea es transcribir uno por mes. Sé que aporte mucho, pero es tan poco comparando con lo que sigo soñando. Es tan poco el tiempo que tengo, eso me desespera. Hice un grupo cerrado de armónica para dar cosas, gratis, ni publicidad hago, solo pongo cosas que le interesen a los armoniquistas. Ahí solo doy. Me pide cifrado de tanto, si no lo tengo lo saco y lo pongo. En estos días pongo un tutorial para el cifrado, y me desespera no tener tiempo. Hoy toco en Quilmes y es tocar o grabar el video. Tengo que elegir.

Antes no había material, hoy hay acceso, internet facilita mucho. Ante lo que yo hago era más valioso, hoy se puede buscar en otro lado, por eso elijo bien que libros, busco sacar material que aún no exista.

Siempre un paso más de exigencia, el riesgo del primer día se repite día a día. Todo se balancea, no siempre gané, he perdido más veces, he fracasado más veces de las que tuve éxito, y no me preocupa fracasar, eso me hace llegar al éxito. Prefiero fracasar y aprender cada vez que arranco con algo, después es más difícil recuperarse si se equivoca.

Muchas veces tuve que replantear todo para convertir un fracaso en un éxito. Esta escuela, la de Olivos fue un fracaso cuando comenzó, me di cuenta entonces reconvertí todo, hasta el cartel que era muy chico lo tuve que cambiar, pero se transformó en un éxito, está en buena zona, está trabajando bien, y aquí también doy mucho en las clases. Hoy este lugar es mi centro de operaciones. Aquí de lunes a sábado tengo gente siempre, no todos quieren ser músicos, quieren aprender y se quedan a seguir aprendiendo, de aquí se van felices, gente que creía que eran músicos frustrados hacen música, a veces no estudian en la casa, practican aquí, aunque no avancen mucho llegan a preparar un tema para fin de año y se van felices. Aquí yo estoy, me ven, me conocen, no es como el otro instituto donde en el año a veces no veía a la gente, eso no era lo que quería, por eso el otro instituto lo dejé.

¿Después de Ratones?  Vino en el 2012 después de la separación de Ratones mi disco “Tuve que hacerlo”, se llama así porque tuve que hacerlo, Juance me lo propuso y fue el productor, y el disco se grabó en “El cielito”, un gusto porque es un lugar emblemático donde todos soñamos en grabar. Me ayudan Juanse, Dani Suarez (bersuit) con su voz. Vino Manu de Mancha de Rolando y se ofrece para grabar juntos un tema. Sarco, Roy y Memi (Ratones) grabaron un tema,  la batería de Heber Vicente. Juanse le graba coros a una canción y graba algunas guitarras, y Arito Rodríguez graba el resto de las guitarras, así que es un disco bien acompañado. Disco que debemos publicitar más, porque ya estoy obsesionado con el segundo disco.

Ahora ando de giras con mi banda. Este verano estuve tocando con “Jóvenes Pordioseros”. Estoy recorriendo el país girando. Grabe el disco con Ferpita (Heroicos sobrevivientes)  y puse armónicas en grabación de “Mancha de Rolando”. Este fin de semana toco con una banda “Luz Propia” otra noche de rock and roll.

Ando solo, con mi banda o toco en el interior con bandas locales, eso me hace conocer muchos músicos del interior. Los costos de ir todos es mucho, por eso contacto músicos de la zona y tocamos, les mando el disco, lo estudian y tocamos juntos. Doy clínicas, show con músicos de los lugares con escenarios llenos. Son fiestas de amigos,

Para el nuevo disco ya están los temas seleccionados, se va a grabar en San Luis enla casa de la música, un estudio hermoso. Allá hay una escuela de rock, se llama “Norberto Pappo Napolitano”, todos chicos, yo ahí he dado clínicas, y toqué en la fiesta de fin de año. Grabé un tema ahí y me enamore del lugar, ahí quiero grabar la banda mi voz y la armónica, traerlo para acá y aquí sumo los invitados. Es mi forma, invito a todos. Me divierto haciendo esto.

Viéndolo en el escenario es el director de orquesta, maneja los silencios, los ritmos, ”Sé que soy así, así lo siento, yo tengo en mi cabeza como debe sonar, y trato que se toque lo que voy sintiendo. A veces me pongo rustico, difícil, pero la banda suena así”.

En esto no existe sobrevivir, es vivir dignamente. Reflexiona sobre todo lo que le dio a la armónica, y él dice “todo lo que me dio a mí la armónica”

Guillermo Contreras para la Revista de Los Jaivas

Argentina, Destacados, Internacional, Música

Zeta Bosio da una nota a la Revista de Los Jaivas antes de su viaje a Santiago

Nota de Gabriel Sacco y Guillermo Contreras para la www.revistadelosjaivas.com

“Lo fundamental es encontrar algo en la vida que te apasione, porque el trabajo es lo que más vas a hacer, más vale que sea  lo que te gusta”  Zeta

Vengo trabajando intensamente, trabaje como  DJ y ahora comencé a armar un proyecto con un compañero Fernando Montemurro, un proyecto que está viendo la luz ahora, nuestro primer disco “Opera Galaxy” el grupo se llama “Shoot the Radio” es un duo de productores estoy involucrado a fondo, soy uno de los responsables de lo que se haga, con Fernando somos la cabeza del proyecto, la idea es trabajar las canciones con artistas invitados, tocar nosotros dos, la idea es mezclar sintetizadores con música en vivo, acabamos de lanzar el disco, con un sello pequeño pero con el que estamos muy contentos, tienen un trato personalizado , es algo que hoy día no se da mucho. Estamos en  pleno lanzamiento, el 12 en el planetario tenemos una presentación importante.

También con Charly Alberti, con asistencia de  Adrián Taberna estamos trabajando en el espectáculo “SEP7IMO DIA” con la compañía del “Cirque du Soleil”, adaptando la música de Soda para la obra. Este fue un trabajo de todo el y año el resultado es muy interesante porque de los multitracks, (que son las pistas por separado de las grabaciones originales de Soda) grabaciones que no veíamos hace muchos años, las tomamos, las digitalizamos y con las posibilidades técnicas que tenemos hoy días se hicieron cosas mágicas, este espectáculo me ha absorbido muchísimo tiempo este año, muchas horas de estudio junto a Charly y Adrián, en el estudio de Gustavo. Muy metidos, es una forma de revivir muchos momentos con Soda que fue muy bonito, estamos ahora en una etapa final, en diciembre vamos a ir a mezclar a Los Ángeles. No se si la gente toma conciencia pero Séptimo día va a ser un trabajo casi nuevo de Soda hecho en base al viejo material pero con otro sonido.

Es un espectáculo que la compañía Cirque du Soleil llevará no solo por América donde está la gente interesada en volver a escuchar a Soda, sino seguramente nos permite a nosotros de llegar a lugares donde aún no somos conocidos.

Aún hoy día ¿Hay expectativas de tener más Soda?

Si estoy con un pie en Soda y otro en Shooot de Radio, vamos a tener que adaptar la música de Soda que hemos preparado a las necesidades del espectáculo, y eso aún lleva más tiempo. Vamos a comenzar  en enero los ensayos con los artistas, que ya están instalados en Argentina. Es un trabajo coordinado muy grande. Involucra mucha gente y mucho dinero.

Es un éxito rotundo, teniendo en cuenta que ya se van agotando las entradas.

Ustedes fueron siempre muy exigentes

Si “Me veras volver”  nos llevó casi un año de trabajo en secreto, fue un trabajo que salió muy bien pero se trabajó mucho. Cuando se trata de Soda es muy fuerte lo que genera y requiere un esfuerzo extra. Tener ese trabajo con Charly y con Adrián este año fue una experiencia maravillosa. Nos junta Soda, sino andamos cada uno por su lado, en nuestras cosas.

A chile voy por el libro, pero en pocas semanas vuelvo con Charly a promover la a venta de entradas por el espectáculo de Cirque. Este viaje es por una invitación de la feria del libro,

El libro es una autobiografía escrita por mí, con ayuda Javier  que compagino el grueso, Fue arduo, tuve que ordenar muchos datos de la historia, llevo 4 años de recopilación y correcciones. En Buenos Aires ya se presentó a mediados de año. Es un libro que va a quedar muchos años y se revalorizará con el tiempo. Desde mi visión, la historia y vivencia de Soda, una persona de clase media convertirme junto a mis amigos en lo que fue SODA.

La post-vida de Soda, yo me dejo llevar por mi instinto, entre el artista y el productor, aprendí a ver cómo era el negocio. Traté de no perder  creatividad. Lo que me llevó a ser un artista difícil de manejar. Conocer los dos lados me da mejor manejo, más hoy día que cambió tanto la forma de comercialización.

Un nombre Luis Alberto Spinetta

Luis es de una generación, la primera generación de artistas del rock. Dueños de una gran bohemia. Almendra, Los Manal, los  Vox Dei fueron de una época donde todo se hacía con un gran romanticismo, no se ganaba tanto. Luego vino la época dorada, la nuestra donde el rock conquistó el mercado.  Hoy los chicos se están más metidos en las ganancias. Luis fue de la época poética, romántica.  Eran las reglas de la época,  hoy ya se difunde por internet, las compañías ya no tienen el poder. Antes se quedaban con casi todo el negocio.

Ustedes fueron como tres embajadores en latino-américa

Fue un momento especial, fue la banda justa en el momento justo, fuimos muchos los que salimos. A nosotros no fue muy bien, llegamos hasta a Méjico.  Yo como DJ he llegado a Chile o Paraguay no mucho más. Cique nos va a devolver eso.

¿Cómo fue cuando viajaron a Chile por primera vez?

Alberto Ohanian fue el emprendedor que nos puso en Chile, un primer viaje fue de prensa, diarios, revistas, estábamos impactantes y sorprendió nuestra imagen. Fuimos creciendo de apoco aquí pero allá impactamos de golpe. Tanto que la segunda vez que vamos, creo que era  1985, ya no pudimos salir del aeropuerto, había estallado Soda y la recepción era impresionante.

¿Del Rock argentino, que tema te hubiera gustado escribir o ser parte de su creación?

Tema no sé, me hubiera gustado tocar en Pappos Blues, de adolecente me pegaba el blues, el rock directo, hubiera disfrutado mucho tocar ahí, o haber participado del disco “VIDA” de Sui Generis, que me parece un disco impecable. En esa época los músicos tocaban en todos los grupos.

Aún hoy día en la música  Pappo es un exquisito.

¿El estilo SODA se buscó?

El estilo de Soda lo armamos, trabajamos mucho en nuestro concepto.  Tardamos en lograr lo que queríamos. Hacíamos cualquier cosa al principio, pero después del  1er disco al segundo hubo un cambio grandísimo, era por lo que escuchábamos, The Police, The Cure, INXC , Duran Duran, evolucionamos junto a lo que sucedía.

¿Tu veta electrónica, cómo surge?

Lo electrónico fue parte de lo nuestro siempre, nosotros escuchábamos a “Los Encargados”  que tocaban en pubs en nuestros principios, nos hicimos amigos de ellos de ir a verlos. Había un tema de ellos que nos fascinaba y lo incluimos en nuestro 1er disco. Lo electrónico era parte de nuestra música, compramos Sample  Midi, fuimos a unas conferencias sobre sintetizadores, queríamos aprender a programarlos. Y en Soda hubo temas que tenían mucho programado.

El disco “Sueño Stereo” se llamó así porque era la idea sacar dos discos el que la gente conoció y otro electrónico, que nunca vio la luz.

¿Transformar el arte, describirla o adornarla?

El arte hay que  transformarla, uno busca en la música transformar a un mundo mágico

Entre lo sembrado y lo cosechado, ¿qué volverías a sembrar?

¿Que volvería? Estoy feliz de cómo se dieron las cosas, soy lo que soy por todo lo hecho.  Me sigue gustado trabajar en nuevos proyectos. Tengo una familia hermosa, mi beba de 2 años, una esposa hermosa, y tengo 3 hijos de mi matrimonio anterior, ya tan grandes que los veos  más como  compañeros.

¿Qué le dirías a un joven hoy?

Lo que les digo a mis hijos, lo fundamental es encontrar algo en la vida que te apasione, porque el trabajo es lo que más vas a hacer, más vale que sea  lo que te gusta.