Chile

RECORDANDO LOS RECUERDOS / JAIVA ES VIOLETA

J A I V A   E S   V I O L E T A 

CRÓNICA DE FERNANDA SCHELL

Eran las nueve y media de la noche, hacía frío, la lluvia había cesado. El público estaba eufórico bajo la luz de la luna. La música de Los Jaivas emocionó a las masas. De un momento a otro se produjo un silencio, Claudio Parra se apodera del micrófono y dice “ahora vamos a presentarles un par de temas que serán tocados en nuestra gira Obras De Violeta Parra”. La gente se entusiasmó y aplaudió al ritmo de la Anticueca. Los Jaivas, cumplieron 55 añosde trayectoria, mientras que Violeta Parra un año antes festejaba su centenario.

La cantautora chilena es parte esencial de Los Jaivas. Siempre ha estado presente de manera permanente en la historia de la banda. Fue y es parte de la inspiración al momento de crear canciones. En los libros o documentos no han reflejado lo que significa esta artista para estos músicos.

Tres horas antes del show, a pesar de la baja temperatura, estaban todos atentos a la prueba de sonido de los viñamarinos. En conjunto con Congreso tocaban, Hijo del Sol luminoso. Al terminar, hacen señales de adiós y se dirigen a las carpas azules. En ese instante estaba un poco ansiosa, con bajas expectativas, mis pensamientos se dirigían a un ¿qué hago?  En esos momentos deseaba realizar la entrevista, pero existían obstáculos que lo impedirían.

Me dirigí hacia aquel lugar en busca de mi deseo. Al no poder realizarlo, caminé por las calles del centro de Santiago. Después de despejarme, volví a la Plaza de la Cultura, donde se realizaría el concierto que le daría la bienvenida a la primavera. Detrás de las rejas estaba Francisco Sazo, vocalista de Congreso. Él me permitió tener acceso al backstage, de esa forma me encontré a un hombre alto, de rulos alborotados con una particular voz. Le expliqué mi proyecto, río e inmediatamente accedió a ayudarme. Mencionó que ingresáramos a la carpa azul, donde empezaría a relatar una historia musical, el comienzo de la banda.

Las raíces

En 1955, los viñamarinos se conocen en el Liceo Guillermo Rivera, donde corrían y jugaban en el patio de tierra bajó el sol. Entre peleas crearon un proyecto musical que tendría éxito. El tecladista relata “hasta que de repente subimos al escenario donde estudiamos en Viña. Nos dio todas las energías, así el ánimo, la adrenalina de estar arriba del escenario. Todo eso fue el impulso para decidirnos a formar el grupo”.

Aquel momento de impulso, formó una agrupación que llevó la música a las masas e hizo historia. Cincuenta y cuatro años de esencia musical, durante los años 80 lanzaron discos como, Alturas de Machu Picchu (1981) y Aconcagua (1984). Pero, anterior a estos discos, estaban en proceso de álbum, un homenaje titulado Obras de Violeta Parra. Este lo dejaron incompleto por continuar trabajando en los álbumes.

Claudio Parra relata acerca del álbum decía que “nosotros grabamos el disco en el año 84, pero la música la hicimos cuatros años antes, en el año 80. En ese tiempo vivíamos en Francia, París. Una poetisa francesa, que se llama Eve ‎Grilliquez, amiga personal de Violeta Parra, que tenía un programa en la radio France, y quiso rendir un homenaje a Violeta en el programa. Ella le pidió algunos músicos preparar tres temas de la cantautora para tocar en ese concierto.

El tecladista añadió que “resulta que los otros grupos se retiraron del proyecto y grabamos nosotros solos”. Esa presentación, en noviembre del mismo año, fue la única vez que se realizó en vivo.

Desde otra perspectiva, su hermano Eduardo Parra, relataba que “cuando nosotros llegamos al momento de comenzar a hacer nuestra propia música, ya venía en nuestra mente la obra de Violeta Parra como una expresión inmensamente chilena adquirida por cultura criolla. Subliminalmente nosotros llevábamos la voz y el espíritu de Violeta ya casi hecho parte de nuestro pensamiento artístico.”

Siguiendo la conversación, mencionaba sobre su extensa trayectoria. Parra reflexionaba que no tocaban temas antiguos, sino que son actuales. Comentaba que el pasado siempre estará presente. El tecladista poseía entusiasmo al momento relatar su historia. De un momento a otro la conversación dio un salto al presente, acerca de la actualidad en los conciertos y su expectativa sobre la música vigente.

En un momento dijo “vamos a tocar hasta que demos” y sonrió. Justo en ese instante, llega una persona de producción para decirle que debían arreglarse para subir al escenario. Allí el relato queda incompleto, sin embargo, se comprometió e indicó que debíamos seguir conversando en otra instancia.

Minutos después, ellos estaban dentro de los camarines en proceso de arreglo. Luego, aparece cada uno de los músicos, seguido por sus compañeros, Congreso.

Detrás de las bambalinas, cada uno subía por las escaleras que estaban detrás del escenario. Arriba se juntaron y comenzaron a tocar en conjunto. La voz de Carlos Cabezas, Mario Mutis y Pancho Sazo se unía, las baterías se mezclaban entre sí. La batería de Juanita Parra lucía la carátula del disco Obras de Violeta Parra.

Terminó el show de ambas bandas. El quinteto bajó y Congreso actuó para su público. Este momento, fue la primera vez que asistía a un concierto de esas bandas. La potencia que tenía cada uno de los integrantes al tocar sus instrumentos hacía que deslumbraran en cada instante.

El guillatún musical

Eran las siete y media, y comenzó el concierto. Las bandas nacionales se unían para tocar La Conquistada, canción de diez minutos. Según el libro de Freddy Stock, el tema fue concebido por Gabriel Parra al momento de tocar el piano. Gato decía que podría ser una canción, por otro lado, Eduardo Parra comentaba que tenía una letra nostálgica. De esa forma se crea La Conquistada.

Al terminar, la ovación, los gritos y aplausos se hicieron cargo. Los Jaivas bajaron y Congreso comenzó su actuación. El frío se fue al ritmo de las melodías y las personas coreaban cada tema.

Al rato fui a rodear el lugar. Detrás de bambalinas, se hallaba Francisco Bosco, multi instrumentista que lleva 15 años en la banda. Él anunció que se sentía orgullo del homenaje que estaban realizando. Decía que es una primicia para toda la gente, añade que después de treinta años, era la primera vez que se presentaría en Chile. “No es un estreno, sino que es un reestreno”.

Congreso, después de tocar una hora, nuevamente se une para compartir en el escenario el tema, Hijo del Sol luminoso. Canción que todos coreaban, acompañados de las imágenes de fondo y luces de distintos colores.

Comenzó el show de Los Jaivas con la canción Pregón para iluminarse. Terminando el tema, Claudio Parra realizó una pausa y comentó el agradecimiento a las autoridades del lugar y el comienzo de la primavera. Además añadió “ahora vamos a tocar un tema que está en un vinilo, versión single, allí venía con un papel que tenía dibujado un pajarito con un mensaje “hoy llegó la primavera”. De esta manera comienzan a tocar Mira niñita. Escuchar por primera vez está canción en vivo es un privilegio, cada imagen y recuerdo, transportaba a la época.

Seguido de esto, comenzaron con un tema que no suelen tocar en los conciertos, La Poderosa Muerte. Las personas alucinaban al ritmo de esta canción.

Concierto en Paseo Bulnes

Luego de este tema, Parra realizó una pausa y dijo “vamos a tocar dos temas de Violeta Parra, El Gavilán y Violeta Ausente.Este año ella cumple su centenario y queremos homenajearla. Además, mencionó que realizarán una gira por el sur de Chile. Luego, pidió que subieran al escenario a unos niños ganadores para que bailaran el tema. Comenzaron a interpretar la Anticueca, mejor conocida como Violeta Ausente, canción que posee nostalgia y afecto. Las imágenes de Violeta acompañaban a las melodías. Al comenzar la canción, la gente aplaudía al ritmo de la percusión. Juanita Parra se hacía cargo de llevar el ritmo y las personas de animar.

Desde París, Eduardo Parra escribe “esta canción nos venía como anillo al dedo puesto que a esas alturas ya llevábamos alrededor de ocho años fuera de Chile y la nostalgia había cundido considerablemente convirtiéndose casi en una enfermedad que nos hacía rememorar a diario y especialmente en largas sobremesas donde aparecían nuestras predicciones chilenas, los platos típicos, los personajes de cada una de nuestras ciudades, los paisajes y costumbres e infinidad de momentos donde solamente la ausencia era capaz de profundizar, semana a semana, mes a mes, año a año”.

Siguieron con El Gavilán, una canción extensa de 10 minutos que inicia con una suave guitarra de Alan Reale y lo sigue Parra en el piano, envueltos en la órbita del bajo y batería.

Escuchándola y viendo con atención la puesta en escena, es una sensación especular. Cada movimiento refleja la energía que posee esta canción. Juanita Parra deslumbraba en la batería y Claudio realiza magia en el teclado. El sonido que refleja es una historia que comienza con sonidos tranquilos hasta entrar con potencia. Al escuchar este tema, la gente quedó asombrada, atenta y les produjo nostalgia.

Claudio Parra comenta acerca de esta canción “hay un tema que siempre nos impactó que fue El Gavilán, nos impactó justamente por la fuerza que tiene y lo revolucionario que tiene Violeta.” Los Jaivas tocan una versión de once minutos, similar a la original. Esta interpretación, según Claudio, a la cantautora nacional le hubiera gustado realizar esta obra, “para ella era una orquesta sinfónica, con ballet, y otras cosas”.

Su hermano desde Europa escribe como conoció la melodía “fue en aquella ciudad balneario del país vasco, enclavada en los Pirineos occidentales, donde escuchamos por primera vez El Gavilán de Violeta Parra. Nos llevamos una inmensa impresión con esa canción con la cual inmediata y profundamente nos identificamos. Vimos en esa genial interpretación parte de nuestro espíritu musical y hasta creímos escuchar nuestros propios acordes en aquella audaz y desgarradora canción”.

Continuaron con sus clásicos temas como, Hijos de la Tierra, Sube a nacer conmigo hermano y Mambo de Machaguay. Allí las personas pasaron de estar nostálgicas a disfrutar y bailar cada tema. Para cerrar el concierto, ambas agrupaciones se juntan y tocan el clásico tema, Todos juntos. Entre aplausos, euforia, la gente alzó su voz al ritmo de la música.

Eduardo Parra en el libro de Pamela Urbina, expresa que “Gato me pilló tocando una melodía en el piano y le conté que pensaba en Violeta Parra cuando tocaba. Me dijo que iba a traer una letra al día siguiente, aunque pasaron días más, pero la trajo y así nació Todos juntos”.

El show terminó a las once de la noche, cada miembro partió por su lado, Juanita y Claudio Parra se fueron por el estacionamiento, Carlos Cabeza junto a Pancho Sazo caminaban por el Paseo Bulnes saludando a toda la fanaticada. Pasaron unos minutos y aparece Mario Mutis. Entre risas y sonrisas, le consulté la posibilidad de realizar la entrevista, y comentó “claro, ningún problema. Anda a vernos el próximo viernes en la fonda”.

Viva Chile, el terremoto y Los Jaivas

Comenzaba la época dieciochera lleno de entusiasmo en las personas. Las fondas se inauguraron y las parrillas comenzaban a funcionar. Como de costumbre, la banda chilena se presentaría en diferentes lugares y uno de ellos era la típica fonda del Parque O’Higgins.

En el recinto había gente esperando en show de la noche, compartían y simpatizaban. Al llegar, lo primero que realicé fue comunicarme con Claudio, su respuesta fue “estamos un poco complicados, más bien atrasados Será difícil poder conversar.” Después de aquello, Francisco caminaba de un lugar a otro, salía y entraba del backstage. Al verme, me saluda muy alegre y dice “ven, te darán la entrevista”. Insistió para que pudiera ingresar al lugar, hasta que me acreditaron y entré sin ningún problema.

El sector donde se realizaría el evento, estaba lleno de personas, en comparación al show anterior, todos esperaban la presentación de Los Jaivas. Exactamente eran las nueve de la noche, se apagaron las luces y empezaron a sonar acordes de la clásica Poderosa Muerte del disco Alturas de Machu Picchu, y en ese instante un destello iluminó a Juanita Parra y a los demás integrantes. El show inició con un público atento a cada ritmo emitido por estos grandes de la música chilena.

La gente estaba impresionada con los movimientos y la técnica de Juanita Parra desde el inicio de show. Siguiendo el espectáculo interpretaron Amor Americano. Esta vez las personas estaban más animadas y atentas a la presentación. La gente con terremoto en mano, bailaba y coreaba la canción. Sin dar anuncio, ni presentación, comienzan con El Gavilán de Violeta Parra.

El tema produjo alucinaciones en las personas, aplaudían al ritmo de las melodías. Se escuchaba uno que otro grito hacia la banda. Al estar presente en la situación, siente como se produce una atmosfera musical, llena de energía, nostalgia y potencia.


Los Jaivas tocando Violeta Ausente en Fonda del Parque O’Higgins

Eduardo Parra comenta “la canción comienza con un oboe tocado por mí en el Minimoog. Y así sucesivamente van apareciendo la flauta runrunera interpretada por Gato Alquinta, la guitarra, el piano y el resto de nuestros instrumentos uniéndose en la sola sinfonía lastimosa, brutal, salvaje y conmovedora. Finalmente nuestro trabajo lato fue seguir compás por compás el ritmo emocional de la canción. De todos los compases con los que originalmente cuenta esta obra, nosotros nos pasamos por cuatro o seis. Lo que quiere decir que prácticamente nuestra interpretación dura casi el mismo tiempo que la original”.

Continuaron con Violeta Ausente. La carátula del disco de fondo, acompañada de las luces, toda una atmósfera creada en base al homenaje que le realizaban. A penas se empieza a producir las primeras notas de la canción, las masas comienzan a gritar “grande Juanita”, “grande Los Jaivas” y comienzan a bailan al ritmo de cueca. Algunos aplauden y siguen la melodía.

Nuevamente los clásicos, en ese momento noté que interpretaban un setlist similar a su presentación anterior. Finalizando el tema, la agrupación empiezan con Mambo de Machaguay, momento donde se desata toda la euforia de los asistentes. Posteriormente, empieza sonar notas nostalgias de Mira Niñita y Mario Mutis se encargaba de jugar con el público.

Parra, presentaba a cada integrante con su respectiva función. Luego de esto, los  músicos se comenzaban a despedir con el infaltable tema Todos juntos. El público eufórico, la adrenalina abundaba en el Parque O’ Higgins donde estaba por culminar la presentación, cada segundo que pasaba la gente empezó a saltar, gritar y alguna lágrima caída de un fan que por primera vez presenciaba un espectáculo de Los Jaivas, entre otras emociones que muchas veces son difíciles de explicar.

En backstage, presencié el movimiento de todos los músicos y de producción. Escuché que empezaron a pedirles otra canción, pero debido a que era una fonda, el tiempo para tocar era limitado y fue un setlist bastante completo para dejar a la fanaticada satisfecha. El público insistía en pedir otra canción, pero no se concretó la petición de gente que repletó una parte del recinto.

Cambiando la escena, los músicos bajaron y detrás de bambalinas, estaba Carlos Cabezas conversando con su mujer, sin querer interrumpirlo, le explico la situación. Con la cueca de fondo, empieza a relatar algunos hechos del proceso de obra que montaran en vivo. Cabezas ha insistido, desde hace años, en realizar el homenaje a Parra. Anterior a esto, tocaban algunos temas de Violeta en las presentaciones. “Claudio dijo, este año fue el momento de realizarlo, si no hacemos ahora, no lo haremos nunca”.  Como banda estuvieron “encerrados” durante cuatro meses en la sala de ensayo.

Cabezas explicaba que Claudio había conseguido las pistas originales separadas, y decía “lo curioso es que se escuchaba la voz de Gabriel haciendo coro”. Este fue un proceso complicado, debido a que actualmente no están los instrumentos utilizados anteriormente. En aquella época existía una flauta traversa, que le gustaba mucho a Gato, pero se rompió o perdió. Ese instrumento era fundamental en algunos temas de Violeta, como el Run Run. Actualmente es difícil conseguir esos instrumentos, entonces la recomposición se vuelve compleja”.

Los Jaivas se fueron pal’ Norte

Después de dos semanas, un martes en la noche, estaba pendiente de otros asuntos, hasta que mi teléfono suena repentinamente. La persona que llamaba era Claudio Parra, con una voz amigable dice “¿podemos continuar la entrevista?”. Entablamos una conversación extensa donde Violeta era el pilar fundamental. Atentamente escuché las palabras de Parra, comentaba que “Violeta para muchos fue una fuente de identificación. Cuando empezamos a eso de los 60 era difícil encontrar una música chilena con la cual nos identificara”.

Su hermano respecto a la identificación de Violeta Parra en la banda relata “Violeta se convirtió irrefutablemente en una voz auténtica, símbolo de chilenidad, que predicaba un discurso jamás escuchado antes en nuestra sociedad. Como seguidores, ella en nuestras conciencias, ocupó siempre un pedestal muy importante si se trata de hablar de Chile y de los vicios y dulzuras de la sociedad contemporánea. Maestra, alumbradora, voz insigne”.

En Chile, no había muchos rastros de la música chilena, solo algunas influencias provenientes de Argentina. Cuando comenzó a Violeta, aparece de apoco de anonimato, recorriendo campos. Y cuando se escucha, se escucha poco, salvo en discos”. Parra me decía que la primera vez que escucharon a la cantautora fue en discos. Salvo una vez que Eduardo Parra y Mario Mutis la oyeron en la Quinta Región.

Proceso de composición de Obras de Violeta Parra. Gentileza de Los Jaivas

Este fue un proceso arduo de composición, Claudio Parra encontró las cintas que estaban en Francia. Estas tenían las grabaciones de audio que manejaron  para poder recomponer los temas en vivo. Como grupo, están trabajando desde abril hasta estos últimos meses.

Entre esas semanas, intenté en varias oportunidades comunicarme con la autora del libro 50 años de historia, Pamela Urbina. En distintas ocasiones se complicaba la oportunidad de conversar, sin embargo el 31 de octubre, en  Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM), entablamos una extensa conversación donde Los Jaivas eran el plato principal. Ella me fue contando sus anécdotas, recopilación de las fuentes, y la inspiración que la llevó a desarrollar este excelente relato de esta gran banda que lleva más de 50 años de trayectoria. En un momento ella comentó “nunca habían pensado en realizar nuevamente las obras de Violeta. Pero, tenían la idea, un tema de Violeta, de repente iban incorporando a los conciertos los temas de ella, como Por qué me vine de Chile, el Run Run”. Y agrega, que siempre están ensayando, con menos tiempo, porque antes vivían todos juntos.

Acerca de la cantautora añadió “yo creo que la Violeta estaría contenta con el homenaje de Los Jaivas, sobre todo porque ella es roquera”. Entre otras cosas, comentamos acerca de los conciertos y allí aparece El Gávilan. Ella dice “escucharlo por la cantautora y después escucharlo por Los Jaivas es impresionante, porque hay una virtuosidad  en los instrumentos, y hay un amor por la Violeta. Todo esto es un conjuro para que hagan un trabajo. Para ellos es la cúspide de su trabajo creativo. Esta es la re interpretación de Violeta”.

Tras una extensa trayectoria llena de música jaivanera, entusiasmo y pasión, completé la misión. Nunca pensé que una banda con tanta trayectoria iba a tener una disponibilidad y preocupación con su público. No todos los músicos se comportan como ellos, y menos comparten parte de su trayectoria.

Los Jaivas son una banda que crea un viaje a través de la historia, tienen una trayectoria intachable y una mística inexplicable a la hora de presentarse en vivo. Tanto sentimiento y potencia que hay detrás de canción se visualiza en todos sus conciertos.

Toda banda tiene una influencia que algunos no llegan a conocer desde las raíces. Los Jaivas desde sus inicios tienen presente a Violeta Parra, como una fuente de inspiración.

Logré conocer la parte que los libros ni documentos han relatado en el transcurso del tiempo. Violeta Parra movió y promovió a una gran banda chilena, además de escribir un legado en la historia de la música.

Como dice Juanita Parra “Violeta es Jaiva, como Los Jaivas son Violeta”.

Foto: Javier Vergara

FLOR DE IDENTIDAD / Por Eugenio Rengifo

Silvia Infantas y el caldito de ave

Flor de identidad

Por Eugenio F. Rengifo

La última semana de marzo la Sociedad Chilena del Derecho de Autor y la Editorial Hueders presentaron el libro Silvia Infantas: voz y melodía de Chile con una completa biografía de este verdadero ícono de la canción chilena de los años 50 y 60.

Como dice David Ponce -periodista responsable de reflejar la vida y obra musical de esta figura artística en poco más de 200 páginas-, <<…no es aventurado afirmar que la mayoría de los chilenos ha escuchado muchas veces la voz de Silvia Infantas. Como tampoco es arriesgado aseverar que esa misma mayoría la ha oído cantar sin saber a quién pertenece esa voz>>.

A sus 95 años de edad, recuerdo a Silvia Infantas con gran cariño. Recuerdo su hermosa voz, todos aquellos éxitos que hizo popular, entre los que destacan Si vas para Chile, La consentida, Tonadas de Manuel Rodríguez, La Rosa y el clavel y tantas otras hermosas canciones que cobraban frescura y gracia en su voz privilegiada junto al inconfundible acompañamiento vocal e instrumental de sus compañeros de ruta Los Baqueanos y luego Los Cóndores. Recuerdo su picardía y expresión en el escenario: más de alguna vez coincidimos en algún espectáculo nocturno en lugares santiaguinos emblemáticos como El Pollo Dorado o el Café Goyescas.

Y cuando se presentó este libro biográfico en la Sala de Archivo de Música de la Biblioteca Nacional -allí en Alameda cerquita del Cerro Santa Lucía- me acordé de una de sus primeras grabaciones para el sello Odeón: Caldito de ave. Una de las tonadas favoritas de Pedro Leal, Germán del Campo y Hernán Arenas que tantas veces la cantaron junto a Silvia; una tonada sin mayores pretensiones que, sin embargo, ha permanecido en el repertorio de nuestra canción chilena por décadas… No me den caldito de ave ni traigan doctor, que la enfermedad que tengo es cosa de amor…

Se me vino a la cabeza este Caldito de ave, seguramente porque la presentación del libro fue en horario de almuerzo, cuando el cuerpo pide algo reponedor para continuar la jornada. Un caldito sustancioso que, tradicionalmente, se receta como una sopita criaturera o para sanar alguna dolencia estomacal. Claro que, mientras transcurría la ceremonia de presentación del libro -con los comentarios de la historiadora Karen Donoso, el sociólogo Felipe Solís y mi amigo Mario Rojas-, el apetito por un caldito se transformó en algo mejor: una cazuela de ave. De esas que se preparan con un pollo grande o gallina, papas, cebolla, zanahoria, un poquito de arroz, porotitos verdes picados finitos, perejil, orégano, una ramita de apio y, para coronar el preparado y hacerlo más enjundioso, un huevo. Mis antepasadas Rengifo, famosas por sus recetas, me recuerdan que esta cazuela no lleva zapallo ni choclo.

La presentación del libro culminó con la intervención del grupo criollo De Patienquincha, el que nos brindó una hermosa versión de las Tonadas de Manuel Rodríguez, de Neruda y Bianchi, el mayor éxito de Silvia Infantas durante su carrera artística. Y luego, un vinito de honor para celebrar esta maravillosa iniciativa de aportar un completo registro sobre Silvia Infantas, desde su niñez en el barrio El Almendral de Valparaíso hasta su época de triunfos y galardones en todo Chile y en el extranjero, pasando por su incursión en el Teatro de Ensayo de la Universidad Católica y en el cine chileno de los años 60.

El libro es muy reponedor, igual que un caldito de ave, porque nos despierta el apetito por mantener viva esa identidad que tantas mujeres, al igual que Silvia Infantas, supieron ir cultivando su amor por la cultura popular durante sus vidas, como Ester Soré “La Negra Linda”, Petronila Orellana, Margot Loyola, Violeta Parra, Ester Martínez y sus “Cuatro Huasas”, Margarita Alarcón, las Hermanas Acuña y sus “Caracolito”, Carmencita Ruiz con “Fiesta Linda”, Mirtha Carrasco, Mirtha Iturra, Ester Zamora y tantas otras figuras artísticas que han hecho de su arte un compromiso de entrega a su país y su gente.

Abril 2019.

Colombia

Canadá y Colombia impulsan sus industrias culturales y creativas

Bogotá, D. C., 15 de febrero de 2019. En el Foro de Industrias Culturales y Creativas realizado durante el segundo día de la visita de la delegación canadiense a Colombia, se realizaron las presentaciones de las estrategias de exportación de industrias creativas de Canadá y la del desarrollo de la política de Economía Naranja en Colombia. Asimismo, diálogos abiertos con diferentes delegados de los gobiernos y de los sectores de las industrias culturales y creativas de ambos países.

En el Foro el viceministro canadiense Jean Stephen Piché explicó que «Canadá ha sido revolucionaría en el proceso de exportación de las industrias creativas. Tenemos un programa de misiones para venir a otros países con el objetivo de promover que nuestros creativos se reúnan con sus pares. En Colombia hemos realizado más 250 reuniones entre ayer y hoy, con creativos colombianos y canadienses. Esto representa un potencial para lograr grandes cosas».

El funcionario canadiense también resaltó que «Hay una tensión entre objetivos económicos y objetivos de cohesión, pero es posible que se unan. Actualmente, cuando ven el 2.8 por ciento del PIB que aportan las industrias creativas de Canadá, todos los sectores están interesados. Esa tensión es dinámica, positiva y genera creatividad».
La misión liderada por el Ministerio de Patrimonio de Canadá estaba conformada por un conjunto de representantes del gobierno federal y de las provincias de Yukon y Quebec, agencias portafolio y empresas de sectores culturales y creativos, incluyendo, música, cine, televisión, efectos visuales, animación, juegos, museos, editoriales y artes escénicas.
Sobre el desarrollo de la visita, el viceministro de Cultura de Colombia, David Melo, precisó que «Nos gusta tener espacios concretos de cooperación y colaboraciones que nos permitan proyectar acciones conjuntas. Una de las herramientas más potentes del ejercicio de cooperación que hemos hecho es el de convergencias digitales, promoviendo proyectos conjuntos con Canadá de contenidos transmedia. Esta iniciativa se ha convertido un hito y estamos seguros que en este encuentro con la empresas canadienses, vamos a tener la posibilidad de concretar apuestas importantes para los dos países».
Por su parte, durante su intervención en el foro, el alto consejero presidencial para Asuntos Económicos y Estratégicos, Felipe Buitrago, resaltó que gracias a la política que actualmente se desarrolla, el país tendrá una economía naranja que duplique su actual participación en el PIB. «Esto es importante si queremos ser un país que lidere en el mundo», concluyó el Alto Consejero.

De igual manera, Adriana González, coordinadora de Emprendimiento Cultural del Ministerio de Cultura expresó que «Para nosotros es fundamental trabajar el desarrollo de la política de Economía Naranja junto al sector cultural y comprender todas las dimensiones que implica. Transmitir nuestro mensaje al sector permite que la política se pueda desarrollar».
250 encuentros de negocios en dos días
Durante la visita de la Misión canadiense a Bogotá se realizaron intensas ruedas de negocios entre empresarios colombianos y los representantes del gobierno federal y las agencias que los  acompañaban. «Para nuestra empresa hay un potencial inmenso de trabajar con empresas colombianas en el sector creativo. Gracias a esta misión que se hace en Colombia se abren muchas oportunidades para trabajar con creativos colombianos. Durante este encuentro hemos cerrado cuatro acuerdos con universidades y empresas creativas», resaltó Paola Murillo, fundadora y directora de ‘Mirrai International Latin Couver’ de Canadá.

Por su parte, Santiago Gardeazábal, de la agencia ‘Nova et Vetera Musica’ dijo que «Es muy interesante encontrarse con entidades enormes como la orquesta Sinfónica de Montreal en espacios como este, y descubrir lo interesadas que están en el talento colombiano. Me parece muy bueno que se valore la interacción con otros países».
Finalmente, la productora canadiense Rosalía kilele concluyó: «Verdaderamente toda Latinoamérica me interesa, pero Colombia en particular, porque pienso que las historias que vienen de este país son muy interesantes, y los emprendedores y las personas que trabajan en el sector creativo son muy profesionales».

Argentina

Partituras para piano: arreglos de música popular argentina

Los Pianistas Argentinos, dirigidos por Hilda Herrera, comparten las partituras con arreglos propios de su gran repertorio de tango y folclore

Sin dudas la música popular argentina se destaca por su riqueza y variedad. Cada región del país desarrolló su propio sonido a lo largo de nuestra historia, dando lugar a un colorido mapa musical criollo. Sin embargo, muchas veces es difícil encontrar partituras de folclore pensadas para el piano solo, que puedan ser interpretadas por cualquier pianista, tenga o no experiencia en los géneros argentinos. Ése es uno de los principales objetivos que planteó la pianista y compositora Hilda Herrera en 2002, cuando creó el programa Pianistas Argentinos: producir material para piano de calidad con un equipo de músicos especializados y destacados alumnos. A lo largo de 17 años, Pianistas Argentinos produjo una gran cantidad de arreglos originales y composiciones sobre las formas y ritmos de nuestro folclore y tango. 

A continuación les compartimos parte de nuestro archivo de partituras para piano: versiones originales producidas por profesores, alumnos y graduados de Pianistas Argentinos, recorriendo las diferentes regiones musicales del país. 

  1. Bailecito

    Bailecito Arribeño
    Cuando Nada Te Debía
    El Peregrino
    Entre pañuelos
    Granito de sal

  2. Canción del Litoral

    Juancito en la Siesta
    Río y tiempo

  3. Candombe

    Papá Baltasar

  4. Carnavalito – Huayno

    Carnavalito de las llamas
    Gallito ciego – Palomitay
    Huayno del Diablo
    La Canastita

  5. Chacarera

    A las 5
    Aguita Demorada
    Chaca-kunturi
    Chacarera del 55
    Chacarera del aveloriado
    Chacarera del Rancho
    Chacarera del Zorro
    Corazón, qué te Sucede
    El Presumido
    Juan del Monte
    La Confusa
    La Enroscada
    La Huesuda
    La Nadita (H. Herrera)
    La Nadita (N. Martino)
    La Obrajera
    La Sonámbula

  6. Chamamé

    Corazon de Curupi
    Kilómetro 11
    Nueva Ilusión
    Refugio de soñadores
    Viejo-Caa-Cati

  7. Chaya

    Arrullo famatino
    Chaya
    Chayita del solitario
    Coplero del alto
    Los Guitarreros de Catuna

  8. Cueca

    Cueca del coto celoso
    De abajito
    La Huanchaqueña
    Las dos puntas
    Voy Llegando a Cuyo

  9. Estilo

    Pobre Gallo Bataraz

  10. Galopa

    Misionerita (Galopa) – Partitura completa

  11. Gato

    De Pago en Pago voy
    El Amor y Los Campos
    El Baquianito
    El Gatito de Tchaikovsky
    El ingenuo
    El Mercedino
    El Trepador
    Gatitos piqueteros

  12. Huella

    Alambradas de horizonte
    El triunfo de la huella
    Huella de la Tranquera
    Huella del Desierto – Partitura completa
    Huella
    Para Ser Silbada
    Por el sur

  13. Milonga Campera

    Al Calor de la tierra
    Para rezar en la noche
    Tiempo de partir

  14. Milonga Ciudadana

    Amanece despacito
    El bondi de la amistad
    La Trampera

  15. Milonga Entrerriana

    Fogón de Ausencia

  16. Otros

    Infancia
    Melodia del adiós y danza rústica

  17. Tango

    Cada día te extraño más
    Canaro en París-6 manos
    De Norte a Sur
    De parque y plaza
    La Ultima Curda
    Naranjo en Flor
    Orlando Goñi – 4 manos
    Redención

  18. Tonada

    Ay, Hasta Cuando
    Corazón que dice
    De Tinajas
    Mateando en el recuerdo
    Regreso a la tonada

  19. Triunfo

    Cardos Azules
    Entre Pampa y Riachuelo
    La vuelta de Obligado
    Mariano el Abanderado
    Merlo
    Prueba de ingles
    VAMOS IENDO IA PIANO Y FLAUTA 80 – Piano
    VAMOS IENDO IA PIANO Y FLAUTA

  20. Vals Criollo

    A una mujer
    Esquinas Porteñas
    Volvé Ciudad

  21. Vidala

    Corazón que sufre
    La luna y el cerro
    Vidala Sola

  22. Vidalita

    Palomita del Valle

  23. Zamba

    Agua Escondida
    Flor santiagueña
    La Diablera
    Nostalgias Santiagueñas
    Pañuelito de nubes
    Por las trincheras – Partitura completa
    Rodar la Sombra
    Zamba de los mineros
    Zamba de una Sombra
    Zamba del Chaguanco
    Zamba del Fiero
    Zamba del grillo
    Zambita del que se va
    Zambita pa’ Enamorar

Ministerio de cultura de Argentina

México

México a través de Cuarón


Roma (Alfonso Cuarón, 2018).
  FUENTE:     https://www.gob.mx/cultura

A la edad de 12 años le regalaron una cámara y con ella comenzó su acercamiento al quehacer cinematográfico. Retrospectiva Alfonso Cuarón a partir del 22 de febrero en la Cineteca Nacional.

Hoy más que nunca nos gusta presumir que Alfonso Cuarón es mexicano. Su más reciente largometraje, Roma, se ha convertido en todo un fenómeno mundial, no exento de cierta polémica, que ha acaparado la atención mediática, provocando el elogio de muchos y el escepticismo de otros. Hasta la fecha Cuarón ha dirigido tres películas mexicanas, cada una con una exploración cinematográfica, ambientación y técnica diferentes. Más allá de la fama, posibles reproches y el orgullo nacional, es innegable la preocupación del director por plasmar la esencia mexicana sin miedo a mostrar tanto sus encantos como sus contradicciones.

Sólo con tu pareja (1991), su debut en el largometraje, es una comedia de enredos sobre un publicista promiscuo en plena época de paranoia por el sida. La película fue un intento novedoso por abordar la vida en el ex Distrito Federal a principios de los años 90, centrándose en la figura de los yuppies, aquella clase social inflada por aspiraciones de modernidad, bienestar económico y hedonismo. Con un tono humorístico que sigue la escuela de Ernst Lubitsch, la película se burla de las complicaciones, deseos y relaciones de Tomás Tomás (Daniel Giménez Cacho), un personaje con el espíritu libertino de Don Giovanni y el magnetismo sexual de Mauricio Garcés. El México de este yuppie está construido sobre una simbología de clichés folcloristas y un catálogo de refranes. El protagonista está tan distanciado de toda realidad social, política e histórica, que la única forma en que la puede concebir es como una caricatura publicitaria de la Conquista con Moctezuma y Cortés vendiendo jalapeños o como una pesadilla habitada por luchadores enmascarados y mariachis a bordo de un avión. Todo esto, claro está, es en tono de broma. Cuarón desnuda la vida chilanga, para reírse de las falsas ilusiones de modernidad de esa clase que cree vivir en las nubes.

Después de su experiencia hollywoodense, el director regresó a México en 2001 con una propuesta opuesta a lo que había hecho hasta entonces. Y tu mamá también fue más ambiciosa con la representación del país, saliendo de la metrópoli para alcanzar otras geografías y poner énfasis en los contrastes de clase y entre los contextos urbanos y rurales. Apenas un año antes el PRI había dejado por primera vez el poder y un cierto panorama de esperanza democrática se dibujaba en el horizonte. El género de road movie fue el vehículo narrativo ideal para contar el viaje de dos jóvenes (Diego Luna y Gael García) hacia una playa oaxaqueña acompañados por una mujer que despierta el deseo sexual en ambos. La película presentó por primera vez la preocupación discursiva de Cuarón por relacionar al individuo con su entorno, la cual perfeccionaría más adelante en Niños del hombre (2006). El viaje estuvo lleno de interrupciones, donde la cámara volteó a ver los rostros de comunidades rurales, retenes militares, peregrinaciones, entre otros. Estos momentos son ajenos al relato de los jóvenes, quienes están más preocupados por sus fantasías sexuales. El uso de la cámara en mano provoca una sensación casi documental, en consonancia con aquellas ganas de libertad de los personajes dentro de la ficción, y con el país fuera de la pantalla. Pero la búsqueda también evidenció las contradicciones de la idiosincrasia mexicana, desnudando literal y figurativamente su machismo y evidenciando las llagas de la desigualdad económica y social. El personaje de Luisa, una española a punto de morir, evoca el mito muerto de la Conquista que por mucho tiempo arrastramos pero que ya no nos define. La identidad es otra y está regada a lo largo de la carretera.

Finalmente, en Roma Cuarón regresó el tiempo para crear una película de época ambientada en la Ciudad de México a principios de los 70. Es su obra más autobiográfica, una radiografía de su historia familiar y una reconstrucción barroca del pasado social y político del país en la que son igual de importantes los más ínfimos detalles como el sonido del afilador o recreaciones monumentales como la de la Avenida de los Insurgentes. El drama íntimo, instalado en el espacio doméstico, y el público, instalado al inicio del sexenio de Luis Echeverría, se corresponden; y hechos históricos como la Matanza del Jueves de Corpus tienen el mismo significado trágico que la pérdida de un bebé. Cuarón recurrió a los travellings para recorrer con la mirada estos escenarios, donde se despliegan múltiples caos coreografiados. Pero, aunque las apariencias apantallen, la cinta no está regida por la nostalgia ni por la idealización de la protagonista Cleo (Yalitza Aparicio). Lo que hay es un romanticismo de la memoria que no es complaciente con las expectativas progresistas del espectador actual. Muchos esperan un personaje femenino activo y a Cleo se le reprocha su pasividad y docilidad. Pero si la película es tachada de “clasista” en este momento es porque la mentalidad del presente no corresponde con la mentalidad de hace cincuenta años. La recreación que la película lleva a cabo no sólo es escenográfica sino ideológica; la de toda una conciencia colectiva arraigada en la indiferencia social y, otra vez, en el machismo. En Roma, los ojos del presente observan el reflejo del pasado.

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Argentina

Raly Barrionuevo y Miloska Valero se lucieron en Cosquin 2019

El Festival Nacional de Folclore de Cosquín es el festival más importante de música folclórica de Argentina.

El santiagueño, reconocido cantante y compositor argentino se presentó con un espectacular show invitando a una serie de artistas al escenario; Milena Salamanca y la cantante chilena Miloska Valero, quien disfrutó con la interpretación de una chacarera de su autoría y el tema «La Jardinera» de Violeta Parra.

Revisa el video a continuación:

Argentina

Cultura bajo el mar: en qué consiste el trabajo de los investigadores de patrimonio subacuático

Barcos con más de 300 años, naufragios épicos y objetos que revelan las costumbres y culturas de sociedades de siglos pasados. Enterate cómo se formó y qué estudia el equipo interdisciplinario del INAPL, en esta nota

Dolores Elkin es arqueóloga y desde sus días de estudiante trabajó como voluntaria en el Instituto Nacional de Antropología y Pensamiento Latinoamericano (INAPL). Le interesaba participar e involucrarse en espacios y proyectos que le permitieran “aprender y profundizar la formación”. “Y, como la inmensa mayoría de los arqueólogos de este país, –dice– cuando me recibí me dediqué a la arqueología prehispánica, de grupos cazadores, recolectores de la provincia de Catamarca”.

Elkin había ganado una beca de CONICET y aproximadamente durante una década estudió, para el INAPL, “los restos faunísticos que aparecían en las excavaciones”, a cuatro mil metros de altura, en la puna catamarqueña. Hasta que se enteró de la existencia de la “HMS Swift”, una corbeta de guerra británica que naufragó en 1770 en una ría Deseado –una entrada del mar que hoy se conoce como Puerto Deseado, en Santa Cruz–. El naufragio había sido descubierto en 1982, y a principios de los 90 un grupo de arquitectos buzos –entre los que estaba Cristian Murray– que investigaban desde 1987 el barco sumergido, advirtió la necesidad de incorporar arqueólogos que bucearan para sumarse al equipo de estudio.

Dolores Elkin

“Que yo supiera, no había en el país arqueólogos que bucearan. Me pareció tan interesante y valiosa la actitud de convocar arqueólogos que decidí intentarlo: aprender a bucear. Y propuse en el INAPL que se creara un área de Arqueología Subacuática. La directora era Diana Rolandi (que se jubiló no hace mucho), ella lo apoyó de entrada. Me preguntó si sabía bucear, le dije que no pero que iba a hacer un curso y ver si me gustaba. Y, muy sintéticamente, así fue cómo pasé de la provincia de Catamarca, muy árida, y de un tema prehispánio, a naufragios históricos. De esto ya hace poco más de 20 años”, cuenta Elkin.

En 1995 se formalizó la propuesta: se creó, en el INAPL, el Área de Arqueología Subacuática, y Elkin se convirtió en la primera arqueóloga submarina del país.

Cristian Murray es arquitecto y el único que no es arqueólogo del equipo que finalmente se puso al hombro la investigación de la Swift.

“Me puse en relación con el tema estando todavía en la facultad de Arquitectura, hace ya varios años, cuando un profesor de Historia dijo que quería formar un equipo en el Comité argentino del Consejo Internacional de Monumentos y Sitios (ICOMOS). Quería integrar un equipo de patrimonio cultural subacuático. Ahí yo ya había empezado a bucear, o sea que me interesó desde el primer momento. Y armamos un grupo en el que éramos todos estudiantes de arquitectura. Después de que empezamos a hacer prácticas de relevamientos y de trabajo subacuático, apareció esta posibilidad de trabajar en el naufragio de Puerto Deseado, que era el de la Corbeta Swift. Y cuando llevábamos un par de años de investigar, nos dimos cuenta de que era necesario incorporar arqueólogos para que trabajaran con nosotros. Entonces fue que vine al Instituto y conocí a Dolores”, recuerda Murray.

“El primer trabajo como arquitectos –agrega– fue tratar de entender los restos bajo el mar, porque realmente es un lugar en el que el agua es turbia y hay solo un metro de visibilidad, entonces es difícil. Lo que se ve no parece un barco armado, es una especie de rompecabezas de maderas dispersas, sueltas, caídas, en algunas partes más formadas. Lo primero que hicimos fue armar un plano del naufragio. Por ahí empezamos. Y después avanzamos con la incorporación de los arqueólogos”.

“Desde la arqueología –explica Elikin–, lo que tratamos fue, justamente, de empezar a trabajar en un tipo de resto en el que en el país no había experiencia, con las técnicas científicas con las que somos formados. Por ejemplo: decimos: ‘No vamos a sacar objetos así nomás, por más que los saquemos con cuidado y los llevemos a un museo, sino que primero dejamos claro qué preguntas queremos responder y, según eso, dónde voy a excavar y cómo’. Una de las preguntas era: ‘¿Qué tipo de objetos usaban los oficiales?’, porque en esa época, en el siglo XVIII, ser un oficial de la Armada británica era algo de estatus alto. No cualquiera llegaba a ese rango. Hay que pensar que este era un barco británico y Gran Bretaña era la dueña de los mares en ese momento. Entonces nuestra pregunta era: ‘¿Cómo eran los platos, las cosas cotidianas que utilizaban los oficiales de esta corbeta?’. Si querés excavar en el lugar donde estaban los oficiales para responder esa pregunta, decís: ‘Bueno, ¿dónde estaban los camarotes de los oficiales?, ¿dónde estaba la cabina?’, entonces vamos a buscar en la zona de popa. Y así fue como empezamos por excavar la parte de los oficiales y por focalizarnos en los objetos que usaban. Esa era una de las preguntas. Otra era: ‘¿Cómo fue construido este barco?, ¿es un barco típico o atípico para la época? ¿Había sido reformado?’. Entonces Cristian, como arquitecto, coordinaba y lideraba esa línea de investigación vinculada a la construcción naval.

Con un minucioso trabajo los investigadores subacuáticos lograron reconstruir la historia del naufragio. En Inglaterra hallaron registros que les permitieron saber que el barco llevaba 91 tripulantes a bordo, que solo tres murieron en su hundimiento, y algunos datos duros referidos a la corbeta y a las rutas que navegaba, pero otros tantos aportes valiosos los descubrieron gracias a la excavación realizada bajo el mar.

“Creo que uno de los descubrimientos más interesantes tiene que ver con la alimentación de la tripulación –dice Elikin–. (…) Gracias al agua fría de la Patagonia, gracias a las condiciones de enterramiento de los materiales –porque estaban no solo bajo el agua sino bajo sedimento, o sea enterrados y bajo el agua–, y quisiera decir gracias a la calidad de nuestro trabajo que nos llevó años, recuperamos semillas y frutos, restos de uva, de nuez moscada, de pimienta, de mostaza. Elementos que muestran que tenían una dieta quizás un poquito más variada de lo que uno pensaría. También restos de cáscara de huevo de pingüino (…). Posiblemente también pescarían, nosotros no encontramos restos de anzuelos o elementos de pesca. Toda esa información no está en los documentos históricos. (…) Entonces desde la arqueología estamos aportando información que creo que es interesante. También encontramos un cajoncito de madera compartimentado que estaba lleno de frascos de uso medicinal, con el contenido adentro. Se hicieron estudios de lo que había y encontramos que uno tenía mercurio puro, que para esa época se consideraba que curaba enfermedades venéreas como la sífilis (que en realidad no la curaba, al contrario, a lo sumo te producía una alteración neurológica seria porque el mercurio es muy tóxico). A partir de eso también pudimos obtener información sobre cómo era la farmacología a bordo de un barco de 1770. Y después, el cuerpo humano. Encontramos el cuerpo de un tripulante”.

“Sabíamos por los registros históricos que se habían ahogado tres y que se había encontrado el cuerpo de uno a los pocos días del naufragio, así que había dos que probablemente estaban dentro del barco. Entonces siempre decíamos: “A ver si excavando en un momento encontramos alguno”, cuenta Murray.

El cuerpo del soldado inglés estaba completo. Tenía los zapatos de cuero puestos, botones, parte de la chaqueta roja de su uniforme militar pegada a los huesos, hebillas.

“Habíamos encontrado ya muchos zapatos de cuero sueltos –agrega el arquitecto– en diferentes lugares. Apareció otro, empezamos a manipularlo abajo del agua y vimos que tenía adentro unas cosas blancas que al principio no sabíamos qué era y enseguida nos dimos cuenta de que eran huesos. Entonces dijimos: ‘Este zapato no está suelto, viene con algo’. Y lo interesante fue que esta zona del barco, la popa, fue la primera que empezó a sumergirse. El barco quedó encallado en una roca y, cuando empezó a bajar la marea, quedó como colgado con la proa en la roca y la popa se inundó. Entonces los documentos históricos dicen que había muchos tripulantes ayudando a sacar el agua con baldes y que se habían sacado los zapatos. Y este apareció dentro de la cabina del capitán, bajo una cubierta. Probablemente haya quedado atrapado ahí cuando el barco se deslizó de golpe y se hundió. Además había tres o cuatro baldes en la zona donde estaba él, así que probablemente era uno de los que estaba ayudando a sacar el agua”.

Según los documentos históricos, el barco había partido de la base inglesa en Malvinas con el objetivo de realizar un relevamiento geográfico, y tuvo la mala suerte de que hubo días continuos de mal tiempo, con fuertes vientos, y fue impulsado alejándose del archipiélago y acercándose a la costa continental. Algunos marineros sugirieron ingresar a la ría Deseado para buscar reparo pero chocaron contra una roca primero y luego contra otra y la travesía terminó en naufragio. Por fortuna, los 88 tripulantes que sobrevivieron fueron rescatados unas tres semanas después gracias a que cinco voluntarios acondicionaron un bote salvavidas y fueron a remo hasta Malvinas a pedir auxilio.

La investigación del naufragio de la Swift llevó más de dos décadas. En la excavación subacuática el tiempo que una persona puede estar sumergida depende de la profundidad, y la corbeta británica hundida a 18 metros permitía a los buzos solo dos inmersiones por día, por persona. La primera de 45 minutos y la segunda de 35, aproximadamente. Exceder ese límite es perjudicial para la salud.

A eso se le suma el trabajo detallado que realizan: “Nosotros registramos cada cosa y decimos: ‘Bueno, este plato estaba cerca de esta taza y esta taza estaba en un estante de un mueble que estaba en la cabina del capitán’. O sea para nosotros el contexto es fundamental, y una vez que sacás las cosas del agua ya lo destruiste”, explica Elkin.

En 2011, los ocho profesionales que se abocaron a este proyecto cerraron la investigación con la presentación de un libro que escribieron en conjunto narrando el caso y sus hallazgos. Aún así, aclaran Elkin y Murray, muchas otras personas participaron y colaboraron en diferentes momentos: investigadores de otros países, estudiantes, personal de las áreas de Química, Medicina, Odontología, cuando descubrieron el cuerpo del tripulante, línea de la investigación que finalizó con el entierro del soldado en el sector británico del cementerio de Chacarita y una ceremonia con representantes de la Armada argentina y la Marina inglesa.

Todos los objetos que rescataron del barco, junto a la historia de la Swift, se encuentran expuestos en el Museo Municipal Mario Brozoski, en Puerto Deseado, el único dedicado a la arqueología subacuática en Argentina.

En la actualidad, el equipo que conforma el Programa de Investigación y Conservación del Patrimonio Cultural Subacuático está formado por: Dolores Elkin, que es investigadora del CONICET con lugar de trabajo en el INAPL y además integra la Comisión Nacional de Monumentos, Lugares y Bienes Históricos de la Secretaría de Cultura; el arquitecto Cristian Murray; la doctora Mónica Grosso, también arqueóloga; y Christopher Underwood, investigador honorario. Además, una camada de jóvenes recién graduadas, arqueólogas y buzas -tal como se designan entre ellas-, que hicieron sus tesis bajo la dirección de los investigadores se han sumado a algunos proyectos del programa.

“Creo, sobre todo ahora mirando en perspectiva, que pudimos demostrar que en nuestro país se puede hacer arqueología subacuática de calidad, como cualquier arqueología; que estamos haciendo ciencia y que estamos ampliando el panorama de lo que es el conocimiento del pasado gracias a que accedemos a restos que estaban ocultos por el agua”, finalizó Elkin.

Fuente: https://www.cultura.gob.ar
FLOR DE IDENTIDAD / Por Eugenio Rengifo

50 años del Festival del huaso de Olmué

Se Cumplen 50 años de vida del Festival del Huaso de Olmué y, como es ya tradición, el Parque El Patagual es el escenario que da cabida a esta muestra artística que en su aniversario recibe a un público con la mejor disposición para pasarlo bien junto a bandas nacionales y extranjeros que cultivan la cumbia, el funk o el rock; solistas y dúos de fama que cantan boleros o latigudas canciones de amor; humoristas que hacen de lo cotidiano una comedia. Hay también un grupo de inspiración de música andina y latinoamericana. Surgen nombres como Chico Trujillo, Guachupé, José Feliciano, el Dúo Pimpinela, la Chiqui Aguayo, Movimiento Original, la Combo Tortuga, Juan Pablo López…Illapu. Hay un grupo que combina cueca, cumbia y rock and roll: Silvestre.

¿Huasos? En la competencia. Se han seleccionado ocho temas inéditos de raíz folklórica de autores y compositores nacionales con intérpretes como Los Huasos Corraleros de Santiago, Los Huasos del Camino, grupo Kantarauco, Marcela Moreira; Poulette Santis, Sergio Veas, Horacio Hernández, Miguel Ángel Pellao, Ankaly. Todos quieren alcanzar el famoso Guitarpín, trofeo que va acompañado de premios en dinero sonante y constante.

Hace un par de meses fui invitado por mi amigo Manuel Vilches a tomar un café de mediodía en la Casa Zañartu, en el barrio de Santa Ana, en el corazón capitalino. Quería comentar conmigo su tesis “El milagro del último rincón; la exitosa construcción del mito tradicional del Festival del Huaso de Olmué” con la cual optó al grado de magíster en artes con mención en musicología. En su trabajo, concluyó que el citado festival es un evento creado en un momento crucial de un incipiente municipio que tiene como gran objetivo el desarrollo turístico. Y resume: <<Siempre tuvo mucho más de festival que de huaso y su esencia tradicionalista es más bien el éxito del discurso fundacional del municipio>>.

La tesis es un completo trabajo, muy bien documentado, que destaca la historia del festival, desde sus orígenes hasta nuestros días en que la televisión ha cobrado un rol protagónico en su organización. Manuel me explica que junto a las autoridades municipales y los productores de televisión hay muchas otras voces que participan en las decisiones al momento de dar forma a cada versión del festival: sellos disqueros, artistas, acontecimientos políticos, público, auspiciadores…

En su tesis, Manuel explica que resulta casi <<imposible unir al multitudinario evento que reúne cerca de cinco mil personas cada noche y al tranquilo lugar que aún no cuenta con semáforos y que parece destinado a ser un sitio de descanso para turistas. Justamente, la idea es mostrar cómo se dio el paso desde una pequeña localidad agrícola dependiente de Limache a un municipio fundado dos veces que, a partir de su instauración definitiva en 1966, generó una serie de iniciativas que permitían darle impronta y visibilidad. También se realizó una revisión de la música huasa desde sus orígenes hasta hoy, como una manera, primero, de plantear su condición de música mediática, surgida a partir de una idea tradicional pero que rápidamente adquirió características acordes a lo que requería la industria de esa época. Al ser por largos años el modelo excluyente de chilenidad, en ella se revisa también cómo la baja de su popularidad o los cambios de repertorio de varios de sus intérpretes más connotados son vistos como “una derrota” en la inclusión de la música de raíz en la industria desde hace largos años. Su actual estado de deterioro y hasta con fecha de vencimiento, como aseguran algunos de sus exponentes más connotados, permiten dar el marco de cómo se las ha arreglado un festival para seguir su vida pese a que su modelo inicial, al parecer, no tiene el caudal suficiente para abastecer una muestra anual de esas características…>>

En todos estos años, solo una canción ganadora en la competencia ha trascendido en popularidad hasta convertirse en un clásico del folklore chileno y ha quedado como testimonio del nombre que se le da al festival: es la tonada bien huasa “Viva Chile” de Luis Bahamonde, que interpretara Jorge Cavada y el grupo Fiesta Linda en la versión de 1976 de este evento que en 2019 celebra su cincuentenario como Festival del huaso de Olmué.

FLOR DE IDENTIDAD / Por Eugenio Rengifo

Un café en el Puerto Principal y migrantes culturales

Estamos con mi hijo Eugenio Andrés en el Museo de Historia Natural de Valparaíso, allí en la calle Condell, en lo que fue en su época el Palacio Lyon. Realmente, es un museo de lujo, fundado en 1878 por Eduardo de la Barra, que reúne cerca de 60.000 objetos. Me dicen que es el segundo museo más antiguo del país…no sé cuál es el primero…aunque, buscando por internet, me encuentro con que el naturalista francés Claudio Gay fue quien fundó el Museo de Historia Natural en 1830, no sólo el primero de Chile, sino que uno de los más antiguos de América, y que en 1870 pasaría a mostrar las principales producciones vegetales y minerales de nuestra larga y angosta faja de tierra en un hermoso edificio en la Quinta Normal. Mi hijo me hace un excelente paseo por el museo del puerto principal. Hasta nos introducimos en una réplica de submarino, lo que me produce una sensación de claustrofobia. Todo muy bien instalado. El edificio fue completamente remodelado en 2014. Rematamos la visita en el café, un cálido y elegante lugar de encuentro, especial para echar a volar una buena conversa.

Inevitablemente, llegamos a soltar comentarios y algunas ideas sobre los temas coyunturales. Entre ellos, por supuesto, los migrantes que han llegado a Chile por miles en los últimos años. Según el censo de población y vivienda de 2017, ya son 746.465 extranjeros que se han avencidado a lo largo de nuestro territorio y representan más del 4% de la población total del país. La mayoría de ellos ha llegado de Perú, Colombia, Venezuela y Haití. Nos han traído sus sueños y esperanzas, sus oficios y profesiones, su cultura, sus lenguas, sus alegrías y sus penas, costumbres, anhelos, identidad. Al igual que los chilenos que han migrado de Chile, ellos lo han hecho por razones políticas, económicas, profesionales, aventureras y han llegado con el desafío de adaptarse a la cultura y costumbres locales, desperfilando su identidad y aportando a la identidad local.

Pienso en el sabio Claudio Gay. Aunque migró a Chile contratado por el Estado para realizar un completo estudio sobre la fauna, flora, agricultura y geología, nos dejó un legado científico y cultural invaluable, incluyendo sus hermosos grabados y un trabajo sobre usos y costumbres de los araucanos, traducido y editado póstumamente en 2018 por el antropólogo chileno Diego Milos. Hasta que se nacionalizó chileno en 1841 y, dos años más tarde, fue designado miembro de la Universidad de Chile.

Los inmigrantes han realizado importantes aportes a esta joven nación en sus dos siglos de existencia como República. ¿Cómo los recibimos hoy día? ¿Les abrimos espacios para su desarrollo? ¿Somos los chilenos acogedores con ellos? ¿O somos más discriminatorios que en el pasado? ¿O siempre lo hemos sido?

A su vez, al parecer, la experiencia en los siglos veinte y en lo que va del veintiuno de los compatriotas que han salido del país por razones políticas, profesionales, laborales u otras ha sido de lo más variopinta. Buenas, regulares y malas. Me detengo un momento en migrantes destacados, como Gabriela Mistral desde Elqui, Pablo Neruda desde Temuco, Claudio Arrau desde Chillán. Distintas razones acuden a su salida de Chile: una por concepto de representación diplomática, otra por persecución política y la última por razones de estudio del piano. Muchas veces fueron mejor recibidos en las tierras que visitaron que en su propio país cuando regresaban por breves períodos. Le comento a mi hijo que hace un par de semanas fui invitado al lanzamiento de un libro sobre Claudio Arrau preparado por la periodista Marisol García y editado por Hueders. Marisol nos contaba cómo algunos sesudos representantes de la cultura le quisieron mezquinar el Premio Nacional de Artes Musicales a Claudio Arrau en 1983. Y todo porque se había nacionalizado estadounidense. Lo tuvo que hacer con el fin de presentar una visa que le permitiera hacer sus giras por el mundo sin problemas de ingreso a otros países. Pero nunca dejó de ser chileno, a pesar de haber tenido que lidiar con esa visa manchada por la dictadura. Siempre proyectó su cariño por su Chillán natal. Al final, primó la cordura y le dieron el premio. Y la Mistral: tuvo que ganar primero el Premio Nobel para que muchos años después Chile le entregara el Premio Nacional de Literatura. Ahora se cuestiona a Neruda por ciertos hechos de su historia personal. Sin embargo, imagínense ustedes cómo se ha transmitido la identidad de nuestro país a través de la poesía de la Mistral y Neruda, y de la brillante interpretación musical de Arrau. Han hecho grande a Chile en el mundo.

Terminamos nuestro café y salimos del Museo de Historia Natural a las calles céntricas del plan de Valparaíso, con su agitada vida de fin de año. Una ciudad que ha contado con el valioso aporte de inmigrantes que han llegado desde Alemania, Inglaterra, Yugoeslavia y tantos otros países. Ellos también han colaborado para hacer grande a nuestro país.

Argentina

¿Qué significa Qhapaq Ñan y por qué atraviesa Argentina?

Nació durante el Imperio Inca y hay un proyecto plurinacional para revalorizarlo; en Argentina, la longitud total de los tramos es de 119 km, dividido en 13 segmentos de camino distribuidos en siete provincias y 32 sitios arqueológicos asociados

¿Qué significa Qhapaq Ñan y qué se entiende por Sistema vial andino?

Qhapaq Ñan en quechua significa “camino principal” y se extiende a lo largo de una de las zonas geográficas más extremas del mundo, que fue usada durante varios siglos por caravanas, viajeros, mensajeros, ejércitos y grupos poblacionales que alcanzaban las 40 mil personas. Recorrerlo permite conocer la línea vital del Tawantinsuyu -Imperio Inca-, que conectaba ciudades y centros de producción y de culto a lo largo de grandes distancias. De este modo, ciudades, pueblos y áreas rurales fueron integrados en una misma traza vial. Muchas comunidades locales actúan como guardianes y custodios tradicionales de los segmentos de este camino y continúan salvaguardando las tradiciones culturales inmateriales relacionadas, incluyendo el idioma.

   

El Programa Qhapaq Ñan es un proyecto plurinacional. Tiene como objetivo implementar actividades de investigación, recuperación, puesta en valor y promoción del sistema vial andino, que tiene más de dos mil años de antigüedad, y fue consolidado por el imperio incaico durante el siglo XV.

En Argentina, el camino ingresa desde Bolivia por el pequeño poblado de Calahoyo (en la Puna) y atraviesa desiertos, valles y montañas uniendo los territorios que hoy componen las provincias de Jujuy, Salta, Tucumán, Catamarca, La Rioja, San Juan y Mendoza; todas trabajan en conjunto bajo la coordinación técnica del INAPL.

Como consecuencia de este trabajo, en junio de 2014 fue inscripto en la lista de Patrimonio Mundial por el Centro de Patrimonio Mundial de UNESCO, bajo la categoría de “bien transnacional seriado” y en calidad de Itinerario Cultural. En nuestro país, la longitud total de los tramos de camino nominados es de 118,527 km (13 segmentos de camino en las siete provincias) y 32 sitios arqueológicos asociados.

El Sistema Vial Andino mantiene sus funciones originales de integración, comunicación, intercambio y flujo de bienes y conocimientos, y a pesar de las formas actuales de comercio moderno y los cambios sociales, conserva su relevancia e importancia a través de los siglos, así como un rol de referencia cultural que contribuye a reforzar la identidad dentro del mundo andino.

¿Qué es la secretaría pro-tempore?

Argentina es sede de la Secretaría Pro-Tempore del proyecto plurinacional Qhapaq Ñan. En 2015, fue establecido que la sede rotaría entre los seis países: Argentina, Colombia, Ecuador, Perú, Bolivia y Chile, ordenados alfabéticamente y comenzando por Perú, que acaba de hacer entrega de la misma a nuestro país. La coordinación está a cargo de la Dirección Nacional de Bienes y Sitios Culturales.

El ámbito internacional del Sistema es representado por el Comité Internacional del Qhapaq Ñan, que está formado por los responsables nacionales del bien, por los puntos focales en los Ministerios de Relaciones Exteriores de cada uno de los seis Estados Parte y por los Delegados Permanentes de los países del Qhapaq Ñan ante la UNESCO.

Esta Secretaría cumple el rol de coordinar las acciones de las seis secretarías técnicas y contará con el apoyo del Secretario Técnico de un segundo país, para llevar a cabo el trabajo regular y de consulta, y le sustituirá en la responsabilidad al finalizar el período de su designación. El objetivo principal es dar continuidad a los procesos, mantener la información compartida y contar con apoyo para consulta y gestión en el desarrollo de las actividades.

En el traspaso de la sede, el asesor Américo Castilla, quien en el momento en que se iniciaron las negociaciones estaba a cargo de la Secretaría de Patrimonio, agradeció al país andino: “La tarea que ha hecho el Perú, no solo al comienzo de este proyecto si no continuamente,  nos ha estimulado a todos los países a trabajar en conjunto”.

Durante el traspaso se encontraron presentes también la Directora del Instituto Nacional de Antropología y Pensamiento Latinoamericano, Leonor Acuña; la asesora del INAPL, Victoria Sosa; en representación de la Cancillería Argentina, Andrea Repetti y la Secretaria Técnica Saliente del Qhapaq Ñan, Diana Rolandi.

Fuente: https://www.cultura.gob.ar

Noticias

El último concierto del año: Infrahumano & Los Monchos

El último concierto del año: Infrahumano & Los Monchos

———-Noticias por Fernanda Schell———Noticias por Fernanda Schell———-

 

El último concierto del año: Infrahumano & Los Monchos

Infrahumano & Los Monchos, dos bandas de rock independiente se estarán presentando en la sala SCD Egaña (Av. Larraín 5862, Mall Plaza Egaña, Piso 4) el próximo día Martes 11 de diciembre a las 20:00 hrs. Las entradas se pueden adquirir a través del sistema Eventrid (https://www.eventrid.cl/eventos/scdegana/los-monchos-infrahumano-en-sala-scd-egana) o en boleterías de la sala SCD Egaña.

Los Monchos

es una banda que aparece con una gran fuerza emergente del punk rock melódico, con su EP El Espejose han abierto paso para presentarse en varios lugares de Santiago y gran parte de Chile. A vías de lanzar su 2do trabajo discográfico, del cual se puede extraer el single Decisión.LOS MONCHOS

Infrahumano,

agrupación que nace el año 2017 lanzando su primer single “Invicto”, el cual le abrió paso para presentarse en Santiago y Concepción, logrando tener una buena recepción. Para el año 2018, la banda lanza su álbum debut Sin Credo, placa que tiene como single la canción Oxidado.INFRAHUMANO

Los Monchos – Decisión:

Infrahumano – Sin Credo (Full Album):

El último concierto del año:

Link del show: https://www.facebook.com/events/345643672870142/

Entrada: $3.000

Hora: 20:00 hrs

Lugar: SCD Egaña

Dirección: Av. Larraín 5862, Mall Plaza Egaña, Piso 4

Contacto:

losmonchosbanda@gmail.com

infrahumanobanda@gmail.com

Facebook

Los Monchos: https://www.facebook.com/losmonchos/

Infrahumano:https://www.facebook.com/infrahumanobanda/

 

 

 

 

 

 

Argentina

Historia del mate: mitos y secretos

Historia del mate: mitos y secretos

 

FUENTE: Secretaría de Cultura de la Nación / ARGENTINA 

https://www.cultura.gob.ar/historia-mitos-y-secretos-del-mate_6821/

En el marco del Día Nacional del Mate, todos los 30 de noviembre, hacemos un recorrido por la historia de la infusión que nos define y te contamos sus secretos y sus leyendas

Aunque ya en 2013 el mate había sido declarado «infusión nacional» por el Congreso de la Nación, fue el 30 de noviembre de 2015 la primera vez que se celebró el Día Nacional del Mate, después de que se publicara en el Boletín Oficial la ley sancionada el 17 de diciembre de 2014. La fecha fue escogida para conmemorar el nacimiento de Andrés Guacarí y Artigas, un caudillo guaraní que fue de los primeros líderes federales de las Provincias Unidas del Río de la Plata y el único gobernador indígena de la historia argentina.

Designado por José Gervasio Artigas como Comandante General de Misiones, Andrés Guacarí y Artigas gobernó entre 1815 y 1819 la entonces Provincia Grande de las Misiones, desde donde fomentó la producción y distribución de la yerba mate.

Orígenes de la ronda del mate 

En el principio, los custodios y usuarios de las yerba mate fueron los guaraníes. Ellos utilizaban sus hojas como bebida, objeto de culto y moneda de cambio en sus trueques con otros pueblos. Caá en guaraní significa yerba, planta y selva. Para este pueblo, el árbol de la yerba mate era, más que nada, un regalo de los dioses. 

Pero quienes se encargaron de difundir su consumo y sus virtudes por todo el entonces Virreinato del Río de la Plata fueron los conquistadores. Años más tarde, los Jesuitas introdujeron el cultivo en las reducciones o misiones jesuíticas guaraníes. Gracias a ellos, la yerba mate se popularizó.

De esta manera fue que tomar mate se transformó en una de las tradiciones que, como pocas, se mantiene inalterada desde hace siglos, arraigándose y expandiéndose alrededor del mundo. Tanto, que hoy por hoy en Argentina se consumen alrededor de 100 litros de mate al año por persona.

Pau Navajas, autor del libro Caá Porã, El espíritu de la yerba mate (Establecimiento Las Marías, 2013), afirma que tomar mate es una de las costumbres vigentes en nuestro país desde antes de su independencia.Navajas, que aborda en su texto la infusión desde su origen hasta su participación en la conformación de la identidad nacional y la economía argentina, asegura que aun quienes bregaban por la independencia en 1816 debían cebarse mates entre las acaloradas discusiones en la Casa de Tucumán.

“La historia se escribió posteriormente, y por ello se perdieron detalles de la vida cotidiana. Pero seguramente los congresales tomaban mate; de hecho, todos lo que trabajaban lo hacían mientras ejercían sus labores, como ahora”, contó en una nota para La Gaceta, el principal diario tucumano.

“En 1816 había un contexto de comarcas aisladas, con fortísimos regionalismos, y el mate era uno de los pocos elementos transversales, como el poncho. Era un elemento de construcción de identidad común. Por ello, debe haber tenido un rol muy importante en esa fecha, algo bueno para investigar profundamente ya que ninguna crónica o ilustración muestra a los congresales tomando mate en las sesiones”, dice Navajas.

Asimismo, explica que gracias a los relatos de los forasteros que llegaban a explorar estas tierras se pudo reconstruir que el mate atravesaba todos los estratos sociales, unía e igualaba: era consumido por ricos, pobres, amos, esclavos, nativos, españoles, hombres, mujeres, jóvenes y viejos. Incluso se compartía entre miembros de diferentes posiciones como esclavo y patrón.

Navajas cuenta que la manera de distinguir las clases sociales no pasaba por consumir mate o no hacerlo, sino por qué aditamentos se incluían, tanto en la “receta” como en los objetos para beberlo. Así, los aristócratas de la época volvían a la infusión más selecta agregándole leche, crema, canela o clavo de olor.Y “mandaban a labrar sus mates a Potosí, con la plata de ahí. Cuanto más ostentoso, elaborado y barroco fuera, más refinado se lo consideraba. También tenían la figura de la cebadora, que se ubicaba en las salas de las casas. En aquel entonces el mate se ofrecía como hoy se ofrece un té o un café”, describe el autor.

“Frente al mate somos todos iguales”

La frase la dijo Valeria Trapaga en una charla TED, la primera sommelier de mate del país. “Frente al mate somos todos iguales”. Esa condición fue una de las tantas cosas que la atrajo y la llevó a volverse experta en los secretos de esta bebida ritual de los argentinos.

Trapaga, que recorre el país compartiendo sus conocimientos sobre la yerba mate en charlas y reuniones, agrega que “la yerba mate no es hoja molida metida dentro de un paquete, es mucho, mucho más que eso”.

La especialista se declara enamorada del mate y aprovecha el espacio de la charla para desmentir 3 de las leyendas más difundidas sobre esta bebida:

  1. “El polvo de la yerba mate hace mal”. Falso. El polvo de hoja es uno de los componentes más virtuosos de esta infusión, le aporta suavidad y espumosidad. Hace que los mates sean ricos y rendidores.

  2. “Raspar el mate es correcto para destapar la bombilla”. No está comprobado. Para que la bombilla no se tape, lo mejor que podemos hacer es echar un chorrito de agua fría o tibia al comenzar el mate, así la yerba se hincha y en este estado no ingresa dentro de la bombilla.

  3. “Se puede tomar el mate a más de 85 grados de temperatura”. O “Si se hierve el agua, enfriarla con un chorro de agua fría”. Error. De este modo se arruina toda la bebida porque cuando el agua hierve le quitamos el oxígeno, y por ende el poder de solvencia, que es lo que permite que la yerba muestre todos sus sabores y aromas.

6 secretos para hacer un buen mate:

  1. Se llena tres cuartas partes del mate.

  2. Se lo sacude tapando la boca del mate con la palma de la mano.

  3. Se deja toda la yerba de uno de los lados del recipiente para que al pararlo quede colocada en forma oblicua.

  4. Se echa un chorro de agua fría o tibia en la parte del mate donde hay menos yerba, de decir, en la parte de abajo de la inclinación. Cuando la yerba se hincha, allí es donde se coloca la bombilla.

  5. Se ceba el mate vertiendo el agua lo más cerca posible de la bombilla para evitar mojar toda la yerba. De esta manera, conservará su sabor por más tiempo porque cada vez que volquemos agua al recipiente la yerba que está seca irá alimentando, liberando gradualmente, el sabor. Si se moja toda la yerba los mates se lavarán más rápido.

  6. Se recomienda no mover la bombilla una vez que se inicie el mate para que no se tape y para que la yerba seca no se moje.

Para finalizar, la especialista nos comparte 2 enseñanzas valiosas vinculadas con el ritual:

“Cebar no es servir. Cebar significa repartir alimentando, una acción en la que necesito poner una cuota de amor, de cariño y dedicación. La idea es que empecemos a cebar y no a servir mates”.

“La magia más grande que tiene el mate la heredamos de los guaraníes que la descubrieron. Ellos ordenaban su vida según un principio de reciprocidad porque consideraban que no era más rico el que más tenía si no el que mayor capacidad tuviera de compartir los bienes materiales y espirituales con los demás. Por eso cuando descubrieron la yerba mate y la hicieron parte de sus vidas, porque para ellos era una pócima, decidieron que la tenían que compartir. Y fue frente al fuego, que era sagrado, y pasándose un cuenco, que tomaron esta decisión. Hoy al mate lo compartimos gracias a ese gesto, a ese mensaje tan místico y tan mágico de los guaraníes”.

 
Reseñas de la escena chilena

Jacinta Kaiser: la artista de la escena musical

Jacinta Kaiser: la artista de la escena musical 

Por Fernanda Schell

 

Foto: Gentileza de Jacinta Kaiser

En una casa, llena de colores, cuadros, vinilos, casetes y música, se encontraba Jacinta Kaiser, artista que es parte de la escena artística-musical del underground en Santiago. Ella se ha paseado por diversas técnicas, pero la pintura es su fuerte. También es fundadora de una banda llamada Los Caballos.

 

-¿Te defines como una artista autogestionada? ¿Qué significa serlo?

-Sí totalmente. Te vas creando un camino sola, sin embargo, es entretenido. Soy muy estudiosa. Me fui haciendo escuela, miraba a mis amigos y a algunos colegas que estudiaban arte. Me toco pasar un tiempo en un colectivo de skatersy artistas en Bellavista y ahí aprendí mucho. Veía como pintaban y buscaba ideas. Es una búsqueda propia, harta pega y solitaria, pero bonito.

 

-¿Desde cuándo eres parte de la escena underground?

-Siempre he sido de la escena underground, nunca he salido. En las bandas todo partió en el 2008, cuando empecé con mi banda Los Caballos, entramos al circuito y tuvimos un año súper activo. Allí comencé a hacer afiches, actividad que más que me gusta hacer, además de trabajar con bandas, músicos, pintar y dibujar. Paralelo a esto, me puse a crear, hacer exposiciones y conseguía realizar talleres en casas abandonadas.

Siempre he sido fanática de los buenos carteles en la música. Faltan hartos. Es una guerra combatible porque hay unos horrendos. Prefieren tener carteles malos en vez de gastar un poco de plata.

 

-¿Qué te motiva a seguir en la escena?

-El amor por la escena, la música, los amigos y el gusto de tener un buen afiche. Además ver como el arte ayuda en las tocatas, con esto la gente llega los shows. Con un bonito cartel las personas asisten a los eventos. Me tocó distinguir imágenes malas con bandas grandes y tenían baja asistencia.

 

¿Cómo es el proceso de trabajo con las bandas?

-Tengo full libertad y buen ojo. Sigo la línea de con quien me toque trabajar. En general pido algunas ideas o algún concepto ya pensando. Por ejemplo, con The Ganjasera una línea marihuanera y psicodélica. Wild Parade, es trasher, heavy con colores. Yajairaes más marcada, dura y clásica.    Foto: Gentileza de Jacinta Kaiser

 

-¿Cómo creas tus afiches?

-Hago una investigada y aproximadamente me demoró dos días en realizarlo, pero todo depende de la complejidad de este. Mi técnica es hacer todo a mano, con lápices y acrílicos. Cuando no trabajo con las bandas pinto cuadros.

 

-¿Trabajar con estas bandas te abrió puertas?

-Se abrió una cosa de nombre porque tengo una identidad con los afiches. Las personas saben cuáles son míos. Hay mucha gente que le encanta mi arte. He tenido un buen feedbackdel espectador. Se agradece el trabajo de tener carteles buenos.

 

-¿Con los afiches buscas transmitir un mensaje?

-Busco transmitir el apetito por ir a la tocata. Cuando estés viendo Facebook o cualquier red social que se te frene el dedo y veas toda la información, precios, lugar y banda. Deseo mostrar cosas nuevas. Me gusta que la gente lo vea porque funciona y así hacemos escena. Se crea algo cálido y dan ganas de participar. El undergroundpuede tener mucha fuerza y llegada.

 

-Tu banda, Los Caballos. ¿Cómo inició?

-Partí cuando tenía 26 años y tuvimos un año donde tocábamos en todos lados. Me quería dedicar a eso, aparte de pintar. Después tuvimos problemas como banda y nos disolvimos. Luego de cuatro años, nos juntamos de nuevo, buscamos baterista y volvimos con la agrupación. A finales del año pasado, los otros miembros andaban en otra y eso fue un impedimento. Eran de otro circuito. Para mí era muy importante, íbamos a grabar con Jack Endino, pero no salió. Quedó congelado, aunque volveremos.

      Foto: Gentileza de Jacinta Kaiser

 

-¿Cuáles son tus inspiraciones?

-Lo que más me gusta crear son cosas relacionadas a la música. Me muevo por amor a las melodías y los sentimientos. Proviene de algo interno, pero no es muy certero.

Soy fanática de varios artistas y van saliendo de momento. Pinto muchos animales, pero son trabajos de velocidad y color. Los realizo para ejercitar.

 

-¿Cómo ves la escena?

-Hay buena música, con potencial, buenos músicos e identidades. Pero en el rock, la relación es un poco hermética entre las bandas y hay poco apañe entre los sellos. Se quedan ahí. La escena sería mejor si se ayudarán entre ellos. Deberían realizar buenos festivales, etc…

Hay agrupaciones que pueden llegar lejos, pero al ser tan cerrados hacen que no se arme la escena. Los festivales son siempre los mismos. Por ejemplo, en Woodstaco hay movimiento, arte y música de todos lados. Faltan cosas así. Los músicos deberían darse la mano entre ellos.

 

-¿El arte es fundamental en la escena chilena?

-Es fundamental. O sea, por un lado, no lo es porque no se le da mucha importancia. El 99% de los afiches son cualquier cosa. Ahora están naciendo algo nuevo, lo he visto. Hay gente prendiendo con la idea de hacer letreros más dedicados, tipoold school, o de la movida punkie. Está empezando a moverse.

       Foto: Gentileza de Jacinta Kaiser

 

-¿Qué piensas de la idea de ser artista?

-Es lo único que soy. No soy otra cosa. Es difícil, dura, pero es lo más lindo que hay y no lo cambiaría. Te vas formando y te vas acomodando a la sencillez. Es un camino arduo, sin embargo, no haría otro, pero soy muy feliz.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Colombia

El cine colombiano se fortalece con el programa Ibermedia 2018

El cine colombiano se fortalece con el programa Ibermedia 2018

Ibermedia es un programa que otorga ayuda financiera para estimular el desarrollo de proyectos audiovisuales e iniciativas que fortalecen el sector cinematográfico en Iberoamérica, en modalidades de coproducción, desarrollo y formación. 
 
En la actualidad, esta organización es integrada por 21 países, estos son: Argentina, Bolivia, Brasil, Colombia, Costa Rica, Cuba, Chile, Ecuador, España, Guatemala, Italia, México, Nicaragua, Panamá, Paraguay, Perú, Portugal, Puerto Rico, República Dominicana, Uruguay y Venezuela.
  
Este año, para la modalidad de Coproducción, Ibermedia otorgó estímulos a 53 proyectos por un valor de $13.206 millones; de los cuales $2.041 millones fueron para ocho coproducciones mayoritarias y minoritarias de Colombia.
 
“El fomento a la creación y el emprendimiento, son el insumo primordial de la Economía Naranja, y desde este Ministerio, se ha fortalecido la industria cinematográfica por medio de becas y apoyos derivados del Programa Nacional de Estímulos y el Fondo para el Desarrollo Cinematográfico”, sostuvo la ministra de Cultura, Carmen Vásquez Camacho.
 
Los proyectos ganadores en coproducciones mayoritarias son: ‘Cuero Duro’, de Rhayuela Cine S.A.; ‘Recuerdos de una Madre’, de Antorcha Films y ‘Un nuevo amanecer’, de Doce Lunas Producciones.
 
Las coproducciones minoritarias ganadoras fueron: ‘Los de Abajo’, de Empatía Cinema, ‘Objetos Rebeldes’, de Mito Producciones. ‘El otro lado del sueño’, de Jaguar Films. ‘Perfume de Gardenias’, de Gardenia LLC y ‘La Güira y la Tambora’, de Colorlab Films AIRL.
 
En la  modalidad de desarrollo, 52 proyectos recibieron estímulos por un valor de $1.782 millones, de los cuales $95 millones se destinaron al apoyo de dos proyectos colombianos: ‘Niko’ y ‘Luna’ de Planet 141 S.A.S y ‘Noviembre’ de Burning Blue. El resto de los recursos se distribuyeron en los otros 50 proyectos. 
 
En la nueva categoría de formación, donde Colombia tuvo una destacada participación con siete proyectos, los ganadores nacionales son: Filma Afro Cartagena 2019 de Corpoturismo y el Laboratorio Internacional de Guión (Lab Guión) de Cinefilia, apoyados con $231 millones para el desarrollo de sus proyectos.
 
En total fueron 11 las iniciativas que recibieron ayudas  de países como: Argentina, Bolivia, Brasil, España, Guatemala, México, Uruguay y Portugal, además de los mencionados por Colombia, con una asignación total de $1.716 millones. 
 
Entre las coproducciones, se premiaron proyectos que se realizarán con Argentina, Bolivia, Costa Rica, Panamá, Puerto Rico y República Dominicana.
 
Mayor información:
 
Jefferson Barrera Hernández.
Comunicador Social.
jbarrera@mincultura.gov.co  
Oficina de Divulgación y Prensa.
Tel: 571 – 342 4100  Ext. 1253.
Calle 8  # 8 – 43  Bogotá, Colombia.
www.mincultura.gov.co
 
Adriana Bejarano.
Coordinadora.
Grupo de Divulgación y Prensa.
Calle 8, # 8 – 43  Bogotá, Colombia.
www.mincultura.gov.co    
 
Valparaíso

El gran pianista italiano Renato Chicco llega a la USM en nueva versión de The Jazz Connection

El gran pianista italiano Renato Chicco llega a la USM en nueva versión de The Jazz Connection

El destacado exponente internacional del jazz presentará un concierto único junto a Alejandro Espinoza y Christian Gálvez, figuras consulares del jazz nacional.

El viernes 30 de noviembre, a las 19:30 horas, se presenta en el Teatro Aula Magna de la Universidad Técnica Federico Santa María uno de los más grandes exponentes mundiales del piano en lo que a jazz se refiere, se trata del italiano Renato Chicco quien será el gran protagonista de The Jazz Connection 2018, ciclo de conciertos que reúne en Chile a figuras consulares del género.

Miembro de las grandes ligas del jazz mundial, Renato Chicco ha brillado en escenarios icónicos como los clubes Blue Note, Birdland y The Village Gate de Nueva York. Además, formó parte de la orquesta de Lionel Hampton y se desempeñó como director y pianista de Jon Hendricks & Company.

En esta visita al país, Chicco actuará en formato de trío junto a dos emblemas nacionales del jazz; el gran baterista Alejandro Espinosa y el bajista de fama mundial Christian Gálvez, abordando un concierto con lo más aplaudido de su repertorio y piezas emblemáticas de genios como Thelonious Monk, Cedar Walton y Mulgrew Miller. “Tocaremos algo de mis creaciones y también repertorio dedicado a mis compositores de piano favoritos, ellos son mis ídolos, ya no están vivos, pero hicieron grandes composiciones así que siempre me gusta tocarlos junto con mi repertorio”, señaló el pianista.

20 años han pasado desde la última vez que Renato Chicco pisó Chile, cuando realizó un tour por distintas ciudades con Alejandro Espinosa, ahora recorrerá el país en una gira que lo tendrá en lugares como Santiago, Valparaíso y Concepción. Esta ocasión será la primera vez que toque con Christian Gálvez, cuyo nombre resuena a nivel mundial como uno de los bajistas más cotizados del jazz.  Ansioso por su regreso a Chile y presentarse junto a los artistas nacionales, Renato Chicco señaló: “Estoy muy feliz, esto es jazz y el jazz es un lenguaje común, cuando tocas por primera vez con alguien siempre es la mejor ocasión”.

Consultado sobre sus procesos creativos y sobre cómo mantiene la efervescencia sobre el escenario el pianista indicó: “Para mí lo más importante es tocar música desde el corazón, con las emociones, eso es muy importante y la razón por la cual toco jazz. Siento que las emociones conectan a las personas, de hecho, es por esto que me convertí en músico. También es muy importante seguir aprendiendo de la música, eso me permite desempeñarme en un nivel alto”.

The Jazz Connection es un proyecto realizado por la Escuela Superior de Jazz, en sus versiones anteriores se presentaron el contrabajista canadiense Dave Young (2016) y el trompetista ruso Valery Ponomarev (2017).

Las entradas para este concierto tienen un valor de $7.000 general, $5.000 tercera edad y $3.000 estudiantes. Venta de tickets en los estudios de Radio USM (Casa Central, Av. España 1680), Óptica Koch (Av. Valparaíso 708, Viña del Mar), Jardín Esmeralda (Esmeralda 1155, Valparaíso) y en boleterías del Teatro Aula Magna el día del evento.

 

 

Por Pilar Bustamante San Martín

Periodista   (+56) 32  2654928  · anexo: 4928
Dirección de Difusión Cultural – Casa Central, Valparaíso

www.teatroaulamagna.usm.cl

 

 

México

¿Conoces a El Corsario Negro?

¿Conoces a El Corsario Negro?

Relato que narra mil vicisitudes, vuelcos y emociones, en el que el honor, la valentía, la lealtad, el valor de la familia, la amistad y, desde luego, el amor, tienen un lugar primordial.

 

Corre el año de 1696 en el Mar Caribe: España, Inglaterra y Francia están en plena guerra; estas dos últimas potencias buscan con desesperación debilitar el dominio español en el mundo y comienzan a mandar barcos de corsarios para combatir a los navíos enemigos y así afectar el comercio en sus colonias.

Dos filibusteros, Carmaux y Wan Stiller, son salvados mar adentro por El Rayo, el barco de Emilio de Roccanera, un noble italiano también conocido como «El Corsario Negro». Éste ha jurado matar a Wan Guld, su más grande enemigo, y a todos sus descendientes en venganza por la muerte de sus hermanos; para esto ha decidido preparar una expedición.

Así empieza un relato que narra mil vicisitudes, vuelcos y emociones, en el que el honor, la valentía, la lealtad, el valor de la familia, la amistad y, desde luego, el amor, tienen un lugar primordial [1].

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Emilio Salgari

Su autor, Emilio Carlo Giuseppe Maria Salgari, mejor conocido como Emilio Salgari, periodista y escritor italiano, murió a los 48 años de edad practicándose el seppuku [2], después de una vida plagada de desdichas. Dejó a la posteridad más de 80 novelas e innumerables relatos, adaptados a lugares exóticos.

Salgari, al igual que Julio Verne, no ejecutó grandes viajes fuera de su país, salvo en su juventud, donde por breve tiempo sirvió a bordo de un barco que recorrió el Mediterráneo y el Adriático.

Considerado uno de los más grandes escritores de aventuras de finales del siglo XIX y de casi todo el siglo XX, sus libros se distribuyeron ampliamente, alcanzando 100,000 ejemplares vendidos en vida del propio autor; no obstante, vivió en una relativa miseria.

Salgari supo como pocos, crear personajes vívidos y complejos; aventureros atípicos que fascinaron a generaciones de lectores. Con sus novelas contribuyó a crear la imagen de los piratas tal como la conocemos hoy en día, y no sólo eso: también logró cautivar a los lectores por su maestría en el suspenso y su capacidad para reconstruir lugares y ambientes exóticos.

Descubre a El Corsario Negro, editado por la Secretaría de Cultura a través de la Dirección General de Publicaciones. Este título será el primero de una serie conocida como Los Piratas del Caribe. ¡No te la pierdas!

ENCUÉNTRALO EN https://www.educal.com.mx/0800-literatura/098923-el-corsario-negro.html

1. https://www.educal.com.mx/0800-literatura/098923-el-corsario-negro.html

2. Rito japonés, más conocido como harakiri