Argentina

Argentina, los libros y Colombia

De cara a la Feria Internacional del Libro de Bogotá 2018, del 17 de abril al 2 de mayo, donde Argentina será el país invitado de honor, te contamos las novedades del sector editorial, los hábitos de lectura y todas las actividades de la FILBO 2018

Desde hace unos años, Argentina se ha convertido en un país muy atractivo para los estudiantes y profesionales colombianos, con motivos que pueden encontrarse, por nombrar alguno, en la excelencia académica de nuestras universidades y en la oportunidad de obtener títulos de grado y de posgrado. Es sabido que Argentina es un referente cultural de alta prioridad para Colombia, y ese interés en el acervo y quehacer cultural argentino está evidenciado en el tango y se extiende a otros campos de la cultura como el teatro y la literatura. La afición por el tango, propiamente, ha llegado a trascender generaciones, con la figura de Carlos Gardel a la cabeza y el Festival Internacional de Tango, que se celebra todos los años en Medellín. También las realizaciones teatrales argentinas ocupan un lugar destacado en el “Festival Iberoamericano de Teatro”, que se realiza cada dos años en Bogotá, y fue fundado por el gran referente de las tablas del país cafetero: la argentina Fanny Mikey.

Próximamente, del 17 de abril al 2 de mayo de 2018, Argentina será país el invitado de honor en la nueva edición de la Feria Internacional del Libro de Bogotá, en donde desembarcará con una comitiva de 31 escritores y un sinfín de actividades para todo el público. En ese contexto, repasamos en esta nota algunos datos significativos de la industria editorial, los escritores más leídos del país y todas novedades que tendrá Argentina en Colombia.

¿QUÉ SABEMOS DE LA INDUSTRIA EDITORIAL ARGENTINA?

  • Según los resultados de la “Segunda Encuesta Nacional de Consumos Culturales” (2017), del Sistema de Información Cultural de la Argentina (SInCA), el 66 % de la población lectora ha leído autores argentinos. Y si bien la literatura nacional siempre tuvo un posicionamiento importante en el país, no solo se debe a los escritores y obras extraordinarios de nuestra historia literaria (Borges, Cortázar, Ocampo, Bioy Casares, Arlt, Pizarnik, entre otros grandes), también los contemporáneos son leídos activamente: Eduardo Sacheri, Pablo Golombek, María Teresa Andruetto, Alberto Manguel, Leopoldo Brizuela, Sylvia Molloy, María Sonia Cristoff, Arturo Carrera, Ivonne Bordelois son algunos de estos ejemplos. Y hay cifras que lo comprueban, como la cantidad de novelas publicadas en el 2017: más de 2200.
  • Con respecto a las editoriales, según la Cámara Argentina de Publicaciones, el país cuenta con 391 editoriales comerciales, de las cuales 145 son editoriales emergentes que publicaron 13.499 títulos. Además, hay 89 editoriales universitarias que publicaron 2206 títulos, y el fenómeno de las crecientes ediciones de autor, que sumaron 6861 títulos. Sumadas, todas las publicaciones (editoriales comerciales, emergentes, ediciones de autor, editoriales universitarias, ediciones de organismos públicos y ediciones ocasionales), en el 2017 se imprimieron 53.000.000 de libros.

EL LIBRO DIGITAL

Las editoriales publicaron el 20 % de sus títulos en formato electrónico. Se destacan las universidades públicas, que publicaron el 45 % de sus títulos en ese formato, y los organismos oficiales, con el 35 % de su tirada de manera digital.

 ¿DÓNDE COMPRAN LIBROS LOS ARGENTINOS?

Argentina cuenta con 1190 librerías tradicionales, a las que se le suman nuevos canales no tradicionales como supermercados, quioscos, etc., ofreciendo 2200 puntos de venta aproximadamente. (Fuente CAP y La Nación).

DATOS SOBRE LOS HÁBITOS DE LECTURA

De acuerdo a la “Segunda Encuesta Nacional de Consumos Culturales”, realizada en 2017 por el SINCA, los resultados en los hábitos de lectura fueron los siguientes:

  • En promedio, la población argentina leyó 1.6 libros en 2017 (esta cifra equivale a libros per cápita).
  • En promedio, los lectores argentinos leyeron 3.7 libros en 2017 (cifra que equivale a libros por lector).
  • El 44 % de la población leyó al menos un libro durante el 2017.

LOS AUTORES MÁS REPRESENTATIVOS:

Haciendo un resumen de los autores más representativos de la actualidad, se destacan:

  • César Aira (Premio Iberoamericano de Narrativa Manuel Rojas -Chile-, Beca Guggenheim en Artes, América Latina y Caribe)
  • Samanta Schweblin (Premio del Fondo Nacional de las Artes 2001, Premio Juan Rulfo 2012)
  • Mariana Enriquez (premio Ciutat de Barcelona)
  • Hebe Uhart (Premio Iberoamericano Manuel Rojas -Chile-)
  • Claudia Piñeiro (Premio Sor Juana Inés de la Cruz -Méjico-)
  • Fabián Casas (Premio Anna Seghers -Alemania-)
  • Eduardo Sacheri (Premio Alfaguara de Novela 2016)
  • Rodrigo Fresán (Premio Roger Caillois -Francia-)
  • Martín Caparrós (Premio María Moors Cabot 2017 -EEUU-, Premio Herralde)
  • Daniel Guebel
  • Pedro Mairal (Premio Tigre Juan -España-)
  • Leila Guerriero (Premio Nuevo Periodismo)
  • Ricardo Piglia (Premio Rómulo Gallegos)
  • Jorge Fernández Díaz
  • Gabriela Cabezón Cámara
  • Ana María Shua,
  • Arnaldo Calveyra (Caballero de la Ordre des Arts et des Lettres -Francia-)
  • Juana Bignozzi
  • Luisa Valenzuela
  • Narda Lepes
  • Sergio Olguín (Premio Tusquets Editores de Novela)
  • Silvia Molloy
  • Isol
  • Alberto Manguel (Premio Internacional Alfonso Reyes 2017 -Méjico-, Premio Formentor 2017 -España-)
  • Eduardo Berti (Premio Iberoamericano de Narrativa Las Américas)
  • Antonio Santa Ana
  • Andrés Neuman (Premio Alfaguara)
  • Sergio Bizzio
  • Martín Kohan
  • Alan Pauls
  • Luis Chitarroni
  • Carlos Gamerro
  • Leopoldo Brizuela
  • Rodolfo Fogwill
  • Juan José Saer,
  • Liliana Heker
  • Liliana Bodoc
  • María Sonia Cristoff…

SOBRE LAS EDITORIALES INDEPENDIENTES:

Las editoriales independientes tienen una gran relevancia en el actual panorama cultural. La mayoría de ellas surgieron a partir de 2001, en una de las mayores crisis económicas de nuestro país, y han sabido articular nuevas formas de comunicación, de comercialización y distribución. Muchas de ellas participan en Ferias Internacionales y distribuyen en España y Latinoamérica. Desde 2012, realizan anualmente La Feria de Editores Independientes, en donde además de la gran exposición de sus catálogos, generan conferencias y debates de gran repercusión en el ámbito literario. Actualmente, lo emprendimientos editoriales “independientes” y la ediciones “de autor” son un lugar de pertenencia de la literatura emergente nacional. Entre las editoriales independientes más reconocidas podemos mencionar a Adriana Hidalgo, La Bestia Equilátera, Eterna Cadencia, Pequeño Editor, Fiordo, El Cuenco de Plata, Interzona, Entropía, Mansalva, Gog & Magog, Ediciones Godot, Libraria, Gourmet Musical, Beatriz Viterbo, Notanpuán, Marea Editorial, Autoría, Blatt & Ríos, Ampersand, El Hilo de Ariadna, Pípala y Limonero, Mardulce, entre otras.

LOS 10 AUTORES MÁS VENDIDOS DE ARGENTINA:

Según el ranking de Cúspide, durante 2017, los autores argentinos más vendidos por temática fueron:

Ficción:

Jorge Fernández Díaz
Viviana Rivero

Periodismo y ensayo:

Laura Di Marco
Nicolás Wiñazki
José Luis Espert
Jorge Lanata

Autoayuda:

Alejandro Borensztein

Otros:

Daniel López Rosetti
Facundo Manes
Felipe Pigna

¿QUÉ PROGRAMAS DEL MINISTERIO PROMUEVEN LA LECTURA?

El Ministerio de Cultura promueve una cantidad de becas, apoyos y estímulos para escritores de todas las edades. Además de concursos públicos para desarrollar proyectos literarios, se premian tanto obras de autores emergentes como obras de autores con trayectoria. A su vez, a través de sus organismos descentralizados como el Fondo Nacional de las Artes, la Biblioteca Nacional y la CONABIP, se realizan actividades de formación, talleres, ciclos, conferencias y distintas herramientas formativas que brindan oportunidades para los autores nacionales. BECAR, Fondo Argentino de Desarrollo, Becas a la Creación FNA, Becas a la Formación FNA, Concurso literario FNA, Concurso literario Ficciones, Becas a bibliotecarios BN, Premios a la Trayectoria, Premios Nacionales, son algunos de los programas y herramientas vigentes en el Ministerio de Cultura en el 2018.

ARGENTINA EN FILBO 2018

Las actividades académicas y culturales serán alrededor de 60, más otras actividades por fuera de la FILBO, como la visita de varios autores a diferentes librerías de Bogotá y a algunas ciudades cercanas, invitados por sus autoridades y muestras de cine argentino.

 LA PUESTA EN ESCENA:

  • El Pabellón 4 albergará múltiples espacios: una librería; un punto de encuentro y difusión de turismo; un auditorio con capacidad para 100 personas, donde se incluirá programación artística, conferencias, muestras y talleres. También contará con un espacio especial que simulará una cancha de fútbol y un DOMO como espacio multifuncional, el cual será utilizado para clases de tango. Además de los 3000 del pabellón, habrá otros 900 m² por fuera que estarán destinados a un espacio gastronómico.
  • En el centro del pabellón estará el domo en el cual se van a dictar clases de tango -habrá una pareja de baile todos los días de 18 a 20h-; se podrán ver proyecciones y espectáculos. Será un espacio donde los visitantes podrán sentarse a descansar y mirar imágenes representativas de nuestro país.
  • En el año del mundial, Argentina desembarca con una propuesta vinculada a la pasión por el fútbol, tan arraigada en nuestra cultura. En este sentido, el pabellón tendrá una temática futbolera y su lema será “la literatura argentina sale a la cancha”. Los colores y la ambientación de los espacios harán que los visitantes puedan vivenciar la experiencia de estar en un estadio. A su vez, algunas de las actividades programadas también ofrecerán esta posibilidad: habrá un espacio recreativo para patear la pelota y jugar al fútbol-tenis. La apertura de la programación argentina en la FILBo estará a cargo de Eduardo Sacheri, autor de varias novelas que tratan temáticas futboleras. También habrá charlas y talleres en relación al vínculo siempre fructífero entre la literatura argentina y el fútbol.
  • Conferencias, charlas magistrales y entrevistas a cargo de: Claudia Piñeiro, Diego Golombek, Pablo De Santis, Narda Lepes, Alberto Manguel, Irene Amuchástegui, María Teresa Andruetto, María Verónica Ramírez, Leopoldo Brizuela, Mauro Libertella, entre otros.
  • Una muestra fotográfica de Daniel Mordzinski estará en el pabellón. Será una exposición dedicada al fotógrafo, pero también a los escritores argentinos ya que, en su carrera, retrató a casi todos los grandes nombres de la literatura argentina: Borges, Cortázar, Saer, Piglia y muchos más.
  • Presentaremos una muestra sobre la vida y obra de Roberto Fontanarrosa, uno de los autores e historietistas argentinos más queridos y reconocidos.

LA PROGRAMACIÓN ARTÍSTICA:

  • La Orquesta de Ariel Ardit (tango)
  • Chango Spasiuk (chamamé)
  • Compañía en Movimiento de Analía González
  • Pareja de tango
  • Ciclo de Cine

LA DELEGACIÓN DE LA FILBO 2018:

  • Eduardo Sacheri
  • Claudia Piñeiro
  • Diego Golombek
  • Narda Lepes
  • Isol
  • María Teresa Andruetto
  • María Verónica Ramírez
  • Alberto Manguel
  • Leopoldo Brizuela
  • Pablo De Santis
  • Adela Basch
  • Silvia Molloy
  • María Sonia Cristoff
  • Arturo Carrera
  • Ivonne Bordelois
  • Martín Sivak
  • Andrés Neuman
  • Antonio Santa Ana
  • Reynaldo Sietecase
  • Sergio Olguín
  • Fabricio Ballarini
  • Roberto Garriz
  • Eduardo Álvarez Tuñón
  • Martín Blasco
  • Irene Amuchástegui
  • Pablo Bernasconi
  • Leopoldo Teuco Castilla
  • Luis Pescetti
  • Mauro Libertella
  • Liniers
  • Chanti

A 30 años de su muerte, 30 curiosidades de Miguel Abuelo

Recordamos al músico, poeta y fundador de Los Abuelos de la nada, un hito del rock nacional lleno de curiosidades

Miguel Abuelo nació y murió en Munro. Hijo de Virginia Peralta, nunca conoció a su padre y sus primeros años los pasó en un orfanato. Desde chico se dedicaba a pasar las horas en la calle, con amigos más grandes que él. Dejó el colegio a los 13 años y a esa edad, irónicamente, comienzó a vincularse con la lectura. Recitaba de memoria a Hegel y a Nietzsche y descubrió su pasión por la música gracias a su hermana. Escapando del clima opresivo de la dictadura de Onganía, se fue a vivir a Europa. Vivió en España, Inglaterra, Holanda, Bélgica y Francia. Tuvo un hijo con una galesa al que llamó Gato Azul. En la década del ’80, regresó al país retomando su carrera musical: fundó nuevamente a Los Abuelos de la nada, y con ellos, obtuvo una popularidad masiva y conoció los excesos. Rebelde, de fuerte temperamento y con facilidad para las peleas de puños, quienes lo conocieron lo recuerdan como un ser inquieto, en constante búsqueda y movimiento; y sobre todo, un fundamentalista de la libertad: se dedicó a practicarla en todos los ámbitos de su vida durante 42 años.

Repasamos algunos hitos poco conocidos del artista y su legado invaluable en la historia del rock argentino:

  1. Desde su nacimiento hasta los 5 años vivió en un orfanato de monjas porque su madre contrajo tuberculosis y fue internada hasta su recuperación.
  2. Lo mandaban tanto a dirección por su mal comportamiento, que el director del colegio lo termina adoptando.
  3. Su primer debut artístico fue montar un circo en las calles de Munro: realizó trucos con un perro, masticó hojas de afeitar y el show terminó con un amigo escupiendo fuego y quemando las arpilleras que funcionaban como carpa.
  4. A los 9 trabaja como ayudante del lechero y repartía bidones; también vendió sandías junto a dos amigos en la calle, hasta que su madre lo obliga a volver al colegio.
  5. A los 10 años lo echaron de todas las escuelas del Estado porque le dio una paliza a una directora.
  6. A los 13 abandona el colegio y comienzó a trabajar en el correo; lo terminaron echando por abrir los telegramas y elegir cuáles eran los más importantes para entregar.
  7. Practicó boxeo hasta que en una pelea de verdad, sufrió tantas lastimaduras que no volvió nunca más.
  8. Durante un tiempo fue apodado “Equiaspere”, debido a la mala pronunciación del nombre Shakespeare. Su hermana -que en ese entonces tenía un proyecto teatral independiente- lo invitó a una de sus lecturas y cuando a Miguel le tocó leer un texto de Shakespeare, lo pronunció de esa manera.
  9. Su primer poema lo escribió a los 15 años y hablaba de Caín y Abel.
  10. Sin saberlo, mientras andaba como mochilero, viajó en auto por la ruta 2 con quien luego sería su amigo, Pipo Lernoud.
  11. Para Miguel, los Beatles eran una moda pasajera, hueca y sin sentido.
  12. Escapando del Servicio Militar Obligatorio, se fue a Brasil y viajó hasta el Amazonas con dos brasileros. Más tarde, declaró que fueron “los peores días de su vida”, porque sus compañeros enfermaron de malaria y él contrajo ladillas.
  13. Miguel creía en la libertad y en perder los prejuicios establecidos: es por eso que una noche decidió aceptar la propuesta de un amigo gay. Sin embargo, antes de sacarse la ropa, huyó de la escena.
  14. La mamá de Pipo le regaló el pasaje para que se fuera a Europa, tras enterarse de sus excesos. Allí abandonó la música por un tiempo.
  15. Vivió en casas abandonadas, conventillos, refugios naturales, en una mansión de la actriz Elisabeth Wiener y hasta en un castillo medieval francés.
  16. Su retorno a la música se dio en un restaurante vegetariano de Ibiza, el Double Duck.
  17. Se casó en una playa desierta con la futura madre de su hijo, Krisha. Vistió solo un pantalón ajustado y un saco blanco; ella usó una frazada de crochet envuelta como si fuera un vestido.
  18. En Francia trabajó recolectando uvas a cambio de un lugar donde dormir y confeccionaba cinturones. En su paso por Londres, consiguió un puesto en un restaurante de lujo.
  19. Tuvo un papel secundario en el musical español Hair, en Barcelona.
  20. Estuvo preso en una cárcel de Ibiza por ser un extranjero indocumentado.
  21. En la cárcel se hace amigo del cabecilla de una banda de ladrones al halagarle sus sandalias. Cuando se fugaron, Miguel encuentró las sandalias en su celda. Lo emocionó tanto que escribió un poema llamado “La fuga”.
  22. De España voló a Francia y lo rechazaron en el aeropuerto. Lo devolvieron a España y volvió a ir preso en Barcelona.
  23. Para pasar desapercibido en España, se peinaba con raya al medio, bigotes finos sobre el labio, usaba unos anteojos redondos con mucho aumento y un chaleco: el look le valió el apodo de “Calculín”.
  24. Mientras sus músicos se fueron de gira invitados por Charly García, encontró su rutina creativa inquebrantable: mañanas y mate para poder escribir.
  25. Consideraba que los hombres que muestran su lado femenino gozaban más.
  26. Acostumbraba a apodar a cualquier persona como “Mike”.
  27. Su bar favorito para tomar tragos era La esquina del sol, en Palermo Viejo.
  28. Iba todos los domingos a ver antigüedades a San Telmo.
  29. Una vez en Santa Clara del Mar, le pagó 100 dólares a un niño de la playa a cambio de caracoles.
  30. Sus compañeros lo definían -entre otras cosas-, como “un ariano cabeza dura”.

Ministerio de Cultura de Argentina

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Comenzó la Fiesta Provincial de Teatro de Entre Ríos

Del martes 13 al sábado 17 de marzo, se celebrará en la capital de Entre Ríos una nueva edición de la tradicional Fiesta Provincial de Teatro

¿Qué es?  Fiesta Provincial de Teatro de Entre Ríos 2018, que se desarrollará durante cuatro días en la capital de la provincia. Participarán 20 espectáculos, provenientes de Colón, Gualeguay, Gualeguaychú y Paraná, entre los cuales será seleccionado el que representará a la provincia en la próxima Fiesta Nacional.

¿Por qué ir? La función de apertura será de la obra invitada “Transforma Bestias”, del elenco santafesino La Gorda Azul (Premio a la Trayectoria Regional 2017 en la última Fiesta Nacional del Teatro).

El jurado de este año está compuesto por Haydée Isabel de León (Jurado Nacional de Calificación de Proyectos INT), Amelia Uzín (propuesta por la comunidad teatral entrerriana) y Juan Gibert (propuesto por la Secretaría de Turismo y Cultura de Entre Ríos).

¿Cuándo? Del martes 13 al sábado 17 de marzo.

¿Dónde? Las funciones se realizarán en el Centro Cultural y de Convenciones La Vieja Usina (Gregoria Matorras 861), la Sala Metamorfosis / Callejón de los Sueños (Alameda de la Federación 453), el Auditorio Rodolfo Walsh de la Facultad de Ciencias de la Educación de la UNER (Buenos Aires 389), el Auditorio Walter Heinze de la Escuela de Música, Danza y Teatro “Prof. Constancio Carminio” (Italia 61), y la sala Arandú Espacio de Arte (Bv. Racedo 289).

Las entradas tendrán un valor de 70 pesos por espectáculo y se podrán adquirir en las boleterías que se habilitarán en cada sala una hora antes de las funciones.

Programación completa

 

MIÉRCOLES 14

8.00 a 13:00| Seminario: Espacio Luz – Investigar desde la forma, dictado por Magali Acha | Lugar: Casa de la Cultura

18.00 | “Cuentos del fondo del mar” de Elenco Concertado | Autoras: Silvina Fontelles y Marta Zubieta | Dirección: Silvina Fontelles | Lugar: Arandú

19.30 | “Elsa y Anita” de Elenco Concertado | Autora: Soledad González | Dirección: Daniela Osella y Gabriela Trevisani | Lugar: Metamorfosis/Callejón de los Sueños

21.00 | “Verduras Imaginarias” de Sinergia Teatral | Autor: Martín Giner | Dirección: Emiliano Gabriel Farías | Lugar: La Vieja Usina

22.00 | “Malditos todos mis ex” de Los Desconocidos de Siempre y Joven Compañía del Teatro de Italia| Autores: Mariela Asensio y Reynaldo Sietecase | Dirección: Nora Cosso | Lugar: La Vieja Usina

JUEVES 15

8.00 a 13:00| Seminario: Espacio Luz – Investigar desde la forma, dictado por Magali Acha | Lugar: Casa de la Cultura

18.00 | “Una noche con Niní” de Ladran Sancho Compañía Teatral | Autor: Niní Marshall | Dirección: Renata Dallaglio | Lugar: Auditorio FCEDU/UNER

19.30 | “Diario de Olvidos” de Teatro del Bardo | Autoras: Valeria Folini y Laura Torres | Dirección: Valeria Folini | Lugar: Arandú

21.00 | “El Nieto” de Elenco Concertado | Autor: Santiago Varela | Dirección: Silvina Fontelles| Lugar: Metamorfosis/Callejón de los Sueños

22.00 | “Esa oficina de cartas muertas” del Grupo Teatral Mojiganga | Autora: Claudia Zaragoza | Dirección: Claudia Zaragoza | Lugar: La Vieja Usina

VIERNES 16

08.30 a 13:00 | Seminario “El Teatro de Objetos como Lenguaje Teatral”, dictado por Mónica Martínez | Lugar: Casa de la Cultura

18.00 | “La isla desierta” de La Morisqueta Teatro | Autor: Roberto Arlt | Dirección: Claudia Zaragoza | Lugar: Escuela de Música

19.00 | “Guía semanal de ideas” de Kesto Kelotro | Autor: Gastón Díaz| Dirección: Gastón Díaz | Lugar: Metamorfosis/Callejón de los Sueños

21.00 | “Bethesda” de Art-Teatro | Autor: Miguel Ángel Bazzuri | Dirección: Miguel Ángel Bazzuri | Lugar: La Vieja Usina

22.30 | “La escala humana” de Arandú Equipo de Teatro | Autores: Javier Daulte, Rafael Spregelburd y Alejandro Tantanián | Dirección: Jesús Fercher | Lugar: Arandú

SÁBADO 17

16.00 | Charla “El autor en su laberinto: la creación dramatúrgica en tiempos digitales”, dictada por Luis Sáez | Lugar: Escuela de Música

16.00 | “Coco presenta… Tito molesta – Juanita la cocinera” de Art-Teatro | Autor: Patricia Laura Bonato | Dirección: Miguel Ángel Bazzuri | Lugar: Escuela de Música

19.30 | “El corazón del actor” de Teatro del Bardo| Autores: Jorge Alberto Velozo Alvear y Walter Alberto Arosteguy| Dirección: Walter Alberto Arosteguy | Lugar: Arandú

21.00 | “Trópico del Plata” de Salida de Emergencia | Autor: Rubén Sabadini | Dirección: Gastón Díaz | Lugar: Metamorfosis/Callejón de los Sueños

22.00 | “M’hijo el dotor” de Elenco Concertado | Autor: Florencio Sánchez | Dirección: Mario Martínez | Lugar: Escuela de Música

Argentina

“A la conquista de la luna”, la muestra de mujeres en el Bellas Artes

Se trata de una muestra con obras de Diana Dowek, Elba Bairon, Graciela Sacco, Liliana Porter, Mónica Millán, Noemí Gerstein y Raquel Forner, que invita a reflexionar sobre el rol de la mujer en las artes visuales

“Tienes más talento que muchos de los artistas a quienes represento. Haría una muestra individual con tu obra, pero eres mujer”, le dijo una galerista a la pintora cubana Carmen Herrera. Como este tipo de anécdotas abundan en la sociedad que vivimos, y a partir de distintos movimientos feministas que luchan por la igualdad de derechos entre hombres y mujeres, también existen las artistas que desde su espacio combaten el relato hegemónico patriarcal, con el objetivo de revertir las desigualdades que han sufrido las mujeres a lo largo de la historia.

Durante este mes, y a propósito del Día Internacional de la Mujer, que se celebra en todo el mundo cada 8 de marzo, distintas instituciones llevarán a cabo actividades para celebrar, promover y reflexionar el rol de las mujeres en las sociedades del siglo XXI.

Entre ellos, el Museo Nacional de Bellas Artes inauguró la muestra “A la conquista de la luna”, donde se exponen hasta el 15 de abril obras de Diana Dowek, Elba Bairon, Graciela Sacco, Liliana Porter, Mónica Millán, Noemí Gerstein y Raquel Forner, artistas que encarnan con su producción no solo un lugar destacado en la historia del arte argentino, sino también en las luchas y reivindicaciones de la práctica pictórica femenina, a través del cuestionamiento a las imposiciones y las jerarquías de género.

Se dice que solo un cinco por ciento del acervo exhibido de cada museo pertenece a mujeres artistas. Y es que, sistemáticamente, fueron ellas quienes han sido relegadas frente a la producción masculina a la hora de exponer, consultar y, sobre todo, criticar para que formen parte de las páginas de la historiografía artística universal.

“Más allá de una cuestión de números, este escenario lleva a reflexionar sobre la manera en que se comprenden las imágenes y cómo se construyen las reglas en el mundo del arte. Las artistas que integran esta muestra desafiaron y transgredieron algunos de los sobreentendidos que han regido el arte y su producción”, expresó el director del Museo Nacional de Bellas Artes, Andrés Duprat.

Y agregó: “Con el uso de los grandes formatos y materiales como el hierro y otros metales pesados, estas artistas también enfrentaron los patrones de la femineidad en relación con las obras”.

Además, junto con esta exposición, el Bellas Artes se adhiere a la iniciativa del colectivo “Nosotras Proponemos”, con un apagón casi total en sus salas del primer piso. Hasta el 18 de marzo, entre las 18 y 18:30, se iluminarán solo las obras de artistas mujeres, con la intención de visibilizar su producción artística, y a favor de la igualdad de género en todos sus sentidos.

Mundo de mujeres

Con una obra por cada artista mujer, que se presenta en “A la conquista de la luna” –título inspirado en una de las piezas de Raquel Forner–, se trata de configurar un espacio único donde ellas son las protagonistas en pos y hacia una nueva historia.

Frente a una de ellas se escuchan sonidos de un río, de pájaros y otros animales; mientras tanto, la mirada se posa sobre tejidos suaves y coloridos, que invitan a recorrer el espacio con imaginación y poesía.

“En Misiones, un lugareño a orillas del río Paraná me cuenta que ese paisaje que estábamos mirando iba a desaparecer. Cobré conciencia de la inminencia de que las aguas iban a subir por la represa Yacyretá, que se estaba construyendo, y que gran parte de ese paisaje iba a quedar bajo el agua. Entonces, empecé a pensar en algo para recuperar o capturar de una forma poética ese paisaje”, contó la artista misionera Mónica Millán, autora de la instalación Picnic a orillas del río Paraná (2007).

Y agregó: “Armé dos expediciones a remo por el río Paraná, grabando y recolectando sonido ambiente. Luego, a raíz de un trabajo de la historiadora Laura Malosetti Costa, surgió la idea de hacer algo a propósito de mi viaje: entonces tejí un picnic que no tiene que ver exactamente con el paisaje que yo vi –este ya había desaparecido–, sino con algo idílico y soñado”.

Enmarcada como parte de esta muestra de mujeres, y en relación con los estereotipos y cosmovisiones construidos que han favorecido ciertos discursos sociales masculinos, Millán opinó:

“Uno está acostumbrado a una forma de funcionar que, a veces, no te das cuenta. Para mí, esta fue la única manera. Pero sí preferiría para la generación que viene que la historia sea otra, en el sentido de todo lo que estamos reclamando. En estos días de marzo se va a ver mucho en varias instituciones y exposiciones, a partir de las obras de mujeres artistas. Creo que de esta forma se va a ir poniendo en evidencia qué es lo que está sucediendo y, así, lograr que se tengan más en cuenta a las mujeres a lo hora de hacer concursos, becas, compra de obras, etc.”.

Otra pieza exhibida es la de Diana Dowek, Argentina 78 (1978). Fue construida durante el Mundial de Fútbol y se trata de un tríptico en el cual una pieza es un alambrado que encierra una tela en blanco; la otra –el reverso de una tela alambrada– es una especie de trampantojo porque, al estar pintada, crea una ilusión entre el resto de los elementos; la tercera solo presenta el alambre, como si la obra se hubiera escapado. “Se trata de un alegato contra la censura, la represión de la dictadura que hemos vivido, pero también a favor de la creación y de la libertad de expresión”, comentó Dowek.

A propósito de las actividades artísticas en el mes de la mujer, señaló: “Creo que de a poco se está rompiendo con el relato hegemónico masculino en la historiografía artística. Con el movimiento ‘Nosotras Proponemos’, y a través de los Museos, lo que se pretende es sacar a la luz a las mujeres invisibilizadas.

Durante toda la historia del arte, la mujer trabajaba, pero no tenía acceso a las escuelas, a la academia, a las becas, etc. Algunas se destacaron por su poder y talento, pero son muy pocas en la historia. A mí, personalmente, el machismo me jugó muy en contra, pero tuve quienes me apoyaron –hombres y mujeres– y pude hacerme ver, hacer mi camino. De cualquier manera, todavía la obra de una mujer no cuesta lo mismo que la de un hombre”.

n la muestra también hay obra de la boliviana Elba Bairon, que para la ocasión presentó una instalación de 1999, que toma el carácter de bodegón: una construcción de diferentes piezas que se relacionan a través de las distintas formas y espacios. Tal vez, puede abordarse como una naturaleza muerta geométrica, aunque, según Bairon, prefiere el término “orgánica”.

Bairon, por su parte, destacó: “El arte no tiene género. Quizá pueda imprimirse algo de eso en cada obra, pero creo que no tiene importancia. Hay obras que son muy poderosas y que a veces atañe más a lo masculino y otras a lo femenino. Sin embargo, hoy en día tanto un hombre como una mujer pueden hacer cualquier tipo de producción. Es decir, el lenguaje de la materia no tiene género. Creo que esto, políticamente, ha roto un poco el relato artístico de lo que se consideraba exclusivo para cierto género”.

Mujeres que inspiran

Mónica Millán:

 

“Elba Bairon, Cristina Schiavi, Adriana Bustos, Ana Gallardo, Marina De Caro son algunas de las mujeres que me han inspirado a lo largo de mi carrera. Son todas amigas con las cuales nos hemos construido todo el tiempo. Aprendí mucho con esas mujeres y con otras, por ejemplo, con tejedoras paraguayas y con mujeres sin tierra, con quienes estoy trabajando en un proyecto actual”.

Diana Dowek:

“A mí me inspiraron Raquel Forner; Käthe Kollwitz –una artista alemana que, en la época del nazismo, había ganado el Gran Premio Nacional y se lo sacaron por ser mujer y comunista–; Virginia Woolf, y Clara Zetkin, por supuesto, quien instaló el 8 de marzo como el Día de la Mujer Trabajadora”.

Elba Bairon:

“La artista francesa Louise Bourgeois fue una de las mujeres que más me inspiraron en la vida y, quizá, con ella puedo resumir una gran influencia en mi carrera profesional”.

 

*La muestra puede verse de martes a viernes de 11 a 20; y sábado y domingo de 10 a 20. La entrada es libre y gratuita.

Argentina

Por qué el poncho representa a la Argentina en el Año Iberoamericano de la Artesanía

Enterate en esta nota los tres requisitos que debe cumplir un objeto para ser considerado una artesanía

Argentina.-La Secretaría General Iberoamericana (SEGIB) —que nuclea a los Ministerios de Cultura de los países iberoamericanos—, el Espacio Cultural Iberoamericano (ECI) e Iberartesanías, impulsaron la denominación del “Año Iberoamericano de las Artesanías” entre julio 2017 y julio 2018, declarado por la XXV Cumbre Iberoamericana de Jefes de Estado y de Gobierno. El objetivo, además de promover y valorar el trabajo de los artesanos, es rescatar no solo la artesanía sino también las historias humanas que hay detrás.

Como parte de los esfuerzos regionales para visibilizar la importancia y necesidades del sector, los países que participan de Iberartesanías (México, Colombia, Chile, Perú, Paraguay, Uruguay, Cuba, Ecuador, Guatemala y Argentina) trabajaron en un calendario de actividades a realizarse durante el Año Iberoamericano de la Artesanía que incluye ferias, encuentros, seminarios y más.

El Ministerio de Cultura de la Nación participa del Año Iberoamericano de la Artesanía a través del Mercado Nacional de Artesanías Tradicionales de la República Argentina (MATRA), con el poncho como principal producto artesanal de Argentina.

Sobre esta prenda, Roxana Amarilla, directora del MATRA, dice: “Es una prenda indígena suramericana que tiene arqueología e historia. El poncho argentino identifica al país en cualquier lugar. Tenemos variedad y diversidad en todas las regiones y la producción de poncho en el país es una de las más sólidas, entonces nosotros mostramos esa diversidad increíble de ponchos para celebrar el Año Iberoamericano de las artesanías”.

¿Con qué características debe cumplir una pieza para ser considerada artesanía?

“En general se acude a un concepto de la UNESCO que define a las artesanías como objetos hechos a mano con procedimientos y técnicas generalmente transmitidas de generación en generación, con materias primas locales y naturales, aunque también las hay con materia prima industrial por los cambios en el ambiente. Pero en Argentina tenemos mucha materia prima natural y producción de artesanías con materia prima natural”, dice Amarilla.

“Los objetos artesanales –señala– tienen tres características: son funcionales, es decir, cumplen una función: se usan para cocinar, decorar o ponérselos si es ornamento, para abrigarse o manejar un caballo; un 60% del objeto tiene que estar hecho con materia prima transformada por el artesano; y deben ser bellos, se busca la belleza, un objeto funcional que tenga belleza. Esas son las características generales de la artesanía. En los países iberoamericanos hay un gran potencial de artesanías y dentro de ese gran potencial, Argentina es un país importante. Nosotros ahí acudimos al poncho como imagen porque es nuestro objeto artesanal más representativo”.

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34 frases de Cortázar, a 34 años de su partida

Extractos, frases y reflexiones cortazarianas; la prosa única del escritor argentino nacido en Bruselas, dividido en 34 partes, una por cada año sin él

  1. «¿Encontraría a la Maga?»
  2. “Creo que todos tenemos un poco de esa bella locura que nos mantiene andando cuando todo alrededor es tan insanamente cuerdo”.
  3. “Yo ya era así antes de que tú llegaras, caminaba por las mismas calles y comía las mismas cosas. Incluso antes de que llegaras yo ya vivía enamorado de ti y a veces, no pocas, te extrañaba como si supiera que me hacías falta”.
  4. “En suma, desde pequeño, mi relación con las palabras, con la escritura, no se diferencia de mi relación con el mundo en general. Yo parezco haber nacido para no aceptar las cosas tal como me son dadas”.
  5. “Probablemente de todos nuestro sentimientos el único que no es verdaderamente nuestro es la esperanza. La esperanza le pertenece a la vida, es la vida misma defendiéndose”.
  6. “Nunca se lo había explicado antes, no crea que por deslealtad, pero naturalmente uno no va a ponerse a explicarle a la gente que de cuando en cuando vomita un conejito”
  7. «La tarea de ablandar el ladrillo todos los días, la tarea de abrise paso en la masa pegajosa que se proclama mundo, cada mañan topar con el paralepípedo de nombre repugnante, con la satisfacción perruna de que todo esté en su sitio, la misma mujer al lado, los mismos zapatos, el mismo sabor de la misma pasta dentífrica, la misma tristeza de las casas de enfrente, del sucio tablero de ventanas de tiempo con su letrero «Hotel de Belguique»”.
  8. “Toco tu boca, con un dedo toco el borde de tu boca, voy dibujándola como si saliera de mi mano, como si por primera vez tu boca se entreabriera, y me basta cerrar los ojos para deshacerlo todo y recomenzar, hago nacer cada vez la boca que deseo, la boca que mi mano elige y te dibuja en la cara, una boca elegida entre todas, con soberana libertad elegida por mí para dibujarla con mi mano por tu cara, y que por un azar que no busco comprender coincide exactamente con tu boca que sonríe por debajo de la que mi mano te dibuja”.
  9. “Amor mío, no te quiero por vos ni por mí ni por los dos juntos, no te quiero porque la sangre me llame a quererte, te quiero porque no sos mía, porque estás del otro lado, ahí donde me invitás a saltar y no puedo dar el salto, porque en lo más profundo de la posesión no estás en mí, no te alcanzo, no paso de tu cuerpo, de tu risa, hay horas en que me atormenta que me ames (cómo te gusta usar el verbo amar, con qué cursilería lo vas dejando caer sobre los platos y las sábanas y los autobuses), me atormenta tu amor que no me sirve de puente porque un puente no se sostiene de un solo lado, jamás Wright ni Le Corbusier van a hacer un puente sostenido de un solo lado, y no me mires con esos ojos de pájaro, para vos la operación de] amor es tan sencilla, te curarás antes que yo y eso que me querés como yo no te quiero”.
  10. “Así habían empezado a andar por un París fabuloso, dejándose llevar por los signos de la noche, acatando itinerarios nacidos de una frase de clochard, de una bohardilla iluminada en el fondo de una calle negra, deteniéndose en las placitas confidenciales para besarse en los bancos o mirar las rayuelas, los ritos infantiles del guijarro y el salto sobre un pie para entrar en el Cielo”.
  11. «Dejó de leer el relato en el punto donde un personaje dejaba de leer el relato en el lugar donde un personaje dejaba de leer y se encaminaba a su casa donde alguien que lo esperaba se había puesto a leer un relato para matar el tiempo y llegaba al lugar donde un personaje dejaba de leer y se encaminaba a la casa donde alguien que lo esperaba se había puesto a leer un relato para matar el tiempo».
  12. “Después bebí otro poco de la canilla y me volví a mi pieza que estaba arriba, subiendo una escalera de fierro donde una vez a los nueve años me disloqué un tobillo. Cuando iba a encender la vela de la mesa de luz una mano caliente me agarró por el hombro, sentí que cerraban la puerta, otra mano me tapó la boca, y empecé a oler a catinga, el negro me sobaba por todos lados y me decía cosas en la oreja, me babeaba la cara, me arrancaba la ropa y yo no podía hacer nada, ni gritar siquiera porque sabía que me iba a matar si gritaba y no quería que me mataran, cualquier cosa era mejor que eso, morir era la peor ofensa, la estupidez más completa”.
  13. «Hay que ser justos- dijo la Maga-. Pola es muy hermosa, lo sé por los ojos con que me miraba Horacio cuando volvía de estar con ella, volvía como un fósforo cuando se lo prende y le crece de golpe todo el pelo, apenas dura un segundo, pero es maravilloso, una especie de chirrido, un olor a fósforo muy fuerte y esa llama enorme que después se estropea».
  14. “Su memoria retenía sin esfuerzo los nombres y las imágenes de los protagonistas; la ilusión novelesca lo ganó casi en seguida. Gozaba del placer casi perverso de irse desgajando línea a línea de lo que lo rodeaba, y sentir a la vez que su cabeza descansaba cómodamente en el terciopelo del alto respaldo, que los cigarrillos seguían al alcance de la mano, que más allá de los ventanales danzaba el aire del atardecer bajo los robles”.
  15. “Nos gustaba la casa porque aparte de espaciosa y antigua (hoy que las casas antiguas sucumben a la más ventajosa liquidación de sus materiales) guardaba los recuerdos de nuestros bisabuelos, el abuelo paterno, nuestros padres y toda la infancia”.
  16. “De cuando en cuando ocurría que las palabras de los muertos coincidían con lo que estaban pensando los vivos (sí unos estaban vivos y los otros muertos)”.
  17. -Usted ha repetido varias veces la palabra “cosa” –dijo Gregorovius-. No es elegante, pero en cambio muestra muy bien lo que le pasa a Horacio. Una víctima de la cosidad, es evidente.
    -¿Qué es la cosidad? –dijo la Maga.
    -La cosidad es ese desagradable sentimiento de que allí donde termina nuestra presunción empieza nuestro castigo.
  18. “Dejando de lado los motivos, atengámonos a la manera correcta de llorar, entendiendo por esto un llanto que no ingrese en el escándalo, ni que insulte a la sonrisa con su paralela y torpe semejanza. El llanto medio u ordinario consiste en una contracción general del rostro y un sonido espasmódico acompañado de lágrimas y mocos, estos últimos al final, pues el llanto se acaba en el momento en que uno se suena enérgicamente. Para llorar, dirija la imaginación hacia usted mismo, y si esto le resulta imposible por haber contraído el hábito de creer en el mundo exterior, piense en un pato cubierto de hormigas o en esos golfos del estrecho de Magallanes en los que no entra nadie, nunca. Llegado el llanto, se tapará con decoro el rostro usando ambas manos con la palma hacia adentro. Los niños llorarán con la manga del saco contra la cara, y de preferencia en un rincón del cuarto. Duración media del llanto, tres minutos”.
  19. “Entender el puré como una epifanía. Damn the language. Entender. No inteligir: entender. Una sospecha de paraíso recobrable: No puede ser que estemos aquí para no poder ser”.
  20. “Los rasgos antropomórficos de un mono revelan, al revés de lo que cree la mayoría, la distancia que va de ellos a nosotros”.
  21. “En el restaurante de los cronopios pasan estas cosas, a saber que un fama pide con gran concentración un bife con papas fritas, y se queda deunapieza cuando el cronopio camarero le pregunta cuántas papas fritas quiere”.
  22. “Los famas para conservar sus recuerdos proceden a embalsamarlos en la siguiente forma: Luego de fijado el recuerdo con pelos y señales, lo envuelven de pies a cabeza en una sábana negra y lo colocan parado contra la pared de la sala con un cartelito que dice: Excursión a Quilmes, o: Frank Sinatra”.
  23. «Apenas se entreplumaban, algo como un ulucordio los encrestoriaba, los extrayuxtaba y paramovía, de pronto era el clinón, la esterfurosa convulcante de las mátricas, la jadehollante embocapluvia del orgumio, los esproemios del merpasmo en una sobrehumítica agopausa».
  24. «No sé hablar de la felicidad pero eso no quiere decir que no la haya tenido».
  25. “Un señor toma un tranvía después de comprar el diario y ponérselo bajo el brazo. Media hora más tarde desciende con el mismo diario bajo el mismo brazo. Pero ya no es el mismo diario, ahora es un montón de hojas impresas que el señor abandona en un banco de la plaza”.
  26. “El calor de agosto se sumaba a ese tiempo a ras de neumáticos para que la inmovilidad fuese cada vez más enervante. Todo era olor a gasolina, gritos destemplados de los jovencitos del Simca, brillo del sol rebotando en los cristales y en los bordes cromados, y para colmo sensación contradictoria del encierro en plena selva de máquinas pensadas para correr”.
  27. “Remolcándolo poco a poco lo trajo hasta la orilla, tomó en brazos el cuerpo vestido de blanco, y tendiéndolo en la arena miró la cara llena de espuma donde la muerte estaba ya instalada, sangrando por una enorme herida en la garganta”.
  28. “Como sueño era curioso porque estaba lleno de olores y él nunca soñaba olores. Primero un olor a pantano, ya que a la izquierda de la calzada empezaban las marismas, los tembladerales de donde no volvía nadie. Pero el olor cesó, y en cambio vino una fragancia compuesta y oscura como la noche en que se movía huyendo de los aztecas”.
  29. «Por eso no seremos nunca la pareja perfecta, la tarjeta postal, si no somos capaces de aceptar que sólo en la aritmética el dos nace del uno más el uno».
  30. «Todo lo que de vos quisiera es tan poco en el fondo porque en el fondo es todo».
  31. «Contó que en un autobús de la línea 95 había visto a un chico de unos trece años, y que al rato de mirarlo descubrió que el chico se parecía mucho a él, por lo menos se parecía al recuerdo que guardaba de sí mismo a esa edad. Poco a poco fue admitiendo que se le parecía en todo, la cara y las manos, el mechón cayéndole en la frente, los ojos muy separados, y más aun en la timidez, la forma en que se refugiaba en una revista de historietas, el gesto de echarse el pelo hacia atrás, la torpeza irremediable de los movimientos».
  32. «Suspirando, borró en una especie de, porque detestaba las facilidades del idioma, y pensó que ya no podría seguir trabajando hasta después de cenar; pronto llegarían los niños de la escuela y habría que ocuparse de los baños, de prepararles la comida y ayudarlos en sus¿Por qué en mitad de una enumeración tan sencilla había como un agujero, una imposibilidad de seguir?».
  33. «Sólo viviendo absurdamente se podría romper alguna vez este absurdo infinito»
  34. “En un pueblo de Escocia venden libros con una página en blanco perdida en algún lugar del volumen. Si un lector desemboca en esa página al dar las tres de la tarde, muere”.

https://www.cultura.gob.ar

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Conocé la historia de Sarmiento y el Carnaval

Durante su presidencia en 1869, Sarmiento restablece la celebración de esta festividad popular

¿Qué es? Exposición sobre la relación de Domingo Faustino Sarmiento y las fiestas de carnaval. En 1873, los integrantes de la comparsa “Los habitantes de la Luna” lo nombraron como «Emperador de las máscaras” y obsequiaron una medalla alusiva, que se exhibe en el museo

¿Por qué ir? Para conocer más sobre la historia de los corsos, las murgas, los juegos de agua, los tambores  y disfraces

¿Cuándo? 9 de febrero de 2018, se mantiene hasta 9 de marzo

¿Dónde? Museo y Biblioteca Casa Natal de Sarmiento

Entrada libre y gratuita

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La Joven Guarrior en el Carnaval de Dorrego

La ciudad del sur bonaerense festeja el carnaval con música, baile, desfiles y actividades para toda la familia

¿Qué es? El Carnaval de Dorrego es una fiesta familiar con música, danzas, desfile popular, paseo de artesanos y puestos de comidas. Este año cuenta con la asistencia artística del Programa Festejar del Ministerio de Cultura de la Nación, mediante cuyo aporte se presentará la banda pampeana La Joven Guarrior, que combina en su espectáculo música, teatro, poesía y humor.

¿Por qué ir? Además de participar en las actividades y propuestas típicas del carnaval y disfrutar del show de La Joven Guarrior, podrás bailar y divertirte con Cumbia Manija de la Ciudad de Bahía Blanca. También habrá desfile popular con la participación de clubes y escuelas de verano.

¿Dónde? Plaza Manuel Dorrego, ciudad de Coronel Dorrego, provincia de Buenos Aires

¿Cuándo? Viernes 16 de febrero a partir de las 19.30

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Qué celebra la Changola Fest, la fiesta popular más innovadora de Cachi

La edición de este año tiene lugar el 27 y 28 de enero

La fiesta

Desde su primera edición, en el año 2015, se realiza en la Plaza Principal de Cachi -pueblo de los Valles Calchaquíes-, ya que es un lugar amplio que funciona como foco de fiestas patronales y actos patrióticos.

Este evento, único y pionero en el país, fue ideado por Leandro Gabriel Giménez junto a Distrito Flow Kakan -un grupo de chicos y jóvenes de entre 6 y 20 años- para difundir y premiar a los artistas de la copla, la payada, la recitación y el rap y acercar al público tradicionalista y contemporáneo. El objetivo es demostrar que “la buena música no se encuentra en un género musical si no en la calidad del artista y su expresión”, dicen los organizadores.

El festejo es considerado por muchos como un evento “under”. Quienes participan son artistas emergentes, no son consagrados por la industria y esta plataforma les permite la difusión de sus trabajos. Durante la última edición participaron también folcloristas, rockeros, artistas plásticos y actores, entre otros. La edición 2018 será el 27 y 28 de enero y la entrada es libre y gratuita.

Cómo nace el nombre

“El Changola es un ser de fantasía que nos representa. Es un «chango», un joven que viste con pantalones anchos, remeras estampadas, usa poncho y gorro coya. Encarna el sincretismo en el que vivimos los pueblos del norte”, explica Leandro Gabriel Giménez, organizador del evento.

En Cachi, la gente celebra la Pachamama, una ceremonia pre hispánica que combina la bebida llamada “chicha”, el rezo y las estampitas.

A pesar de que el mismo pueblo cuestionaba el rap que los niños escuchaban y cantaban, Leandro afirma que “es muy importante que nuestros abuelos estén presentes, ellos nos enseñan, dejan su semilla para que alguien la siga. Vienen copleros de antaño al festival”.

La provincia siempre apoyó eventos más tradicionales. Sin embargo, con sus escasos 3 años, la Changola Fest ya ocupa un lugar en el calendario turístico. “Buscamos que el ritmo y la poesía sea lo que mantenga vivo el evento, que los artistas traigan sus poesía con sus cajas, guitarras y acompañamiento instrumental y se vengan a conocer y encontrar gracias a esta mixtura”, concluye Giménez.

Artistas

En esta 3° edición, invitados por el Programa Festejar del Ministerio de Cultura de la Nación, los payadores Emanuel Gabotto y Pablo Gallastegui estarán compartiendo sus rimas y contrapuntos, junto a Hugo Alcoba, Pacha Salamanca, Dos Faroles, Rey Macabro y a las copleras Otilia Burgos, La Coplerita y Paula Pintos; los raperos KC, Criptom, Negro Gonzalez y Nacho, Neutro, Exorap, XC, Lucas Fabián y las recitadoras Alina Morales e Hilda Corimayo.

Sobre Cachi

Cachi un pequeño municipio ubicado en los valles Calchaquíes, provincia de Salta. Es conocido por sus casas de adobe y sus edificios coloniales blancos. En el centro se encuentra la iglesia de San José, de la época colonial española. El cercano Museo Arqueológico de Cachi Pío Pablo Díaz alberga objetos de los yacimientos de la zona, algunos de los cuales tienen 10.000 años de antigüedad. Al noroeste se encuentran las montañas cubiertas de nieve del Nevado de Cachi, que pueden verse desde el municipio.

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Por qué Corrientes celebra a San Baltazar, el «santo negro»

El litoral argentino le rinde culto el 6 de enero de cada año mediante actos religiosos, ofrendas y bailando charanda en las calles

Del 5 al 7 de enero, en la ciudad de Corrientes se celebra la fiesta de San Baltazar o Santo Kambá, considerado el Santo Rey del Candombe, basado en uno de los tres reyes magos de la epifanía cristiana. En sus ceremonias, se rinde culto mediante toques, bailes y danzas de influencia africana, como las charandas, zembas y candombes. La de San Baltazar –que forma parte del programa Festejar del Ministerio de Cultura de la Nación, es una de las fiestas mas importantes de la Comunidad Afrodescendiente. ¿Por qué la comunidad afro rinde culto a este santo y por qué la fiesta se celebra en Corrientes?

La fiesta del «mago» afro

La Biblia dice que viajó en camello junto a Gaspar y a Melchor, guiados por una estrella fugaz que los llevó hasta Jesús nacido en Belén, a quien presentaron ofrendas de oro, incienso y mirra. La historia presenta varias contradicciones alrededor de ellos: que no eran 3 sino 12, que no eran de Oriente, sino de Adalucía, que Baltazar no era negro, que no eran reyes, sino solamente “magos” (palabra que proviene del persa “ma-gu-u-sha”, que significa sacerdote).

Adoración de los reyes magos, Diego Velázquez

Fue canonizado a comienzos del cristianismo y venerado en toda América por la población afrodescendiente, que comenzó a celebrar el culto al también llamado Santo Cambá -proveniente de kambá, que significa “negro” en guaraní-, desde fines de 1700. Sin embargo, el auge fue entre los años 1920 y 1930.

En Corrientes se homenajea al Santo con una fiesta que se realiza durante dos días en el tradicional Parque “Camba Cuá” (cuyo significado es “cueva de negros” en guaraní) desde hace 24 años. Fue denominado así de forma despectiva por la elite de la sociedad del siglo XIX, ya que se trataba de un asentamiento de afrodescendientes que dejaron fuertemente arraigadas sus raíces culturales en la historia de la ciudad. En su interior, mantiene el espíritu humilde que se ve reflejado durante la fiesta, oportunidad donde se recuerda también, el centenario legado de la afrodescendencia.

Actualmente, existe una Cofradía de San Baltazar, que se encuentra integrada por varias familias que se reúnen en la ermita del Santo Negro para realizar el tradicional toque de tambores y el baile en honor al santo como actividad central de la celebración.

La comunidad afro en Corrientes

Hay distintas versiones sobre los orígenes del culto a San Baltazar en la Provincia de Corrientes. Algunos lo atribuyen a la llegada de inmigrantes provenientes de Paraguay, otros dicen que surge a partir de la llegada de antepasados afro escapados de Brasil y, por último, otros consideran que fue gracias a los soldados del ejército de Artigas.

La corriente de pensamiento que tiene al frente al antropólogo Norberto Pablo Cirio ubica el origen de esta fiesta a la Cofradía de San Baltazar y Ánimas creada por el clero de Buenos Aires para negros, mulatos e indios de la Ciudad. Aunque esta Cofradía habría sido disuelta en 1856.

El tradicional toque de tambores, misa y procesión en homenaje al “santo de los cambá” fue creciendo año tras año en las últimas décadas, congregando a miles de vecinos, ciudadanos, visitantes y fieles que se acercan todos los 5 y 6 de enero para celebrar la víspera y la jornada en honor a San Baltazar. La celebración cuenta con gran participación de toda la comunidad, demostrando año a año que este rito se encuentra fuertemente arraigado en la identidad correntina, reivindicando las raíces afro aún presentes en el pueblo.

Fuente: https://www.cultura.gob.ar / cultura argentina

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“Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino” llegó a Córdoba

El Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Caraffa” es el último destino de esta itinerancia. Podés visitarla hasta el 15 de marzo de 2018

¿Qué es? La muestra itinerante «Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino» reúne 79 obras de la colección del Museo, en diálogo con piezas de artistas contemporáneos de todas las provincias. Organizada por el Ministerio de Cultura de la Nación, a través de la Secretaría de Patrimonio Cultural, y el Museo Nacional de Bellas Artes, la muestra recorre dos siglos de arte argentino a través de un corpus de destacadas piezas pertenecientes a la colección del Bellas Artes −algunas de ellas, exhibidas por primera vez fuera de la institución− y un conjunto de obras de artistas contemporáneos de todas las provincias.

Esta selección −que incluye pinturas, esculturas, grabados, dibujos, fotografías, instalaciones, objetos y videoarte− establece un diálogo entre estilos, poéticas y materialidades diversas, a partir de la propuesta curatorial del director del Museo Nacional de Bellas Artes, Andrés Duprat, y del director de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Tucumán, Jorge Gutiérrez.

La exhibición se organiza en cuatro núcleos temáticos que se apartan del orden cronológico: Paisaje y territorio, Visiones sobre la subjetividad, Los cambios sociales, y Vanguardia y abstracción.

¿Por qué ir? Es una oportunidad para conocer obras de destacados artistas que por primera vez son exhibidas fuera del Museo Nacional de Bellas Artes, entre ellos, Prilidiano Pueyrredón, Pío Collivadino, Cándido López, Lino Enea Spilimbergo, Juan Carlos Castagnino, Ramón Gómez Cornet, Cesáreo Bernaldo de Quirós, Antonio Berni, Raquel Forner, Alejandro Xul Solar, María Martorell, Emilio Pettoruti, Grete Stern, Antonio Seguí, Annemarie Heinrich, León Ferrari, Luis Felipe Noé, Sara Facio, Rómulo Macció, Carlos Alonso, Norberto Gómez, Juan Carlos Distéfano, Marta Minujín, Guillermo Kuitca, Pablo Siquier, Marcos López y Liliana Maresca. A ellos se suman los creadores contemporáneos Guido Yannitto (Mendoza- Salta), Marcelo Abud (Jujuy), Leticia El Halli Obeid (Córdoba), Matías Duville (Buenos Aires), Tomás Espina (Buenos Aires), Rosalba Mirabella (Tucumán), José Ballivián (La Paz, Bolivia), Ariel Mora (Neuquén), Walter Tura (Formosa), Cecilia Teruel (Santiago del Estero) y Gustavo Groh (Tierra del Fuego), entre otros, lo que permite inscribir sus obras en algunas de las más importantes tradiciones plásticas del país.

Luego de su inauguración, el 1° de julio de 2016 en San Miguel de Tucumán, “Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino” visitó las ciudades de Rosario, Mar del Plata, Neuquén, Salta y San Juan. Hasta el 15 de marzo puede visitarse en Córdoba, último destino de esta itinerancia.

¿Dónde? Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Caraffa”Av. Poeta Lugones 411, Córdoba

¿Cuándo? Martes a domingos y feriados de 10 a 20 h

Horario de enero: Martes a domingos de 10 a 13 h y de 18 a 21 h

Lunes 25 de diciembre y 1º de enero: cerrado

 

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80 años del Museo Nacional de Arte Decorativo: su historia en fotos

El 18 de diciembre de 1937, luego de adquirir la residencia y la colección de arte que perteneció al diplomático chileno Matías Errázuriz y su esposa Josefina de Alvear, por iniciativa de sus hijos se creó el Museo Nacional de Arte Decorativo.

El 18 de diciembre de 1937, con la adquisición de la residencia y la colección de arte del diplomático chileno Matías Errázuriz y su esposa Josefina de Alvear –descendientes de una familia aristocrática de origen español, que llegaron a América durante el siglo XVIII–, se creó el Museo Nacional de Arte Decorativo.

Fue por iniciativa de sus hijos, luego de la muerte de Josefina.

 

La residencia

El edificio fue diseñado por el arquitecto francés René Sergent y es un buen ejemplo del estilo ecléctico de Francia, de gran auge en la ciudad de Buenos Aires a principios del siglo XX. Cuenta con un pequeño salón decorado en estilo Art Déco temprano, realizado por el artista catalán José María Sert.

También se destacan cuatro paneles pintados al óleo, uno de ellos sobre espejo. Esa sala es la única de la casa con decoración del siglo XX.

El jardín

La residencia tiene también un imponente jardín de estilo francés, que funciona como prolongación de los salones de recepción.

El eje central de la composición es la fuente de los cisnes, rodeada por parterres de boj recortado que evocan diseños del Palacio de Versalles.

La colección

Posee 6000 objetos: desde esculturas romanas hasta creaciones artesanales de platería contemporánea. El mayor interés de la colección está en las piezas de artes decorativas europeas y orientales, esculturas y pinturas de los siglos XVI a XIX.

Entre las piezas destacadas, está el conjunto de miniaturas europeas de los siglos XVI al XX –el más importante en su tipo–; Jesús con la cruz a cuestas, un óleo sobre tela de El Greco; tapices del siglo XVI; La eterna primavera, una escultura de Auguste Rodin, y un reloj de bronce que fue un regalo de boda para los reyes Luis XVI y María Antonieta.

 

Fuente: Cultura.gob.ar

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La Banda Sinfónica Nacional de Ciegos ofrece el último concierto del año

Interpretará un repertorio clásico y popular

¿Qué es? 

La Banda Sinfónica Nacional de Ciegos culmina el año de su 70° aniversario con un concierto especial bajo la dirección de Rodrigo González Jacob.

¿Por qué ir? 

Para escuchar en la interpretación de estos talentosos músicos obras del repertorio clásico y popular. El profgrama abarcará:

Egmont (Ouverture Op. 84) de Ludwig van Beethoven

2° Suite de Gustav Holst

Porgy and Bess de George Gershwin

Oblivion de Astor Piazzolla y Horacio Ferrer

Chiquilin de Bachín de Astor Piazzolla y Roberto Goyeneche

La Trampera de Aníbal Troilo

¿Cuándo? 

Sábado 16 de diciembre, a las 18.

¿Dónde? 

Centro Nacional de la Música, México 564, Ciudad de Buenos Aires.

Entrada gratuita.

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Por qué se festeja el Día Nacional del Tango

Se celebra el 11 de diciembre en homenaje a Gardel y De Caro, dos iconos de una de las mayores expresiones de la cultura argentina

Una noche de 1965, el compositor y productor artístico Ben Molar (cuyo nombre real era Moisés Smolarchik Brenner) estaba en camino a la casa del director de orquesta y compositor de tango Julio De Caro, para festejar su cumpleaños, cuando se le ocurrió una idea. Se dio cuenta de que el 11 de diciembre coincidían los cumpleaños de De Caro y de Gardel, los mayores exponentes de dos vertientes del tango, símbolo de la cultura nacional. Julio De Caro era la música. Gardel, la voz. Así es que tomó la iniciativa: ese mismo año, Molar presentó a la Secretaria de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires la propuesta de declarar el 11 de diciembre Día Nacional del Tango en homenaje a ellos.

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Pero aunque contó con el apoyo de varios organismos –la Sociedad Argentina de Autores y Compositores (Sadaic), la Sociedad General de Autores de la Argentina (Argentores), la Sociedad Argentina de Escritores (SADE), la Casa del Teatro, el Sindicato Argentino de Músicos (Sadem), la Unión Argentina de Artistas de Variedades (Uadav ), la Academia Porteña del Lunfardo, Radio Rivadavia, la Fundación Banco Mercantil, La Gardeliana, la Asociación Argentina de Actores y la Asociación Amigos de la Calle Corrientes–, tuvieron que pasar doce años para que aprobaran la celebración mediante Decreto Municipal, el 29 de noviembre de 1977, y Nacional el 19 de diciembre de ese mismo año. Desde entonces, todos los 11 de diciembre se celebra el Día Nacional del Tango.

Julio De Caro. Nació en Buenos Aires, el 11 de diciembre de 1899. Aunque su padre quería que él estudiara piano y su hermano, Francisco, violín, los niños intercambiaron los instrumentos. Así, Julio no solo se convertiría en violinista sino también en director de orquesta y compositor de tango. Se inició en la segunda década del siglo XX, junto a los grandes creadores de la época (como Eduardo Arolas, Roberto Firpo y otros) que habían transformado el tango y recibió la influencia de los primeros grandes melodistas del género —como Juan Carlos Cobián y Enrique Delfino—. Empapado de estas tendencias, De Caro formó un sexteto con el que fundó, desde 1924, un nuevo estilo en el tango. Este trascendería de tal modo en la historia posterior del género que, no solo terminaría constituyéndose como otra vertiente, sino que se lo reconocería como “la escuela decareana”,  representante del plano instrumental, diferenciándose de la “escuela gardeliana” (por Carlos Gardel) en el vocal. Ambas se consolidaron como modelos de interpretación del tango y fueron las máximas exponentes en sus respectivos ámbitos. De Caro falleció en Mar del Plata, el 11 de marzo de 1980. En palabras del periodista Julio Nudler “conservó la esencia del tango arrabalero, bravío y lúdico de los iniciadores, pero fundiéndolo con una expresividad sentimental y melancólica desconocida hasta entonces, reconciliando así la raíz criollista con la influencia europeizante. Su mayor formación académica le permitió envolver su mensaje en un lenguaje musical depurado, de inefable seducción”.

Carlos Gardel. El zorzal criollo. Cantante, compositor y actor argentino nacido en Toulouse, Francia 1890 o quizás en Tacuarembó, Uruguay, en 1887, y fallecido el 24 de junio de 1935 en un accidente aéreo, en Medellín, Colombia. Aunque hasta hoy no hay acuerdos con respecto a su lugar de origen, se sabe que nació un 11 de diciembre y que, independientemente del lugar de nacimiento, fue argentino. Vivió en Buenos Aires desde su infancia y se nacionalizó en esta tierra en 1923. Iniciador y máximo exponente del tango canción, es el representante del género más célebre de la historia del tango. Por la calidad de su voz, por la cantidad de discos vendidos, por sus muchas películas relacionadas con el tango y por su repercusión mundial, fue uno de los intérpretes más importantes de la música popular en la primera mitad del siglo XX. A través de los años, Gardel, su imagen y su voz, se conviertieron en símbolo de la cultura, mito y leyenda. Hasta tal punto que, en 2003, la Unesco registró su voz en el programa Memoria del Mundo, dedicado a la preservación de documentos pertenecientes al patrimonio histórico de los pueblos del mundo. Adorado e idolatrado masivamente, especialmente en Argentina y en Uruguay, el zorzal criollo no deja de despertar suspiros y confirmar que “cada día canta mejor”.

Fuente: Ministerio de Cultura Argentina/Presidencia de la Nación

Argentina

Cómo se restauran las películas

Trabajadores de la Cinemateca y Archivo de la Imagen Nacional (CINAIN) nos cuentan el paso a paso del proceso que protege el patrimonio cultural audiovisual

El domingo 26 de noviembre de 2017 concluyó el 32° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Entre las más de 300 películas que se proyectaron, de todos los géneros y más de 90 nacionalidades, el público también pudo disfrutar de algunos clásicos del cine restaurados por profesionales. Pero, ¿cómo es el recorrido para obtener buenos resultados? El proceso tiene sus bemoles y complejidades. Para conocer más sobre los procedimientos de restauración de películas, trabajadores del CINAIN detallaron el paso a paso de la conservación. A continuación, sintetizamos algunos puntos esenciales:

  1. La restauración del material fílmico digital comprende distintas etapas que van desde la identificación de los materiales con los que se trabajará (en muchos casos su reparación física), hasta los tratamientos digitales de corrección de color, el formato y soporte final de exhibición y, por supuesto, el soporte en el que se lo preservará a largo plazo. Se puede restaurar todo aquello que se ha conservado, considerándose como materiales de mayor valor para la restauración los negativos originales en fílmico pero también todo material que pueda ayudar al proceso de investigación que se requiere realizar en todo proyecto de restauración audiovisual.
  2. La complejidad de restaurar películas más antiguas o más nuevas depende de diversas variables. Los films viejos se ven afectadas por el mayor paso del tiempo, lo que supone una mayor posibilidad de que el material se haya degradado. Pero también influyen las condiciones en las que haya sido preservada la obra audiovisual, esto es, si ha sido conservada mediante sus negativos originales o cuáles son los materiales con los que se cuentan para poder iniciar el proyecto de restauración. Además del paso del tiempo, otros factores de conservación pueden iniciar los procesos de descomposición, como la temperatura, la humedad y ventilación del sitio donde se las guarde. Asimismo hay que considerar el tipo de soporte en el que haya sido realizada la obra, dado que los filmes más antiguos (previos a 1930) presentan diversos formatos que requieren de un trabajo mucho mayor al no corresponderse con los estándares industriales adoptados tiempo después. Otra dificultad no menor es el hecho de que los artistas involucrados en la obra no se encuentren vivos, ya que es indispensable la supervisión en términos no sólo técnicos sino también estéticos con respecto a la restauración. Por ejemplo, en el caso de una de las película restauradas por CINAIN –conjuntamente con Dac y su Plan Recuperar– para el Festival de Mar del Plata, Pizza, Birra, Faso, el proceso fue supervisado por sus directores Bruno Stagnaro y Adrián Caetano, pero también por su director de fotografía Marcelo Lavintman que tuvo que determinar los aspectos técnicos que permitieran restaurar la película según la visión que se tuvo en el momento de su estreno, teniendo en cuenta que su proyección original fue en fílmico y que la película poseía un tipo particular de grano, de «definición» de la imagen, por haber sido rodada en 16mm. y ampliada a 35mm. Hoy, con la tecnología digital de proyección, debió tomarse una decisión técnica para respetar esa decisión estética original.
  3. En la actualidad restaurar películas es tanto una problemática como una necesidad de la industria cinematográfica que tiene que ver con la necesidad de preservar nuestro patrimonio cultural, en este caso específico, el patrimonio audiovisual. La Ley de CINAIN fue sancionada en 1999 y en ella se declaraba la emergencia del patrimonio fílmico. Se cree, a partir de datos aproximados, que casi la totalidad del cine mudo y más de la mitad del cine sonoro se encuentran perdidos. Este es un dato que con la tarea sustancial de CINAIN deberá corregirse, no solo por el hecho de que es aproximado y se deberá precisar con datos basados en investigación científica, sino también porque la tarea de CINAIN es lograr modificar esos números al recuperar nuestro cine y todas las obras audiovisuales de nuestro país. Por otro lado, también existe una necesidad puntual de la industria del cine, puesto que por muchos años se creyó que la cadena de producción de una película poseía tres columnas vertebrales: producción – distribución – exhibición. Hoy sabemos y es necesario tomar conciencia de que hay una cuarta columna que es fundamental para la industria: la preservación. En la medida que una obra audiovisual no sea preservada su ciclo de explotación comercial se termina. Al preservarla, la obra puede volver a distribuirse y volver a exhibirse, para volver a preservarse. Es decir que el producto audiovisual cumple así con un círculo virtuoso. Esto es muy sensible en materia de políticas públicas, dado que, como en gran parte de las cinematografías mundiales, la producción audiovisual argentina es una producción subsidiada, por lo tanto hablamos de que el Estado hasta ahora no había asegurado la preservación de las obras que él mismo ayuda a producir. Esto arrojaba una pérdida patrimonial en el sentido de bien cultural y de bien económico.
  4. Para restaurar una película se requieren tanto de personal especializado como de equipamientos técnicos específicos. Una incluye a la otra porque sin los saberes específicos no es posible definir qué tipo de equipamiento serán necesarios y, cuando se cuenta con los equipos, se necesita además quién sepa operarlos. Por este motivo, la primera actividad que dio inicio al funcionamiento de CINAIN fue la creación de la escuela de restauración más prestigiosa del mundo, como lo es la Film Preservation & Restoration School, que se realizó conjuntamente con la Cineteca di Bologna, L’Immagine Ritrovata la FIAF (Federación Internacional de Archivos Fílmicos) y la fundación The Film Foundation de Martin Scorsese. El 2017 finaliza con el proyecto de lanzamiento de la Diplomatura en Preservación y Restauración Audiovisual (DiPRA) que comenzará a dictar CINAIN conjuntamente con la Universidad de Buenos Aires en 2018, el primer programa que se dicta en el país sobre la materia. Quienes tienen realizados cursos en esta especialidad los han realizado en el exterior del país, lo que significa que únicamente se han podido formar en esta especialidad quienes tenían el poder adquisitivo para solventar los gastos de viajar y estudiar fuera de Argentina. La DiPRA será de cursado gratuito y posibilitará la formación de mayores profesionales de la preservación y restauración audiovisual en nuestro país.

Sobre las películas restauradas en el #MdqFest

Las películas que se escogieron para formar parte de la sección «Clásicos Restaurados», dentro del Festival de Mar del Plata, fueron: Pizza, Birra, Faso, de Adrián Caetano y Bruno Stagnaro (1997) –un film que había sido estrenado mundialmente en la edición de 1997 del Festival de Mar del Plata y que este año cumplió dos décadas–; Camila,de María Luisa Bemberg (1984) –el primer film argentino filmado en la recuperación democrática–; Lucía, de Humerto Solás (Cuba, 1968) –una película que, junto con Camila, marcan una perspectiva feminista del cine latinoamericano tomando como tema el rol de la mujer en la sociedad patriarcal–.

Otras de las películas restauradas de esta sección muestran cómo un mismo tema puede ser abordado en modelos narrativos y estéticos contrapuestos. Como el caso de Blow-up, de Michelangelo Antonioni (1966), que reflexiona sobre el estatuto de verdad de la imagen y, por otro lado, desde el modelo norteamericano del musical, All that jazz, de Bob Fosse (1979), que reflexiona sobre el espectáculo. El film más reciente que completó la sección fue Los guantes mágicos, de Martin Rejtman (2004), que permite trazar una línea histórica con Pizza, birra, faso, para abordar el nuevo cine argentino.

Argentina

«Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino» llegó a San Juan

Hasta el 26 de noviembre en el Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson

¿Qué es? Una muestra que recorre dos siglos de arte argentino a través de un corpus de destacadas piezas pertenecientes a la colección del Bellas Artes −algunas de ellas, exhibidas por primera vez fuera de la institución− y un conjunto de obras de artistas contemporáneos de todas las provincias. Esta selección −que incluye pinturas, esculturas, grabados, dibujos, fotografías, instalaciones, objetos y videoarte− establece un diálogo entre estilos, poéticas y materialidades diversas, a partir de la propuesta curatorial del director del Museo Nacional de Bellas Artes, Andrés Duprat, y del director de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Tucumán, Jorge Gutiérrez.

La exhibición se organiza en cuatro núcleos temáticos que se apartan del orden cronológico: Paisaje y territorio, Visiones sobre la subjetividad, Los cambios sociales y Vanguardia y abstracción.

¿Por qué ir? Es una oportunidad para conocer obras de destacados artistas que por primera vez son exhibidas fuera del Museo Nacional de Bellas Artes, entre ellos Prilidiano Pueyrredón, Pío Collivadino, Cándido López, Lino Enea Spilimbergo, Juan Carlos Castagnino, Ramón Gómez Cornet, Cesáreo Bernaldo de Quirós, Antonio Berni, Raquel Forner, Alejandro Xul Solar, María Martorell, Emilio Pettoruti, Grete Stern, Antonio Seguí, Annemarie Heinrich, León Ferrari, Luis Felipe Noé, Sara Facio, Rómulo Macció, Carlos Alonso, Norberto Gómez, Juan Carlos Distéfano, Marta Minujín, Guillermo Kuitca, Pablo Siquier, Marcos López y Liliana Maresca. A ellos se suman los creadores contemporáneos Guido Yannitto (Mendoza- Salta), Marcelo Abud (Jujuy), Leticia El Halli Obeid (Córdoba), Matías Duville (Buenos Aires), Tomás Espina (Buenos Aires), Rosalba Mirabella (Tucumán), José Ballivián (La Paz, Bolivia), Ariel Mora (Neuquén), Walter Tura (Formosa), Cecilia Teruel (Santiago del Estero) y Gustavo Groh (Tierra del Fuego), entre otros, lo que permite inscribir sus obras en algunas de las más importantes tradiciones plásticas del país.

¿Dónde? En el Museo Provincial de Bellas Artes «Franklin Rawson», Av. Libertador Gral. San Martín 862 oeste, Ciudad de San Juan.

¿Cuándo? De martes a domingos y feriados, de 12 a 20. Hasta el 26 de noviembre.

Entrada gratuita.

Argentina

Se celebran los 80 años del Museo y Biblioteca Casa del Acuerdo de San Nicolás

Museo y Biblioteca de la Casa del Acuerdo de San Nicolás

La ciudad donde se firmó el pacto clave para la vida constitucional del país, en 1852, te invita a participar con propuestas culturales

El Cabildo de Buenos Aires, la Casa de Tucumán y la Casa del Acuerdo de San Nicolás en la provincia de Buenos Aires, son lugares donde sucedieron acontecimientos claves para el proceso constitucional de la Argentina. Los tres se han constituido como museos nacionales y han sido declarados monumentos históricos, posibilitando el fortalecimiento de la memoria y la identidad cultural de los/as argentinos al recorrer los sitios donde se escribieron episodios relevantes de un período trascendental en nuestra historia: el de la organización nacional.

Fue el 16 de octubre de 1937 cuando la casa que habitó el Juez de Paz don Pedro Alurralde, amigo íntimo de Urquiza, abrió sus puertas como museo. Construida con ladrillos, baldosas coloradas, patio central con jazmines, madreselvas y estrellas federales constituye un ejemplo típico de vivienda urbana de mediados del siglo XIX . Expropiaciones, demoliciones y restauraciones precedieron al espacio donde hoy se ubica el museo y la biblioteca especializada en historia argentina, una de las más importantes del país.

La firma Acuerdo de San Nicolás fue el puntapié para la redacción de la Constitución Nacional de 1853.Tras vencer a Juan Manuel de Rosas en la Batalla de Caseros, el General Justo José de Urquiza reunió a los gobernadores de las provincias para para debatir los aspectos principales de la organización nacional: manejo del  comercio interior y exterior, la navegación de los ríos y la independencia de cada una de las provincias. Luego de varios días de debates, y pese a la oposición de Buenos Aires, los gobernadores firmaron lo que hoy conocemos como el Acuerdo de San Nicolás. Este fue el inicio de otra confrontación entre federales y porteños que no se resolvería hasta diez años más tarde.

“Queremos posicionarnos como un espacio de encuentro donde lo histórico se cruce lo lúdico, con representaciones artísticas, con la educación no formal, para generar nuevas formas de interacción y participación que acerquen al patrimonio y a la historia que alberga este lugar”, indica Emilia Subiza, directora del Museo y Biblioteca Casa del Acuerdo.

El museo ha iniciado un proceso de apertura a la comunidad que se va consolidando año tras año. Las nueve salas, que trabajan sobre las batallas Caseros, Cepeda y Pavón, la Guerra de la Triple Alianza, la Generación del ’37, se distribuyen alrededor de la Casa y alternan su actividad con clases de yoga, zumba, juegos dinámicos sobre las obras de Cándido López, adolescentes escribiendo poesías entre los cañones del patio, niños exponiendo sus dibujos, y mujeres tejiendo alrededor de un aljibe histórico.

Para la directora del Museo es un año muy especial: pudieron planificar una programación integral pensada para los distintos públicos que participan de la vida del museo, generar experiencias significativas acordes a las diversas necesidades de los visitantes, proponer nuevas formas de habitar el espacio público y de establecer relaciones con la comunidad y con su territorio. Estas son algunos de los desafíos que el equipo de trabajo del museo ha propuesto trabajar en este 80 aniversario.

Además, la programación anual cuenta con musicales, exposiciones de fotos históricas, cine, teatro, exhibición de materiales preciados de la hemeroteca y visitas guiadas.

“Es necesario abrir las instituciones para que mayor cantidad de público se acerque a ellas comprometiéndose con la historia que nos dio origen como sociedad. Estamos convencidos de que los eventos culturales y artísticos son de suma riqueza para el devenir de nuestra población. Estos eventos son más provechosos si se logra que los ciudadanos dejen de ser público para convertirse en protagonistas”, sintetizó Emilia Subiza.