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Conocé la historia de Sarmiento y el Carnaval

Durante su presidencia en 1869, Sarmiento restablece la celebración de esta festividad popular

¿Qué es? Exposición sobre la relación de Domingo Faustino Sarmiento y las fiestas de carnaval. En 1873, los integrantes de la comparsa “Los habitantes de la Luna” lo nombraron como «Emperador de las máscaras” y obsequiaron una medalla alusiva, que se exhibe en el museo

¿Por qué ir? Para conocer más sobre la historia de los corsos, las murgas, los juegos de agua, los tambores  y disfraces

¿Cuándo? 9 de febrero de 2018, se mantiene hasta 9 de marzo

¿Dónde? Museo y Biblioteca Casa Natal de Sarmiento

Entrada libre y gratuita

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La Joven Guarrior en el Carnaval de Dorrego

La ciudad del sur bonaerense festeja el carnaval con música, baile, desfiles y actividades para toda la familia

¿Qué es? El Carnaval de Dorrego es una fiesta familiar con música, danzas, desfile popular, paseo de artesanos y puestos de comidas. Este año cuenta con la asistencia artística del Programa Festejar del Ministerio de Cultura de la Nación, mediante cuyo aporte se presentará la banda pampeana La Joven Guarrior, que combina en su espectáculo música, teatro, poesía y humor.

¿Por qué ir? Además de participar en las actividades y propuestas típicas del carnaval y disfrutar del show de La Joven Guarrior, podrás bailar y divertirte con Cumbia Manija de la Ciudad de Bahía Blanca. También habrá desfile popular con la participación de clubes y escuelas de verano.

¿Dónde? Plaza Manuel Dorrego, ciudad de Coronel Dorrego, provincia de Buenos Aires

¿Cuándo? Viernes 16 de febrero a partir de las 19.30

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Qué celebra la Changola Fest, la fiesta popular más innovadora de Cachi

La edición de este año tiene lugar el 27 y 28 de enero

La fiesta

Desde su primera edición, en el año 2015, se realiza en la Plaza Principal de Cachi -pueblo de los Valles Calchaquíes-, ya que es un lugar amplio que funciona como foco de fiestas patronales y actos patrióticos.

Este evento, único y pionero en el país, fue ideado por Leandro Gabriel Giménez junto a Distrito Flow Kakan -un grupo de chicos y jóvenes de entre 6 y 20 años- para difundir y premiar a los artistas de la copla, la payada, la recitación y el rap y acercar al público tradicionalista y contemporáneo. El objetivo es demostrar que “la buena música no se encuentra en un género musical si no en la calidad del artista y su expresión”, dicen los organizadores.

El festejo es considerado por muchos como un evento “under”. Quienes participan son artistas emergentes, no son consagrados por la industria y esta plataforma les permite la difusión de sus trabajos. Durante la última edición participaron también folcloristas, rockeros, artistas plásticos y actores, entre otros. La edición 2018 será el 27 y 28 de enero y la entrada es libre y gratuita.

Cómo nace el nombre

“El Changola es un ser de fantasía que nos representa. Es un «chango», un joven que viste con pantalones anchos, remeras estampadas, usa poncho y gorro coya. Encarna el sincretismo en el que vivimos los pueblos del norte”, explica Leandro Gabriel Giménez, organizador del evento.

En Cachi, la gente celebra la Pachamama, una ceremonia pre hispánica que combina la bebida llamada “chicha”, el rezo y las estampitas.

A pesar de que el mismo pueblo cuestionaba el rap que los niños escuchaban y cantaban, Leandro afirma que “es muy importante que nuestros abuelos estén presentes, ellos nos enseñan, dejan su semilla para que alguien la siga. Vienen copleros de antaño al festival”.

La provincia siempre apoyó eventos más tradicionales. Sin embargo, con sus escasos 3 años, la Changola Fest ya ocupa un lugar en el calendario turístico. “Buscamos que el ritmo y la poesía sea lo que mantenga vivo el evento, que los artistas traigan sus poesía con sus cajas, guitarras y acompañamiento instrumental y se vengan a conocer y encontrar gracias a esta mixtura”, concluye Giménez.

Artistas

En esta 3° edición, invitados por el Programa Festejar del Ministerio de Cultura de la Nación, los payadores Emanuel Gabotto y Pablo Gallastegui estarán compartiendo sus rimas y contrapuntos, junto a Hugo Alcoba, Pacha Salamanca, Dos Faroles, Rey Macabro y a las copleras Otilia Burgos, La Coplerita y Paula Pintos; los raperos KC, Criptom, Negro Gonzalez y Nacho, Neutro, Exorap, XC, Lucas Fabián y las recitadoras Alina Morales e Hilda Corimayo.

Sobre Cachi

Cachi un pequeño municipio ubicado en los valles Calchaquíes, provincia de Salta. Es conocido por sus casas de adobe y sus edificios coloniales blancos. En el centro se encuentra la iglesia de San José, de la época colonial española. El cercano Museo Arqueológico de Cachi Pío Pablo Díaz alberga objetos de los yacimientos de la zona, algunos de los cuales tienen 10.000 años de antigüedad. Al noroeste se encuentran las montañas cubiertas de nieve del Nevado de Cachi, que pueden verse desde el municipio.

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Por qué Corrientes celebra a San Baltazar, el «santo negro»

El litoral argentino le rinde culto el 6 de enero de cada año mediante actos religiosos, ofrendas y bailando charanda en las calles

Del 5 al 7 de enero, en la ciudad de Corrientes se celebra la fiesta de San Baltazar o Santo Kambá, considerado el Santo Rey del Candombe, basado en uno de los tres reyes magos de la epifanía cristiana. En sus ceremonias, se rinde culto mediante toques, bailes y danzas de influencia africana, como las charandas, zembas y candombes. La de San Baltazar –que forma parte del programa Festejar del Ministerio de Cultura de la Nación, es una de las fiestas mas importantes de la Comunidad Afrodescendiente. ¿Por qué la comunidad afro rinde culto a este santo y por qué la fiesta se celebra en Corrientes?

La fiesta del «mago» afro

La Biblia dice que viajó en camello junto a Gaspar y a Melchor, guiados por una estrella fugaz que los llevó hasta Jesús nacido en Belén, a quien presentaron ofrendas de oro, incienso y mirra. La historia presenta varias contradicciones alrededor de ellos: que no eran 3 sino 12, que no eran de Oriente, sino de Adalucía, que Baltazar no era negro, que no eran reyes, sino solamente “magos” (palabra que proviene del persa “ma-gu-u-sha”, que significa sacerdote).

Adoración de los reyes magos, Diego Velázquez

Fue canonizado a comienzos del cristianismo y venerado en toda América por la población afrodescendiente, que comenzó a celebrar el culto al también llamado Santo Cambá -proveniente de kambá, que significa “negro” en guaraní-, desde fines de 1700. Sin embargo, el auge fue entre los años 1920 y 1930.

En Corrientes se homenajea al Santo con una fiesta que se realiza durante dos días en el tradicional Parque “Camba Cuá” (cuyo significado es “cueva de negros” en guaraní) desde hace 24 años. Fue denominado así de forma despectiva por la elite de la sociedad del siglo XIX, ya que se trataba de un asentamiento de afrodescendientes que dejaron fuertemente arraigadas sus raíces culturales en la historia de la ciudad. En su interior, mantiene el espíritu humilde que se ve reflejado durante la fiesta, oportunidad donde se recuerda también, el centenario legado de la afrodescendencia.

Actualmente, existe una Cofradía de San Baltazar, que se encuentra integrada por varias familias que se reúnen en la ermita del Santo Negro para realizar el tradicional toque de tambores y el baile en honor al santo como actividad central de la celebración.

La comunidad afro en Corrientes

Hay distintas versiones sobre los orígenes del culto a San Baltazar en la Provincia de Corrientes. Algunos lo atribuyen a la llegada de inmigrantes provenientes de Paraguay, otros dicen que surge a partir de la llegada de antepasados afro escapados de Brasil y, por último, otros consideran que fue gracias a los soldados del ejército de Artigas.

La corriente de pensamiento que tiene al frente al antropólogo Norberto Pablo Cirio ubica el origen de esta fiesta a la Cofradía de San Baltazar y Ánimas creada por el clero de Buenos Aires para negros, mulatos e indios de la Ciudad. Aunque esta Cofradía habría sido disuelta en 1856.

El tradicional toque de tambores, misa y procesión en homenaje al “santo de los cambá” fue creciendo año tras año en las últimas décadas, congregando a miles de vecinos, ciudadanos, visitantes y fieles que se acercan todos los 5 y 6 de enero para celebrar la víspera y la jornada en honor a San Baltazar. La celebración cuenta con gran participación de toda la comunidad, demostrando año a año que este rito se encuentra fuertemente arraigado en la identidad correntina, reivindicando las raíces afro aún presentes en el pueblo.

Fuente: https://www.cultura.gob.ar / cultura argentina

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“Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino” llegó a Córdoba

El Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Caraffa” es el último destino de esta itinerancia. Podés visitarla hasta el 15 de marzo de 2018

¿Qué es? La muestra itinerante «Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino» reúne 79 obras de la colección del Museo, en diálogo con piezas de artistas contemporáneos de todas las provincias. Organizada por el Ministerio de Cultura de la Nación, a través de la Secretaría de Patrimonio Cultural, y el Museo Nacional de Bellas Artes, la muestra recorre dos siglos de arte argentino a través de un corpus de destacadas piezas pertenecientes a la colección del Bellas Artes −algunas de ellas, exhibidas por primera vez fuera de la institución− y un conjunto de obras de artistas contemporáneos de todas las provincias.

Esta selección −que incluye pinturas, esculturas, grabados, dibujos, fotografías, instalaciones, objetos y videoarte− establece un diálogo entre estilos, poéticas y materialidades diversas, a partir de la propuesta curatorial del director del Museo Nacional de Bellas Artes, Andrés Duprat, y del director de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Tucumán, Jorge Gutiérrez.

La exhibición se organiza en cuatro núcleos temáticos que se apartan del orden cronológico: Paisaje y territorio, Visiones sobre la subjetividad, Los cambios sociales, y Vanguardia y abstracción.

¿Por qué ir? Es una oportunidad para conocer obras de destacados artistas que por primera vez son exhibidas fuera del Museo Nacional de Bellas Artes, entre ellos, Prilidiano Pueyrredón, Pío Collivadino, Cándido López, Lino Enea Spilimbergo, Juan Carlos Castagnino, Ramón Gómez Cornet, Cesáreo Bernaldo de Quirós, Antonio Berni, Raquel Forner, Alejandro Xul Solar, María Martorell, Emilio Pettoruti, Grete Stern, Antonio Seguí, Annemarie Heinrich, León Ferrari, Luis Felipe Noé, Sara Facio, Rómulo Macció, Carlos Alonso, Norberto Gómez, Juan Carlos Distéfano, Marta Minujín, Guillermo Kuitca, Pablo Siquier, Marcos López y Liliana Maresca. A ellos se suman los creadores contemporáneos Guido Yannitto (Mendoza- Salta), Marcelo Abud (Jujuy), Leticia El Halli Obeid (Córdoba), Matías Duville (Buenos Aires), Tomás Espina (Buenos Aires), Rosalba Mirabella (Tucumán), José Ballivián (La Paz, Bolivia), Ariel Mora (Neuquén), Walter Tura (Formosa), Cecilia Teruel (Santiago del Estero) y Gustavo Groh (Tierra del Fuego), entre otros, lo que permite inscribir sus obras en algunas de las más importantes tradiciones plásticas del país.

Luego de su inauguración, el 1° de julio de 2016 en San Miguel de Tucumán, “Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino” visitó las ciudades de Rosario, Mar del Plata, Neuquén, Salta y San Juan. Hasta el 15 de marzo puede visitarse en Córdoba, último destino de esta itinerancia.

¿Dónde? Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Caraffa”Av. Poeta Lugones 411, Córdoba

¿Cuándo? Martes a domingos y feriados de 10 a 20 h

Horario de enero: Martes a domingos de 10 a 13 h y de 18 a 21 h

Lunes 25 de diciembre y 1º de enero: cerrado

 

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80 años del Museo Nacional de Arte Decorativo: su historia en fotos

El 18 de diciembre de 1937, luego de adquirir la residencia y la colección de arte que perteneció al diplomático chileno Matías Errázuriz y su esposa Josefina de Alvear, por iniciativa de sus hijos se creó el Museo Nacional de Arte Decorativo.

El 18 de diciembre de 1937, con la adquisición de la residencia y la colección de arte del diplomático chileno Matías Errázuriz y su esposa Josefina de Alvear –descendientes de una familia aristocrática de origen español, que llegaron a América durante el siglo XVIII–, se creó el Museo Nacional de Arte Decorativo.

Fue por iniciativa de sus hijos, luego de la muerte de Josefina.

 

La residencia

El edificio fue diseñado por el arquitecto francés René Sergent y es un buen ejemplo del estilo ecléctico de Francia, de gran auge en la ciudad de Buenos Aires a principios del siglo XX. Cuenta con un pequeño salón decorado en estilo Art Déco temprano, realizado por el artista catalán José María Sert.

También se destacan cuatro paneles pintados al óleo, uno de ellos sobre espejo. Esa sala es la única de la casa con decoración del siglo XX.

El jardín

La residencia tiene también un imponente jardín de estilo francés, que funciona como prolongación de los salones de recepción.

El eje central de la composición es la fuente de los cisnes, rodeada por parterres de boj recortado que evocan diseños del Palacio de Versalles.

La colección

Posee 6000 objetos: desde esculturas romanas hasta creaciones artesanales de platería contemporánea. El mayor interés de la colección está en las piezas de artes decorativas europeas y orientales, esculturas y pinturas de los siglos XVI a XIX.

Entre las piezas destacadas, está el conjunto de miniaturas europeas de los siglos XVI al XX –el más importante en su tipo–; Jesús con la cruz a cuestas, un óleo sobre tela de El Greco; tapices del siglo XVI; La eterna primavera, una escultura de Auguste Rodin, y un reloj de bronce que fue un regalo de boda para los reyes Luis XVI y María Antonieta.

 

Fuente: Cultura.gob.ar

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La Banda Sinfónica Nacional de Ciegos ofrece el último concierto del año

Interpretará un repertorio clásico y popular

¿Qué es? 

La Banda Sinfónica Nacional de Ciegos culmina el año de su 70° aniversario con un concierto especial bajo la dirección de Rodrigo González Jacob.

¿Por qué ir? 

Para escuchar en la interpretación de estos talentosos músicos obras del repertorio clásico y popular. El profgrama abarcará:

Egmont (Ouverture Op. 84) de Ludwig van Beethoven

2° Suite de Gustav Holst

Porgy and Bess de George Gershwin

Oblivion de Astor Piazzolla y Horacio Ferrer

Chiquilin de Bachín de Astor Piazzolla y Roberto Goyeneche

La Trampera de Aníbal Troilo

¿Cuándo? 

Sábado 16 de diciembre, a las 18.

¿Dónde? 

Centro Nacional de la Música, México 564, Ciudad de Buenos Aires.

Entrada gratuita.

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Por qué se festeja el Día Nacional del Tango

Se celebra el 11 de diciembre en homenaje a Gardel y De Caro, dos iconos de una de las mayores expresiones de la cultura argentina

Una noche de 1965, el compositor y productor artístico Ben Molar (cuyo nombre real era Moisés Smolarchik Brenner) estaba en camino a la casa del director de orquesta y compositor de tango Julio De Caro, para festejar su cumpleaños, cuando se le ocurrió una idea. Se dio cuenta de que el 11 de diciembre coincidían los cumpleaños de De Caro y de Gardel, los mayores exponentes de dos vertientes del tango, símbolo de la cultura nacional. Julio De Caro era la música. Gardel, la voz. Así es que tomó la iniciativa: ese mismo año, Molar presentó a la Secretaria de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires la propuesta de declarar el 11 de diciembre Día Nacional del Tango en homenaje a ellos.

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Pero aunque contó con el apoyo de varios organismos –la Sociedad Argentina de Autores y Compositores (Sadaic), la Sociedad General de Autores de la Argentina (Argentores), la Sociedad Argentina de Escritores (SADE), la Casa del Teatro, el Sindicato Argentino de Músicos (Sadem), la Unión Argentina de Artistas de Variedades (Uadav ), la Academia Porteña del Lunfardo, Radio Rivadavia, la Fundación Banco Mercantil, La Gardeliana, la Asociación Argentina de Actores y la Asociación Amigos de la Calle Corrientes–, tuvieron que pasar doce años para que aprobaran la celebración mediante Decreto Municipal, el 29 de noviembre de 1977, y Nacional el 19 de diciembre de ese mismo año. Desde entonces, todos los 11 de diciembre se celebra el Día Nacional del Tango.

Julio De Caro. Nació en Buenos Aires, el 11 de diciembre de 1899. Aunque su padre quería que él estudiara piano y su hermano, Francisco, violín, los niños intercambiaron los instrumentos. Así, Julio no solo se convertiría en violinista sino también en director de orquesta y compositor de tango. Se inició en la segunda década del siglo XX, junto a los grandes creadores de la época (como Eduardo Arolas, Roberto Firpo y otros) que habían transformado el tango y recibió la influencia de los primeros grandes melodistas del género —como Juan Carlos Cobián y Enrique Delfino—. Empapado de estas tendencias, De Caro formó un sexteto con el que fundó, desde 1924, un nuevo estilo en el tango. Este trascendería de tal modo en la historia posterior del género que, no solo terminaría constituyéndose como otra vertiente, sino que se lo reconocería como “la escuela decareana”,  representante del plano instrumental, diferenciándose de la “escuela gardeliana” (por Carlos Gardel) en el vocal. Ambas se consolidaron como modelos de interpretación del tango y fueron las máximas exponentes en sus respectivos ámbitos. De Caro falleció en Mar del Plata, el 11 de marzo de 1980. En palabras del periodista Julio Nudler “conservó la esencia del tango arrabalero, bravío y lúdico de los iniciadores, pero fundiéndolo con una expresividad sentimental y melancólica desconocida hasta entonces, reconciliando así la raíz criollista con la influencia europeizante. Su mayor formación académica le permitió envolver su mensaje en un lenguaje musical depurado, de inefable seducción”.

Carlos Gardel. El zorzal criollo. Cantante, compositor y actor argentino nacido en Toulouse, Francia 1890 o quizás en Tacuarembó, Uruguay, en 1887, y fallecido el 24 de junio de 1935 en un accidente aéreo, en Medellín, Colombia. Aunque hasta hoy no hay acuerdos con respecto a su lugar de origen, se sabe que nació un 11 de diciembre y que, independientemente del lugar de nacimiento, fue argentino. Vivió en Buenos Aires desde su infancia y se nacionalizó en esta tierra en 1923. Iniciador y máximo exponente del tango canción, es el representante del género más célebre de la historia del tango. Por la calidad de su voz, por la cantidad de discos vendidos, por sus muchas películas relacionadas con el tango y por su repercusión mundial, fue uno de los intérpretes más importantes de la música popular en la primera mitad del siglo XX. A través de los años, Gardel, su imagen y su voz, se conviertieron en símbolo de la cultura, mito y leyenda. Hasta tal punto que, en 2003, la Unesco registró su voz en el programa Memoria del Mundo, dedicado a la preservación de documentos pertenecientes al patrimonio histórico de los pueblos del mundo. Adorado e idolatrado masivamente, especialmente en Argentina y en Uruguay, el zorzal criollo no deja de despertar suspiros y confirmar que “cada día canta mejor”.

Fuente: Ministerio de Cultura Argentina/Presidencia de la Nación

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Cómo se restauran las películas

Trabajadores de la Cinemateca y Archivo de la Imagen Nacional (CINAIN) nos cuentan el paso a paso del proceso que protege el patrimonio cultural audiovisual

El domingo 26 de noviembre de 2017 concluyó el 32° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Entre las más de 300 películas que se proyectaron, de todos los géneros y más de 90 nacionalidades, el público también pudo disfrutar de algunos clásicos del cine restaurados por profesionales. Pero, ¿cómo es el recorrido para obtener buenos resultados? El proceso tiene sus bemoles y complejidades. Para conocer más sobre los procedimientos de restauración de películas, trabajadores del CINAIN detallaron el paso a paso de la conservación. A continuación, sintetizamos algunos puntos esenciales:

  1. La restauración del material fílmico digital comprende distintas etapas que van desde la identificación de los materiales con los que se trabajará (en muchos casos su reparación física), hasta los tratamientos digitales de corrección de color, el formato y soporte final de exhibición y, por supuesto, el soporte en el que se lo preservará a largo plazo. Se puede restaurar todo aquello que se ha conservado, considerándose como materiales de mayor valor para la restauración los negativos originales en fílmico pero también todo material que pueda ayudar al proceso de investigación que se requiere realizar en todo proyecto de restauración audiovisual.
  2. La complejidad de restaurar películas más antiguas o más nuevas depende de diversas variables. Los films viejos se ven afectadas por el mayor paso del tiempo, lo que supone una mayor posibilidad de que el material se haya degradado. Pero también influyen las condiciones en las que haya sido preservada la obra audiovisual, esto es, si ha sido conservada mediante sus negativos originales o cuáles son los materiales con los que se cuentan para poder iniciar el proyecto de restauración. Además del paso del tiempo, otros factores de conservación pueden iniciar los procesos de descomposición, como la temperatura, la humedad y ventilación del sitio donde se las guarde. Asimismo hay que considerar el tipo de soporte en el que haya sido realizada la obra, dado que los filmes más antiguos (previos a 1930) presentan diversos formatos que requieren de un trabajo mucho mayor al no corresponderse con los estándares industriales adoptados tiempo después. Otra dificultad no menor es el hecho de que los artistas involucrados en la obra no se encuentren vivos, ya que es indispensable la supervisión en términos no sólo técnicos sino también estéticos con respecto a la restauración. Por ejemplo, en el caso de una de las película restauradas por CINAIN –conjuntamente con Dac y su Plan Recuperar– para el Festival de Mar del Plata, Pizza, Birra, Faso, el proceso fue supervisado por sus directores Bruno Stagnaro y Adrián Caetano, pero también por su director de fotografía Marcelo Lavintman que tuvo que determinar los aspectos técnicos que permitieran restaurar la película según la visión que se tuvo en el momento de su estreno, teniendo en cuenta que su proyección original fue en fílmico y que la película poseía un tipo particular de grano, de «definición» de la imagen, por haber sido rodada en 16mm. y ampliada a 35mm. Hoy, con la tecnología digital de proyección, debió tomarse una decisión técnica para respetar esa decisión estética original.
  3. En la actualidad restaurar películas es tanto una problemática como una necesidad de la industria cinematográfica que tiene que ver con la necesidad de preservar nuestro patrimonio cultural, en este caso específico, el patrimonio audiovisual. La Ley de CINAIN fue sancionada en 1999 y en ella se declaraba la emergencia del patrimonio fílmico. Se cree, a partir de datos aproximados, que casi la totalidad del cine mudo y más de la mitad del cine sonoro se encuentran perdidos. Este es un dato que con la tarea sustancial de CINAIN deberá corregirse, no solo por el hecho de que es aproximado y se deberá precisar con datos basados en investigación científica, sino también porque la tarea de CINAIN es lograr modificar esos números al recuperar nuestro cine y todas las obras audiovisuales de nuestro país. Por otro lado, también existe una necesidad puntual de la industria del cine, puesto que por muchos años se creyó que la cadena de producción de una película poseía tres columnas vertebrales: producción – distribución – exhibición. Hoy sabemos y es necesario tomar conciencia de que hay una cuarta columna que es fundamental para la industria: la preservación. En la medida que una obra audiovisual no sea preservada su ciclo de explotación comercial se termina. Al preservarla, la obra puede volver a distribuirse y volver a exhibirse, para volver a preservarse. Es decir que el producto audiovisual cumple así con un círculo virtuoso. Esto es muy sensible en materia de políticas públicas, dado que, como en gran parte de las cinematografías mundiales, la producción audiovisual argentina es una producción subsidiada, por lo tanto hablamos de que el Estado hasta ahora no había asegurado la preservación de las obras que él mismo ayuda a producir. Esto arrojaba una pérdida patrimonial en el sentido de bien cultural y de bien económico.
  4. Para restaurar una película se requieren tanto de personal especializado como de equipamientos técnicos específicos. Una incluye a la otra porque sin los saberes específicos no es posible definir qué tipo de equipamiento serán necesarios y, cuando se cuenta con los equipos, se necesita además quién sepa operarlos. Por este motivo, la primera actividad que dio inicio al funcionamiento de CINAIN fue la creación de la escuela de restauración más prestigiosa del mundo, como lo es la Film Preservation & Restoration School, que se realizó conjuntamente con la Cineteca di Bologna, L’Immagine Ritrovata la FIAF (Federación Internacional de Archivos Fílmicos) y la fundación The Film Foundation de Martin Scorsese. El 2017 finaliza con el proyecto de lanzamiento de la Diplomatura en Preservación y Restauración Audiovisual (DiPRA) que comenzará a dictar CINAIN conjuntamente con la Universidad de Buenos Aires en 2018, el primer programa que se dicta en el país sobre la materia. Quienes tienen realizados cursos en esta especialidad los han realizado en el exterior del país, lo que significa que únicamente se han podido formar en esta especialidad quienes tenían el poder adquisitivo para solventar los gastos de viajar y estudiar fuera de Argentina. La DiPRA será de cursado gratuito y posibilitará la formación de mayores profesionales de la preservación y restauración audiovisual en nuestro país.

Sobre las películas restauradas en el #MdqFest

Las películas que se escogieron para formar parte de la sección «Clásicos Restaurados», dentro del Festival de Mar del Plata, fueron: Pizza, Birra, Faso, de Adrián Caetano y Bruno Stagnaro (1997) –un film que había sido estrenado mundialmente en la edición de 1997 del Festival de Mar del Plata y que este año cumplió dos décadas–; Camila,de María Luisa Bemberg (1984) –el primer film argentino filmado en la recuperación democrática–; Lucía, de Humerto Solás (Cuba, 1968) –una película que, junto con Camila, marcan una perspectiva feminista del cine latinoamericano tomando como tema el rol de la mujer en la sociedad patriarcal–.

Otras de las películas restauradas de esta sección muestran cómo un mismo tema puede ser abordado en modelos narrativos y estéticos contrapuestos. Como el caso de Blow-up, de Michelangelo Antonioni (1966), que reflexiona sobre el estatuto de verdad de la imagen y, por otro lado, desde el modelo norteamericano del musical, All that jazz, de Bob Fosse (1979), que reflexiona sobre el espectáculo. El film más reciente que completó la sección fue Los guantes mágicos, de Martin Rejtman (2004), que permite trazar una línea histórica con Pizza, birra, faso, para abordar el nuevo cine argentino.

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«Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino» llegó a San Juan

Hasta el 26 de noviembre en el Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson

¿Qué es? Una muestra que recorre dos siglos de arte argentino a través de un corpus de destacadas piezas pertenecientes a la colección del Bellas Artes −algunas de ellas, exhibidas por primera vez fuera de la institución− y un conjunto de obras de artistas contemporáneos de todas las provincias. Esta selección −que incluye pinturas, esculturas, grabados, dibujos, fotografías, instalaciones, objetos y videoarte− establece un diálogo entre estilos, poéticas y materialidades diversas, a partir de la propuesta curatorial del director del Museo Nacional de Bellas Artes, Andrés Duprat, y del director de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Tucumán, Jorge Gutiérrez.

La exhibición se organiza en cuatro núcleos temáticos que se apartan del orden cronológico: Paisaje y territorio, Visiones sobre la subjetividad, Los cambios sociales y Vanguardia y abstracción.

¿Por qué ir? Es una oportunidad para conocer obras de destacados artistas que por primera vez son exhibidas fuera del Museo Nacional de Bellas Artes, entre ellos Prilidiano Pueyrredón, Pío Collivadino, Cándido López, Lino Enea Spilimbergo, Juan Carlos Castagnino, Ramón Gómez Cornet, Cesáreo Bernaldo de Quirós, Antonio Berni, Raquel Forner, Alejandro Xul Solar, María Martorell, Emilio Pettoruti, Grete Stern, Antonio Seguí, Annemarie Heinrich, León Ferrari, Luis Felipe Noé, Sara Facio, Rómulo Macció, Carlos Alonso, Norberto Gómez, Juan Carlos Distéfano, Marta Minujín, Guillermo Kuitca, Pablo Siquier, Marcos López y Liliana Maresca. A ellos se suman los creadores contemporáneos Guido Yannitto (Mendoza- Salta), Marcelo Abud (Jujuy), Leticia El Halli Obeid (Córdoba), Matías Duville (Buenos Aires), Tomás Espina (Buenos Aires), Rosalba Mirabella (Tucumán), José Ballivián (La Paz, Bolivia), Ariel Mora (Neuquén), Walter Tura (Formosa), Cecilia Teruel (Santiago del Estero) y Gustavo Groh (Tierra del Fuego), entre otros, lo que permite inscribir sus obras en algunas de las más importantes tradiciones plásticas del país.

¿Dónde? En el Museo Provincial de Bellas Artes «Franklin Rawson», Av. Libertador Gral. San Martín 862 oeste, Ciudad de San Juan.

¿Cuándo? De martes a domingos y feriados, de 12 a 20. Hasta el 26 de noviembre.

Entrada gratuita.

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Se celebran los 80 años del Museo y Biblioteca Casa del Acuerdo de San Nicolás

Museo y Biblioteca de la Casa del Acuerdo de San Nicolás

La ciudad donde se firmó el pacto clave para la vida constitucional del país, en 1852, te invita a participar con propuestas culturales

El Cabildo de Buenos Aires, la Casa de Tucumán y la Casa del Acuerdo de San Nicolás en la provincia de Buenos Aires, son lugares donde sucedieron acontecimientos claves para el proceso constitucional de la Argentina. Los tres se han constituido como museos nacionales y han sido declarados monumentos históricos, posibilitando el fortalecimiento de la memoria y la identidad cultural de los/as argentinos al recorrer los sitios donde se escribieron episodios relevantes de un período trascendental en nuestra historia: el de la organización nacional.

Fue el 16 de octubre de 1937 cuando la casa que habitó el Juez de Paz don Pedro Alurralde, amigo íntimo de Urquiza, abrió sus puertas como museo. Construida con ladrillos, baldosas coloradas, patio central con jazmines, madreselvas y estrellas federales constituye un ejemplo típico de vivienda urbana de mediados del siglo XIX . Expropiaciones, demoliciones y restauraciones precedieron al espacio donde hoy se ubica el museo y la biblioteca especializada en historia argentina, una de las más importantes del país.

La firma Acuerdo de San Nicolás fue el puntapié para la redacción de la Constitución Nacional de 1853.Tras vencer a Juan Manuel de Rosas en la Batalla de Caseros, el General Justo José de Urquiza reunió a los gobernadores de las provincias para para debatir los aspectos principales de la organización nacional: manejo del  comercio interior y exterior, la navegación de los ríos y la independencia de cada una de las provincias. Luego de varios días de debates, y pese a la oposición de Buenos Aires, los gobernadores firmaron lo que hoy conocemos como el Acuerdo de San Nicolás. Este fue el inicio de otra confrontación entre federales y porteños que no se resolvería hasta diez años más tarde.

“Queremos posicionarnos como un espacio de encuentro donde lo histórico se cruce lo lúdico, con representaciones artísticas, con la educación no formal, para generar nuevas formas de interacción y participación que acerquen al patrimonio y a la historia que alberga este lugar”, indica Emilia Subiza, directora del Museo y Biblioteca Casa del Acuerdo.

El museo ha iniciado un proceso de apertura a la comunidad que se va consolidando año tras año. Las nueve salas, que trabajan sobre las batallas Caseros, Cepeda y Pavón, la Guerra de la Triple Alianza, la Generación del ’37, se distribuyen alrededor de la Casa y alternan su actividad con clases de yoga, zumba, juegos dinámicos sobre las obras de Cándido López, adolescentes escribiendo poesías entre los cañones del patio, niños exponiendo sus dibujos, y mujeres tejiendo alrededor de un aljibe histórico.

Para la directora del Museo es un año muy especial: pudieron planificar una programación integral pensada para los distintos públicos que participan de la vida del museo, generar experiencias significativas acordes a las diversas necesidades de los visitantes, proponer nuevas formas de habitar el espacio público y de establecer relaciones con la comunidad y con su territorio. Estas son algunos de los desafíos que el equipo de trabajo del museo ha propuesto trabajar en este 80 aniversario.

Además, la programación anual cuenta con musicales, exposiciones de fotos históricas, cine, teatro, exhibición de materiales preciados de la hemeroteca y visitas guiadas.

“Es necesario abrir las instituciones para que mayor cantidad de público se acerque a ellas comprometiéndose con la historia que nos dio origen como sociedad. Estamos convencidos de que los eventos culturales y artísticos son de suma riqueza para el devenir de nuestra población. Estos eventos son más provechosos si se logra que los ciudadanos dejen de ser público para convertirse en protagonistas”, sintetizó Emilia Subiza.

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LOS JAIVAS EN USINA DEL ARTE / BUENOS AIRES 02/09/2017

LOS JAIVAS EN USINA DEL ARTE / BUENOS AIRES 02/09/2017

Por Guillermo Contreras / Fotos de Sofía Estrella

La Usina del Arte

Los Jaivas vuelven a Buenos Aires y  al llegar a la Usina, casi dos horas antes del show, la cola de gente para el ingreso cubría los patios de la usina y llegaba por la vereda hasta la esquina. Al acreditarnos  nos enteramos que ya no quedaban entradas para entregar  y parte de la cola esperaba para ser ubicado. Sala llena, los espacios reservados se fueron cubriendo  de a poco.

Los chicos de la Usina ponían voluntad pero la rigidez de sus reglas hizo que tuviéramos que explicar cada movimiento posible para sacar fotos. Y para más el clima se puso tenso antes del show cuando el público expuso banderas pidiendo por Santiago Maldonado.

El show comenzó y la calidez de Los Jaivas y su público rompió la pétrea tensión de un Buenos Aires convulsionado y tenso. Cuando Claudio anuncio los primeros temas de Obras de Violeta, que abordaban la temática Mapuche el público volvió a pedir por Santiago Maldonado.

Los Jaivas presentaron un show impecable, su público sabía lo que fue a escuchar  y no fue defraudado. Sonaron íntegros, claros, con fuerza, recorrieron temas de Violeta Parra con la instrumentación de Los Jaivas que hizo que este no fuera un show más de Los Jaivas. Fue especial.

Cercanos a nuestro corazón Los Jaivas dedicaron un tema a Santiago Maldonado. Sobre el final del show hicieron varios clásicos, entre ellos “Todos Juntos”, “Mira Niñita”, la sala comenzó a bailar, a cantar con ellos como corresponde donde hacen su música Los Jaivas.

Cariño de ellos a su público, cariño de  su público a ellos, Los Jaivas pasaron por su  Buenos Aires otra vez, como dijo Mario “No venimos todo lo que lo deseamos”.

Argentina

SÁBADO 02 DE SEPTIEMBRE Los Jaivas: Uno de los grupos chilenos más grandes de la historia se presenta en Buenos Aires.

 

SÁBADO 02 DE SEPTIEMBRE| 21 h | Auditorio | 100 VIOLETAS

El concierto incluye grandes éxitos, un tributo a Violeta Parra en el año del centenario de su nacimiento y un extracto de la obra “Alturas de Machu Picchu” sobre poemas de Pablo Neruda. La puesta en escena contempla visuales e imágenes creadas por el pintor e ilustrador chileno René Olivares.

Los Jaivas
Con más de 50 años de recorrido por los escenarios, es uno de los grupos más relevantes de la escena musical latinoamericana. Creó un nuevo lenguaje: su música es única, universal e inclasificable, con una fuerza y una identidad muy cercana a las culturas de nuestros pueblos originarios, aunque también a la fusión y al rock latinoamericano.
Cuenta con una extensa discografía, en la que se incluyen dos trabajos considerados entre los 20 mejores discos del siglo XX: “Alturas de Machu Picchu” y “Obras de Violeta Parra”.
La influencia de su obra se deja sentir en casi todos los países de América y es un inevitable referente para las nuevas generaciones. El grupo está conformado actualmente por Claudio Parra, Mario Mutis, Juanita Parra, Alan Reale, Francisco Bosco y Carlos Cabezas.

Entrada gratuita
Se entregan hasta 2 por persona desde 2 horas antes de la función.
Caffarena 1, esq. Av . Pedro de Mendoza #LaBoca

 

 

Cómo eran las anotaciones que hacía Borges en los libros que leía

Se presentó la reedición de «Borges, libros y lecturas», el catálogo crítico que elaboraron Laura Rosato y Germán Álvarez a partir de los libros que el escritor donó a la Biblioteca Nacional luego de sus 18 años al frente de la institución

Borges escribe a partir de los libros que lee. Utiliza esas lecturas en una suerte de alquimia para transformarlas en textos únicos. Esto hace del lector el autor por excelencia, y de toda versión de un texto un borrador. Se podría decir entonces, que a partir de esta premisa -y de una tarea de rutina, paciencia, conocimiento y gran intuición- Germán Álvarez y Laura Rosato compilaron y analizaron las marcas y comentarios que Jorge Luis Borges dejó en sus libros en el catálogo ‘Borges, libros y lecturas’, cuya reedición fue celebrada en la antigua sala de lectura de la Biblioteca Nacional en la calle México.

Era tal la simbiosis entre escritor y biblioteca, que su universo radicó en los libros y en donde éstos descansan, en su biblioteca de galerías hexagonales e infinitas. El catálogo, además de reflejar ese espíritu, da a conocer una parte -alrededor de 400- del conjunto de libros donados por el escritor a la Biblioteca. Estos ejemplares permanecieron ocultos durante treinta años en los fondos generales de la institución. Un hallazgo casual fue el punto de partida de una investigación exhaustiva que duró casi 8 años, llevada a cabo por dos empleados de la Biblioteca y que resultó en el descubrimiento de casi 800 volúmenes intervenidos por el autor de El aleph.

Una de las curiosidades más grandes es que Jorge Luis Borges realizaba las anotaciones en los márgenes o tapas de los libros que leía, en el mismo idioma en que estaba escrito. Álvarez explica que, en esta edición, se amplían algunas de las oposiciones que hace: dentro del sistema de su escritura él confronta las mismas ideas con otros libros. “Estamos hablando de una actividad cognitiva intelectual. Entonces tenés que ponerte a leer como lo hubiese leído él.  Y a partir de una nota, que capaz tiene dos palabras, ir adonde él quería ir, y llamar la atención sobre la nota. Es un mecanismo cognitivo que está en la mente de una persona y en este caso, en la mente de Borges, que es un genio”, dice el autor.

Germán Álvarez se autodefine como un fervoroso lector de Borges y, por lo tanto, supo exactamente cómo buscar. “Parafraséandolo a él, me preparé toda la vida sin saberlo para hacer este trabajo. De hecho, era leer una nota y encaminarme hacia un texto donde yo veía perfectamente el reflejo o los ecos de esa nota. La parte inicial fue catalogar los libros y después poner en contexto las notas. Eso hace la diferencia entre un catálogo y un catálogo razonado. Este es un catálogo razonado y por suerte encontramos las notas que nos llevaban a sus textos muy rápidamente gracias al entrenamiento que yo tenía”, cuenta.

La primera edición fue hecha en 2010 bajo la dirección de Horacio González, que brindó apoyo intelectual y económico al proyecto. Continúa con este sostén el actual director de la Biblioteca Nacional, Alberto Manguel, quien agradeció a los autores: “Entre los muchos tesoros que alberga la Biblioteca, creo que los máximos tesoros son la gente que trabaja allí. Ni la subdirectora, Elsa Barber ni yo podríamos hacer nada sin ellos”.

“A partir de este trabajo, me gusta Borges cada vez más. En algún momento mientras hacíamos esto, me preguntaba si no lo íbamos a empezar a leer y a ver cosas que rompieran la magia pero no, es una obra muy sólida. Mi lectura de Borges se volvió más profunda”, cuenta la autora Laura Rosato. Y agrega que lo que más le llamó la atención de las anotaciones es la sobriedad, ya que el escritor “casi no pone nada que venga de su subjetividad, y sin embargo, algunos señalamientos eran muy subjetivos”. A la hora de elegir las notas que más llamaron su atención dice: “Una de el cielo de infinitas postergaciones me conmovió mucho. También me sorprendió lo sistemática que había sido la lectura de la Divina comedia, o lo profunda que era la lectura sobre el budismo”.

Algunas notas están en los márgenes, otras en las tapas, incluso se encontraron hojas sueltas con anotaciones. Para Laura Rosato no está claro si cuando Borges está leyendo anticipa que va a escribir, lo que sí asegura es que “escribe como lee”. Germán Álvarez coincide y asegura que  “es difícil desandar el camino entre lector y escritor, la realidad es que me parece que cuando Borges leía ya estaba escribiendo”.

 

Su letra es pequeña y prolija, o, como la define Álvarez: “el corpúsculo de la gran obra”. El bibliotecario hace una analogía entre la obra de Borges y el mecanismo de un reloj. Para él, si ves el mecanismo de un reloj que de afuera te parece maravilloso, tal vez no te parezca tan atractivo. Sin embargo, asegura que “su obra es tan buena y tan consistente, que uno no pierde esa perspectiva de que es un genio leyendo y que va a hacer una gran creación. Es tan consistente Borges que no te defrauda”. Y recuerda que la primera nota que encontró lo emocionó mucho: “Era en los diarios de James Boswell, y en la portada, con una letra muy pequeña tomaba la nota en inglés: ‘Live no more than I can recall’. Significa ‘vivir no más de lo que puedo recordar’. Y Borges, en la última etapa de su vida, era alguien obsesionado con la memoria. Era como un eco de Funes el memorioso, vivir solamente lo que uno puede recordar”.

Este primer volumen -los investigadores están trabajando en el segundo- también contiene imágenes de anotaciones que realizaba Leonor Acevedo, quien tomó como propia esa tarea por pedido de su hijo, cuando ya no pudo ver más. Jorge Luis Borges hizo literatura a partir de literatura, y eso es una forma de lectura que no se parece en nada a la que hacen la mayoría de los lectores. Hacer visible ese método es el objetivo principal de Laura Roseto y Germán Álvarez.

Argentina

SÁBADO 02 DE SEPTIEMBRE Los Jaivas: Uno de los grupos chilenos más grandes de la historia se presenta en Buenos Aires.

 

SÁBADO 02 DE SEPTIEMBRE| 21 h | Auditorio | 100 VIOLETAS

El concierto incluye grandes éxitos, un tributo a Violeta Parra en el año del centenario de su nacimiento y un extracto de la obra “Alturas de Machu Picchu” sobre poemas de Pablo Neruda. La puesta en escena contempla visuales e imágenes creadas por el pintor e ilustrador chileno René Olivares.

Los Jaivas
Con más de 50 años de recorrido por los escenarios, es uno de los grupos más relevantes de la escena musical latinoamericana. Creó un nuevo lenguaje: su música es única, universal e inclasificable, con una fuerza y una identidad muy cercana a las culturas de nuestros pueblos originarios, aunque también a la fusión y al rock latinoamericano.
Cuenta con una extensa discografía, en la que se incluyen dos trabajos considerados entre los 20 mejores discos del siglo XX: “Alturas de Machu Picchu” y “Obras de Violeta Parra”.
La influencia de su obra se deja sentir en casi todos los países de América y es un inevitable referente para las nuevas generaciones. El grupo está conformado actualmente por Claudio Parra, Mario Mutis, Juanita Parra, Alan Reale, Francisco Bosco y Carlos Cabezas.

Entrada gratuita
Se entregan hasta 2 por persona desde 2 horas antes de la función.
Caffarena 1, esq. Av . Pedro de Mendoza #LaBoca

Argentina

“Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino” llegó a Salta

Las obras del Bellas Artes se exhiben de martes a domingo hasta el 10 de septiembre

¿Qué es? La muestra itinerante “Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino”, inagurada el año pasado como parte de los festejos del Bicentenario argentino, continúa su recorrido por distintas ciudades de la Argentina. En esta oportunidad, llega al Museo de Bellas Artes de la Ciudad de Salta.

La exhibición posee distintas obras de artistas maestros junto con piezas contemporáneas, estableciendo un diálogo inagotable a través de 200 años de historia argentina, por medio de cuatro ejes: paisaje y territorio; visiones sobre la subjetividad; los cambios sociales, y vanguardia y abstracción.

Además, la muestra está acompañada de textos con aportes y reflexiones acerca del Bicentenario, elaborados por Viviana Usubiaga, Ana Claudia García, Nancy Rojas, Pablo Montini y Carina Cagnolo, especialistas y referentes de las artes visuales de diferentes ciudades de país.

Tras su paso por Salta, podrá verse en el Museo Provincial de Bellas Artes “Franklin Rawson”, de San Juan, y terminará el año en el Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Caraffa”, de Córdoba. Con esta exhibición, se activa una de las acciones fundamentales del Museo Nacional de Bellas Artes: poner en circulación parte de su acervo dándole mayor visibilidad, ampliando su universo de destinatarios y descentralizando las políticas públicas en el campo de las artes visuales.

¿Por qué ir? Para disfrutar de las 79 obras exhibidas –algunas de la colección del Museo Nacional de Bellas Artes y otras de artistas contemporáneos que representan a cada una de las provincias del país, más Bolivia–: pinturas, esculturas, grabados, dibujos, fotografías, instalaciones, objetos y videoarte.

En cada montaje que se realiza de la muestra –Tucumán, Rosario, Mar del Plata, Neuquén y ahora en Salta– las obras obras se disponen siempre de formas distintas, no solo por tratarse de Museos con espacios diferentes, sino porque –como destacaron sus curadores, Andrés Duprat y Jorge Gutiérrez– siempre aparecen nuevas relaciones y diálogos entre ellas. Esto hace que la presentación de las piezas varíe, más allá de respetar los cuatro núcleos curatoriales con que se concibió la muestra.

Una de las características que más se destacan de la exhibición es que incorpora obras de artistas mujeres de los últimos 200 años, ya que algunas de ellas no siempre fueron tomadas en cuenta por la historiografía del arte. Se suman, entonces: Raquel Forner, Annemarie Heinrich, Grete Stern, Sara Facio, Emilia Bertolé, Grete Stern, Marta Minujín, María Martorell, Marcia Schvartz, Graciela Sacco, Rosalba Mirabella, Patricia Viel, Maia Navas, Claudia Martínez, Adriana Miranda, Graciela Hasper, Liliana Maresca, Adriana Lestido, Cristina Schiavi, Leticia El Halli Obeid, entre otras, además de sumar a las especialistas Viviana Usubiaga, Ana Claudia García, Nancy Rojas y Carina Cagnolo, quienes participaron de la exhibición con sus textos.

Otros de los artistas destacados son: Prilidiano Pueyrredón, Pío Collivadino, Cándido López, Lino Enea Spilimbergo, Juan Carlos Castagnino, Ramón Gómez Cornet, Cesáreo Bernaldo de Quirós, Antonio Berni, Raquel Forner, Alejandro Xul Solar, Emilio Pettoruti, Grete Stern, Antonio Seguí, Annemarie Heinrich, León Ferrari, Luis Felipe Noé, Sara Facio, Rómulo Macció, Carlos Alonso, Norberto Gómez, Juan Carlos Distéfano, Marta Minujín, Guillermo Kuitca, Pablo Siquier, Marcos López y Liliana Maresca son algunos de los artistas seleccionados del valioso acervo del Museo Nacional de Bellas Artes.

¿Dónde? Museo de Bellas Artes de Salta (Av. Belgrano 992, Salta Capital).

¿Cuándo? Hasta el 10 de septiembre. De martes a domingo, de 9 a 19.

Entrada libre y gratuita.

Argentina

Gran concierto sinfónico en homenaje a Violeta se tomará el Colón de Buenos Aires

  • El espectáculo programado para el próximo miércoles 19 de julio es dirigido por Ángel Parra y contempla en escena a la orquesta Filarmónica de Buenos Aires, junto con destacados músicos de Chile y Argentina, entre ellos Javiera Parra, Sandra Mihanovich, Soledad Pastorutti, Camila Moreno, Kevin Johansen, Roberto Márquez, Beto Cuevas y Gepe.

Un gesto explícito de agradecimiento con el pueblo argentino por haber abrazado con tanto cariño la obra de Violeta, desde su primer disco, es como se ha concebido desde el primer minuto el Concierto Sinfónico Violeta Parra 100 Años.

El espectáculo, que se realizará el próximo miércoles 19 de julio a las 20:00 hrs en el teatro Colón de la capital trasandina, plantea una matriz conceptual donde convive la Violeta Parra Instrumental con los arreglos orquestales del Maestro Guillermo Rifo, bajo la dirección artística de Ángel Parra Orrego.

El Ministro de Cultura, Ernesto Ottone, destacó la relevancia de este montaje, que es resultado de un largo y colaborativo trabajo entre músicos de Chile y Argentina. “Este concierto será un hito inolvidable dentro de las actividades para celebrar los cien años de Violea Parra, tanto en Chile como el extranjero. Será la unión de destacados músicos de ambos países, catándole a quien fue y seguirá siendo fuente de inspiración y conocimiento para las artes de nuestro continente”.

Además de contar con la participación de Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, connotados artistas chilenos y argentinos estarán presentes en las voces. Todos, nombres fundamentales de la música contemporánea de ambos países, quienes han tenido una relación poderosa con Violeta Parra, lo que configurará un montaje muy atractivo y trasversal artísticamente. Entre ellos se subirán a escena Javiera Parra, Sandra Mihanovich, Soledad Pastorutti, Loli Molina, Camila Moreno, Ángel Parra Orrego, Los Tekis, Patricio Manns, Kevin Johansen, Roberto Márquez, Beto Cuevas, Gepe, Horacio Romo.

El proyecto es financiado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, el Ministerio de Relaciones Exteriores, a través de la Embajada de Chile en Argentina, y la DIRAC. El Teatro Colón además pone a disposición su infraestructura, personal, equipamiento y horas de ensayo de la Filarmónica de Buenos Aires (OFBA).

También destaca la participación del Concertino y Primer Violín de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, Freddy Varela, un personaje clave en esta cooperación cultural,  quien además es chileno y penquista.

Programa Concierto Sinfónico

Obertura

Run Run
Javiera Parra
Soledad Pastorutti

Que He Sacado Con Quererte
Loli Molina

De Cuerpo Entero
Camila Moreno

Casamiento De Negros
Kevin Johansen

Santiago Penando Estas
Luis Alberto Cuevas

Rin Del Angelito
Gepe

Volver A Los 17
Javiera Parra

La Jardinera
Sandra Mihanovich

La Lavandera
Soledad Pastorutti

Maldigo Del Alto Cielo
Roberto Márquez

Gracias A La Vida

Acústico Folclórico

El Exiliado Del Sur
Patricio Manns

Pupila de águila
Javiera Parra
Ángel Parra Orrego

Una Copla Me Ha Cantado
Soledad Pastorutti
Los Tekis

El Guillantun
Javiera Parra
Loli Molina

El Albertío
Javiera Parra
Ángel Parra Orrego

Canción De Amor
Javiera Parra

Mazúrquica Modérnica
Camila Moreno
Javiera Parra
Sandra Mihanovich

Los Pueblos Americanos
Roberto Márquez

Orquesta Estable Del Teatro Colón

  • Director
    Guillermo Rifo
  • Concertino
    Freddy Varela Montero
  • Guitarra, Cuatro Y Charango
    Ángel Parra
  • Percusión
    Francisco Campos
  • Contrabajo
    Elián Ortíz
  • Charango
    Sebastián López
  • Quena
    Muro Coletti