Valparaíso

Artistas del Street exponen en una galería de arte en Valparaíso

  

Juntos por primera vez los artistas
GOBLIN, Un Kolor Distinto, Danny Reveco y
Proyectosomos1

 

Wall To Wall es el título de la exposición colectiva que exponen los artistas GOBLIN, Un Kolor Distinto, Danny Reveco y Proyectosomos1 en galería Bahía Utópica de Valparaíso, abierta al público desde lunes 21 de enero y hasta el 28 de febrero 2019.

El Street Art  se ha ganado su estatuto dentro del arte contemporáneo. Esto, gracias a su variedad de propuestas visuales, su carácter dinámico y monumental, así como su contacto directo con el público.
           Valparaíso, sin duda, la capital chilena del Street art. Así lo reflejan sus muros, escalas y edificios, iluminados con los murales de numerosos artistas que han plasmado su obra en los espacios urbanos. Y hoy, siguiendo la tendencia que impera en las principales ciudades del mundo, el arte del grafiti y el muralismo entra a las salas de arte de Valparaíso, con una innovadora exposición colectiva a cargo de tres artistas locales y un artista invitado desde BAs Argentina que se unen para presentar la muestra Wall To Wall en la galería Bahía Utópica, del cerro Alegre.

GOBLIN, Un Kolor Distinto, Danny Reveco, junto al argentino Proyectosomos1, exponen una quincena de obras originales, desarrolladas con diversas estrategias y soportes. Spray, stencil, dibujos y pinturas dan cuenta de una interesante mixtura, que une el pulcro oficio técnico con una iconografía del desenfado.

 

Desde los muros y la urbe al espacio de la galería, la presente exposición es una suerte de Waexaltación, reflexión y juego respecto del presente y su diversidad. De este modo, los artistas abordan diversos tópicos; la cultura popular; técnica e iconografía reinventadas, el relato sociopolítico y cultural del país; y la relación entre el universo y la cotidianeidad.

Mauro GOBLIN -artista exponente del Street Art, con obra en Valparaíso, Buenos Aires, París, Berlin, entre otras ciudades- Radicado hace años en el puerto, su trabajo en stencil posee un estilo inconfundible y un oficio quirúrgico al elaborar sus plantillas, que refieren a una diversidad de íconos del cine, música y literatura.

Un Kolor Distinto, actualiza temas como la conciencia ecológica y la ensoñación, mediante un imaginario de lo ancestral y de la dualidad masculino/femenino. Estos elementos participan lúdicamente del Universo y la Naturaleza, presentes como atmósferas de lo surreal.

Danny Reveco construye intrincados relatos visuales. En la proliferación de sujetos y acciones, la obra del artista revela las injusticias y el absurdo, la opresión permanente y la mentira del consumo.
Teniendo en cuenta nuestro pasado-presente histórico en las reflexiones del ahora, el artista pone en cuestionamiento el contexto de las relaciones humanas, nuestros vínculos con la Ñuke Mapu, (Madre-Tierra) las problemáticas contextuales que atraviesan nuestra contingencia, intencionando desde las potencialidades que el arte le brinda, la urgencia de re-pensar el hoy.

 

Proyectosomos1, invitado de Argentina, aborda y desmonta las relaciones entre imagen y encuadre. En su propuesta aparece una fina irreverencia, en que el marco es incapaz de contener a sus personajes, que pugnan por atravesar el límite de lo real y su representación.

            La exposición Wall To Wall se podrá ver en galería Bahía Utópica ubicada en Almirante Montt 372 cerro Alegre Valparaíso hasta el 28 de febrero 2019. Atención de lunes a domingo de 11h a 20h

 

Más información al correo bahiautoopica@gmail.com  y/o +56 9 8903 4039  //  32 2734296

 

Viña del mar

Retrospectiva de Ruth Santander se inauguró en Palacio Rioja de Viña del Mar

 

 

La ceramista UPLA recopila en la exposición “Manos de Obra” más de 45 años de carrera y actividad artística. La muestra estará abierta hasta el 6 de enero de 2019 en calle Quillota 214.  

 

Mas de 45 años de carrera y actividad artística están presente en la exposición “Manos de Obra” que la ceramista y académica de la Facultad de Arte de la Universidad de Playa Ancha, Ruth Santander Hopfenblatt, inauguró en el Museo Palacio Rioja de Viña del Mar.

 

La muestra es una recopilación de su trabajo realizado en la Escuela de Bellas Artes de la Ciudad Jardín y en la Universidad de Playa Ancha en el periodo que comprende los años 1970 y 2106. De esta etapa seleccionó, para exponer en el espacio cultural viñamarino, 26 obras las cuales se dividen en piezas únicas (individuales) y seriadas (instalaciones).    

 

La destacada ceramista nacional reconoció que dicha tarea fue un trabajo arduo, pero que le permitió recolectar piezas de las distintas épocas para exponerlas en conjunto. “Esta muestra se compone de obras modeladas a mano con la técnica de las placas y trabajadas en terracota, gres, raku, porcelana, loza y distintas otras pastas propias de la cerámica”, agregó.   

 

“Montar una exposición con esas características y en un lugar como el Palacio Rioja para mi es un premio a los años que le he dedicado a esta disciplina. También creo que es importante que el público tenga la posibilidad de observar todas las variantes que entrega el trabajar con arcilla, y de ingresar en la magia que significa la transformación de una masa deforme en un objeto u obra de arte”, complementó Ruth Santander.

Juan Esteban Montero, director del Departamento de Cultura de la Municipalidad de Viña del Mar, manifestó que “recibir la muestra ‘Manos de Obra’ en el Palacio Rioja es una gran oportunidad para apreciar el trabajo de una artista que tiene 45 años de carrera y de actividad artística. Por ende, esta exposición nos da la opción de apreciar y abrir a la comunidad el trabajo en cerámica que Ruth Santander ha realizado durante tanto tiempo”.

 

“Nos enorgullece como municipio acoger en este espacio a una gran formadora, profesora y artista como ella. La técnica que utiliza en sus trabajos nos parece increíble, y nos alegra saber que su enseñanza se ha traspasado a muchos estudiantes y artistas que ha tenido el privilegio de formar, tanto en la Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar como en la Facultad de Arte de la UPLA”, enfatizó Montero.

 

Cabe señalar que el montaje y exposición de “Manos de Obra” es el resultado del trabajo conjunto entre la Facultad de Arte de la Universidad de Playa Ancha, la Universidad de Viña del Mar y la Municipalidad de Viña del Mar a través del Museo de Artes Decorativas Palacio Rioja. 

Los interesados en visitar la muestra de cerámica de Ruth Santander Hopfenblatt, pueden hacerlo de manera gratuita desde el viernes 23 de noviembre de 2018 hasta el domingo 6 de enero de 2019, de martes a domingo de 10:00 a 13:30 y de 15:00 a 17:30 horas en calle Quillota 214, Viña del Mar.

 

Por Rafael Aucapán Millaquipai                                 

Periodista y Licenciado en Comunicación Social

Oficina de Comunicación y Vinculación 

con el Medio/ Facultad de Arte – UPLA

82520712

www.arteupla.cl

 

Valdivia

SEGUNDO DIA FLUVIAL: CONFERENCIAS, RUEDAS DE NEGOCIOS Y MÁS MÚSICA

SEGUNDO DIA FLUVIAL: CONFERENCIAS, RUEDAS DE NEGOCIOS Y MÁS MÚSICA

 

 

 

REVISA EL PROGRAMA DE FLUVIAL 2018

MAPA DE LUGARES Y ACTIVIDADES FLUVIAL 2018

29 de noviembre al 1 de diciembre

  • La segunda jornada de Fluvial fue un día de conferencias, ruedas de negocios y temas de agenda. Además, 25 shows de música en vivo dieron vida a la capital de la Región de Los Ríos.

Un viernes soleado recibió la segunda jornada de la tercera versión de Festival Fluvial, Música y Medios. En el tercer piso del Club la Unión, a las 11.00 de la mañana partió la Rueda de Negocios para delegados nacionales e internacionales, uno de los ejes importantes por los que apuesta este Festival. Simultáneamente en Carpa Cecs -otro de los epicentros Fluvial- se desarrolló la charla «Mujeres al Frente: Participación de Mujeres en Festivales de Música» -con a la periodista Consuelo Cortez como moderadora del panel- donde participaron la británica Nathalie Von Rotz (The Great Escape), la australiana Maggie Collins (Big Sound) y las chilenas Mariel Mariel (La Matria Fest), Camila Arroyo (Cisne Negro Records/Discos Tue Tue) y Giovanna Roa(Ruidosa). Una interesante conversación sobre un tema que se ha mantenido firme en la agenda mundial estos últimos dos años. Con datos duros en mano sumado a la experiencia, conversaron frente a un público mixto, sobre cómo el sistema desafía el levantamiento femenino; y las formas de desarrollar los escenarios musicales y las manifestaciones artísticas en general.

Pasado el mediodía, ante un panel moderado por el periodista de Radio Pauta, Francisco Tapia, los radiodifusores Rainiero Guerrero, Radio Futuro; Dj Chilli (EEUU), KEXP; Nicolás Castro (Ch), Radio Zero/Radio Red Bull; Gabriel Brickman (Ur), Distorsión FM Del Sur Radios Públicas y Miguel Millar (Ch) Radio Uach, dieron vida al conversatorio «¿Cómo será la radio en el año 2015?» Reflexiones en torno a uno de los medios fundamentales para el desarrollo de la música, que ha pasado por múltiples transformaciones tecnológicas y que hoy, enfrentados a los desafíos que trajo internet, hace imperante la evaluación de su rol y sus proyecciones futuras.

Las charlas «Instituciones de Estado: Políticas Públicas, instrumentos de apoyo e instituciones para el desarrollo de las industrias creativas en Chile» y «Política Nacional del Campo de la Música 2017-2022: Cuenta Pública», fueron lideradas por agentes del gobierno y tuvieron como objetivo dar a conocer el rol del Estado para fomentar las industrias creativas y el apoyo que se necesita para desarrollar y promover la cultura nacional. A partir de las 17 hrs., en el mismo lugar, se desarrolló la conferencia ¿Cómo Sacarle Provecho a las Herramientas Digitales para Exportar a tu Artista?una actividad dirigida a músicos, productores y managers.

Paralelamente en Casa Oyarzún y moderados por Hernán Rojas de Radio Futuro, Carlos Cisterna de Fundación Belén Educa, Cristian Zuñiga de Escuelas de Rock; Germán Torres, de Semanas del Rock; Manuel Pinto, de la Orquesta de Cámara de Valdivia; Raimundo Arrau, de Rial Fest y el músico Benjamín Lechuga, meditaron respecto a la importancia de la educación musical integral desde edad temprana y dieron curso al conversatorio «Formación de Audiencia Escolares para la Música Chilena».

Nuevamente Espacio en Construcción abrió sus puertas con talleres dirigidos exclusivamente para los acreditados de Industria y Artistas, los que se enfocaron en la Creación y Producción Musical y Cómo Crecer tu Audiencia. A las cinco de la tarde y con cupos limitados se desarrolló un Encuentro Concepción – Valdivia, del cual participaron agentes activos de ambas ciudades.

MÚSICA Y MÁS MÚSICA
 

Escenario Tilo fue el encargado de abrir los fuegos, con una tarde de música y parrilla denominada The Aussie BBQ. Un sol cálido recibió la interacción musical que se dio entre los Rapa Nui Amahiro y los australianos Alexander Biggs, Deep Sea Arcade y Birdz.

El destape total comenzó a las 16.00 hrs en punto. En conmemoración a los 20 años de Quemasucabeza, el Escenario Torreón Los Canelos fue inaugurado por Niña Tormenta y desde entonces, centenares de lugareños y visitantes se deleitaron -gratuitamente- con la presencia de Fakuta, Los Bárbara Blade, Maifersoni, Congelador, Gianluca, Bronko Yotte y Niños Del Cerro.

Mientras tanto el principal Escenario Fluvial, era inaugurado por los canadienses Barry Paquing Roberge quienes dieron paso a los locales Amaranth, al guitarrista Benjamín Lechuga y los puntarenenses Camino de Tierra. Los últimos rayos de luz fueron para el shoegaze de Adelaida y cuando se dejó caer la noche, junto a ella, el metal del power trío nacional Yajaira. Así, con una atmósfera rockera, se recibió por primera vez en el escenario de Fluvial a Kuervos del Sur.

Los encargados de cerrar la jornada fueron nuevamente Gaz Gaz y La Rata envenená,que asiló a todos los sedientos de música. En Gaz Gaz dos escenarios cobraron vida de forma paralela para Birdz, José Nazcar, Zonora Point, Mantarraya, Automática y Barry Paquing Roberge. En la Rata Envenená, la rampa de skate se transformó en el escenario de Mucho Sueño, Castro, Daniel Klauser y Raw C, un lugar imperdible para los asistentes a Fluvial, ubicado frente a la costanera.

 

Paraguay

Pilar, Yaguarón y Hernandarias presentaron variadas propuestas en “La Noche de los Museos”

Los Museos del interior del país se sumaron a La Noche de los Museos con variadas propuestas y una novedosa museografía. De esta manera, las ciudades de Pilar, Yaguarón y Hernandarias se adhirieron a ésta actividad cultural, que en su segunda edición atrajo a mayor cantidad de público.

Fueron cuatro los museos que abrieron sus puertas de 18:00 a 24:00 horas, del pasado viernes 16 de noviembre, “El Cabildo de Pilar”, “Dr. José Gaspar Rodríguez de Francia”, de Yagurón, ambos dependientes de la Secretaría Nacional de Cultura (SNC); mientras que en Hernandarias participaron el “Museo de la Tierra Guaraní” de Itaipú Binacional, y “Tacurú Pucú”.

Estos espacios culturales, deslumbraron con gran éxito, constituyéndose así, la “Noche de los Museos” en una fiesta cultural descentralizada y participativa. Centenares de personas acudieron a ésta cita, en donde pudieron acercarse más a la historia, la tradición y la cultura de nuestro país, que se halla contenida en cada objeto del invaluable acervo de cada museo.

Museo Cabildo de Pilar

En Ñeembucú, el histórico Museo Cabildo de Pilar, dependiente de la SNC, recibió una gran concurrencia que pudo conocer más acerca de la historia colonial e independiente que refleja este importante edificio cultural, así como también, una amplia mirada acerca de los vestigios de la Guerra contra la Triple Alianza, en donde el décimo segundo departamento jugó un importante rol.

En ese sentido, integrantes del Ballet de la Gobernación, ataviados con vestimentas de la época, realizaron una recreación del Juramento del Mariscal Francisco Solano López, acompañado del pelotón Acá Vera, unidad de élite paraguaya durante la Guerra Guasu. Asimismo, recrearon el romance de López con la pilarense Juana Pesoa, al igual que la presencia de personalidades históricas de la sociedad pilarense del siglo XIX, al compás de bailes de la época. Esta iniciativa fue realizada a través de un esfuerzo común entre la Secretaría Nacional de Cultura y la Gobernación de Ñeembucú.

Museo Dr. José Gaspar Rodríguez de Francia

En Yaguarón, departamento de Paraguarí, los participantes visitaron el Museo “Dr. José Gaspar Rodríguez de Francia”, dependiente de la Secretaría Nacional de Cultura (SNC), el cual ofreció a los participantes la oportunidad de conocer varios aspectos de la vida del Supremo, prócer y gobernante del Paraguay; así como también las obras literarias e históricas basadas en su notable figura, entre ellas, la novela “Yo, el Supremo”, del laureado escritor Augusto Roa Bastos, Premio Cervantes 1989.

Igualmente, se exhibió la muestra “Mba’apo”, que transmitió a los contemporáneos visitantes una mirada acerca de las labores, trabajos y quehaceres de los antepasados, tanto hombres como mujeres, que forjaron con su esfuerzo el presente paraguayo.

Museos de Hernandarias

En Alto Paraná, dos museos de la ciudad de Hernandarias, encendieron con su museología la cálida noche, propiciando el ambiente perfecto para que cientos de personas visiten los museos de La Tierra Guaraní de Itaipú Binacional y Tacurú Pucú, en donde se exhibieron fotografías y objetos relacionados con la vida cotidiana de los pobladores de la antigua comuna homónima, renombrada como Hernandarias desde 1896.

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Paraguay

Habilitarán exposición de arte infantil en el Museo Nacional de Bellas Artes

Este miércoles 14 de noviembre, a las 15:00 horas, se inaugurará en la cúpula del Museo Nacional de Bellas Artes, la exposición de arte infantil “Mercado Ñemi, el secreto de la reina sin nombre”. La muestra reúne obras de alrededor de cincuenta niños, de entre 6 y 16 años, de los Barrios Trinidad y Tablada, que asisten a los talleres de arte del Centro Municipal Nº 2 “Oñondivepa. Ésta exposición también podrá visitarse el viernes 16, durante la Noche de los Museos, previsto de 18:00 a 0:00 horas.

La idea nació cuando los niños visitaron una muestra dedicada a Ignacio Núñez Soler, en el MNBA a principios de este año. “Los chicos quedaron muy entusiasmados con el “Mercado Guasú” de Soler”, comenta la profesora Carla Da Costa.

“Es un cuadro bellísimo, con muchos personajes y movimiento. Sobre esa idea empezamos a crear historias, nuevos cuadros, hasta que cobró vida un universo propio, lleno de secretos divertidos, un mercado debajo del mercado guasú, que se conecta con los grandes mercados del mundo a través de un laberinto mágico. Allí no existe el dinero y lo que vale son las ideas. Resulta una metáfora inspiradora, porque la mayoría son niños de escasos recursos, incluso algunos afectados por la presente crecida, quienes a través del arte crearon un mundo maravilloso y plural, donde los medios materiales no son limitantes”, expresó.

“Como docentes estamos enormente orgullosas de estos niños que ante la adversidad y la falta de recursos responden con creatividad, ingenio y muchas ganas de crear belleza. Y que además de expresarse buscan compartir sus visiones, por eso decidimos hacer un libro artesanal, confeccionado por ellos, con las historias de cada cuadro”, indicó.

En la ocasión se exponen 22 cuadros de gran formato dispuestos en una secuencia narrativa que cuenta la historia del mercado de los susurros gobernado por una reina sin nombre. Al mismo tiempo se lanzará un libro catálogo artesanal elaborado por los pequeños, con los cuadros como ilustraciones.

“Logramos hacer muchísimos libros nosotros mismos, porque queríamos que los demás niños también conozcan nuestro mercado inventado”, relata Melany Mendoza de 10 años “al principio nos costó bastante, pero después entendimos que si cada uno hacia una parte, era más rápido, como una fábrica” explicó. “Cada cuadro cuenta un pedazo del cuento, y en libro cuenta todo”.

“Mercado Ñemi” se podrá visitar durante todo el mes de noviembre, de martes a viernes, de 8:00 a 18:00 horas; y los sábados, de 8:00 a 14:00, en el MNBA (Eligio Ayala Nº 1345 c/Paí Pérez). Se podrán solicitar visitas guiadas para grupos de niños a la Secretaría del Museo, al (021) 211789.

Fuente:http://www.cultura.gov.py

 

Colombia

Estados Alterados en concierto en el Planetario de Bogotá

Estados Alterados en concierto en el Planetario de Bogotá

El próximo 23 de noviembre la banda Estados Alterados presenta en la capital del país su más reciente proyecto discográfico: Lumisphera

En el marco del Festival Domo Lleno en el Planetario de la capital, la agrupación antioqueña se encontrará con el público en un escenario mágico, para presentar el resultado de un proceso que reúne mística, alquimia, fotografía, arte creatividad, ciencia y tecnología en 8 nuevas canciones que componen este trabajo musical grabado y producido en la ciudad Los Ángeles (USA) por Amir Derakh, ex miembro de la banda multiplatino Orgy; este álbum fue masterizado en Londres por Mike Marsh quien ha hecho este oficio para bandas: Prodigy, Depeche Mode, Jamiroquai y The Darkness.
Después de presentar este nuevo material en la ciudad de Medellín (Teatro Pablo Tobón Uribe) y en Cali (Teatro Jorge Isaacs), para este show en Bogotá y atendiendo el espíritu del Festival Domo Lleno, Estados Alterados prepara una experiencia basada en la exploración audiovisual en nuevos formatos, involucrando en la puesta en escena a la #Lumisphera, un instrumento (sintetizador)creado por la banda y que sirvió para crear e inspirar nuevos sonidos que fueron incluidos en esta, su sexta producción musical. El instrumento también inspiró el nombre del álbum.
Vea la promo del concierto

La cita es en el Planetario de Bogotá (Idartes) y el concierto comenzará a las 8 y 30 pm y está pensado para que puedan ingresar asistentes de todas las edades (a partir de 6 los años), las tres generaciones que han acompañado a la banda en su experimentado recorrido por la historia musical en nuestro país y la región. 

El evento es apoyado por Idartes, Revista Shock y la Alcaldía Mayor de Bogotá.

Compra tu entrada en tuboleta.com

Información adicional:

 

Valparaíso

SCD recibe Reconocimiento por rehabilitación del Teatro Mauri

SCD recibe Reconocimiento por rehabilitación del Teatro Mauri

El proyecto de puesta en valor del antiguo teatro porteño, que ya tiene su primera etapa activa, recibió el Premio Ciudad Valparaíso 2018 de Fundación Futuro.

Por su aporte al patrimonio y la cultura de la ciudad de Valparaíso, específicamente de los cerros Bellavista y Florida, la Sociedad Chilena de Autores e Intérpretes Musicales -SCD- recibió hoy el reconocimiento Premio Ciudad Valparaíso 2018, entregado por la Fundación Futuro.

El reconocimiento fue recibido por el presidente de SCD, Horacio Salinas, de manos de la directora de Fundación Futuro, Magdalena Piñera, en una pequeña ceremonia realizada la mañana de este martes en el restaurante Menzel de Valparaíso, espacio que también fue reconocido por su aporte al patrimonio de la ciudad.

“Para nosotros es una alegría y satisfacción tremenda saber que este proyecto que SCD está levantando con mucho esfuerzo está siendo un aporte a la cuidad y, es reconocido como tal. Ahora falta una pequeña ayuda para poder materializar la rehabilitación completa de este teatro que, sin duda, se convertirá en un hito cultural”, comentó Horacio Salinas.

Además del Teatro Mauri y el restaurante Menzel, Fundación Futuro reconoció otros 7 proyectos patrimoniales de la región.

Actualmente el Teatro Mauri SCD funciona como la primera Sala SCD fuera de Santiago, con un espacio activo para alrededor de 80 personas y una variada cartelera de música en vivo de todos los géneros y estilos.

 

Más información en www.scd.cl
Facebook: SCD Oficial
Twitter: @SCDChile
Instagram: @scd_chile

Colombia

COSQUÍN ROCK COLOMBIA

COSQUÍN ROCK COLOMBIA

Cosquín Rock Colombia 2018: esta es la programación oficial

¡El festival con más pasión de Latinoamérica vuelve a Colombia!

 
REDACCIÓN CANAL TRECE
Este 3 de noviembre, Multiparque (Bogotá) será el escenario de la segunda edición del Cosquín Rock Colombia.

Lee también: Cosquín Rock Colombia, cartel confirmado

Nacido en Argentina en 2001, el Cosquín Rock surgió como una plataforma de música en vivo enfocada en destacar el talento local. Sin embargo, fue tal su éxito que se expandió a países como México y Colombia.

 

Este año, el festival llega a su segunda edición, tras haber convocado – en 2017- a agrupaciones como Los Fabulosos Cadillacs, Residente y Aterciopelados.

Los Fabulosos Cadillacs. Foto: María Alejandra Villamizar Assaf- Canal Trece

Ahora, es el turno para una de las bandas ícono del ska rock en español, Ska-P; junto a Asian Dub Foundation y la agrupación de punk rock, Dos Minutos.

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La cuota nacional está a cargo, entre otros, de Pornomotora, Elkin Robinson, Nanook El Último Esquimal, Consulado Popular y N. Hardem.

Consulado Popular. Foto: María Alejandra Villamizar Assaf- Canal Trece

En esta edición, el festival contará con dos escenarios: Main Stage y Circo del Cónsul. La apertura de puertas es a partir del mediodía.

 

Programación oficial Cosquín Rock Colombia 2018

Main Stage

12:45- 1:30 Ismael Ayende

1:45- 2:45 Elkin Robinson

3:15- 4:15 Pornomotora

4:45 – 5:45 Dos Minutos

6:15 – 7:15 Asian Dub Foundation

7:45- 8:45 Los Auténticos Decadentes

9:15- 10:45 Café Tacvba

11:15 – 12:45 Ska-P

 

Circo del Cónsul

12:00 – 12:45 La Mano de Parisi

1:30- 2:15 Indios

2:45 – 3:30  Teatro Unión

4:15 – 5:00 N. Hardem

5:45 – 6:30 Los Suxios

7:15 – 8:15  Nanook El Último Esquimal

8:45- 10:15 Rodrigo De

10:15 – 11:15 Consulado Popular

11:15 – 12:15 Sergio Iglesias

12:30 – 2:00  Quantic (DJ Set)

 

Transporte Cosquín Rock Colombia 2018

La organización del evento cuenta con un servicio de transporte para los asistentes, al que se podrá acceder solo en preventa. Este tendrá un costo de 20 mil pesos más 2 mil del servicio.

Trayecto ida: cada hora desde las 12 p.m. hasta las 5 p.m.

Trayecto vuelta: 1:00 a.m. y 2:15 a.m.

Punto de salida: Unicentro

Más información en www.pinbus.com

 

Santiago de Chile

Francesca Ancarola en Thelonious

Francesca Ancarola en Thelonious

Después de su lanzamiento digital por PortalDisc el pasado 14 de Sept. y estrenado nacionalmente en el Teatro del Lago-Frutillar el 19 recién pasado, Francesca Ancarola y su grupo se presenta en Santiago con una selección del nuevo disco en vivo La Desentonada y otras músicas recopiladas de su quehacer musical. Esta vez traerá a Thelonious el próximo 04 de Octubre celebrando también a mujeres notables en un nuevo aniversario del natalicio de Violeta Parra y la conmemoración de la partida de Mercedes Sosa.

JUEVES 4 de OCTUBRE
Francesca Ancarola, voz y guitarra
Simón Schriever, guitarra
Rodrigo Galarce, contrabajo
Luis Barrueto, percusión
Invitado especial: César Gómez

Thelonious, Lugar de jazz
Bombero Nuñez 336, Bellavista/ Santiago-CHILE
Primer Set: 21:00 hrs.
Segundo Set; 23:00 hrs.
PRE VENTA: infolonquen@gmail.com

 

 

Valparaíso

¡HOY! SÁBADO 8 DE SEPTIEMBRE / VALPARAÍSO BALLET FOLKLÓRICO DE CHILE

Ballet Folclórico de Chile protagoniza Gala de Fiestas Patrias en la USM

El elenco presentará un espectáculo que recoge la riqueza y diversidad cultural chilena.

El sábado 8 de septiembre, a las 19:30 horas, se presenta en el Teatro Aula Magna de la Universidad Técnica Federico Santa María, en Valparaíso, el Ballet Folclórico de Chile (BAFOCHI), connotado elenco que exhibirá a través de la danza un recorrido por las diversas culturas que han tenido lugar en Chile. En este espectáculo se desplegarán algunos de los cuadros más aclamados de la compañía como “Rapa-Nui”, correspondiente a la cultura pascuense, el tributo a Gabriela Mistral “Recreo”, “Tierra de Fuegos”, inspirado en la cultura ona o selk’nam, “Orígenes”, basado en la cultura aymara y “Cueca”, que recoge la tradicional danza nacional.

En esta gala se presentará el elenco itinerante de BAFOCHI, el cual regresó al país recientemente tras una exitosa gira por China y Europa, donde fueron aclamados en cada uno de los festivales donde participaron. La formación contará con veinte bailarines y ocho músicos en escena.

Sobre el espectáculo que se presentará en la USM, Pedro Gajardo, fundador y director general de BAFOCHI, explica: “Es un camino que nos conduce a visualizar diferentes culturas de nuestro país, que estuvieron ahí y otras que todavía están, entonces se trata de hacer un racconto por cosas tan interesantes que nos ha permitido ser lo que somos actualmente”.

Respecto de la misión de BAFOCHI y la fórmula que ha llevado al conjunto a alcanzar su prestigio, Pedro Gajardo señala: “Lo primero es rescatar y proyectar, un pueblo sin memoria no sirve, hay que recordar de dónde venimos, nuestras raíces, pero en un lenguaje universal. Cada una de nuestras obras tiene tres elementos esenciales; el primero es que tenga un porcentaje elevado de raíz folclórica, lo segundo que tenga sentido del espectáculo, que tenga un lenguaje que la gente disfrute y, por ultimo, un lenguaje universal, para que lo pueda entender un niño, un extranjero, etcétera”.

La compañía BAFOCHI, creada en 1987, ha sido reconocida dentro y fuera del país. En Chile, particularmente, ha participado en más de diez ocasiones en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, obteniendo galardones como la Gaviota de Plata. Al mismo tiempo, ha sido objeto de reconocimientos como el Premio a la Excelencia Artística, entregado por el ex Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, actual Ministerio de la Cultura, las Artes y el Patrimonio.

Las entradas para este evento tienen un valor de $15.000 general, $12.000 tercera edad y $8.000 estudiantes. Venta de tickets en los estudios de Radio USM (Casa Central, Av. España 1680), Óptica Koch (Av. Valparaíso 708, Viña del Mar), Jardín Esmeralda (Esmeralda 1155, Valparaíso) y en boleterías del Teatro Aula Magna el día del evento.

 

Pilar Bustamante San Martín

Periodista   (+56) 32  2654928  · anexo: 4928
Dirección de Difusión Cultural – Casa Central, Valparaíso

www.teatroaulamagna.usm.cl

Colombia

Inauguración de la exposición ‘Hombre de Dolores’ en Cartagena, proyecto ganador de los Estímulos MinCultura

Foto: cortesía de la artista

 
Esta  versión de la convocatoria, parte de una alianza del Ministerio de Cultura y la Escuela Taller Cartagena de Indias (Etcar), otorgó dos premios de $30 millones cada uno con el objeto de fortalecer la circulación de las artes visuales en Colombia, a través de proyectos que refieran, narren, susciten y reflexionen sobre el quehacer caribeño, su historia e idiosincrasia, teniendo en cuenta el cuidado y la pertinencia histórica y patrimonial del espacio 
 
La exposición que se inaugura el sábado 18 de agosto, a las 5:30 p.m., en el Baluarte de Santa Catalina estará abierta hasta el 25 de septiembre y contará con performance en vivo los días 24, 25 y 31, a las 5:30 p.m.
 

Sobre el artista

Nacido en Mompox, Bolívar, Alfonso Suárez Ciodaro inició su trabajo artístico autodidacta desde muy niño en las riberas del río Magdalena. En 1982 comienza a exponer su trabajo de Arte del Cuerpo y en 1990 es docente en la asignatura de Técnicas de Performance en la Escuela de Bellas Artes de Cartagena (Bolívar). Ganador del primer premio del Salón Nacional de Artistas en 1994, como un pionero de una nueva expresión de arte en el país. Entre sus distinciones se encuentran varios galardones en el Salón Regional de Artistas Zona Norte, con sus obras ‘El Ribereño’ (1997), ‘100% Frágil’ (1995) y ‘Visitas y Apariciones’ (1993); y Primera mención honorífica en el X Salón de Arte Fotográfico Duchamp – Warhol en Medellín, y mención de honor en el XXX Salón Anual de Artistas Colombianos Museo Nacional de Bogotá.
 

Acerca de su obra ‘Hombre de Dolores’

Mediante el empleo de su propio cuerpo como lenguaje, el artista realiza un performance en donde pone el dolor del país y su propio dolor en escena, exhumando imágenes persistentes, tabúes, mitos, íconos de la cultura popular y de nuestra estructura ideológica. El inconsciente colectivo, el imaginario popular, las paradojas del tejido social, es el laboratorio de historias idílicas, épicas o trágicas. 
 
El artista se expone indefenso, soportando un peso sobre sus hombros, susceptible a toda flagelación, este es el hombre colonial pero también el contemporáneo: el dolor está presente en distintas formas en cada momento histórico. La puesta en escena es inspirada en los Nazarenos de la Semana Santa de Mompox, refleja todo el rictus religioso colonial de una celebración penitente. 
 
En ‘Hombre de Dolores’, el artista establece numerosos cruces que se convierten en ejes conceptuales de su trabajo: la imaginería popular, la religión, el folclore y el arte contemporáneo, en esta obra la hibridación no es sinónimo de fusión sin contradicciones, sino que da cuenta de las formas particulares de los conflictos que se generan en la interculturalidad (García Canclini).
 
La hibridación entendida así, hace visible algunos aspectos que resisten en los puntos de contacto o de intercambio cultural y de este modo el concepto caracteriza la coexistencia de lenguajes cultos y populares en su obra. (Bajtín)
 

Sobre las Fortificaciones de Cartagena de Indias

Las Fortificaciones de Cartagena de Indias son consideradas desde 1984 Patrimonio Mundial de la Humanidad. Por ello han venido siendo conservadas desde entonces por diversas instituciones para preservar su memoria histórica. Hoy en día, esta conservación está a cargo de la Escuela Taller Cartagena de Indias (Etcar), y es en ella que se vigilan las acciones que se deben tomar para garantizar su sostenibilidad, y a su vez que mantenga su equilibrio con respecto a los avatares propios de la naturaleza y en ocasiones por las “erosiones” causadas por quienes a diario las “habitan” o frecuentan.
 
Es conocido por todos que las Fortificaciones de Cartagena son “intocables”, en el sentido de la intervención física a las mismas, y que dicho argumento va en contravía con el recorrido que puedo tener a través de ellas. Es decir: pocas personas se sienten invitadas a interactuar con las murallas, pocos reconocen en las murallas un lugar vivo que todavía tiene muchas historias por contar. La relación que existe entre las murallas y el público, es parecida a la que se tiene con un archivo muerto: es distante y a veces fría.
http://www.mincultura.gov.co
Argentina

Encuentro de danzas. Una Folklore 2018 en el Centro Nacional de la Música

Se presentan La Compañía Entrerriana de Danzas, La Agrupación Artística Tierra Adentro El Grupo Coreográfico Nomade. Coordinación Lic Mariano Zozaya

¿Qué es? El Centro Nacional de la Música es un organismo público dependiente del Ministerio de Cultura de la Nación. Creado en 1994 con el objetivo de albergar las salas de ensayo y oficinas técnicas y administrativas de diferentes organismos, áreas y programas. Brinda una amplia programación artística propia, de otras instituciones o iniciativas privadas, que van desde muestras musicales contemporáneas, de tango, de folklore o sinfónicas, hasta espectáculos de ballet y muestras de artes visuales. Se destaca, particularmente, como un espacio que posibilita la concreción de diferentes conciertos y espectáculos didácticos para quienes se están formando en las distintas propuestas que ofrecen las universidades y escuelas de arte y conservatorios públicos de la ciudad y el país. Todos los eventos que se ofrecen en el Centro Nacional de la Música son gratuitos.

¿Por qué ir? Compañía Entrerriana de Danzas – Escuela de danzas mario López Bondaz

La Compañía Entrerriana de Danzas nació el 2 de Abril de 2013, día en que el grupo realizó su primer ensayo, en Villaguay, Entre Ríos. Es dirigida por el Licenciado en Folklore y Tango Mario López (UNA). En sus puestas busca ser fiel a la danza de cada región que representa, cuidando la idiosincrasia de cada lugar. Sus objetivos son alcanzar el máximo nivel dancístico, conocer diferentes Festivales, Ciudades y personas; y representar culturalmente al pueblo de Villaguay, la Provincia de Entre Ríos y la República Argentina.

Su Director, Mario López, tiene una extensa carrera artística; ha recorrido diversos escenarios de América y Europa. La Compañía ha participado en Eventos Internacionales en Colombia, Perú, Brasil y en varias oportunidades en Uruguay. También en los Festivales más importantes del país como Cosquín, el festival nacional de doma y folklore de Diamante, Festival de la Chamarrita, entre otros. Realizó las Puestas “Cantata de la Independencia Argentina” de Olga Fernández Latour de Botas y “A la Gurda Tango”; y fue ganadora del 38º Encuentro Entrerriano de Folklore.

Hoy nos Presentan: “Litoraleños”

Interpretarán un Cuadro de nuestra Región Litoral. Las danzas son: Mazurca, Shotis, Ranchera, Chamamé y Polka Rural.

La Agrupación Artística Tierra Adentro se forma en Abril de 2014 a partir de una invitación para llevar nuestras danzas al exterior. En Mayo de 2014 realiza su primera gira a participar del “I Encuentro Nacional de Danza Folklórica” en Sucre, Bolivia. En Mayo de 2015 vuelve a Sucre a representar a la Argentina en la “V Bienal Internacional de Danza Folklórica – “En honor al primer grito libertario de América Latina” – Conmemorando los 25 años del Ballet Municipal de Sucre” En Diciembre 2016 viaja a Nova Bréscias, Brasil a representar a la Argentina en “I Festival Internacional de Danzas Folklóricas Latinoamericanas” Desde el año 2015 la Agrupación presenta sus obras “Bailes Criollos” y “Paisajes” en distintos espacios independientes y oficiales de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. En 2016 participó del ciclo “Martes de Danza” organizado en Centro Nacional de la Música de la Ciudad de Buenos Aires por el Área de Danza del Ministerio de Cultura de la Nación y del ciclo “Danza en Compañía” organizado por el bailarín y coreógrafo Manuel Labarraz en el Espacio Cultural Adán Buenosayres.

En 2017 formó parte de la programación del Teatro Municipal de Morón, presentado su obra “Paisajes” y se consagraron ganadores del Festival Internacional Martín Fierro en el rubro Danza con su obra “Por venir”. En enero de 2018 participó del XI Festival Internacional de Folklore en Chile, Calera de Tango. Próximamente la agrupación hará su presentación en la VI Bienal de Folklore, en Sucre Bolivia en el mes de septiembre.Dirección  Mario Martinez. Asistencia Cynthia Moyano. Grupo Coreografico Nomade

El Grupo Coreográfico Nomade se crea a partir de la investigación y recopilación de música y danzas folklóricas argentinas y de países hermanos con el fin de lograr una propuesta artística y pedagógica. El grupo está compuesto por jóvenes bailarines, músicos, estudiantes y profesionales de fuerte espíritu creativo y con la inquietud de aunar ideas artísticas y crear obras que representan el acervo nacional.

Tiempo y Coplas Esta obra habla de nuestro carnaval, el trabajo y los colores del norte argentino… Hombres y mujeres valientes que entonan las vidalas más antiguas transmitidas de generación en generación. Hombres y mujeres que trabajan de bagayeros en la frontera con Bolivia, transportando cargas enormes en sus hombros para traer el pan a sus hogares. Hombres y mujeres que forman rondas de coplas, que bailan cuecas, bailecitos y festejan el carnaval. El esfuerzo, La Pachamama, la alegría, la vida y la muerte son los disparadores para la creación de esta obra, la cual fue fusionada con música y danza con elementos modernos y contemporáneos, dándole un formato actual sin perder la esencia y rescatando valiosas obras de autores y recopiladores latinoamericanos. Dirección Juan Gomez

¿Cuándo?  sábado 18 de agosto, a las 19

¿Dónde? Sala Williams, Centro Nacional de la Música, México 564, Ciudad de Buenos Aires.

Entrada libre y gratuita

Argentina

Leandro Barreto presenta su nuevo CD “D.M.I. Documento Musical de Identidad”

 

Leandro Barreto

El músico, percusionista, baterista y profesor de danzas folklóricas presenta su primer producción solista “D.M.I. Documento Musical de Identidad” (2017). El disco es un registro de la historia musical compartida por el percusionista Leandro Barreto en los últimos 15 años. A lo largo de este material discográfico, con producción del mismo Leandro, encontraremos obras inéditas compuestas por artistas del municipio bonaerense de Escobar, de gran valor cultural, que no estaban grabadas hasta hoy. El disco contiene 10 canciones con una gran variedad de sonidos y ritmos de Argentina y Latinoamérica. El abanico  musical que convive en él, tiene la particularidad de contar con distintas formaciones en cada tema y con improntas personales que cada grupo de intérpretes le otorga.

A lo largo de su labor docente, ha presentado diversos proyectos pedagógicos, entre ellos “Lectura musical” (narra la evolución de los instrumentos a través de la historia) y la creación del proyecto teatral y musical “Ellas Latinoamérica”, homenaje a las mujeres de la cultura y la lucha por la independencia de nuestro continente.

            En dos décadas de carrera participó en la grabación de los discos “Salamanca” (2002) de Salamanca, “Ellas Latinoamérica” (2013) de Ellas Latinoamérica, “Inmaterial” (2014) de Tackellus, “Luna Madre” (2015) de Ellas Latinoamérica, “Andando” (2017) de Facundo Mocoroa, “Talentos de Familia” (2017) de Familia Pérez, “Alumbramiento” (2018) de Joaquín Peduzzi y Ignacio Journé (“Mi voz en el viento”, producido por Leandro Barreto). Próximamente se editarán los discos de Sopa de Gaviotas (conjunto vocal femenino) y de Juano Siembra (cantautor), donde también participa.   

Como músico sesionista, ha acompañado a reconocidos artistas de la escena nacional (Federico Pecchia, Claudio Sosa, Federico Toledo, Ce Suárez Paz, Federico Rosso, Facundo Mocoroa, entre otros) en los escenarios más importantes del país (Festival Nacional de Música Popular Argentina de Baradero, Centro Cultural Kirchner, Caras y Caretas, Niceto Club, Entre Ríos, Mendoza, etc.).

Acompañan en vivo a Leandro Barreto (composición, arreglos, percusión, guitarra y voz) los músicos Ignacio Journé (voz y guitarra), Martín Koiffman (bajo), Joaquín Carvajal (bandoneón) y Mariano Herrera (vientos), Cesar Aguilera (flauta traversa), Sofia Kusznir (voz), Dani Reynoso (voz) y Diego Frías (instrumentos andinos).

 

 

Shows 2018

Durante el 2018, Leandro Barreto presenta en vivo sus propias composiciones, fiel a su estilo renovador en los sonidos orquestales, que lo caracterizó en casi dos décadas con la música.

Las propuestas en vivo (en formatos cuarteto y octeto), divisan a la brevedad el próximo trabajo como solista del músico y cantautor.

Contactos

Facebook: Leandro Barreto

YouTube: Leandro Barreto

011 15 5311 1956

Para acreditaciones, entrevistas, material o más información:

La Negra Press – lanegrapress@gmail.com – (0348) 15 4 53 20 83

 

Puerto Montt

Balmaceda Arte Joven presenta “Muestra final de talleres artísticos Otoño 2018”

Se trata de una de  los cuatro espectáculos que Balmaceda Arte Joven Los Lagos realiza durante el año en el marco de la finalización de  talleres artísticos.

Cerca de 130 jóvenes , de 12 a 25 años, mostraran todas las habilidades aprendidas durante los meses de otoño 2018 en los  diez talleres  que implementó en esta última temporada la Escuela de Artes Integradas de Balmaceda en la región.

Así, los talleres de audiovisual, danza, circo (acrobacias y telas), piano, literatura, guitarra eléctrica, teatro, batucadas y armónica, fueron algunas de las técnicas aprendidas  en las modalidades de experimentación y especialización.

Francisca París, directora de la Escuela,  señalo  que la presentación artística  en el Teatro Diego Rivera significaba una experiencia única para los jóvenes, que de forma voluntaria asisten a los talleres. “La experiencia   para  nuestros jóvenes es muy significativa, ya que estar en el Diego Rivera, en el principal escenario de la región, significa sentir el peso de un escenario de calidad donde ellos pueden expresar y crear  en  los diversos lenguajes aprendidos”.

Finalmente, París aprovechó la oportunidad de invitar a  los interesados en postular a los talleres de la Escuela a estar atentos a las prontas nuevas inscripciones  de invierno, las que se abrirán una semana después de la presentación  final  en el Diego Rivera, y a las que se pueden acceder  visitando la sede de Balmaceda (ubicada en Francisco Bilbao 365, Puerto Montt) y solicitando acceder a un software virtual de postulación.

Valparaíso

Rodrigo Castro, artesano con tradición.

Texto y Fotografías

Adolfo Vera – Mauro Bregante

Dentro de los atractivos turísticos y culturales de la ciudad de Viña del Mar, se nos presenta uno en particular, es la feria de artesanía del Paseo Causiño.  Data de comienzo de los ochenta y muchos artesanos han pasado por este lugar, pero hoy solo se mantiene una treintena de ellos, los cuales,  permanecen exhibiendo y vendiendo los variados artículos artesanales.

Quisimos conocer un poco más y tomamos contacto con Rodrigo Castro, artesano que lleva en la Feria artesanal desde sus comienzos.

Bueno y quien no lo conoce, Rodrigo es un hombre alto, de cabello largo y con sus grandes bigotes que se unen a su barba, con un estilo inconfundible dentro de su carismático aspecto.

Rodrigo es un artesano que ha trabajado en distintos materiales en el rubro de la artesanía, entre los cuales, el cuero y la orfebrería. Pero no eso no es todo, siempre se ha preocupado por asistir a cada evento cultural y musical que ofrece la ciudad, el nos dice, “para que no se le seque el cerebro”.

Otra actividad en la que siempre participa, es la fiesta de los pescadores de Caleta del Membrillo, Fiesta de San pedro y San Pablo, frecuentemente se le ve con sus guantes blancos, platillos y baquetas acompañando al Santo Patrón.

En su juventud integro la banda musical, La Bandalismo, la misma agrupación que acompañara a Los Jaivas en algunas de sus presentaciones.

También estuvo presente en distintos lugares desarrollando su oficio de artesano, como Caleta Horcón, donde se dedico a la elaboración y venta de artesanías.  Anterior a ello, realizo sus viajes por América latina, en ciudades de Argentina, Uruguay y Perú a finales de los años setenta.

Revista de los Jaivas conversó con Rodrigo y en su entrevista recorre algunos pasajes de su vida, como artesano y nos cuenta sobre su experiencia en el rubro, sus anécdotas y otras experiencias desde sus comienzos hasta hoy.

Rodrigo Castro, Artesano   

 Hola, mi nombre es Rodrigo y trabajo acá en viña hace muchos años en artesanía, cuero metales y siempre he estado en esta ciudad tan bonita, que es Viña del Mar.

¿Cuando se inicia como artesano?

Mira, yo me inicie como artesano en el año ochenta y cinco. Empecé trabajando cuero, empecé a hacer zapatos, suecos, carteras, todo ese tipo de artesanía en cuero, así partí trabajando.

   Pero para ser mas preciso, mis inicios en la artesanía comenzaron  el año 78, cuando fue el mundial de Argentina. Allá conocí a otro chileno que hacia carteras y zapatos para mujeres y con el empecé a trabajar el cuero,  hicimos uf  un montón de pedidos, cuando fue el mundial y Argentina salió campeón, y después volví en el año 84, volví de nuevo a Chile y ahí me encontré con otro amigo y el me enseño a trabajar la orfebrería.

  ¿En cuantos lugares ha estado trabajando en artesanía?

       Yo he estado trabajando en varias partes. Estuve en Argentina; Mendoza, Buenos Aires. Después fui a Uruguay, esto dentro del año ochenta y siete al noventa, y luego El Cusco, Perú, ahí estuve. Después volví a Horcón, han pasado los años y ahora estoy radicado acá en Viña del Mar.

 ¿Cuál es su especialidad dentro de la artesanía?
      Mira mi especialidad en artesanía, después de haber incursionado en cuero, haciendo zapatos, carteras, correas, empecé a profundizar en la orfebrería en platería, cobre, bronce trabajando todos esos metales haciendo distinto tipo de cosas. Por ejemplo, en platería empecé a hacer aros mapuches, en bronce empecé a hacer pulseras de bronce y en cobre empecé a hacer repujado y grabado.

Mira, a mí me gusta trabajar las piedras asimétricas, sin forma, como viene la piedra la tomo, no hago muchos esquemas, solamente me gusta la asimetría. Y lo otro que me gusta mucho, es la parte rustica, que sea rustica, por ejemplo un anillo, una pulsera, un collar, que tenga una parte rustica y que la piedra sea asimétrica.

 4.- Podría explicar el proceso completo en la elaboración de alguna de sus piezas de artesanía?  

 El material lo compro y hago la fundición en la casa, uno mismo tiene que hacer los alambres de plata, hilar todo, eso lo va haciendo en su taller y utilizando sus herramientas. 

Claro, mira uno funde el material y después se lleva a la hilera, entonces, ahí vas calibrando los espesores de los alambres grueso, fino y después llega la parte que tienes que hacer soldadura y hacer la moldura para después ir al brillo, poner la piedra, y queda lista la joya.

         En cuanto al proceso completo, por ejemplo en un anillo de plata, yo parto por la fundición empiezo a fundir la plata después la llevo al laminador ahí hago los distintos espesores de alambre hago la lámina y después preparado eso tengo que ir al me cambio de herramienta y me voy a la lapidación porque yo mismo corto las piedras y las pulo entonces tengo que pulirlas cortarlas pulirlas,  no trabajo redondas ni cuadradas, solamente me gusta a mi la parte asimétrica o sea la piedra como la veo la tomo y ahí hago  por ejemplo como viene la piedra la voy tomando la voy puliendo con distintos lijadoras al agua, la voy puliendo hasta que al final logro sacarle el brillo y recién voy al montaje con la platería, digamos el alambre trenzado va soldado todo y al final de todo esto, cuando ya se tiene todo armado, viene el pulido que es la parte final del metal, el pulirlo bien pulido y después se lleva a la exhibición.

5.- Su lugar y espacio de trabajo tradicional ha sido el paseo Cousiño, podría hablarnos de su historia?

       Uff, la historia del paseo Cousiño se remonta muchos años atrás, Nosotros partimos originalmente en la calle Valparaíso con Quinta. Ahí se nos dio el permiso para trabajar, no me acuerdo el año pero esto debe haber sido el año ochenta, yo creo partimos ahí en esa feria después nos trasladamos acá a la Quinta Vergara y paso el tiempo y después nos pusieron definitivamente en el paseo Cousiño, cuando era un estacionamiento de autos y habían unas casas preciosas, esas casas antiguas de viña, que ya no están, ahora se sacó todo eso y se hizo una remodelación y se puso la feria en este lugar. Han pasado muchas historias sobre el paseo, mucha gente se ha ido muchos han llegado. Estaba la radio festival, estaba la zapatería Nino que también es antigua, el mesón con zeta, el negro del ocho y un montón de tiendas que ya no están, ha sufrido toda una transformación ese paseo, o sea, lo mismo ahora con nuestros puestos nuevos que tenemos.

  Hemos hecho exposiciones con esculturas, una linda exposición que hicimos asociados con el Bellas Artes, eso fue todo muy bonito, porque llegaron escultores, pintores, ceramistas, grabadores, fotógrafos. Bueno, y seguimos ahí trabajando intensamente como lo hacen los pueblos de América.  

 ¿Con que otras actividades comparten su tiempo y en cuáles de estas participa de forma directa y activa? 

Yo trabajo por lo general en el taller, que lo tengo en mi casa, trabajo en la mañana, en la tarde vengo al puesto a vender y en las tardes o en las noches por ejemplo voy a la ópera, que me gusta mucho la ópera, a veces me invitan también a exposiciones de pintores, tengo muchos amigos pintores, y escultores, en eso estoy compartiendo mi tiempo y por lo general estoy yendo a recitales también participo en un grupo musical que se llama Remehue, hacemos música folclórica del norte de la Tirana, y siempre estamos colaborando con diferentes bailes, porque para el interior de acá de la quinta región hay muchos bailes; están los zambos caporales, están los tincos, las diableadas, entonces siempre nos están pidiendo cuando les vamos a tocar a las fiestas tradicionales,  la Virgen del Carmen así que en eso estoy compartiendo el tiempo.

   Mira mi relación con el arte, con la cultura la verdad, es que yo mismo me incentivo, yo mismo me motivo para asistir a recitales, a teatro, a cine, siempre estoy yendo a eso porque me llena una parte de mi vida, digamos me  llena a mí, mentalmente me llena mucho y me hace muy bien, porque estás viendo, estás viendo a gente que está trabajando. Por ejemplo, en una obra de teatro tú te das cuenta de que ya llevan varios años, meses, trabajando, ensayando para lograr el propósito de una obra de teatro o como la ópera, o ir al cine que me encanta el cine, siempre estoy yendo al cine. Me gusta mucho el cine, también he trabajado en algunas películas.       

 ¿Y su experiencia como músico?

   Mira, como músico yo partí tocando en la vandalismo. Después, bueno empezamos a hacer la famosa fiesta de San Pedro, visitando a todas las caletas con distintos bailes. Posterior a ello, fui a La Tirana, después integre otra banda de Concón que se llama la banda Remehue,  hasta el día de hoy de repente aparezco por ahí en escena.

   Estoy tocando percusión, estoy con caja, platillo, ahí nos vamos variando, Me he comprado algunos instrumentos de viento,  pero me ha costado tocarlo.

¿Pero su especialidad en percusión?

  Si yo me he especializado en percusión, en caja, tumbadoras y platillos por lo general siempre voy tocando platillos, porque como a veces van muchos cajeros,  me cambio a platillos que hay menos, pero en eso me paso mi tiempo, siempre nos están llevando, hace poco estuvimos acá en la Virgen de las cuarenta horas, fue en febrero, también estuvimos acá en Lo Vásquez, lo que pasa es que cuando es la fiesta de la Virgen es el día domingo, pero cuando van todas las bandas es un domingo antes, por eso cuando la gente dice no vinieron las bandas y no lo que pasa es que se hizo un domingo antes porque llega mucha gente, así que en eso paso mi tiempo.

¿De sus proyecciones futuras, que nos puede contar?

  Mis proyecciones son seguir trabajando en artesanía y si me sale todo bien, estoy programando un viaje a Cuba. Quiero conocer la isla, viajar por la isla o puede Ecuador, donde están los indios otavaleños,  conocerlos, ver un poco sus trabajos y seguir en la senda del arte hasta el final de los días, morir con las botas puestas.

Rodrigo seguirá su senda, como la ha venido haciendo durante todos estos años, y en la actualidad, totalmente vigente en su oficio de artesano, hasta morir con las botas puestas, como nos dijo él.

A través de esta entrevista, tenemos la oportunidad de poner en valor el trabajo de tantos artesanos chilenos, que a lo igual que Rodrigo, con tanta dedicación y trabajo silencioso, laboran incansablemente en su oficio artesanal. CVRLJ.

 

 

Colombia

Ley del Espectáculo Público: la ley que convirtió a Colombia en el mejor escenario

 

 

Ley del Espectáculo Público

Gracias a la Ley del Espectáculo Público, se han beneficiado 127 escenarios para las artes escénicas en todo el país. La LEP ha permitido estimular, formalizar, democratizar y hacer competitivo al sector del espectáculo público. Así ha sido el proceso.

A partir de la importancia de legislar sobre industrias culturales, así como de fortalecer la oferta cultural y facilitar el acceso de la población a las actividades artísticas y culturales, el Ministerio de Cultura definió desde 2011, una agenda legislativa en la que uno de sus proyectos prioritarios fue la formulación, concertación y expedición de la Ley 1493 de 2011, Ley del Espectáculo Público de las Artes Escénicas (LEP).

Este es un breve recorrido por los seis años que han transcurrido desde la creación de esta iniciativa que marcó un antes y un después en la política pública del país, y que ha permitido estimular, formalizar, democratizar y hacer competitivo al sector de las artes escénicas en Colombia:

2011 – Nace la LEP

El 26 de diciembre de 2011 se expide la Ley 1493, Ley de Espectáculos Públicos de las Artes Escénicas, con la cual se busca fortalecer el sector cultural de las artes escénicas: teatro, danza, música, magia y circo sin animales.

2012 – Empieza la aplicación de la ley

Es el concierto de Paul McCartney en Bogotá, el primer espectáculo internacional de gran formato en llevarse a cabo luego de la sanción de la ley. Este espectáculo no solo se benefició con el préstamo del principal escenario deportivo de Bogotá, sino que además recibió todos los beneficios fiscales que la ley contempla.

2013 – Inician las convocatorias para los escenarios del país

Las secretarías de cultura inician las convocatorias públicas para que escenarios de artes escénicas privados o mixtos de todo el país puedan acceder a la Contribución Parafiscal, destinada a la infraestructura cultural. El primer escenario que cumplió con todos los requisitos y se vio acreedor a estos aportes económicos fue el Teatro Libre de Bogotá.

2014 – Primer balance de la LEP

Publicación del primer estudio de los tres años de la entrada en vigencia de la LEP, encargado por el Ministerio de Cultura y realizado por la empresa Econometría. El estudio concluyó y reveló que en el periodo 2012 – 2014, la derogatoria de los impuestos específicos que antes gravaba la boletería de espectáculos públicos de las artes escénicas, significó para los productores un ahorro de $97.000 millones de pesos.

2015 – El espectáculo con mayor recaudo parafiscal

Cirque du Soleil, un evento distinto a la escena musical, es protagonista de la LEP, al iniciar sus temporadas y ser por segunda vez consecutiva el evento de gran formato que genera mayor recaudo por concepto de la contribución parafiscal.

2016 – Creación del Pulep

Se pone en marcha el Portal Único de Espectáculos Públicos de las Artes Escénicas – Pulep, una iniciativa cuyo propósito fundamental es simplificar, centralizar y unificar los trámites para la realización de espectáculos públicos de las artes escénicas en Colombia, disminuyendo los costos de transacción para los agentes del sector.

2017- Sector cultura: modelo para la implementación de la factura electrónica

Con el objetivo de regular los servicios de boletería electrónica y facilitar la ejecución de los recursos de la contribución parafiscal cultural, que generan los espectáculos públicos, se expidió el Decreto 537 de 2017. De esta forma, este proceso del sector cultura se convierte un proyecto piloto de la Dian, para la implementación de la factura electrónica a nivel nacional.

2018 – La LEP supera los 100 mil millones para los escenarios de las artes escénicas

El recaudo por contribución parafiscal superó los 100 mil millones de pesos, logrando un histórico recaudo por concepto de contribución parafiscal cultural a través del aporte que hacen los espectadores por la compra de boletería. Además, 127 escenarios han sido beneficiarios de estos recursos en todo el territorio nacional.

México

¿Crees que es posible sonreír con los ojos y las manos?, ¿te imaginas dibujar sentimientos de tristeza o alegría con tus brazos y piernas?

Esto es posible para 104 niñas y niños de 17 estados de la República Mexicana que participan en los coros Voces en movimiento, un espacio en el que jóvenes mexicanos crean y desarrollan, a través del canto, diversas formas de comunicarse.

 

Se trata de un esquema colegiado, instaurado en 2016 por el Sistema Nacional de Fomento Musical de la Secretaría de Cultura, en el que participan maestros de canto y expresión corporal de estados como Aguascalientes, Baja California, Ciudad de México, Coahuila, Colima, Chiapas, Chihuahua, Estado de México, Guanajuato, Morelos, Nayarit, Nuevo León, Oaxaca, Quintana Roo, Sinaloa, Tlaxcala y Veracruz.

El objetivo es que además de incentivar el desarrollo integral de estas niñas y niños menores de 17 años, se identifiquen las nuevas voces de México, que a ritmo de rap, rock, trova, música popular y tradicional dan vida al texto de una canción con movimientos corporales como una forma lúdica de entrenamiento coral.

Voces en movimiento realizará una presentación en la que cantarán, junto con algunos miembros de la Orquesta Escuela Carlos Chávez y el Ensamble Escénico Vocal del SNFM, temas alusivos a la ecología, la equidad de género y la libertad.

Canciones como Can you hear me? de Bob Chilcott, que habla sobre un niño sordo que describe el mundo, a través del lenguaje de señas; Opereta ecológica, de Alberto Grau, que utiliza sonidos onomatopéyicos, susurros y efectos vocales poco convencionales, serán parte del repertorio.

Asimismo, cantarán célebres títulos como Blowing in the wind, de Bob Dylan, y La maza, de Silvio Rodríguez. ¿Te gustaría presenciarlo?  Asiste este viernes 25 de mayo, a las 18:00 horas, al Teatro de las Artes del Centro Nacional de las Artes. La entrada es libre, cupo limitado.

Chile

Polo Cortés, Eduardo Parra y Alonso de Ercilla

Con muchos artistas nacionales, Polo Cortés prepara La Araucana junto a la narración de Eduardo Parra

 

Polo Cortés informa a Revista de Los Jaivas:

Desde el año 1999 empecé a interesarme por crear música basada en temáticas de nuestro país, así fue como investigando me topé con La Araucana, de Alonso de Ercilla, tomando de allí algunas ideas para canciones.

Sentía sin embargo que no era suficiente, y esta historia tan potente me llevó a un proyecto mas ambicioso: Crear mi primera ópera rock.

Comencé en marzo de 2001, con el libro y un cuaderno de 60 hojas, sin computador, y sin tener mucha idea de como enfrentar la realización de una ópera rock.

De a poco la música fué apareciendo mientras casi terminaba los textos. Adquirí con esfuerzo  mi primer computador para registrar las ideas que iban surgiendo. Era el invierno del 2001.

Finalmente concluí una primera y muy básica maqueta de 36 tracks en noviembre de ese mismo año.

Después de eso tuve que dejar el proyecto archivado, debido al alto nivel de recursos que involucraba realizarlo; Orquesta sinfónica, alrededor de 25 cantantes, ensamble de rock, estudio de grabación, arreglos, etc.

10 años después tuve la fortuna de coincidir con Eduardo Parra, quién también tenía en mente trabajar algo en base a La Araucana de Ercilla, así que decidimos unir fuerzas. Yo había estado trabajando un año antes en una nueva maqueta del disco, más clara y con nuevos arreglos para orquesta.

Luego de 7 años de mi reunión con Eduardo Parra, y 17 de la composición de La Araucana finalmente pudimos conseguir presupuesto de los FONDART region de Atacama, linea indígena, para contratar a la Orquesta Universitaria La Serena, a cargo del maestro Manuel Figueroa Bolvarán, con quién veníamos proyectando grabar el disco desde el año 2013.

En este momento estamos en plena grabación, desde hace mas de un año, se nos han estirado varias veces los plazos debido a la cantidad de personas involucradas en un proyecto así, también por las distancias; yo soy de la etnia diaguita y vivo en el territorio al interior del valle del Huasco, en la tercera región de Atacama, Eduardo vive en Francia, gran parte de los cantantes del disco viven en Santiago, la orquesta es de la serena, Fredy Araya, mi co-productor vive en Coquimbo. Un sin fin de detalles e imprevistos que nos han llevado a tener varios momentos de incertidumbre y stress. Por lo cual acuñamos la frase «Vamos a triunfar» que es como una inyección de energía cuando estamos flaqueando.

 

Finalmente y a modo descriptivo puedo agregar que los textos de mi libreto tienen un lenguaje natural, poco forzado a la poesía, para efectos de realismo y claridad al oyente respecto de lo que sucede en el relato. También se rescata en varios momentos frases elaboradas por el mismo Ercilla, tal vez adaptadas un poco a nuestro lenguaje actual.

Para transformar aún mas comprensible el desarrollo de la historia, está el trabajo realizado por Eduardo Parra, quién hace intervenciones narradas cada cierto tiempo y que van entregando información adicional para ir aclarando el panorama. Estos son textos del libro de Ercilla los cuáles no intervenimos mayormente para conservar el español antiguo de la obra. Por lo tanto en la obra Eduardo interpreta a Alonso de Ercilla, sin embargo dentro de la ópera rock hay intervenciones musicales de Ercilla que serán representadas por un cantante.

https://purochilemusical.blogspot.fr/2011/08/la-ultima-aventura-musical-de-eduardo.html