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SÁBADO 02 DE SEPTIEMBRE Los Jaivas: Uno de los grupos chilenos más grandes de la historia se presenta en Buenos Aires.

 

SÁBADO 02 DE SEPTIEMBRE| 21 h | Auditorio | 100 VIOLETAS

El concierto incluye grandes éxitos, un tributo a Violeta Parra en el año del centenario de su nacimiento y un extracto de la obra “Alturas de Machu Picchu” sobre poemas de Pablo Neruda. La puesta en escena contempla visuales e imágenes creadas por el pintor e ilustrador chileno René Olivares.

Los Jaivas
Con más de 50 años de recorrido por los escenarios, es uno de los grupos más relevantes de la escena musical latinoamericana. Creó un nuevo lenguaje: su música es única, universal e inclasificable, con una fuerza y una identidad muy cercana a las culturas de nuestros pueblos originarios, aunque también a la fusión y al rock latinoamericano.
Cuenta con una extensa discografía, en la que se incluyen dos trabajos considerados entre los 20 mejores discos del siglo XX: “Alturas de Machu Picchu” y “Obras de Violeta Parra”.
La influencia de su obra se deja sentir en casi todos los países de América y es un inevitable referente para las nuevas generaciones. El grupo está conformado actualmente por Claudio Parra, Mario Mutis, Juanita Parra, Alan Reale, Francisco Bosco y Carlos Cabezas.

Entrada gratuita
Se entregan hasta 2 por persona desde 2 horas antes de la función.
Caffarena 1, esq. Av . Pedro de Mendoza #LaBoca

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“Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino” llegó a Salta

Las obras del Bellas Artes se exhiben de martes a domingo hasta el 10 de septiembre

¿Qué es? La muestra itinerante “Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino”, inagurada el año pasado como parte de los festejos del Bicentenario argentino, continúa su recorrido por distintas ciudades de la Argentina. En esta oportunidad, llega al Museo de Bellas Artes de la Ciudad de Salta.

La exhibición posee distintas obras de artistas maestros junto con piezas contemporáneas, estableciendo un diálogo inagotable a través de 200 años de historia argentina, por medio de cuatro ejes: paisaje y territorio; visiones sobre la subjetividad; los cambios sociales, y vanguardia y abstracción.

Además, la muestra está acompañada de textos con aportes y reflexiones acerca del Bicentenario, elaborados por Viviana Usubiaga, Ana Claudia García, Nancy Rojas, Pablo Montini y Carina Cagnolo, especialistas y referentes de las artes visuales de diferentes ciudades de país.

Tras su paso por Salta, podrá verse en el Museo Provincial de Bellas Artes “Franklin Rawson”, de San Juan, y terminará el año en el Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Caraffa”, de Córdoba. Con esta exhibición, se activa una de las acciones fundamentales del Museo Nacional de Bellas Artes: poner en circulación parte de su acervo dándole mayor visibilidad, ampliando su universo de destinatarios y descentralizando las políticas públicas en el campo de las artes visuales.

¿Por qué ir? Para disfrutar de las 79 obras exhibidas –algunas de la colección del Museo Nacional de Bellas Artes y otras de artistas contemporáneos que representan a cada una de las provincias del país, más Bolivia–: pinturas, esculturas, grabados, dibujos, fotografías, instalaciones, objetos y videoarte.

En cada montaje que se realiza de la muestra –Tucumán, Rosario, Mar del Plata, Neuquén y ahora en Salta– las obras obras se disponen siempre de formas distintas, no solo por tratarse de Museos con espacios diferentes, sino porque –como destacaron sus curadores, Andrés Duprat y Jorge Gutiérrez– siempre aparecen nuevas relaciones y diálogos entre ellas. Esto hace que la presentación de las piezas varíe, más allá de respetar los cuatro núcleos curatoriales con que se concibió la muestra.

Una de las características que más se destacan de la exhibición es que incorpora obras de artistas mujeres de los últimos 200 años, ya que algunas de ellas no siempre fueron tomadas en cuenta por la historiografía del arte. Se suman, entonces: Raquel Forner, Annemarie Heinrich, Grete Stern, Sara Facio, Emilia Bertolé, Grete Stern, Marta Minujín, María Martorell, Marcia Schvartz, Graciela Sacco, Rosalba Mirabella, Patricia Viel, Maia Navas, Claudia Martínez, Adriana Miranda, Graciela Hasper, Liliana Maresca, Adriana Lestido, Cristina Schiavi, Leticia El Halli Obeid, entre otras, además de sumar a las especialistas Viviana Usubiaga, Ana Claudia García, Nancy Rojas y Carina Cagnolo, quienes participaron de la exhibición con sus textos.

Otros de los artistas destacados son: Prilidiano Pueyrredón, Pío Collivadino, Cándido López, Lino Enea Spilimbergo, Juan Carlos Castagnino, Ramón Gómez Cornet, Cesáreo Bernaldo de Quirós, Antonio Berni, Raquel Forner, Alejandro Xul Solar, Emilio Pettoruti, Grete Stern, Antonio Seguí, Annemarie Heinrich, León Ferrari, Luis Felipe Noé, Sara Facio, Rómulo Macció, Carlos Alonso, Norberto Gómez, Juan Carlos Distéfano, Marta Minujín, Guillermo Kuitca, Pablo Siquier, Marcos López y Liliana Maresca son algunos de los artistas seleccionados del valioso acervo del Museo Nacional de Bellas Artes.

¿Dónde? Museo de Bellas Artes de Salta (Av. Belgrano 992, Salta Capital).

¿Cuándo? Hasta el 10 de septiembre. De martes a domingo, de 9 a 19.

Entrada libre y gratuita.

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Gran concierto sinfónico en homenaje a Violeta se tomará el Colón de Buenos Aires

  • El espectáculo programado para el próximo miércoles 19 de julio es dirigido por Ángel Parra y contempla en escena a la orquesta Filarmónica de Buenos Aires, junto con destacados músicos de Chile y Argentina, entre ellos Javiera Parra, Sandra Mihanovich, Soledad Pastorutti, Camila Moreno, Kevin Johansen, Roberto Márquez, Beto Cuevas y Gepe.

Un gesto explícito de agradecimiento con el pueblo argentino por haber abrazado con tanto cariño la obra de Violeta, desde su primer disco, es como se ha concebido desde el primer minuto el Concierto Sinfónico Violeta Parra 100 Años.

El espectáculo, que se realizará el próximo miércoles 19 de julio a las 20:00 hrs en el teatro Colón de la capital trasandina, plantea una matriz conceptual donde convive la Violeta Parra Instrumental con los arreglos orquestales del Maestro Guillermo Rifo, bajo la dirección artística de Ángel Parra Orrego.

El Ministro de Cultura, Ernesto Ottone, destacó la relevancia de este montaje, que es resultado de un largo y colaborativo trabajo entre músicos de Chile y Argentina. “Este concierto será un hito inolvidable dentro de las actividades para celebrar los cien años de Violea Parra, tanto en Chile como el extranjero. Será la unión de destacados músicos de ambos países, catándole a quien fue y seguirá siendo fuente de inspiración y conocimiento para las artes de nuestro continente”.

Además de contar con la participación de Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, connotados artistas chilenos y argentinos estarán presentes en las voces. Todos, nombres fundamentales de la música contemporánea de ambos países, quienes han tenido una relación poderosa con Violeta Parra, lo que configurará un montaje muy atractivo y trasversal artísticamente. Entre ellos se subirán a escena Javiera Parra, Sandra Mihanovich, Soledad Pastorutti, Loli Molina, Camila Moreno, Ángel Parra Orrego, Los Tekis, Patricio Manns, Kevin Johansen, Roberto Márquez, Beto Cuevas, Gepe, Horacio Romo.

El proyecto es financiado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, el Ministerio de Relaciones Exteriores, a través de la Embajada de Chile en Argentina, y la DIRAC. El Teatro Colón además pone a disposición su infraestructura, personal, equipamiento y horas de ensayo de la Filarmónica de Buenos Aires (OFBA).

También destaca la participación del Concertino y Primer Violín de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, Freddy Varela, un personaje clave en esta cooperación cultural,  quien además es chileno y penquista.

Programa Concierto Sinfónico

Obertura

Run Run
Javiera Parra
Soledad Pastorutti

Que He Sacado Con Quererte
Loli Molina

De Cuerpo Entero
Camila Moreno

Casamiento De Negros
Kevin Johansen

Santiago Penando Estas
Luis Alberto Cuevas

Rin Del Angelito
Gepe

Volver A Los 17
Javiera Parra

La Jardinera
Sandra Mihanovich

La Lavandera
Soledad Pastorutti

Maldigo Del Alto Cielo
Roberto Márquez

Gracias A La Vida

Acústico Folclórico

El Exiliado Del Sur
Patricio Manns

Pupila de águila
Javiera Parra
Ángel Parra Orrego

Una Copla Me Ha Cantado
Soledad Pastorutti
Los Tekis

El Guillantun
Javiera Parra
Loli Molina

El Albertío
Javiera Parra
Ángel Parra Orrego

Canción De Amor
Javiera Parra

Mazúrquica Modérnica
Camila Moreno
Javiera Parra
Sandra Mihanovich

Los Pueblos Americanos
Roberto Márquez

Orquesta Estable Del Teatro Colón

  • Director
    Guillermo Rifo
  • Concertino
    Freddy Varela Montero
  • Guitarra, Cuatro Y Charango
    Ángel Parra
  • Percusión
    Francisco Campos
  • Contrabajo
    Elián Ortíz
  • Charango
    Sebastián López
  • Quena
    Muro Coletti
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Municipio y Nación inauguraron en Neuquén el segundo módulo NIDO del país

El equipamiento social beneficia a 700 familias de Toma Norte II. (Foto: Silvina Cardell)

Neuquén.-El intendente Horacio Quiroga junto a funcionarios de los ministerios del Interior y de Cultura de Nación, inauguró esta mañana las instalaciones del Núcleo de Innovación y Desarrollo de Oportunidades (NIDO) que construyó el gobierno nacional junto al municipio en el barrio Toma Norte II.

Esta obra que acompañará la vida cotidiana de unas 700 familias del barrio, se transformó en el segundo núcleo NIDO que abre sus puertas a la comunidad en todo el país, y le da a los vecinos un espacio de encuentro donde podrán realizar talleres, deportes, capacitaciones y participar de actividades culturales.

Previo al acto formal, Quiroga junto al secretario de Cultura y Creatividad del ministerio de Cultura de la Nación, Enrique Avogadro y la subsecretaria de Hábitat y Desarrollo Humano del ministerio del Interior, Marina Klemensiewicz hicieron un recorrido por la Sala de Elaboración y la huerta orgánica de Agricultura Urbana que la Municipalidad tiene en la calle Reconquista 670. Junto a ellos estuvo también el conductor Julián Weich, quien llegó para brindar una charla en el NIDO sobre uso responsable del agua potable.

En el lugar, los invitados degustaron producciones de emprendedores locales y conocieron en detalle como se trabaja a diario. El recorrido motivó a los funcionarios nacionales a anunciar que próximamente invertirán en una sala similar en el núcleo NIDO que se acaba de inaugurar, para que los vecinos de Toma Norte también tenga la oportunidad de elaborar sus propios alimentos para consumo o para la venta.

Luego, visitaron el Centro Cultural del Oeste que se está construyendo en barrio San Lorenzo, en el predio del Parque del Oeste.

En el nuevo espacio, los vecinos podrán participar de talleres y actividades culturales. (Foto: Silvina Cardell)

Ya en Toma Norte II, Quiroga, funcionarios nacionales y municipales y los vecinos recorrieron el nuevo edificio y compartieron diversas actividades programadas. “Es necesario recrear el espíritu, crear condiciones de elevar el acceso a la cultura, en esta caso no tenemos solo infraestructura, acá ya tenemos un montón de talleres y actividades, tenemos señal de Wi Fi que van a servir tomar las posibilidades de formación como un valor en sí mismo ”, dijo el intendente.

“Esto es construir ciudadanía, y estoy inmensamente feliz porque veo a la Nación acá en Neuquén construyendo un país realmente federal”, dijo Quiroga durante la recorrida de NIDO.

“Acá se va a encontrar con un espacio que, a partir de las cosas que se van a ir anunciado, hay que ir dándole contenido. En este nuevo lugar habrá muchas actividades, menos punteraje. Acá van a estar los ciudadanos, gente comprometida con sus vecinos y con sus propias posibilidades de auto realización”, agregó Quiroga quien luego remarcó que “estos son espacios de construcción cívica, acá no hay extorsiones, acá ciudadanos libres donde recreamos este espacio para construir ciudadanía”.

En tanto Klemensiewicz felicitó a Quiroga por el trabajo que está haciendo en Neuquén. “Esta es una apuesta muy importe. Hace un año y medio vino Pechi y nos trajo 26 proyectos integrales de urbanización para todo Neuquén y me explicó las necesidades que tenía la ciudad y nos propusimos empezar con diez”, recordó la funcionaria.

“Tenemos un intendente de lujo, estamos trabajando muy bien con Pechi y con su equipo. Es el intendente de la Argentina que está llevando mayores cantidades de proyectos en términos de hábitat y estamos muy contentos”, dijo la funcionaria nacional quien luego resaltó sobre el núcleo NIDO inaugurado “esto incluye no solo traer agua, veredas, iluminación, cloacas, sino equipamiento comunitario, por ejemplo estamos acompañando el inicio de un programa que va a estar sucediendo en las casas y que mejorará cada fachada, pero también vamos a estar con el mejoramiento de núcleos húmedos, en aquellas viviendas que más lo necesitan”.

Avogadro por su parte manifestó que “estamos muy emocionados, nos contaban que esto era un zanjón y ver que estamos inaugurando este NIDO, un espacio cultural, deportivo, dedicado a la innovación y al emprendimiento, es una gran satisfacción”.

“Esto es construir ciudadanía, y estoy inmensamente feliz porque veo a la Nación acá en Neuquén”, dijo Quiroga. (Foto: Silvina Cardell)

“El éxito o fracaso de NIDO va a depender de todos ustedes. Esto es un lugar de encuentro, de participación, un espacio público y una extensión de sus casas”, les dijo Avogadro a los vecinos en el discurso de inauguración.

En este contexto anunció que además se implementará el programa bibliotecas libros y casas, “esto además de una biblioteca física es el contacto con mediadores de lectura para que todos ustedes puedan vincularse a la lectura de una manera amable y colectiva”.

En tanto, la secretaria de Desarrollo Humano, Yenny Fonfach adelantó que el mismo proyecto de este núcleo ya tiene proyección en Confluencia, Parque Industrial, Valentina Sur y Villa Ceferino, contó que previo a este logro hubo un proceso de trabajo en conjunto con el gobierno nacional, “en primera instancia presentamos proyectos, y pasamos por todas las etapas de evaluación y después vinieron las obras. Con los Promeba son 80 millones en total y con algunas novedades que vamos a incorporar próximamente”, dijo la funcionaria.

A su turno, David Schlereth, presidente del Concejo Deliberante manifestó su alegría por el nuevo espacio para los vecinos, “en este momento los protagonistas son los vecinos. Estamos muy contentos de trabajando juntos, y lo más importante obteniendo los mejores resultados, si cada uno pone lo mejor que puede vamos a hacer de Neuquén y de nuestra Argentina, el mejor lugar para vivir”.

Escuchar audio. Horacio Quiroga, Intendente.

Escuchar audio. Yenny Fonfach, secretaria de Desarrollo Humano.

Escuchar audio. Marina Klemensiewicz, subsecretaria de Hábitat y Desarrollo Humano del ministerio del Interior.

Escuchar audio.  Enrique Avogadro, secretario de Cultura y Creatividad del ministerio de Cultura de la Nación.

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El Coro y la Orquesta municipales ofrecerán un Homenaje por el 50 Aniversario del Rock Nacional

El próximo lunes 10 y martes 11 de julio

Cordova.- A las 20, en el Auditorio de Radio Nacional —Av. Gral Paz esq. Santa Rosa—, el Coro Municipal y la Orquesta de Cuerdas municipal ofrecerán un concierto Homenaje a los 50 Años del Rock Nacional, transcurridos desde la grabación de “La Balsa”. Con entrada libre y gratuita, contará con dirección general del maestro Santiago Ruiz y arreglos para coro y orquesta de cuerdas de Mariano López, Obi Homer y Manuel Ruiz. Participará además el trío que integran Ariel Borda, Horacio Sosa y Sergio Korn como solistas invitados.
Ambos conciertos tendrán su pre estreno en oportunidad de la Noche de Gala, este jueves 6 en el Teatro del Libertador, con motivo del 444 Aniversario de la Ciudad de  Córdoba.

El repertorio de las mencionadas presentaciones estará compuesto por fragmentos de canciones del rock nacional, organizado en tres popurrí de composiciones emblemáticas de Fito Páez, Charly García, León Gieco, Luis Alberto Spinetta, Gustavo Cerati, Ataque 77, Bersuit Vergarabat, Los Redondos y Las Pelotas, entre muchos otros autores y grupos del género popular en su versión argentina. Las presentaciones también contarán con actuación de un trío de rock conformado por Rodrigo Saldaña en bajo, Matías Herrera en batería y Manuel Ruiz en guitarra eléctrica; redondeando un encuentro de alta calidad protagonizado por referentes de nuestra escena musical.

Sobre el Coro Municipal

Creado en 1971 por el maestro César Ferreyra, este cuerpo artístico municipal, dirigido actualmente por Tomás Arinci, viene desplegando una intensa actividad musical a lo largo de más de 40 años de ininterrumpida vida artística.

Integrado por 33 voces titulares el Coro Municipal ha realizado a lo largo de su extensa trayectoria más de 1500 presentaciones, entre conciertos, recitales, conciertos didácticos, ciclos radiales y televisivos, festivales musicales, etc. en todos los ámbitos del quehacer cultural de la ciudad de Córdoba, su asiento natural, y en el interior de la Provincia, como así también en el resto del país, y la República O. del Uruguay.

Algunos de los elencos musicales con los que este Coro actúa regularmente son la Orquesta de Cuerdas Municipal, el Ballet Municipal, los coros oficiales de la Provincia de Córdoba y otros grupos vocacionales con los que comparte mensualmente grandes encuentros corales. En el ámbito de la música popular ha compartido recitales con artistas de la talla de Mercedes Sosa, Eduardo Falú, Oscar Alem y Ariel Ramírez, autor este de la “Misa por la paz y la justicia” y “Los caudillos”, estrenadas por el coro en Córdoba junto a su autor.

Su repertorio está integrado por obras universales desde el Renacimiento y el Barroco hasta compositores actuales, haciendo hincapié en la música del siglo XX y XXI y el estreno de obras nuevas, sin desdeñar el folclore argentino, latinoamericano y la música popular del resto del mundo.

Sobre la Orquesta de Cuerdas

Fue creada el 2 de Julio de 1956 y está integrada por excelentes músicos, de gran talento y formación.
A lo largo de su historia han sido sus directores estables los maestros Luis Nihoul, Herbert Diehl, y Daniel Schapiro. Además, ha contado con destacados directores invitados y se han desempeñado como directores titulares contratados los maestros Jorge Gabriel Fontenla y Hadrian Avila Arzuza.

Desde el año 2014 es su director artístico Santiago Ruiz.
La OCMC interpreta un muy variado repertorio: desde el Barroco hasta la música de nuestros días, incluyendo también arreglos y composiciones de música de origen popular, ésta, mayormente argentina. Cumple con la tarea de mantener viva la música de los autores más reconocidos, y también la de promover nuevos compositores e indagar en la vasta literatura para orquesta de cuerdas ofreciendo en Córdoba gran cantidad de primeras audiciones y estrenos.

La OCMC está comprometida con toda la población de la ciudad, ofreciendo conciertos en las salas más importantes de nuestro medio, en Iglesias, centros culturales, CPC, centros de tercera edad, conciertos al aire libre, etc. Asimismo su nutrida programación contempla interacción con coros y solistas locales y extranjeros, otros elencos municipales y artistas populares invitados.

La OCMC participa intensamente del programa “Aprendo con Cultura”, dedicado a niños y jóvenes, para quienes se ofrecen conciertos didácticos a través de la comunidad educativa.
La proyección de la OCMC incluye conciertos en el interior de la Provincia, en diversas provincias de nuestro país y en el exterior.

 

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El “Gringui Herrera”, huella de un compositor

 

El “Gringui Herrera”, huella de un compositor

Por Daniel Contreras y Gabriel Sacco, desde Buenos Aires para Revista de Los Jaivas

“Carolina” es la banda en la que comencé a tocar a los quince años, eso comenzó en Floresta. Cuando se separó la banda, me fui de viaje con uno de los músicos. Me lo costeó mi vieja, pero, en España, toqué en el metro, en la calle, en boliches, quería ser músico y lo ejercité allá.

El sueño comenzó mucho antes, a los ocho años. A mi hermano, le gustaba la guitarra. Luego en la escuela, alguien me lo propuso y comencé a ir a un taller de guitarra. Zambas, chacareras, eran temas que aprendía, eran canciones completas. Eso era buenísimo. No era tocar una parte, había que empezar y terminar un tema. Comenzamos veinte, después quedamos cinco, y terminamos solo tres.

Cuando comencé a escuchar a los Beatles ya tenía doce años. Era el año 75 cuando empecé la secundaria, época en que se escuchaba Sui Generis. En ese tiempo terminé sumándome al grupo “Carolina”.

Las ganas de querer ser músico, me llevó a España. Era muy pendejo. Hice de todo, había que comer, el invierno es duro y lejos de tu casa es más duro. Volví en el 80. Yo había dejado la secundaria en tercer año, que había cursado con Andrés Calamaro. Como lo conocía de ese tiempo y yo volví con una idea más firme de cómo hacer una canción, me contacté con Andrés y juntos comenzamos a armar canciones, en realidad aprendíamos juntos.  Él tenía un grabadorcito chico, y escuchaba mucho Sui Generis. Juntos hicimos varias canciones, algunas fueron al primer disco de los “Abuelos de la nada”. Ahí hay temas que marcaron tiempo: “Tristeza de la ciudad”, “Costumbres Argentinas” y varios hits más. Con estos temas, me abrí camino como compositor.

A pesar de estar sonando fuerte, fue una época dura: nos cagamos de hambre. Hoy día aún es difícil. No es un lecho de rosas hacer música. Es maravilloso que algunos podamos expresarlo con un instrumento, pero vivir de esto es difícil.

Desde los 20 años que estoy de gira. A veces, llevo a mi hijo; él me acompaña y también está haciendo música. Así es mi vida. Si no arriesgas, nunca lo vas a saber.

Toco guitarra, bajo, batería, pero mi instrumento es la guitarra.

Nos regaló el disco de un trio con Tito Losavio en guitarra, Federico Gil Sola en batería, y él en el bajo. Hemos tocado mucho con ellos. No tenemos compañía que nos grabe. Todo es a esfuerzo nuestro. Uno de los lugares donde solemos tocar es en “Mr Jones Blues Pub”, en Ramos Mejía.

Sobre cómo se trabaja en la creación de un tema, hay diferentes formas, si uno trabaja solo o si compone con otro. Con Andrés, hacíamos los temas en batería y bajo, y  luego él metía piano y yo guitarra. Así grabábamos con él. En algún momento, Andrés lleva estos temas a los Abuelos [de la Nada]. Mi participación en los Abuelos fue siempre de estar acompañando y llegué a grabar en el disco en vivo de los Abuelos, reemplacé a Bazterrica que no podía tocar y fui yo. Era un poco incómodo, pero fue necesario. Siempre tuve facilidad para aprender las canciones, entonces me llamaban de un día para otro para grabar o tocar en algún lugar.

Después de los Abuelos, grabé singles, hice de todo un poco. Cuando hacía otras cosas, extrañaba mucho la música. He dado clases. Entre todo lo que hice prefería ganarme la vida haciendo música, no importaba con quién. Hasta he tocado con “Los Plateros” antes de los Abuelos. Con Andrés, hicimos eso.

No soy líder en las bandas, pero tengo mis ideas, empujo. Solo toco el bajo con el trío, soy bajista de mentira. El trío es una banda típica de rock, temas de Tito Losavio, onda “Power trío”, bien roquero y difícil. Pero no es una banda que tenga continuidad, se ve interrumpida por los viajes de cada uno. No ganamos un mango con el trío, pero hago lo que me gusta.

Ahora trabajo con Lerner. Hace 14 años que soy su guitarrista y ese es mi trabajo. Es buenísimo trabajar con Alejandro: no te deja clavado. Es muy respetuoso de mi trabajo.

Mi vida es hacer música, yo estoy creando siempre, pero una buena canción sale a veces. Yo puedo hacer 40 temas y son buenas canciones sin dudas, pero esa que me hace sentir bien, esas salen a veces. Componer depende de con quién lo haces, hay gente que te aporta o a la que le aportas mucho.

Lerner ha hecho temas muy buenos con otros y ha hecho muy buenos solo. Todo depende del momento.

Hay músicos a los que no les gusta compartir, y no siempre solos componen bien. Yo he creado solo buenas cosas y no tan buenas. Lo mismo pasó al crear con otros. A mí, me parece que está bueno crear con otro, las ideas se suman entre dos. Creo que rinde más. Con Andrés, nos fue bien, era muy lindo trabajar juntos. Con Lerner nunca compuse, no sé cómo será componer con Alejandro.

Es apasionante componer. De chico, me iba muy bien con las composiciones; ya era creativo. No hay en las escuelas buenos “profes” de música.

Músicos referentes: Pappo, Johnny Winter.

Un tema, el The Doobie Brothers, “Listen to the Music”.

Una banda: Revolver me gusta mucho , Deep Purple, AC/DC.

Tengo un proyecto con Miguel Zabaleta “Broken heart”, hacemos cover de Beatles y Carpenters. Es un grupo de voces, acústico; es algo muy especial. Este es un proyecto de este año. Aparte, el Trío y Lerner. También participo invitado en grabaciones. Esa es una tarea que me apasiona. Yo soy de meterme en las grabaciones medio rápido; me invitan y me meto. Rindo bien. Tenes que estar a gusto con el que te invita, y ahí surgen los sonidos, mejoramos las tomas. Es muy placentero el tiempo de grabar. Todo se pilotea. A todo se le pone un poco de rock.

Alejandro me deja poner mucho de mí cuando toco con él. Eso es muy bueno.

En los 90, he tocado con Fito; hice unas giras con él, aprendí mucho. Con él tocamos con una infraestructura impresionante. Aprendí a tocar en una estructura diferente. Fue una linda experiencia. Con Fito, toqué con músicos impresionantes. Creo que valió lo que yo hago también.

Mi comienzo fue con “Carolina”, en la época que aparecían “Memphis” y “Redondos”. Conocí y admiré mucho a Pappo. En la época de Riff, no me caía bien pero cuando lo conocí llegué a admirarlo. Nos respetábamos como músicos. Tocando con Andrés, teniendo en cuenta que ellos eran amigos, compartimos grabaciones y muchos momentos. Grabamos “Fiesta cervezal” en una versión que a Pappo le gustó mucho. No éramos amigos, éramos colegas.

No aguanto a los que se la dan  de estrellita. Soy músico, no puedo dar importancia a eso. Soy sociable dentro de mi locura.

Mi nombre “Gringui” es un apodo familiar, mi viejo se llamaba Augusto Eifidio. Como el murió antes antes de que yo naciera me pusieron el mismo nombre. Él era el Gringo; yo pase a ser el Gruinguito, que luego derivó en Gringui.

 

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Plataforma Futuro, El Festival llega a San Juan

Cuatro días de performances, obras de teatro, música, instalaciones y conferencias de artistas de todo el país

¿Qué es? Un festival de cuatro días con performances, obras de teatro, música, instalaciones y conferencias de artistas de todo el país. En esta oportunidad, se podrá disfrutar del arte experimental de los proyectos seleccionados de la región de Cuyo por Plataforma Futuro.

¿Por qué ir? Los proyectos que se van a presentar en el festival resultan de una convocatoria artística de características inéditas, en el que el foco de la búsqueda está puesto en la experimentación, el cruce de disciplinas y la incorporación de elementos tecnológicos.

¿Cuando? Del 8 al 11 de junio.

¿Donde?

Centro Cultural José Amadeo Conte Grand – Calle San Luis Oeste 701, San Juan

Museo Rawson – Av. Libertador Gral. San Martin 902, San Juan

Teatro Bicentenario – Las Heras Sur 430, San Juan

Centro Cultural Estación San Martín – Av. España y Mitre, San Juan

Entrada gratuita.

Mirá la programación.

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Daniel Raffo,  una historia de blues en Buenos Aires

De Chile

«Ya hace 10 años que viajo a Chile. Allá hay mucha solidaridad de los músicos. La mayoría de las veces he ido por producción de amigos. Una sola vez armó la gira un productor y no nos fue bien. Siempre he ido a Santiago pero, en 2009, nos fuimos por la ruta hacia el norte. Esa vez fuimos hasta La Serena; conocí la costa.

Toqué con músicos emergentes. Se olía lo nuevo,  la frescura. Eso es lo  que más me gustaba. Aquí en buenos Aires estaba todo como de vuelta. Allá el Blues estaba emergiendo, toqué con “Anacruza”, una banda de chicos jóvenes que acababa de ganar un concurso nacional.

Viajé con una banda “Magnolia”,  que aún hoy está  tocando. Su bajista  Fredy Muñoz ahora  se dedica al blues tradicional. Me gusta de Chile un guitarrista que se llama Christian Orellanas, un músico para tener en cuenta y Nicolás Guernekink, de “los Swinger”. Hay muchos que, a pesar de que trato, no puedo, en este momento, recordar. Soy injusto con los que no nombro».

Así comenzó su charla, en un bar de Caballito. Daniel es un hombre robusto, altamente simpático y no para de demostrar su agradecimiento por la nota y un gran entusiasmo por el blues, del que no dudamos está enamorado.

Buenos Aires

«La movida del blues en Buenos Aires se instaló hace tiempo.  Cuando comencé, tenía atrás a Pappo,  Manal, Miguel Botafogo y Memphis. Yo arranqué en el 83; soy una segunda, casi una tercera generación. A esta altura, llevo 34 años tocando.

Me sorprendió siempre lo importante que fue el rock argentino en el resto de América. En donde estés, ponen clips de los 70 o de los 80. Hablo de esto para darnos cuenta de la importancia del rock argentino. Yo viví siempre muy enfrascado en el Blues. Ahora ya no soy un fundamentalista, ya abrí mi cabeza a otras cosas. Yo toco Blues, escucho de todo pero solo toco blues.

El mundo del blues es muy amplio: hay blues lento tipo balada, onda BB King, o hay onda Boogie. En realidad son muchas variantes. Yo me dediqué a los tres Kings: Fredy Albert y BB . Me gusta el Texas Blues, del que Stevie Ray Vaughan es un exponente. Originalmente, tenían vientos; era un blues muy fino, disfrutable.

Hay un guitarrista, Duke Robillard, que me maravilla, él hacía Jazz y blues. En los 60, vivía cerca de Woodstock y siendo muy joven armó una banda: “Roonfull of Blues”, que era como una habitación llena de blues. Escucharlo a él me sumó sonidos.

Cuando comencé a tocar, veía la música desde el rock.  El blues desde el rock lo descubrí desde los ingleses, los Rolling [Stones] entre ellos. Todo se lo adjudican a Muddie Waters, pero la movida viene de muchos músicos callejeros de  Mississippi, que para mí  es como el Tigre.  Hay una película  “Cadillac records” (película que cuenta esa parte de la historia del blues).

Esa generación hizo conocido el blues. John Mayall es uno de ellos. Los Stones se conocieron escuchando discos de blues en el puerto. Eric Clapton era muy freddy King. Los próceres son muchísimos. En “Original American Folk Blues festival”, están los mejores registros de esos próceres.

En el rock, caía algo de blues.  Había algo de Country Music, se mezclaba con el rock. En Buenos Aires, en algún momento, el blues tomo su espacio: “La Betty Blues Band”, “Memphis”. Hace 5 meses, toqué  con el maestro Gaitán.

El blues está instalado, tiene identidad propia. En el 88, conocí al guitarrista de “Don Cornelio y la Zona”. Ellos no hacían blues; él era fanático del blues, pero no era lo que tocaban. Tenía una disquería que después fue mía y una colección de blues importante. Estaba en la misma cuadra de la pizzería de “Moscato, pizza y fainá”.

Cuando yo comencé, las bandas de blues eran “La Mississippi”, “Memphis”. Yo grabé en el disco “Banda de Garage”. Con “Ley seca” (mi banda), toqué con “Durazno de Gala” y ahí me enteré de que Miguel Botafogo estaba en Buenos Aires. Me anoté para estudiar con él, pero fui solo 2 clases. Sí  lo visite muchísimo y seguí aprendiendo a su lado. Era ir todas las semanas y terminé tocando con ellos. Miguel siempre se portó muy bien conmigo.

En los 90 con la banda “King Size”, quedé haciendo solo blues tradicional. En el 95, Adrián Flores creó  del mítico club “Special Blues”. Estaba trayendo a los músicos de la jungla de Chicago; no a los más conocidos. Él se mandó con unos ahorros a buscar: entró a la casa de Hubert Charles Sumlin, lo atendió la mujer (apenas hablaba inglés) y lo convenció de venir. Luego, no paró de traer bluseros a Buenos Aires.

Yo abrí en el 93 el show de Hubert, que era guitarrista de Howlin Wolf. Era tan respetado que cuando murió, en 2011, Keith Richards y Jagger se hicieron cargo de sus funerales. Se peleaba siempre con Wolf y se salía de la banda, después volvía. Siempre llevaba una corbata con la cara de Wolf que tenía la frase “esta despedido”.

En el 91, estuve en la conferencia de BB King. Y, en el 95, comenzaron a traer al club músicos que aquí nunca hubiésemos visto. Ahí, tocando con ellos tuve mis clases de blues personales. Con esos atorrantes, yo gestaba mi currículum de blues; no lo podía creer. Fue un momento que disfruté, lloraba cada vez que bajaba del escenario».

Chicago

«Hace 4 años, fui por primera vez a Chicago. Cuando fui, me conecté con los que habían tocado aquí. Ellos me invitaron a tocar en el festival de blues de Chicago, en una carpa de una fundación de blues para chicos. Me pusieron de primer  guitarrista toda la sesión. Era un verdadero sueño. Fueron 4 días completos en los que casi no dormí. Hay un blog donde registré toda esa experiencia. Se llama “Daniel Raffo desde el blues”.

http://danielraffo.blogspot.com.ar/2016/08/viaje-al-festival-de-chicago-en-junio.html

Por las noches, recorríamos los bares. No sé cómo sobreviví a la emoción de ver a tantos».

Información importante

«Hoy, en Buenos Aires, el blues en se puede escuchar en  lugares como  “Mr Jones Blues  Pub”  en Ramos Mejía. Ahora cerró el “Velma Café”; aún está  “Tabaco’s” en San Telmo . Aquí a tres cuadras “Che yo te avise”, un bar de amigos donde toco seguido. Las bandas van abriendo lugares, mis alumnos me tienen al tanto. Hay una movida importante del blues. Hay muchos monstruitos de alrededor de 30 años. Conocido masivamente sigue siendo Pappo o Miguel Botafogo, pero hay un blues siempre emergente en los bares.

El 30 de marzo, toco con el cantante Lorenzo  Thompson en el “Caras y Caretas”. Y este show es para todos. Él vino a tocar en  Bariloche. Aprovechamos que está cerca para juntarnos aquí. Hay una persona importante en mi carrera: Laura Lagna Fietta,  mi esposa. Ella hace todo, prensa, manager, show,  se encarga de armar estos conciertos. Hace 12 años que estamos casados: su trabajo es extraordinario.

Laura es nieta de Hector Lagna Fietta, músico argentino que en los años 50 se radicó en Brasil y participó de la movida de la bossa nova.

Voy a estar en un festival de blues en junio, y hay propuestas: uno en México y otros conciertos que aún no puedo decir.

En mi carrera, tengo grabados dos discos y  dos DVD.  El primero se presentó en 2010, “Daniel raffo King Size y otros”, hay varios músicos invitados. Ese disco cuenta con dos temas míos.

Pasan unos años (en medio fui a Chicago) y unos amigos me dicen que en una radio  pasaban el disco mío, era la cortina que había elegido  Mario Pergolini para su programa. Yo conocía “Vorterix” y admiraba a Mario, y que él me eligiera me parecía fantástico. Hablé con la producción, a la semana siguiente me invitó a su programa. Yo aproveché a promocionar el disco. Me preguntó si solo tenía un disco, le dije que ya estaba  preparando otro. Y, entonces, Mario  me regaló al aire el tiempo de estudio de grabación para hacer el segundo disco.

De golpe, tener el estudio Spinetta a mi disposición era un reconocimiento hermoso. Me emocionó. Soy muy agradecido, me duele la ingratitud. Una semana del estudio disponible para mí era algo para agradecer.  Fui con la banda, redondeamos lo que faltaba y salió “Raffo Blues”. Casi todos temas míos, dos versiones: uno de blues tradicional de BB King y otro de Harrison en forma de blues, sin letra. Tocaron en este disco tambien Manuel Fraga, pianista de Jazz y Zeta Yeyati , Rulo García y otros amigos.

En julio último, salió un DVD que se hizo en 2015 en los festejos de BB King. Éramos 21 músicos, llenamos La Trastienda. El show fue uno de los mejores de mi vida. Pusimos tres vientos, un piano un Hammond, varios cantantes. Participaron Daniel Raffo, Juanito Moro, Nacho Porqueres, Tavo Doreste, Guido Venegoni, Jose M. “Fisu” Azpiazu, Ruben Medina, Mauricio Petruzzi, Leonardo Longhi, Daniel Allevato, Nani Moser.

Próxima grabación: se está mezclando y editando una toma en vivo en  “Che yo te avisé”. Pronto va a estar en venta».

lauralagnafietta@hotmail.com

 

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Los Huayra en el Festival de la Patria en Rosario de Lerma, Salta

Para celebrar el cumpleaños patrio se realizará un gran festival artístico con asistencia escenotécnica del Programa Festejar

¿Qué es? El Festival de la Patria es el evento cultural más convocante del Valle de Lerma. Actuarán destacados artistas provinciales y locales en un show musical que convoca visitantes de toda la región. Además el 25 de mayo se realizará un desfile cívico militar para festejar el cumpleaños de la Patria.

¿Por qué ir? Podrás disfrutar de espectáculos artísticos de primer nivel. Actuarán: Los Huayra, Los Cantores del Alba, Endiabla2, Juglares, Sebastián Lasquera, Constanza Martínez, La Innueva, La Juntada, Arribeños, Gauchito Vargas y Gustavo Herrera.

¿Cuándo? Miércoles 24 de mayo a partir de las 20 hs

¿Dónde? Predio de Barrio Buen Retiro, Rosario de Lerma, provincia de Salta.

Entrada libre y gratuita

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Juanse: “El rock & roll es el género que influenció a todos los estilos”

El cantante y compositor cuenta cuál fue el momento en el que sintió que se había «recibido» de músico

Aunque el reloj le marca que en breve arranca La nave del rock, el programa que hace los miércoles de 21 a 23 en Radio Nacional, se explaya como si el tiempo no importara. Y tal vez a esta altura realmente no importe, y prefiera ir más despacio.

Juan Sebastián Gutiérrez, más conocido como “Juanse”, nació en Buenos Aires el 3 de junio de 1962. Cantautor argentino, líder de Los Ratones Paranoicos desde que la banda se formó, en 1984, hasta su final, en 2011, es una de las personalidades más influyentes y representativas del rock nacional. Tanto, que ha sido uno de los elegidos por Radio Nacional y su FM Nacional Rock para participar, junto a otros grandes referentes del género, de un disco de homenaje a los 50 años del rock argentino.

Recorrer su repertorio es toparse con Pappo, Charly García, Andrés Calamaro, Mick Taylor, Andrew Loog Oldham, Luis Alberto Spinetta, y la lista sigue. Se asegura que la guitarra esté afinada, sonríe, asiente. Y se dispone de la mejor manera para participar del homenaje que el Ministerio de Cultura de la Nación rinde al rock argentino en sus primeros 50 años de vida.

-¿Cómo fue tu primer contacto con la música?

-Nací en un ámbito muy reducido y escuché música antes de nacer. Mi papá, compositor; mi mamá, socióloga y marchand de arte. La música es absolutamente inherente a todos los orígenes.

-Más de una vez contaste que a los diez años ya sabías que querías dedicarte a la música y que, de tener una banda, se llamaría “Ratones paranoicos”. ¿Cómo surgió el nombre?

-Son manifestaciones que emergen. En el contexto de esa época era muy habitual que pudieran ocurrir esas cosas. Los chicos estaban mucho más preparados para descubrir que para ensayar. A los cuatro años, ya hacía playbacks de los Beatles. Lo hacía solo, no tenía guitarra, no tenía nada. Recuerdo un blazer que usaba; me lo ponía y con eso creía que estaba haciendo la canción. Siempre hubo un contacto directo con la necesidad de escuchar y hacer música.

-¿Te acordas cuál fue la primera canción que tarareaste?

-Lo primero que aprendí a cantar fue a (Luis Alberto) Spinetta; eso sí lo tengo bien presente. Las primeras letras completas que aprendí fueron suyas. También escuchaba mucho a Pappo, Manal, Vox Dei, Litto (Nebbia)… Recuerdo que a los cinco años compré La Balsa; sería el año ’67 o ’69. En inglés mucho lo aprendí a cantar de oreja, hacía speakfónica. No sé si la que yo cantaba era la verdadera letra. Más tarde, cuando comencé a estudiar y a entender un poco el idioma, empecé a seguir a Frank Zappa.

-A los cuatro años el juego pasaba por hacer playbacks de los Beatles, ¿cómo se fue transformando tu relación con la música a lo largo del tiempo?

-Creo que el sistema de funcionamiento interior no es lúdico. Tal vez lo sea desde el análisis, pero no desde la experiencia, al menos no en mi caso. Siempre fue algo serio. De chico, ir a ver Invisible me entusiasmaba muchísimo; estaba una semana sin dormir antes del show. Hay momentos en los que uno se alegra, porque la música es alegría, pero siempre me distancié bastante del hecho de querer agradar. Nunca tuve como objetivo agradar.

-Pero sucedió.

-Bueno, eso lo tendrá Dios para definir, no yo. Siempre el objetivo fue hacer música, y esto lo aprendí de Luis Alberto, que era un experto poeta en eso. Así como era muy sutil, delicado y espiritual, también tenía ese aspecto que yo tomé de él que es el hecho de poder usar las palabras como si fueran elementos de estética real. Lo que me sigue sorprendiendo es eso, que lo empecé a escuchar a los 5 o 6 años y terminé despertándome una mañana en la que él estaba estrenando una canción nuestra como parte de su repertorio. Eso es lo que uno quiere cuando va a estudiar, o a la universidad supongo, recibirse. Cuando Luisito grabó “Sucia estrella” dije: “me recibí. Ya está”.

-Además de Spinetta, ¿cuáles han sido tus grandes referentes en el mundo del rock?

-Tengo una gran admiración por Fito (Páez), Andrés (Calamaro), Pappo, que fue uno de mis mejores amigos, por Vox Dei, Peteco Carabajal, que es un gran rockero, a pesar de que ha inclinado su balanza hacia el folklore. Y por muchos otros.

-Pienso en Ceremonia, en el que diversas bandas hacen temas de Los Ratones Paranoicos, y en Pappo por Juanse. Le rendiste homenaje a algunos grandes y a su vez algunos grandes te rindieron homenaje a vos, ¿qué lugar crees que ocupás en la escena del rock nacional?

-Nunca me propuse ocupar ningún lugar. Esto se parece bastante a un club de fútbol. Haciendo analogía pura, creo que yo, como institución, nunca jugué en Primera B. Ahora… estuve primero, segundo, tercero, decimoquinto, a punto de descender… Tuve la suerte de trabajar y estar en contacto con músicos excepcionales.

-¿Por ejemplo?

-Con Nito Mestre, David Lebón, Alejandro Lerner, Raúl Porchetto, un músico amigo hermano; y la felicidad de haber actuado con Palito Ortega, que es uno de los músicos populares más grandes que tenemos en Argentina. Ser amigo de Palito, esa persona que uno veía cuando era chiquito y decía “este tipo es de otro planeta”. No solamente por lo que hace sino por la vida que le cayó. Uno va ampliando el universo. Trabajé con Miranda!, Leo García, también con Mick Taylor, Keith Richards, Ronnie Wood, Al Kooper, y compartí momentos muy buenos con Pedro Aznar, Gustavo Cerati y Richard Coleman. Tengo mucha amplitud en lo musical; nunca tuve ningún prejuicio. La historia va más allá de los nombres. Creo que el rock and roll es el género que ha influenciado a todos los estilos.

-¿De qué manera?

-Todos han tomado algo, ya sea su imagen, su sonido, su estética, su forma de presentarse, su forma de difundir. El armado de lo que es un espectáculo de rock and roll lo han copiado la cumbia, el folclore y la música clásica. El rock ha terminado influenciando todo, el cine, el teatro y más. Antes los actores se vestían como (Federico) Luppi en los ’70: camisa, corbata, el pelo con laca. Hoy, si uno se guía por cómo se visten, no sabés si el tipo es músico o actor.

-¿Con qué sentimiento identificas el rock?

-El rock es mi oficio, mi trabajo. Y en base a una experiencia espiritual que vivo desde hace mucho tiempo -bueno, en relación a mis 54 años, seis años de conversión no son nada, pero cada uno la vive como si un segundo fueran mil años-, lo vivo como un hecho que puede ser volcado hacia algo positivo, hacia algo que genere un alerta. Hay un montón de elementos de consumo que nos están distrayendo de lo que realmente está pasando. Va a haber un cambio muy importante, muy traumático. Siempre que hay un cambio traumático después viene un proceso de paz, de dinámica de convivencia.

-¿Te referís a un cambio interno?

-No, en todo sentido. Los cambios internos se manifiestan porque el hombre percibe que algo va a ocurrir. Esta gran división que hay entre “buenos y malos” no es casual. Con los miles de años que tenemos de civilización está pasando algo que ya ocurrió hace más de cinco mil. Entonces hay que prestarle atención. Estamos como anestesiados, buscamos el mini culturismo, que no está mal, pero hoy el avecindamiento de lo que está pasando se come todo. Está bueno contar esto, porque es una ventaja que le ofreces a la persona que por ahí se agachó a buscar una moneda y lo escuchó.

Ministerio de Cultura

Presidencia de la nación

Gobierno Argentino

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Así es la fiesta popular salteña que se festeja a 4000 metros de altura

Festejar, el programa que apoya a las fiestas populares de todo el país, estuvo en la Feria Ganadera de la Llama de Pastos Grandes

Para llegar a Pastos Grandes es necesario recorrer 60 kilómetros desde San Antonio de los Cobres por una ruta de ripio que sorprende son paisajes imponentes y majestuosos, habitados desde tiempos inmemoriales por los ancestros de sus actuales pobladores.

Hace más de un siglo, el poeta francés Paul Eluard escribió: «Hay otros mundos, pero están en este». La idea describe con exactitud lo que siente el visitante cuando llega a Santa Rosa de los Pastos Grandes, un pueblo de 280 habitantes en plena Puna Salteña, a casi 4 mil metros sobre el nivel del mar.

Ahí se realizó la IV Feria Ganadera “El futuro me llama”, el evento que reúne cada año a los criadores de llamas de toda la región, familias enteras que viven en distintos parajes, cuya economía y forma de vida gira en torno a la cría de estos camélidos de figura elegante, fuertes y de buen carácter. La llama aporta a sus criadores su fuerza como animal de carga, su lana y su carne, que se consume fresca o como charqui, después de un proceso de salado que permite conservarla durante mucho tiempo manteniendo su capacidad nutritiva.

Los veinte expositores que llevaron a la feria sus mejores ejemplares pusieron sus expectativas en obtener alguno de los premios o menciones otorgados por un jurado integrado por profesionales expertos del INTA de Salta y Jujuy, que evaluaron varios aspectos de los animales, como la cantidad y largo del pelaje, la coloración, la finura de la fibra, el porte de los animales y la calidad genética. Los técnicos vienen trabajando con los criadores desde hace algunos años para mejorar la calidad de los rebaños y apuntalar esta actividad, que es uno de los sostenes de la economía de la Puna.

La jornada comenzó con la tradicional ceremonia del convido a la Pachamama, un ritual ancestral destinado a agradecer a la Madre Tierra, solicitar su permiso para realizar las actividades, y pedir salud y prosperidad para la comunidad. Después se realizó la apertura oficial de la Feria, con el izamiento de las banderas argentina, salteña y la wiphala, emblema de los pueblos originarios de América.

Durante todo el día los visitantes pudieron degustar la gastronomía típica de la región, entre las que sobresalen la carne de llama, tanto asada como en charqui, la quinoa en diversas presentaciones y el anchi, un postre tradicional salteño a base de sémola de maiz, pasas de uva y durazno.

También hubo exposición y venta de artesanías, hierbas aromáticas de la zona y hasta sal de los grandes salares ubicados a pocos kilómetros del pueblo. Los visitantes, entre los que se encontraban algunos turistas extranjeros, pudieron acceder a estos productos directamente de la mano de sus creadores, en un intercambio cultural rico y mutuamente favorable.

La diversión tuvo su espacio en los concursos de lanzamiento de piedra con honda, que fue ganado por una mujer de avanzada edad, que demostró tener más destreza y puntería que varones jóvenes que intentaron disputarle el premio. El concurso de sinchada, el clásico juego de fuerza con una cuerda, fue uno de los momentos más divertidos y participativos de la tarde.

Al cierre llegó el esperado momento de la premiación, en el que se reconoció a los mejores ejemplares en las categorías hembra, macho, maltón y gran campeón. También se entregaron premios al mejor asado de llama, empanada, charqui, anchi y otras especialidades de la gastronomía puneña.

Organizar un evento de este tipo es una tarea difícil en cualquier circunstancia, pero hacerlo en un alejado pueblo de la Puna a 4 mil metros de altura significa un un desafío extra. Una de las principales impulsoras de la Feria Ganadera es Azucena Salva, responsable de la Secretaría de Cultura y Turismo de San Antonio de los Cobres. Ella viene trabajando en la realización de la feria desde la primera edición, hace cuatro año. “Empezamos con algo muy chiquito, con unos pocos expositores y fuimos creciendo de a poco”, explica Azucena y agrega que en estos años se logró mejorar la calidad de los rebaños y el manejo que los productores hacen de los animales, con mejores prácticas a partir de la intervención de técnicos y veterinarios del INTA de Salta y Jujuy.

Festejar en la Puna

Por la noche llegó el momento de la música en el patio interno de la Escuela Albergue N° 4565, la única de Pastos Grandes. Primero cantaron las copleras de la región, que desplegaron la poesía y el ritmo que brota de estas altas tierras norteñas. Después fue el turno de Jacinta Condorí, que llegó al festival como parte de la asistencia artística del Programa Festejar. Jacinta es una joven cantante emergente oriuda de Cafayate, que desplegó su arte y su carisma frente a los más de trescientos pobladores que disfrutaron los conciertos. “Me llevo de Pastos Grandes su aire puro, su paisaje y la calidez de su gente; estar acá fue lo mejor que me pasó en lo que va del año”, dijo Jacinta tras el bajar del escenario.

Luego llegó el momento de Facundo Gimenez, un joven cantante y compositor que vino desde Longchamps, en el sur del Gran Buenos Aires, también gracias al Programa Festejar. Facundo desplegó un show potente, recorriendo distintos estilos de nuestra música tradicional con un sonido fresco y actual.

El cierre fue soñado. Bruno Arias, el cantante jujeño que ya es una figura de proyección nacional, es un ídolo entre el público del norte argentino. Su llegada revolucionó a los pobladores, que hicieron cola para sacarse una foto o conversar con él. “Uno viene acá a aprender de su cultura, de su tierra y de su gente. Es un intercambio constante; el paisaje, los sonidos, los silencios, las grandes piedras que a veces están calientes por el sol a pasar del frío, el viento, los colores, son imágenes que aparecen a la hora de hacer música. No es lo mismo cantar una canción después de haber conocido la Puna”, reflexionó Bruno.

Cuando salió al escenario el público saltó de sus asientos y explotó el baile, convirtiendo el patio de la escuela en una fiesta que los pobladores no olvidarán fácilmente. Muchos de ellos nunca habían tenido la posibilidad de ver un espectáculo en vivo, y que el primero sea con Bruno Arias no podía ser mejor. Algunas chicas subían al escenario para pararse al lado de su ídolo mientras sus amigas le sacaban fotos, llevándose un beso en la mejilla de regalo. Así fue el show, en el que Bruno además de cantar sus canciones más conocidas se dio tiempo de parar la pelota y hacer música para disfrutar en calma, y volver después a levantar el ritmo y sacar a todos a la pista otra vez, demostrando un gran manejo de los climas y los tiempos.

“Programas como Festejar son importantes porque aportan a la cultura y le dan a familias que no pueden ir a festivales la posibilidad de ver artistas nacionales en su propio pueblo. Poder darle alegría a la gente a través de mi música y de este programa no tiene precio”, dijo Bruno Arias antes de dejar Pastos Grandes con la firme convicción de concretar un viejo proyecto: recorrer con su música todas las escuelas de la Puna Argentina.

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Comenzó a funcionar en Agronomía un paso bajo nivel que lleva el nombre de Gustavo Cerati

ARGENTINA.-

Comenzó a funcionar en Agronomía un paso bajo nivel que lleva el nombre de Gustavo Cerati

FUENTE: http://www.infobae.com/sociedad/2017/03/14/comenzo-a-funcionar-en-agronomia-un-paso-bajo-nivel-que-lleva-el-nombre-de-gustavo-cerati/

El homenaje al reconocido músico, que murió en 2014, fue impulsado por el Gobierno porteño, que convocó a la participación vecinal

                                               La intervención artística en el barrio de Agronomía

El jefe de Gobierno porteño, Horacio Rodríguez Larreta, inauguró este martes el paso bajo nivel «Gustavo Cerati» de la avenida Beiró, en el barrio de Agronomía, que busca eliminar las demoras e interrupciones de tránsito por el cruce con las vías del ferrocarril Urquiza.

La ejecución, a cargo del Ministerio de Desarrollo Urbano y Transporte a través de Autopistas Urbanas SA, se encuadró en el plan «Buenos Aires, sin barreras», por el cual ya se construyeron 26 soluciones de tránsito desde 2008 y se estima que se realizarán otras 27 hasta 2019.

A través de una convocatoria del área de Participación Ciudadana durante enero y febrero, de la que participaron 177.594 personas, se resolvió homenajear al ex líder de Soda Stereo y, con la autorización de la hermana del cantante, Laura Cerati, y la participación de su sobrina, Guadalupe Mujica Cerati, fueron adaptados los artes de tapa de sus discos al soporte mural. También se incorporaron tramas y texturas de su discografía y una selección de retratos propuestos por la familia.

 

              Según el Gobierno, la obra traerá “mayor seguridad vial para conductores y peatones”

Se utilizaron los rayos en blanco y negro del disco Ahí Vamos para generar un efecto de perspectiva de inmersión dentro del mundo Cerati. En el centro, bajo las vías, se realizó un retrato de 100 metros cuadrados, y a sus lados, dos retratos más de diferentes épocas.

En la parte más alta del muro se ubicó el arte del disco Fuerza Natural, seguido de Bocanada y un retrato de Gustavo. El arte central es del disco Infinito, mientras que en el paso peatonal se plasmó en venecitas Amor Amarillo. También fueron incluidos los leones del emblemático trabajo de Soda Stereo Canción Animal, además de Siempre es Hoy, Sueño Stereo, + Bien, 11 Episodios Sinfónicos y Reversiones de Siempre es Hoy.

Las intervenciones estuvieron a cargo del mismo equipo de 12 artistas que realizó el homenaje a Luis Alberto Spinetta en el paso bajo nivel de la avenida Congreso y al que se sumó la sobrina de Gustavo. Entre ellos están Diego Marambio, de Chile; Tekaz y Markito Heisz, Francisco Estarellas, María Villanueva, Ignacio Avalos, Julio Gómez, Caro Cuore y Guido Palmadessa.

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Carla Demark, Siete Mil Aleteos

 Nota de Guillermo Contreras y Gabriel Sacco para la Revista de Los Jaivas

“En estos tiempos, conectarse primero con lo que se siente ya es mucho, y resulta incómodo, y desde ahí intentar a duras penas que otro se conecte con algo de eso a través de un poema, es desmesuradamente loco, pero creo vale la pena”. Carla Demark.

El libro “Siete mil Aleteos” de Carla se presenta en Abril del 2016 en Buenos Aires, la Revista de Los Jaivas intenta con esta nota abrir las puertas al corazón de la poeta, que es el corazón mismo del libro. Gracias Carla por tu tiempo y que siga valiendo la pena.

¿Que tenés que decirnos sobre “La palabra”?

La mayoría de lo que intenté decir está en los poemas que escribí en la última parte del libro que tiene que ver con lo que me pasa con la palabra. En principio me parece que la palabra, elemento esencialmente humano, nos puede conducir a lugares tormentosos y a la vez es la única, creo yo, que nos puede rescatar de ellos. Esto dicho desde un lado psicoanalítico, pero también visto desde un lado creativo, la palabra puede encarnarse en cualquier tipo de arte. En mi caso es la materia prima, pero también en la pintura, en la música la palabra se traduce a ese lenguaje artístico. La expresión a través de las palabras reales, concretas, metafóricas, pueden acercar primero una verdad sobre nosotros mismos, o algo parecido a la verdad y después sacarnos de muchas tormentas. También creo que las palabras son siempre escasas, que dicen muy poco de lo que en realidad quisiéramos expresar. Se me ocurre, por ejemplo, cuando se habla de la muerte de un hijo, que no hay palabras para eso, yo creo que no hay palabras para casi nada. Las palabras son como bastones de los que nos servimos para darle como una contención a lo que sentimos o pensamos.

 La palabra dentro de la poesía, ¿cuál es su importancia?

La palabra es todo en la poesía, si bien en ella también vibra la música, creo que una poesía sin contenido, que no deje al lector con algo agregado en el sentido, no es la poesía que me gustaría encarnar. Creo que eso es posible a través de la palabra justa, que se busca duramente para decir más o menos lo que uno quiere decir. En la poesía también intentamos acercarnos a aquello que nunca se podrá decir del todo, es una limitación que, por lo menos yo pienso, tenemos los humanos. Yo en uno de los poemas lo digo: aunque invente una palabra tampoco podría darle el significado que deseo darle. La poesía permite enmarcar en palabras algo de lo podemos sentir y pensar, y creo que es lo que la hace tan maravillosa cuando se encuentra la palabra correcta.

¿Qué es un lector para el poeta?

Mirá, para un poeta o para cualquier tipo de escritor, el lector es siempre el horizonte al que se dirige. Me gusta pensarlo así porque cuando alguien dice “yo escribo para mí, porque me hace bien”, nadie duda de eso, pero el punto es que si escribiéramos para nosotros mismos y nada más, ¿qué sentido tendría dejarlo escrito en un papel?, ¿qué sentido tendría buscar palabras que se comprendan? Entonces siempre está el otro en el horizonte al cual nos dirigimos. Se puede estar escribiendo a solas, a través de pensamientos por ejemplo. Pero si uno lo plasma en un papel, siempre habrá alguien que lo va recibir, y es a ese alguien a quien nos dirigimos de manera consciente o inconsciente. Escribir para uno es, siempre, escribir para otro también.

 ¿Al plasmar una poesía hay alguna idea del lector?

Yo siempre digo que me gusta escribir con el lenguaje de la calle, sin quitar que a veces me vaya un poco de eso, porque cada uno está hecho de sus historias, de sus experiencias, de sus lecturas. No me gusta una poesía dirigida a un tipo muy intelectual, con palabras que requieran  buscar en un diccionario para entender, o recurrir a metáforas tan abstractas que no sean capaces de generar ningún sentimiento. Prefiero una poesía más concreta, que pueda generar sentires. Si alguna de las palabras que escribo en un poema deja algún sentimiento en alguien, entonces habré hecho algo bien, si no, tendré que seguir trabajando. Yo pienso en un lector que pueda sentir algo al leerme.

Dos extremos, la poesía para pocos, o la poesía para todos, ¿vos como ves la poesía?

Ni una ni la otra, tampoco creo que haya poetas para todo el mundo, con tampoco creo que haya películas para todo el mundo, o libros. Me parece que lo que escribimos nunca va a gustar a todos, yo me conformo con que a dos o tres les guste, eso ya es mucho. Porque la poesía tiene que ver con un espacio muy íntimo que se desplaza hacia otros, y requiere, para esto, de una empatía muy grande. En ese sentido no todos los temas nos tocan a todos de la misma manera, no todos los estilos. Es cierto que si una persona no puede entender cierto tipo de tropos, de figuras literarias porque no está ejercitado en la poesía probablemente no le guste leer poesía. Pero también creo que si un poeta logra seducir a alguien que nunca leyó poesía, empieza a desdibujarse esa frontera, de quién lee y de quién no lee poesía. Me sorprende enterarme de gente que lee y gusta de la poesía en este siglo. A veces se trata de personas sencillas, que quizá no tiene ningún tipo de estudios, a quien la poesía las conecta desde un lugar más íntimo, más del sentimiento, de sacar a flor de piel algunas cuestiones. Creo que está bueno pensar que la poesía no es sólo para intelectualoides. Me refiero a que no tiene ningún sentido escribir sin sentido y a veces en este juego intelectual de la búsqueda de la originalidad, tan común hoy, se pierde el sentido. Entonces la originalidad a veces aplasta esta conquista del lector. Creo que los poetas tenemos que ser más humanos y menos intelectualoides.

 ¿Cuándo te asumiste como poeta?

En realidad no creo que seamos una sola cosa, pero de tanto escribir poesía voy sospechando que algo de la identidad se juega allí, una de las tantas identidades que puedo sentir. Escribo cuentos, narrativa, lo que pasa es que ahí tampoco puedo evitar la mirada poética. Hay algo que los que escribimos poesía sabemos y es que no se trata tanto de una elección. La elección tal vez sea mostrarlo, sacar un libro, llamarse o no poeta, pero lo que uno no puede evitar es que algo te asalte de repente, que un sentimiento te posea, detenga el tiempo, te vibre internamente como el amor y te obligue a sentarte a escribir poesía. A partir de allí, ver situaciones en la calle, en cualquier lado, que puedan traducirse en poesía, es inevitable.

Tampoco creo que porque yo me llame poeta a mí misma, los demás me consideren así. En esto de las identidades creo que hay ida y vuelta, ya que se nutren de lo que nos dicen y de lo que creemos que somos. Lo que hace sentirme poeta es esto que me saca de mí por unos instantes, y obliga a escribir, me obliga a sacar algo fuera a través de las palabras. Lo demás son accesorios.

 ¿Viendo el resultado, alguna vez te sorprendió lo que escribiste?

Me parece que uno se conoce mucho a través de la escritura, sobre todo cuando dejás pasar un tiempo después de ese asalto emocional,  y te leés decís: ¿qué le paso a esta chica? (risas). En ese sentido, creo que la poesía me reveló cuestiones personales que ni yo misma sabía de mí.

¿Qué es el papel para un poeta?

Y, es pura adrenalina. Siempre dije que no me gustan los deportes extremos, ni la velocidad, por ejemplo, pero la página en blanco sí me genera adrenalina. Me invita a crear un mundo en el que todo es posible desde un lugar divertido y creativo. Incluso aunque esté escribiendo un poema desde lo más hondo de un sentimiento doloroso. Pero aún así hay algo que sucede desde el quehacer creativo que me toma por completo ante la página en blanco, y es una emoción muy fuerte encontrarme con ella cuando tengo algo que decirle, ¿no?

Lo peor que puede pasar es cuando querés escribir, pero en realidad no tenés un deseo genuino de hacerlo, en esos casos he aprendido a cerrar la página en blanco.

 Hablás en el libro de la niña, la mujer, la esposa, la madre, no sos siempre la misma.

Eso me hace pensar en lo que llamamos coherencia como un valor humano.  Pretendemos pensar, sentir y actuar en forma homogénea, casi como una máquina y a través el tiempo vemos que esa coherencia no existe, es una ficción. Lo que hay es puro cambio. La coherencia es como la luz en el fondo a la que apuntar cada vez. Pero lo cierto es que vamos cambiando, nos vamos equilibrando y desequilibrando continuamente. Y sin duda la poesía, a lo largo de casi veinte años que escribo, me va mostrando algunos de esos cambios.

Tus poesías no se andan con vueltas, arrojan valores a la cara, te interrogan el alma. ¿Vivís así todo el tiempo?

Sí, la realidad es que deberías preguntarle a mi esposo y a mis amigas que dicen que no tengo filtro (risas). No soy una persona agresiva ni cruel, ni me creo capaz de decir a otros verdades absolutas que ni yo sé de mí misma. Pero a través de los años, gracias también a dolores personales aprendí a escuchar lo que deseo y a decir lo que pienso, amorosamente, ni de forma provocadora ni revanchista, pero me gusta la intensidad de las emociones, de las palabras. Cuando amo, amo. Cuando no amo, no amo, no sé si odio tanto. Lo mismo me parece con la literatura, hay cuestiones que hay que decir sin vueltas y en otras tal vez se puede ser más decorativo. Pero es una cuestión de gustos.

Leo tus poesías aguantando la respiración, ¿cómo logras imponerle este vértigo?

Si yo supiera eso lo haría siempre y podría enseñarlo para que otros lo hagan. Creo que lo que ocurre es que primero me quita la respiración a  mí. Me gustan los remates intensos, que golpeen, no necesariamente que duelan, sino que impacten. Tal vez eso quite un poco la respiración. Me cuestan los tibios en la literatura. En cuanto a los sentimientos, la poesía es puro sentir, la intensidad se juega y se remata al final, como en la vida.

¿Cómo logras transformar lo sencillo y lo cotidiano en un canto que atraviesa toda corteza y llega al alma?

Agradezco esa pregunta, es una buena crítica… Me parece que, como te decía antes, no elijo ser poeta, tiene que ver con esa mirada que no es igual en todos los poetas, pero sí es distinta a la mirada convencional de las cosas, situaciones o sentimientos. Lo digo en uno de los poemas del libro: un granito de escarcha nos puede hacer pensar en el frío, nos puede indicar que está por nevar o nos puede recordar a Bariloche, depende. Y tal vez alguien, con una mirada poética pueda decir que ese granito es el mismísimo desamor naciendo. Esta mirada, que contempla las cosas más allá de lo que son de manera literal hace que se pueda ver poesía en cualquier lado. Porque la poesía está en cualquier lado. La poesía vive y late en lo cotidiano, y lo que hace el poeta es mostrarla. Como en el creacionismo de Huidobro: se trata de crear un mundo distinto en el mundo que todos habitamos.

Cuando un poeta puede ver en un colectivo una caja donde todos morimos un pocos cada día, pues bien, no está viendo el colectivo, es una visión distinta que todos tenemos, sólo que el poeta es asaltado por esto todo el tiempo y lo lleva a plasmarlo. Creo que la poesía también está encarnada en algunas personas, aquellas que hacen el mundo más amable, habitable para todos. Cada uno tiene sus herramientas para ser poesía y para hacer poesía. En mi caso es la palabra y ojalá que, en algunos casos, también algunas acciones.

Amor, fe, agradecimiento, dolor, soledad, certezas, dudas. Viva, muy viva y, cuando tocás a la muerte, es ese ahogo otra vez en la garganta, ¿tenés presente que quien te lee vive, muere, llora o se queda pensativo mirando  hacia adentro?

No, y si fuese así me sentiría muy satisfecha. No es fácil trasladar lo que se siente en palabras que sean pocas para no aburrir, que sean justas para decir lo que realmente se desea decir, que sean profundas. No es fácil lograr que el otro pueda sentir algo, si logro eso, sin dudas, tengo que seguir escribiendo.

 ¿En qué viaje te sumergiste para escribir ese hermoso homenaje a los combatientes de Malvinas?

Creo que si hay una forma en la que todos morimos a diario es a través de las injusticias, si hay algo nos ahoga en un sentimiento frío es la impotencia frente a esas injusticias. Sobre Malvinas he leído algunos  poemas de corte patriótico, reivindicatorios, de héroes, de dolor, y no recuerdo haber leído alguno que personificara lo que pudo haber sentido un pibe arrastrado a morir sólo por intereses mezquinos, políticos, dictatoriales, mientras aquí tanta gente festejaba. Me pareció que revivir a ese pibe mostrando lo que tal vez, sólo tal vez pudo haber sentido antes de morir era una manera distinta de expresar la guerra o la crueldad de la que somos capaces, pero de otra manera.

Algunas exclamaciones en poemas del libro: Me opongo a la muerte

porque es obtusa y desconsiderada”, “No quiero que se arrepienta de ser niña”,  “Cinco siglos silenciados, orando para que no le roben lo poco de pacha que sustenta su vida”. Me sentí identificado con lo mucho que abarcan.

Mi intención es mucho más pequeña: expresar, en algunos casos denunciar, en algunos casos sanar. Abarcar mucho es un problema, es costoso abarcar tanto. Y yo que creí que había dejado afuera poemas que tocaban otros temas (risas).

Una niña  que no queres que se arrepienta de ser niña, abarca a todo niño abandonado.

Claro, al escribir intento mostrar a esa niña que yo vi en el subte. Si la lectura de ese poema lleva a que otro pueda ver a otro niño solo, abandonado o triste, creo que es porque funciona esa maravilla que llamamos interpretación, que no sabemos hasta dónde llegará cuando escribimos. Es desafío para los que escriben poesía no es tanto saber los temas que nos conmueven y nos mueven, sino saber cómo expresarlos de forma tal que conmuevan al lector.

 ¿La palabra es sólo un adorno?

No, no es un adorno. Salvo que nos detengamos en superficies.

 ¿La poesía es solo una forma de agrupar palabras?

No, es una forma en que las palabras dan sentido.

¿El poeta es un hipócrita de la palabra?

Desde el punto de vista que te decía antes, en el que la palabra nunca puede expresar exactamente lo que deseamos expresar, todos somos un poco hipócritas. Lo que el poeta intenta es sacarle la mayor cantidad de los velos para dejarla lo más pura posible.

¿La poesía es una cara de la expresión popular?

Sí, los poetas surgen del pueblo. El tema es qué concepción tenemos de pueblo y de lo popular. Yo intento hacer poesía que surja del pueblo y que vuelva, con un lenguaje coloquial, a él.

 En el tiempo que vivimos que la propaganda arma líderes, presidentes, formas, ¿la poesía tiene poder?

Yo suelo decir que el que escribe poesía en este siglo o es un tipo muy esperanzador o es un estúpido, igual las dos cosas se tocan, a veces tener mucha esperanza te convierte en un estúpido, o ser estúpido te da esperanza de alguna cosa. Hacer poesía en este tiempo es un desafío, no hay propaganda para la poesía, no hay poder económico detrás de ella. Intentar conectarse con el sentir en esta época cuesta mucho, porque estamos demasiado bombardeados por actividades, por consumo, por obligaciones, por superficialidades, por “no tengo tiempo”, por “quiero estar tranquilo”, por “no me importa nada”. En estos tiempos, conectarse primero con lo que se siente ya es mucho, y resulta incómodo, y desde ahí intentar a duras penas que otro se conecte con algo de eso a través de un poema, es desmesuradamente loco, pero creo vale la pena. Ése es el poder de la poesía, hacer que valga la pena.

 

SIETE MIL ALETEOS 

Abrí la jaula

de un solo trazo,

en aquel tiempo joven

en que decidí

soltarlos.

Les dije: ¡vuelen!,

pero no muy alto.

Ustedes encarnan la alegría,

de esta vida que aún ensayo.

Ustedes revelan la pena

irremediable de ser humanos.

 

Les dije: ¡vuelen!,

pero no muy alto.

Para que no me dejen

sin aquello que ya no callo.

Para que no se extingan

estos silencios despojados.

 

Y aletearon en setenta poemas,

en siete mil palabras volaron.

Cerca de la tierra,

a ras del suelo

para que aún pueda tocarlos.

 

Sobrevuelan

el puente misterioso

en el que el corazón

se estira

para que otros puedan tomarlo.

 

Son las alas

de la poesía

que me habitan

y que sostienen

mis pasos.

 

Carla Demark

Argentina, Destacados, Internacional, Música

Zeta Bosio da una nota a la Revista de Los Jaivas antes de su viaje a Santiago

Nota de Gabriel Sacco y Guillermo Contreras para la www.revistadelosjaivas.com

“Lo fundamental es encontrar algo en la vida que te apasione, porque el trabajo es lo que más vas a hacer, más vale que sea  lo que te gusta”  Zeta

Vengo trabajando intensamente, trabaje como  DJ y ahora comencé a armar un proyecto con un compañero Fernando Montemurro, un proyecto que está viendo la luz ahora, nuestro primer disco “Opera Galaxy” el grupo se llama “Shoot the Radio” es un duo de productores estoy involucrado a fondo, soy uno de los responsables de lo que se haga, con Fernando somos la cabeza del proyecto, la idea es trabajar las canciones con artistas invitados, tocar nosotros dos, la idea es mezclar sintetizadores con música en vivo, acabamos de lanzar el disco, con un sello pequeño pero con el que estamos muy contentos, tienen un trato personalizado , es algo que hoy día no se da mucho. Estamos en  pleno lanzamiento, el 12 en el planetario tenemos una presentación importante.

También con Charly Alberti, con asistencia de  Adrián Taberna estamos trabajando en el espectáculo “SEP7IMO DIA” con la compañía del “Cirque du Soleil”, adaptando la música de Soda para la obra. Este fue un trabajo de todo el y año el resultado es muy interesante porque de los multitracks, (que son las pistas por separado de las grabaciones originales de Soda) grabaciones que no veíamos hace muchos años, las tomamos, las digitalizamos y con las posibilidades técnicas que tenemos hoy días se hicieron cosas mágicas, este espectáculo me ha absorbido muchísimo tiempo este año, muchas horas de estudio junto a Charly y Adrián, en el estudio de Gustavo. Muy metidos, es una forma de revivir muchos momentos con Soda que fue muy bonito, estamos ahora en una etapa final, en diciembre vamos a ir a mezclar a Los Ángeles. No se si la gente toma conciencia pero Séptimo día va a ser un trabajo casi nuevo de Soda hecho en base al viejo material pero con otro sonido.

Es un espectáculo que la compañía Cirque du Soleil llevará no solo por América donde está la gente interesada en volver a escuchar a Soda, sino seguramente nos permite a nosotros de llegar a lugares donde aún no somos conocidos.

Aún hoy día ¿Hay expectativas de tener más Soda?

Si estoy con un pie en Soda y otro en Shooot de Radio, vamos a tener que adaptar la música de Soda que hemos preparado a las necesidades del espectáculo, y eso aún lleva más tiempo. Vamos a comenzar  en enero los ensayos con los artistas, que ya están instalados en Argentina. Es un trabajo coordinado muy grande. Involucra mucha gente y mucho dinero.

Es un éxito rotundo, teniendo en cuenta que ya se van agotando las entradas.

Ustedes fueron siempre muy exigentes

Si “Me veras volver”  nos llevó casi un año de trabajo en secreto, fue un trabajo que salió muy bien pero se trabajó mucho. Cuando se trata de Soda es muy fuerte lo que genera y requiere un esfuerzo extra. Tener ese trabajo con Charly y con Adrián este año fue una experiencia maravillosa. Nos junta Soda, sino andamos cada uno por su lado, en nuestras cosas.

A chile voy por el libro, pero en pocas semanas vuelvo con Charly a promover la a venta de entradas por el espectáculo de Cirque. Este viaje es por una invitación de la feria del libro,

El libro es una autobiografía escrita por mí, con ayuda Javier  que compagino el grueso, Fue arduo, tuve que ordenar muchos datos de la historia, llevo 4 años de recopilación y correcciones. En Buenos Aires ya se presentó a mediados de año. Es un libro que va a quedar muchos años y se revalorizará con el tiempo. Desde mi visión, la historia y vivencia de Soda, una persona de clase media convertirme junto a mis amigos en lo que fue SODA.

La post-vida de Soda, yo me dejo llevar por mi instinto, entre el artista y el productor, aprendí a ver cómo era el negocio. Traté de no perder  creatividad. Lo que me llevó a ser un artista difícil de manejar. Conocer los dos lados me da mejor manejo, más hoy día que cambió tanto la forma de comercialización.

Un nombre Luis Alberto Spinetta

Luis es de una generación, la primera generación de artistas del rock. Dueños de una gran bohemia. Almendra, Los Manal, los  Vox Dei fueron de una época donde todo se hacía con un gran romanticismo, no se ganaba tanto. Luego vino la época dorada, la nuestra donde el rock conquistó el mercado.  Hoy los chicos se están más metidos en las ganancias. Luis fue de la época poética, romántica.  Eran las reglas de la época,  hoy ya se difunde por internet, las compañías ya no tienen el poder. Antes se quedaban con casi todo el negocio.

Ustedes fueron como tres embajadores en latino-américa

Fue un momento especial, fue la banda justa en el momento justo, fuimos muchos los que salimos. A nosotros no fue muy bien, llegamos hasta a Méjico.  Yo como DJ he llegado a Chile o Paraguay no mucho más. Cique nos va a devolver eso.

¿Cómo fue cuando viajaron a Chile por primera vez?

Alberto Ohanian fue el emprendedor que nos puso en Chile, un primer viaje fue de prensa, diarios, revistas, estábamos impactantes y sorprendió nuestra imagen. Fuimos creciendo de apoco aquí pero allá impactamos de golpe. Tanto que la segunda vez que vamos, creo que era  1985, ya no pudimos salir del aeropuerto, había estallado Soda y la recepción era impresionante.

¿Del Rock argentino, que tema te hubiera gustado escribir o ser parte de su creación?

Tema no sé, me hubiera gustado tocar en Pappos Blues, de adolecente me pegaba el blues, el rock directo, hubiera disfrutado mucho tocar ahí, o haber participado del disco “VIDA” de Sui Generis, que me parece un disco impecable. En esa época los músicos tocaban en todos los grupos.

Aún hoy día en la música  Pappo es un exquisito.

¿El estilo SODA se buscó?

El estilo de Soda lo armamos, trabajamos mucho en nuestro concepto.  Tardamos en lograr lo que queríamos. Hacíamos cualquier cosa al principio, pero después del  1er disco al segundo hubo un cambio grandísimo, era por lo que escuchábamos, The Police, The Cure, INXC , Duran Duran, evolucionamos junto a lo que sucedía.

¿Tu veta electrónica, cómo surge?

Lo electrónico fue parte de lo nuestro siempre, nosotros escuchábamos a “Los Encargados”  que tocaban en pubs en nuestros principios, nos hicimos amigos de ellos de ir a verlos. Había un tema de ellos que nos fascinaba y lo incluimos en nuestro 1er disco. Lo electrónico era parte de nuestra música, compramos Sample  Midi, fuimos a unas conferencias sobre sintetizadores, queríamos aprender a programarlos. Y en Soda hubo temas que tenían mucho programado.

El disco “Sueño Stereo” se llamó así porque era la idea sacar dos discos el que la gente conoció y otro electrónico, que nunca vio la luz.

¿Transformar el arte, describirla o adornarla?

El arte hay que  transformarla, uno busca en la música transformar a un mundo mágico

Entre lo sembrado y lo cosechado, ¿qué volverías a sembrar?

¿Que volvería? Estoy feliz de cómo se dieron las cosas, soy lo que soy por todo lo hecho.  Me sigue gustado trabajar en nuevos proyectos. Tengo una familia hermosa, mi beba de 2 años, una esposa hermosa, y tengo 3 hijos de mi matrimonio anterior, ya tan grandes que los veos  más como  compañeros.

¿Qué le dirías a un joven hoy?

Lo que les digo a mis hijos, lo fundamental es encontrar algo en la vida que te apasione, porque el trabajo es lo que más vas a hacer, más vale que sea  lo que te gusta.